Crítica Cinéfila: Women Talking

Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia. 

“Lo que sigue es un acto de imaginación femenina”, declara la tarjeta de presentación al comienzo de Women Talking. Es una descripción precisa: la película es la adaptación de la escritora y directora Sarah Polley de una novela de Miriam Toews, centrada en unas mujeres de una colonia menonita. Pero esas palabras iniciales también son una burla y un desafío: las mujeres están resolviendo su respuesta a años de abuso sexual calculado, años en los que los líderes masculinos de su secta silenciaron sus quejas al insistir en que los horrores que experimentaron pertenecían al reino de demonios o la "imaginación femenina salvaje".

En el centro de la película inteligente y compasiva de Polley está la creencia de que en las películas y en la vida, las palabras pueden ser acción, y para las personas a las que se les ha negado una voz, pueden ser revolucionarias. La inclinación filosófica y, a veces, cargada de fe de la discusión de las mujeres podría desanimar a las audiencias que no están dispuestos a escuchar estos argumentos. Para aquellos que estén listos para dar ese salto paciente, la característica reflexiva y bellamente enfocada es una exploración gratificante que aborda no solo la situación de los personajes, sino también las preguntas existenciales que enfrenta cualquier mujer contemporánea que navega en escenarios patriarcales.

La novela de Toews de 2019 se inspiró en eventos ocurridos en una comunidad menonita en Bolivia, donde durante años las mujeres fueron drogadas y violadas por un grupo de hombres en su colonia  mientras ellas dormían. El libro giraba en torno a las deliberaciones de las mujeres, en un granero después de conocer la verdad sobre sus agresiones. Su conversación se filtró a través de la voz del único hombre en el que aún confiaban, el maestro de escuela August, seleccionado para tomar las actas de sus reuniones porque a ninguna de ellas se les había enseñado a leer o escribir. En la interpretación de Polley, August, interpretado por Ben Whishaw, es un personaje excepcionalmente conmovedor, pero las voces de las mujeres impulsan la historia sin intermediarios, traídas a la vida por un fuerte conjunto de recién llegadas y otros talentos ya establecidos.

La película está rodada en formato panorámico por Luc Montpellier con una paleta desaturada de sepias, negros, grises y azules, un esquema visual realzado por el sutil diseño de producción de Peter Cosco y el vestuario de Quita Alfred, que expresa ingeniosamente personalidades dentro de las limitadas posibilidades de vestuario de las mujeres en este aislado lugar rural sin nombre.

Con un par de días para perdonar a los hombres que han sido arrestados por las violaciones, o ser excomulgadas de la colonia y, por lo tanto, negadas un lugar en el cielo, las mujeres votan tres posibles respuestas: no hacer nada, quedarse y luchar o irse. Estas son las opciones esenciales sobre cómo abordar cualquier crisis de la vida, pero para las personas que han vivido vidas tan protegidas, votar es una tarea extraordinaria. La votación queda empate entre las dos últimas opciones, y las mujeres de tres familias son elegidas para examinar esas opciones y decidir.

Con todos los hombres fuera, ya sea en la cárcel o buscando la fianza de los que lo están, la colonia se transforma: las mujeres están solas. Sometiéndose a una prueba que nunca habían imaginado, y conscientes de que se están embarcando en un trabajo sagrado que cambia sus vidas, se lavan los pies antes de comenzar su conversación en un acto sagrado. Pronto las creencias y los temperamentos chocan entre las ocho mujeres, que representan a tres generaciones. La más joven de ellas, Autje (Kate Hallett), ofrece la narración utilizada juiciosamente durante toda la película, lo que indica un futuro más allá de este punto crítico. Autje y su mejor amiga, Neitje (Liv McNeil), un poco mayor, se trenzan el cabello, juegan y suspiran, intercalando ocasionalmente una o dos palabras sarcásticas y perspicaces.

La pensativa y beatífica Ona (Rooney Mara), que está embarazada como resultado de su agresión, imagina una sociedad donde las mujeres reciben educación y participan en las decisiones que dan forma a la comunidad; ella brilla con ecuanimidad e idealismo. La madre de Autje, Mariche (Jessie Buckley), arremete contra casi todo el mundo con una feroz actitud mezclada con una vulnerabilidad tácita. Salome (Claire Foy), que ya ha demostrado el coraje de desafiar las reglas de los hombres al buscar tratamiento médico para su hija enferma fuera de la colonia, expresa una ira menos conflictiva que la de Mariche, y Foy le da a los instintos maternos y la conciencia de la injusticia del personaje una fuerza formidable y poderosa.

La adolescente Mejal (Michelle McLeod) sufre ataques de pánico y ha comenzado a fumar desde su agresión y aborto espontáneo. Las dos mujeres mayores del grupo, Agata y Greta, son figuras de sabiduría sencilla interpretadas a la perfección por Judith Ivey y Sheila McCarthy, respectivamente. La ira de las mujeres hacia los hombres es un despertar, que deshace vidas de resentimiento no expresado; los niños son otro asunto, y con solo unas pocas tomas de sus rostros jóvenes, Polley le pide a su audiencia que considere cómo los niños inocentes crecen para convertirse en el tipo de hombres que detienen a las mujeres y, en ocasiones, las maltratan.

Su guión le da a cada una de los personajes principales un monólogo. Frances McDormand, productora de la película, aparece brevemente en la pantalla como alguien que no puede imaginar dejar la comunidad; hay una historia no contada en las aparentes cicatrices de cuchillas en su mejilla; la forma en que la aceptación del abuso por parte de las mujeres se transmite de una generación a la siguiente se aborda en otra parte de la historia, de manera conmovedora.

Es August de Whishaw, con su amor de toda la vida por Ona correspondido en amistad pero no romance, quien es la figura de la angustia de la película. Un ex miembro de la colonia cuya familia fue desterrada porque su madre "cuestionaba cosas" sobre las restricciones patriarcales de la comunidad, a veces está tan atormentado por el abatimiento.

El aspecto más fascinante de la historia es que se ve a estas mujeres alejadas del matrimonio y las tareas domésticas (aunque hay destellos de la sencillez espartana de sus hogares). Una vez que se reúnen, se enfocan en asuntos monumentales de autodeterminación y autoliberación, y se hacen preguntas esenciales: el diálogo elocuente de Polley se basa en el material de origen y encuentra sus propios ritmos. Lo que importa más que quién quiere quedarse o irse es la forma en que las interacciones de las mujeres cambian a cada una de ellas y la forma en que encuentran armonía, a veces literalmente, uniendo voces en interpretaciones restauradoras de himnos tradicionales. En estas circunstancias, “Más cerca de ti mi Dios” y las citas de las Escrituras pueden ser expresiones de algo radical.

A lo largo de la película, la partitura de Hildur Guðnadóttir (Joker , Chernobyl) es una hábil mezcla de tradición y un sentido de anhelo, mientras que la inclusión de "Daydream Believer" de los Monkees enriquece una secuencia que involucra a un censista que es un hermoso pop de la surrealista.

La cámara de Montpellier sigue a las niñas de la colonia mientras corretean por los campos con un lírico abandono infantil. Captura la luz interior de las mujeres, y él y Polley enmarcan las interacciones de las mujeres con composiciones formales que las arrojan al resplandor de algo histórico y duradero. El mundo más allá de ellas, visto desde la puerta abierta del granero, es un borrón impresionista. ¿Qué más podría ser para las personas a las que nunca se les ha permitido ver un mapa?

Crítica Cinéfila: The Tragedy of Macbeth

Un lord escocés es convencido por unas brujas de que se convertirá en el futuro rey de Escocia. 

En los 18 largometrajes que ha realizado con su hermano Ethan, Joel Coen ha demostrado, una y otra vez, ser un director visual como cualquiera del mundo del cine independiente de las últimas cuatro décadas. Wes Anderson podría ser un ejemplo más extremo, pero incluso allí sería difícil imaginar la escuela de la vida como una casa de muñecas de Wes Anderson si no hubiera sido por el ejemplo de los hermanos Coen: la obsesión que siempre han tenido con la representación de una historia meticulosamente organizada, con cada toma enmarcada exactamente así, los escenarios diseñados casi como maquetas, todo el sentido de la colocación y el corte de la cámara y la dinámica espacial creando un enfoque elevado de novela gráfica que, para los Coen, a menudo parece ser la razón principal por la que están haciendo la película. 

Así que no es de extrañar que en “The Tragedy of Macbeth”, una adaptación de la obra de Shakespeare que es la primera salida en solitario de Joel Coen como cineasta, se acerca mucho al material sobretodo en el aspecto visual. La diáfana niebla blanca, el graznido de los pájaros negros, la bruja que parece una depravada Juana de Arco, todo tiene la claridad extasiada de una pesadilla. La sorpresa, al menos para mí, es lo sensual, ingeniosa, expresiva y envolvente que son las imágenes de la película.

“The Tragedy of Macbeth” fue filmada en blanco y negro. Y así como esa forma evoca un mundo más antiguo de la realización de películas, las imágenes de Coen, creadas en colaboración con el director de fotografía Bruno Delbonnel y el diseñador de producción Stefan Dechant, te hacen sentir como si estuvieras diambulando. Pero en “Macbeth”, Coen no solo se hace eco de la apariencia de las películas antiguas. Se hace eco de la atmósfera, el espíritu debajo de la mirada: la psicología del claroscuro, con sombras que bailan alrededor de escenarios de castillos que parecen sacados de un cuento de hadas, y espacios sellados que se ciernen donde un rayo de luz puede reflejar el estado de ánimo de un personaje. 

En diferentes momentos, el aspecto de “The Tragedy of Macbeth” recordará un sedoso y ominoso cine negro. En su estilo austero de tablero de ajedrez, las imágenes son hermosas, adecuadas para enmarcar las intenciones detrás de los personajes, pero si la película fuera solo una versión glorificada de Shakespeare en un libro de mesa de café, habría pocas razones para preocuparse. Coen usa las imágenes para crear una sensación cinematográfica intensificada: la sensación de un universo cinematográfico "cerrado", un espacio cinematográfico que se convierte en un laberinto de la mente, así como un patio de recreo moral-emocional para la audiencia. En este caso, un parque infantil salpicado de sangre.

La sensación de que este “Macbeth” tiene lugar en espacios cubiertos, incluso cuando se desarrolla al aire libre, lo acerca a la era del sistema de estudio; también lo sitúa en un ámbito híbrido justo en la frontera entre el cine y el teatro. La película se rodó en platós, lo que le da cierta cualidad hermética, pero me pareció fascinante encajar con Shakespeare, cuyo artificio tiende a sobresalir demasiado en un escenario natural. 

Si lo desea, puede ver el personaje de Macbeth como un hombre cuya ambición lo convierte en un monstruo, pero Denzel Washington, con el pelo muy corto y canoso que parece fusionarse con el diseño de la película, lo interpreta como un sociable en apariencia. Washington, como actor, siempre ha sido un recitador; apenas necesita a Shakespeare para mostrar ese lado de sí mismo. En “The Tragedy of Macbeth”, sin embargo, se reduce a sí mismo, encontrando un espíritu más suave y furtivo en el gusano interior de la malevolencia de Macbeth. Esta es una película en la que dos personajes, Macbeth y Lady Macbeth (Frances McDormand), intentan convertirse en sociópatas, y parte de la tragedia es que fracasan.

Cuando las brujas, encabezadas por la aterradora actuación de Kathryn Hunter, profetizan que Macbeth, regresando triunfante de la guerra contra Noruega e Irlanda, se convertirá en el Thane de Cawdor, y lo hace, planta una semilla en él, seguramente su otra profecía: que él será rey. Al conocer a Duncan (Brendan Gleeson), el rey de Escocia, en una tienda de campaña, vemos el primer indicio de codicia en Macbeth; está ahí en la sonrisa de dolor de Washington cuando Duncan anuncia que su hijo, Malcolm (Harry Melling), será el próximo rey. Pero Washington, que ha dominado el muy raro arte de presentar a Shakespeare como si fuera un discurso coloquial, mantiene los deseos de Macbeth en secreto. Es Lady Macbeth, después de haber hecho una especie de pacto con el diablo, quien lo empuja a asesinar, y cuando camina por un corredor interminable, hablando de la daga que ve frente a él, la escena tiene una sensación de vértigo. Cuando su daga se clava en el cuello de Duncan, lo sentimos atravesar el espejo.

El Macbeth de Washington no es un buen sociópata; se agita y se esfuerza demasiado. Su asesinato de los dos guardias que han sido engañados para parecerse a los asesinos de Duncan es un acto de ansiedad temeraria. Mirándolo en silenciosa recriminación desde abajo, Lady Macbeth de McDormand no puede creer la magnitud del error. No es difícil ver por qué el fantasma de Banquo viene a visitar a Macbeth en medio de una cena: Bertie Carvel imbuye a Banquo de una camaradería cálida y verdadera, convirtiendo su asesinato en un acto grotesco. Ese fantasma es la culpa de Macbeth. Incluso aquí, Washington le da a Macbeth una cualidad de vulnerabilidad a medida que se vuelve más desesperado por cubrir sus huellas. Es aterrador lo familiar que parece su pérdida de perspectiva. En lo más profundo, está regido por una obsesión que es malvada, pero nunca perdemos de vista a la persona que se ha apoderado de ella. Dado que Washington y McDormand tienen más de 60 años, sus intrigas tienen una urgencia hastiada. Esta es literalmente su última puñalada al poder.

Hay buenas actuaciones en todo momento, especialmente de Corey Hawkins como Macduff, quien provoca la mayor indignación por la traición de Macbeth, y McDormand, cuyo discurso sonámbulo representa la recuperación de su humanidad: sabe que no puede lavar la sangre que se ha derramado. Coen ha recortado esta obra ya recortada, y eso fue un movimiento inteligente. Ha hecho un "Macbeth" que seguramente seducirá al público, uno que, a pesar de toda su oscuridad de importancia, es alegre, veloz y embriagador. Te muestra, a través de la empatía irónica convocada por la actuación de Washington, lo rápido que la raza humana puede descarrilarse. Y trae ese drama a un deslumbrante enfoque profundo.

Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Temporada de Premios: Ganadores a los Academy Awards 2021

Hollywood está marcando la culminación de una temporada de premios sin precedentes con la 93va entrega de los Premios de la Academia.

En las categorías superiores, Chloé Zhao ganó el premio a Mejor Película y Mejor Dirección por Nomadland, convirtiéndose en la segunda mujer en reclamar ese honor en los Oscar. Yuh-Jung Youn ganó el premio a la mejor actriz de reparto por Minari, convirtiéndose en la primera actriz coreana en ganar un Oscar. Y Daniel Kaluuya reclamó actor de reparto por Judas and the Black Messiah. 

En las categorías del departamento de arte, Ma Rainey's Black Bottom de Netflix ganó tanto por diseño de vestuario como por maquillaje / peinado, y los estilistas Mia Neal y Jamika Wilson se convirtieron en las primeras afroamericanas ganadores del Oscar en esa categoría. 

Netflix lidera todos los estudios con 35 nominaciones, seguido de Amazon con 12, Walt Disney (8), Warner Bros. (8), Focus Features (7), A24 (6), Searchlight (6), Sony Pictures Classics (6), Universal (4), Samuel Goldwyn (3) y Apple (2), entre otras empresas.

La ceremonia del Oscar de este año, que contó con 11 nominados por primera vez, fue producida por Jesse Collins, Stacey Sher y Steven Soderbergh y transmitida parcialmente desde Union Station en el centro de Los Ángeles, así como desde la sede de los premios, el Dolby Theatre.

A continuación está la lista completa de los ganadores de este año:

Best Picture: “Nomadland”

“The Father”

“Judas and the Black Messiah”

“Mank”

“Minari”

“Promising Young Woman”

“Sound of Metal”

“The Trial of the Chicago 7” 

Best Director: Chloé Zhao (“Nomadland”) 

Thomas Vinterberg (“Another Round”)

David Fincher (“Mank”) 

Lee Isaac Chung (“Minari”) 

Emerald Fennell (“Promising Young Woman”) 

Best Actor in a Leading Role: Anthony Hopkins (“The Father”) 

Riz Ahmed (“Sound of Metal”) 

Chadwick Boseman (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Gary Oldman (“Mank”) 

Steven Yeun (“Minari”) 

Best Actress in a Leading Role: Frances McDormand (“Nomadland”) 

Viola Davis (“Ma Rainey’s Black Bottom”) 

Andra Day (“The United States v. Billie Holiday”) 

Vanessa Kirby (“Pieces of a Woman”) 

Carey Mulligan (“Promising Young Woman”) 

Best Supporting Actor: Daniel Kaluuya (“Judas and the Black Messiah”) 

Sacha Baron Cohen (“The Trial of the Chicago 7”) 

Leslie Odom Jr. (“One Night in Miami”) 

Paul Raci (“Sound of Metal”) 

Lakeith Stanfield (“Judas and the Black Messiah”)

Best Supporting Actress: Youn Yuh-Jung (“Minari”) 

Maria Bakalova (‘Borat Subsequent Moviefilm”) 

Glenn Close (“Hillbilly Elegy”) 

Olivia Colman (“The Father”) 

Amanda Seyfried (“Mank”) 

Best Adapted Screenplay: “The Father,” Christopher Hampton, Florian Zeller 

“Borat Subsequent Moviefilm,” Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Nina Pedrad, Erica Rivinoja, Dan Swimmer 

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“One Night in Miami,” Kemp Powers 

“The White Tiger,” Ramin Bahrani 

Best Original Screenplay: “Promising Young Woman,” Emerald Fennell 

“Judas and the Black Messiah,” Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas 

“Minari,” Lee Isaac Chung 

“Sound of Metal,” Abraham Marder, Darius Marder, Derek Cianfrance 

“The Trial of the Chicago 7,” Aaron Sorkin 

Best Original Song: “Fight for You,” (“Judas and the Black Messiah”) 

“Hear My Voice,” (“The Trial of the Chicago 7”) 

“Húsavík,” (“Eurovision Song Contest”) 

“Io Si (Seen),” (“The Life Ahead”) 

“Speak Now,” (“One Night in Miami”) 

Best Original Score: “Soul,” Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste 

“Da 5 Bloods,” Terence Blanchard 

“Mank,” Trent Reznor, Atticus Ross 

“Minari,” Emile Mosseri 

“News of the World,” James Newton Howard 

Best Sound: “Sound of Metal,” Phillip Bladh, Nicolas Becker, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés

“Greyhound,” Odin Benitez, Jason King, Christian P. Minkler, Michael Minkler, Jeff Sawyer 

“Mank,” Ren Klyce, Jeremy Molod, David Parker, Nathan Nance, Drew Kunin 

“News of the World,” John Pritchett, Mike Prestwood Smith, William Miller, Oliver Tarney, Michael Fentum 

“Soul,” Coya Elliott, Ren Klyce, David Parker, Vince Caro 

Best Costume Design: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Ann Roth 

“Emma,” Alexandra Byrne 

“Mank,” Trish Summerville 

“Mulan,” Bina Daigeler 

“Pinocchio”

Best Animated Short Film: “If Anything Happens I Love You”

“Burrow”

“Genius Loci”

“Opera”

“Yes-People”

Best Live Action Short Film: “Two Distant Strangers” 

“Feeling Through” 

“The Letter Room” 

“The Present” 

“White Eye” 

Best Animated Feature Film: “Soul”

“Onward”

“Over the Moon”

“Shaun the Sheep Movie: Farmageddon”

“Wolfwalkers” 

Best Cinematography: “Mank,” Erik Messerschmidt 

“Judas and the Black Messiah,” Sean Bobbitt 

“News of the World,” Dariusz Wolski 

“Nomadland,” Joshua James Richards 

“The Trial of the Chicago 7,” Phedon Papamichael 

Best Documentary Feature: “My Octopus Teacher”

“Collective”

“Crip Camp”

“The Mole Agent”

“Time”

Best Documentary Short Subject: “Colette”

“A Concerto Is a Conversation”

“Do Not Split”

“Hunger Ward”

“A Love Song for Latasha”

Best Film Editing: “Sound of Metal,” Mikkel E.G. Nielsen 

“The Father,” Yorgos Lamprinos

“Nomadland,” Chloé Zhao 

“Promising Young Woman,” Frédéric Thoraval 

“The Trial of the Chicago 7,” Alan Baumgarten 

Best International Feature Film: “Another Round” (Denmark) 

“Better Days” (Hong Kong)

“Collective” (Romania) 

“The Man Who Sold His Skin” (Tunisia)

“Quo Vadis, Aida?”(Bosnia and Herzegovina) 

Best Makeup and Hairstyling: “Ma Rainey’s Black Bottom,” Matiki Anoff, Mia Neal, Larry M. Cherry 

“Emma,” Marese Langan 

“Hillbilly Elegy,” Eryn Krueger Mekash, Patricia Dehaney, Matthew Mungle 

“Mank,” Kimberley Spiteri, Gigi Williams 

“Pinocchio,” Dalia Colli, Anna Kieber, Sebastian Lochmann, Stephen Murphy 

Best Production Design: “Mank,” Donald Graham Burt, Jan Pascale 

“The Father,” Peter Francis, Cathy Featherstone 

“Ma Rainey’s Black Bottom,” Mark Ricker, Karen O’Hara, Diana Stoughton 

“News of the World,” David Crank, Elizabeth Keenan 

“Tenet,” Nathan Crowley, Kathy Lucas 

Best Visual Effects: “Tenet,” Andrew Jackson, Andrew Lockley, Scott R. Fisher, Mike Chambers 

“Love and Monsters” 

“The Midnight Sky,” Matt Kasmir, Chris Lawrence, Dave Watkins, Max Solomon 

“Mulan,” Sean Faden, Anders Langlands, Seth Maury, Steve Ingram 

“The One and Only Ivan,” Nick Davis, Greg Fisher, Ben Jones, Santiago Colomo Martinez 

Crítica Cinéfila: Nomadland

Una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern toma su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna. 

En los 93 años de historia de la Academia, solo una mujer (Katherine Bigelow, 2009) ha ganado el Oscar a la mejor directora. Les apuesto a que eso está a punto de cambiar. Eso es porque Chloe Zhao, la directora nacida en China de una maravillosa obra de arte llamada " Nomadland ", merece todos los premios en los libros por el alcance de su virtuosidad y la profundidad de sus sentimientos. En solo su tercera película, después de "Songs My Brothers Taught Me" de 2015 y "The Rider" de 2018, Zhao llega a la Temporada de Premios.

"Nomadland" está basado en el libro de no ficción de 2017 de Jessica Bruder "Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century". El bestseller rastrea la pasión de los estadounidenses que viajan por el país en camionetas, RVs o Minivans en busca de trabajo y fragmentos de conexión humana. La película sigue el ejemplo de sus dos creadoras. Primero, está Zhao, de 38 años, quien escribió, dirigió y editó la película, y cuya costumbre es usar a personas que no son actores tanto como sea posible para agregar realismo. Y la segunda es Frances McDormand, de 63 años, dos veces ganadora del Oscar ("Fargo" y "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri") que eligió el libro y desempeña un papel que ni siquiera la encontramos en sus páginas.

¿Cómo cuadraría una estrella de la magnitud de McDormand con la decisión de Zhao de incluir en su película a nómadas de la vida real, como Bob Wells, Linda May y Charlene Swankie? Quiénes dejan impresiones imborrables jugando versiones levemente alteradas de sí mismos. Pero McDormand se mezcla con valentía y gracia alrededor de ellos, sintiéndose como una nómada más. Claro está, tanto McDormand como Zhao vivieron en sus camionetas durante el rodaje de cuatro meses que los llevó desde Badlands of the West hasta las costas del Pacífico, capturado vívidamente por el director de fotografía y compañero de Zhao, Joshua James Richards.

Como la imaginaron Zhao y McDormand, Fern es una viuda sin hijos cuya ciudad de Nevada quebró después del cierre de su fábrica de yeso. Eso dejó a Fern, quien también trabajaba como maestra sustituta, en la carretera en su camioneta, encontrando empleo en lugares tan diversos como un Amazon Fulfillment Center y una planta de cosecha de azúcar de remolacha. McDormand trabajaba con empleados reales y se mezclaba con aquellos con quienes compartía campamentos, en su mayoría blancos y mayores como ella. Que conste, Fern no era una vagabunda, simplemente no tenía casa estacionaria, ni la quería tener.

Fern casi inicia una relación con Dave (David Strathairn), otro nómada. Strathairn, nominado al Oscar por "Good Night, and Good Luck", comparte la afinidad de McDormand por la actuación sin adornos. No hay una pizca de brillo de Hollywood en su actuación profundamente sentida, aterrizada y conmovedora. Strathairn y McDormand nunca alteran el delicado equilibrio tan finamente calibrado por Zhao. Cuando el mundo exterior se entromete a través de la familia de Dave y la hermana de Fern, Dolly (Melissa Smith), Fern regresa rápidamente al desarraigo de la carretera, casi como un llamado de atención a evitar quebrantar la realidad tan bien apreciada que hemos experimentado durante gran parte de la película.

Y aún así, nada de esto fue explicado. Fern no es muy conversadora; al contrario, ella es la mejor oyente y la película trata sobre su creciente unión con la naturaleza, como algo que no debe ser temido sino aceptado. En una escena, Fern flota desnuda en un arroyo, sola y en paz. Y de eso se trata principalmente: es una película que busca balance entre todos los sentimientos posibles alrededor de la palabra soledad e individualidad. "Nomadland" te puede llevar a la alegría y las lágrimas. 

McDormand es magnífica en uno de los roles definitorios de su carrera. Fern experimenta soledad e incluso desesperación, pero la siguiente dirección es su elección, no una prescrita por otros en una sociedad que tiende a almacenar a su población envejecida o a encerrarla en cuatro paredes porque así siempre ha sido. La alegría desafiante en la actuación silenciosamente devastadora de McDormand es un regalo. Y Zhao lo consigue todo, sin condescendencia ni romanticismo, ayudándonos a compartir los viajes separados de estos vagabundos habitantes de furgonetas que no están dispuestos a aceptar el encierro y aceptan lanzarse a todo tipo de fronteras nuevas. Es ese espíritu de búsqueda lo que hace que "Nomadland" sea único e inolvidable.

Definitivamente, se gana un espacio en mi Top de películas.

Isle of Dogs

Después de que todas las mascotas caninas de Megasaki City sean exiliadas a una isla que es un vertedero, un niño de 12 años emprende un viaje para buscar a su perro extraviado. (FILMAFFINITY)

En un Japón distópico, el virus de la gripe se esparce por toda la población canina de Megasaki. El alcalde decide exiliar todos los perros a Trash Island, cariñosamente denominada como Ciudad de Perros. Mientras algunos tratan de encontrar una cura para esta enfermedad, el resto de la población se ha unido a la causa del exilio de los perros, sin importar cuales perros sufren de la gripe o no.

En la isla, los perros se dividen por clanes y territorios. Chief, un perro que (según él) siempre vivió en las calles, es el líder de un grupo de perros domesticados "con collar", quienes pelean contra quiensea por las bolsas de basura que lanzan a la isla, en busca de posibles residuos de comida.

Un día, una pequeña avioneta aterriza a la isla. Su piloto, un niño de 12 años, le pide al grupo de Chief que lo ayuden a encontrar a su perro Spots. El grupo acepta la aventura, excepto por Chief, que siempre se ha negado al amor humano. Mientras inicia la búsqueda alrededor de la isla, la amistad de Chief y el niño comienza a crecer; no obstante, los planes malignos del alcalde de Megasaki contra la Ciudad de los Perros se cruzan por el camino de nuestros aventureros, quienes deberán idear un plan para salvar todos los perros de la isla.

Wes Anderson es un cineasta que siempre ha tenido un estilo muy bien marcado de contar historias, tanto en sus guiones como en la cinematografía. Quien no es fanático de Wes Anderson quizás no se sienta atraído, pero es una forma que se ha convertido en un arquetipo del cine y permiten reconocer sus películas con facilidad, al punto de que es una tendencia y quienes sí son fanáticos lo imitan.

Pero si dejamos a un lado la ideología de su cineasta, Isle of Dogs es una historia que puede ser utilizada como un ejemplo de un guión completo. Tiene personajes memorables y muy particulares, que no solo son graciosos, sino que tienen complejos y que crean conflictos inimaginables en la trama (lo cual, siempre es bueno).

Es una historia donde la única confusión es quién es el verdadero villano de la historia, y es un "misterio" que no afecta pues no es algo que ya no hayamos visto en otras películas. Es graciosa, pero no al exceso de convertirse en una comedia, sino al punto de tratar de darle un lado amigable a una historia que trata sobre abuso animal y desigualdad.

En fin, es completa, pues desarrolla cada una de las tramas que introduce, les da final lógico y no te deja con esa inquietud de "¿pero qué pasa después?", sino que deja ese buen sabor en la boca de que no has desperdiciado 1 hora y media de tu vida.

Desde el punto de vista cinematográfico, es visualmente sorprendente, principalmente por el hecho de que ha sido realizada con el método de stop-motion; sin embargo, se ve tan fluida, donde debe destacarse el trabajo de cada uno de los animadores que trabajaron en este proyecto, por la naturalidad que le dieron a cada acción de los personajes, desde las peleas de perros hasta las lagrimas derramadas. La técnica "Wes Anderson" está bien acentuada en la elección de planos, pues a pesar de que parezcan muy estáticos, es algo que ya hemos visto en la mayoría de sus películas.

La musicalización, realizada por el compositor Alexandre Desplat, reciente ganador al Oscar por Mejor Banda Sonora, es pegajosa y se mantiene a lo largo de la película, creando momentum en cada una de las situaciones de los personajes y cediendo indicios de las emociones de los personajes y sus posibles decisiones.

Esta película es arte en su máxima expresión. Es una historia que habla de problemáticas sociales que no son extrañas para la audiencia, pero que a través de su humor, entretiene y se convierte en una película atractiva. Nadie, ni siquiera los Anderson-haters, puede perderse esta película. Recomendada para todo público.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia. (FILMAFFINITY)

Mildred (Frances McDormand) es una mujer que ha sufrido mucho: su hija fue violada y asesinada, aún no se ha encontrado el culpable, su ex-esposo la culpa de lo que le pasó y sale con una joven 30 años más joven, y su hijo cree que ella necesita ayuda. Pero todo parece complicarse cuando ella misma decide utilizar tres carteles de anuncio a la salida de Ebbing, Missouri, para incriminar como la policía ha abandonado la investigación sobre el asesinato de su hija, y se ha dedicado a discriminar y maltratar a los ciudadanos afroamericanos de la ciudad.

Sin embargo, esta acción simplemente le trae más problemas, pues a quien utiliza de blanco en los carteles es al jefe de la policía, Bill Willoughby (Woody Harrelson), quien es muy querido por todos los habitantes de Ebbing, especialmente por los demás policías y la misma Mildred, pero a la vez más simpatizado por padecer de cáncer terminal de pancreas. Esto hace que Mildred sea incriminada y atacada por muchas personas, incluyendo su propia familia; pero esto no es razón suficiente para retirar los carteles. 

Lo que más atrae de esta película es el papel de Frances McDormand, quien encarna a una madre desesperada en busca de respuestas. A pesar de la actitud arrogante, negra y fría, provoca empatía por todas las situaciones que tiene que vivir para poder lograr su cometido con estos carteles. De igual forma, la trama cuenta con la participación de un elenco que le suma ironía, comedia y atractivos a este filme con muchos sentimientos de amargura, misterio y sarcasmo. Las líneas de cada personaje están construidas con el objetivo de seguir moviendo la historia hacia adelante y abriendo el camino apropiado para llegar al desenlace que amerita, esto gracias al trabajo del guion en términos de historia conjunto con el tono en que debían ser desarrollados los diálogos.

La química entre Frances McDormand y Wood Harrelson es impresionante y recuerdan siempre que no se trata de una problemática llevada a lo personal, sino de dos personas que simplemente buscan respuestas, con técnicas distintas. ¿Si descubren quién es el asesino o no? En realidad no es lo más importante de la trama. El verdadero propósito tras los carteles es captar la atención de más personas hacia un atentado que afectó a una sola mujer, pero que se trata de un crimen atroz e irreversible.

De igual modo, la fotografía es un atractivo importante a destacar pues refleja la ambientación de toda la película y hace un enfoque constante de los carteles, desde los distintos puntos de vista de cada personaje, procurando de que estos no queden en el olvido y recordando que son la base de la trama. Lo mismo sucede con la musicalización, que da la sensación de transportarnos a esta zona de Estados Unidos, tanto en su tonalidad como en su estilo.

Esta película hace un uso formidable de sus talentos, complementados por un sarcasmo constante y un humor negro que retratan las realidades que muchas personas deben vivir cuando estos casos se dan en la realidad. Y en esta ocasión, no solo me refiero a los carteles.