Crítica Cinéfila: Die, My Love

Una pareja joven y enamorada, cargada de ilusiones (Grace y Jackson), se muda de Nueva York a una casa heredada en el campo. Grace intenta encontrar su identidad con un nuevo bebé en ese entorno aislado. Pero al redescubrirse a sí misma tras un periodo de desmoronamiento, no lo hace en la debilidad, sino en la imaginación, en la fortaleza y en una impresionante e indómita vitalidad. 

Jennifer Lawrence regresa con una fuerza arrolladora en "Die, my love" de Lynne Ramsay. Desde sus inicios en las franquicias, Lawrence ha sido muy selectiva con los proyectos que acepta, protagonizando la sutil "Causeway" y la polémica película de Netflix de Adam McKay, "Don't look up". Aquí, la actriz vuelve a sus raíces, ofreciendo una interpretación conmovedora como una madre al borde del abismo. Visceral, desgarradora y con un humor negro, "Die, my love" impacta como un mazo gracias a la visión implacablemente sombría de la vida doméstica que Lawrence y la directora Lynne Ramsay plasman.

Lawrence interpreta a Grace, quien, junto a su novio Jackson (Robert Pattinson, en otra actuación magistral), se muda de Nueva York a la inmensidad de Montana para estar más cerca de la madre de Jackson, Pam (Sissy Spacek, en una interpretación de una sutileza conmovedora). Se instalan en la antigua casa del tío de Jackson, quien se suicidó recientemente. Jackson y Grace son artistas que luchan por abrirse camino; Jackson aprovecha la tranquilidad de la casa para grabar un álbum que nunca llega a publicarse.

Grace es escritora, pero, al igual que con Jackson, nunca la vemos trabajar en un proyecto y, finalmente, su ambición es una de las primeras cosas que se desvanecen cuando queda embarazada. Sus primeros meses en Montana se narran en secuencias oníricas ambientadas bajo el tenue sol de Montana o el verde oscuro de la noche, con los amantes gateando desnudos por la casa desolada o bailando al ritmo de la música que ahora pueden escuchar a un volumen ensordecedor. A pesar del estado ruinoso de la casa y el aislamiento de la Montana rural, la pareja es feliz, irradiando una alegría contagiosa y extática, con Pattinson y Lawrence prácticamente vibrando en pantalla.

Eso hace que la desaparición de esa alegría sea aún más devastadora. No sucede de la noche a la mañana; Grace se aferra desesperadamente a una sensación de normalidad, insistiendo en que adopten un gato para que acompañe a su recién nacido o esforzándose por tener la cena lista para cuando Jackson regrese del trabajo. Es difícil saber quién se aleja primero, pero Jackson está cada vez más ausente y, aunque "Die, My Love" trata inicialmente sobre el descenso de Grace a la oscuridad de la depresión posparto, la película se comprende mejor a través de la perspectiva de su relación de codependencia.

La violencia de Jackson es mucho más sutil: condones inexplicables en la guantera de su camioneta, la adopción de un cachorro cuyos ladridos incesantes no hacen más que empeorar el deterioro mental de Grace. Él se aleja mientras Grace se acerca, buscando conexión y, cuando él se niega, lo provoca a su vez, mientras entabla una relación con un misterioso motociclista (Lakeith Stanfield) que pasa por su casa todas las noches, despertando al bebé (y a Grace) en el proceso.

En "Die, My Love", Lawrence ofrece su mejor interpretación desde "Mother!" (2017) , con la que esta película podría tener ciertas similitudes. Grace es el alma de la película, y los destellos de ira y violencia de Lawrence se equilibran con su sutil sentido del humor en escenas clave. Es una risa incómoda: nada en "Die, My Love" es realmente graciosa, aunque haya escenas que parecen diseñadas para evocar un humor irónico.

En realidad, "Die, My Love" es un terror psicológico de suspense doméstico, aunque sus momentos de máxima tensión no provienen del misterio ni de significados ocultos. La incertidumbre sobre qué hará Grace después o cómo reaccionará ante algo en su entorno es la fuente de tensión, lo que hace aún más difícil presenciar su descenso a la locura y cómo quienes la rodean intentan apoyarla. Pam anhela conectar con Grace tras la pérdida de su propio esposo, pero se siente desconcertada por el comportamiento cada vez más errático de su futura nuera, incluso cuando esta muestra destellos de su propio deterioro.

Ramsay no rehúye los defectos de sus personajes, y este rincón de la Montana rural está lleno de personas que luchan por ocultar sus deseos más profundos y sus impulsos más oscuros. Quienes mejor lo hacen son también quienes pueden fingir con facilidad una felicidad doméstica idílica en medio del caos. Sin embargo, lo más impactantemente bello de "Die, My Love" es la disposición de Ramsay y Lawrence a desnudar la realidad y mostrar una faceta más cruda del amor y la maternidad, una que a menudo se pasa por alto.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 5ta temporada

La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4, yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento.

En cada temporada, Big Mouth de Netflix se propone demostrar que, sí, es una comedia obscena... pero siempre es mucho más que eso. Desde su primera temporada engañosamente simple y burda hasta su quinta entrega más actual, la serie (al igual que sus personajes) se ha tomado el tiempo necesario para madurar. Es un proceso complicado, pero el lío es necesario. La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4 , yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento, como la depresión, las inseguridades, los celos y más. Sin embargo, como temporada independiente, Big Mouth Season 5 se siente un poco como un brote de crecimiento incómodo. Donde las temporadas anteriores se comprometieron con el crecimiento de personajes particulares o un estudio en profundidad de un aspecto del crecimiento, la temporada 5 se siente más como una evolución que como una resolución.

En la temporada 5 de Big Mouth, el amor está en el aire en Bridgeton Middle School. Nuestros tumultuosos preadolescentes se encuentran recuperándose de las rupturas, provocando nuevas atracciones y experimentando con la intimidad ... física y emocional. La llegada de los Lovebugs agrega una nueva y complicada capa a la tensión sexual y la desesperación por la conexión: para algunos de nuestros personajes, el amor será un desarrollo emocionante para sí mismos, mientras que otros están destinados al dolor y angustia.

En caso de que aún no fuera evidente, se centra en temas de madurez emocional. Los cuerpos están cambiando, las hormonas están enfurecidas y estar en el precipicio de la edad adulta significa que los niños de Bridgeton Middle School tienen una nueva visión del mundo, de sus seres queridos y de sí mismos. Big Mouth saca el torrente de atracción de la lujuria cachonda, y agrega el elemento aplastante de un flechazo devorador. Lo que pasa con el amor es que puede convertirse fácilmente en odio.

Así profundiza en la expresión emocional, no solo en el ámbito del amor joven, sino como una elección y una forma de ser. La madurez emocional toma muchas formas. Se trata de comunicación entre socios, tan importante para el placer físico como para la confianza y el apoyo. Se trata de comprender y desentrañar las relaciones complejas entre padres e hijos. Se trata de ser un buen amigo, admitir las malas acciones y elegir ser responsable de sus acciones o apelar a su mejor yo.

Hasta este punto, lo que Big Mouth realmente ha podido colgar es su inocencia. La inocencia de los personajes y su viaje de descubrimiento ha mantenido al espectáculo sobre una base sólida. Y ha complicado enormemente este espacio asentado al poner a cada uno de sus personajes en fases completamente diferentes de su desarrollo e incluso llegar a retratar su primera instancia de dos personajes que pierden su virginidad. Eso cambia las cosas.

Por un lado, es un movimiento audaz y definitivamente una representación honesta del crecimiento. Todos maduramos a diferentes ritmos y acumulamos experiencias en una amplia línea de tiempo. Sin embargo, lleva a los personajes a una especie de umbral. ¿Qué pasa con los personajes que se cruzan, que crecen primero, y qué pasa con los que todavía están pasando por cambios? Ese es el desafío al que se enfrenta cada temporada de Big Mouth a partir de este momento.

Pero incluso cuando las cosas se complican, la temporada 5 todavía se mantiene fuerte como la serie animada más inteligente. La creciente colección de monstruos hormonales, bichos del amor, gusanos del odio, mosquitos de la ansiedad, y más son abrumadores para el espectador... pero nunca confusos y siempre retratados de una manera que se siente auténtica a las emociones complicadas que todos hemos experimentado, y solidificando que a medida que la serie experimenta sus propios cambios, las raíces del desenfreno loco siguen siendo fuertes. Sin culpa, todo placer.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia. (FILMAFFINITY)

Mildred (Frances McDormand) es una mujer que ha sufrido mucho: su hija fue violada y asesinada, aún no se ha encontrado el culpable, su ex-esposo la culpa de lo que le pasó y sale con una joven 30 años más joven, y su hijo cree que ella necesita ayuda. Pero todo parece complicarse cuando ella misma decide utilizar tres carteles de anuncio a la salida de Ebbing, Missouri, para incriminar como la policía ha abandonado la investigación sobre el asesinato de su hija, y se ha dedicado a discriminar y maltratar a los ciudadanos afroamericanos de la ciudad.

Sin embargo, esta acción simplemente le trae más problemas, pues a quien utiliza de blanco en los carteles es al jefe de la policía, Bill Willoughby (Woody Harrelson), quien es muy querido por todos los habitantes de Ebbing, especialmente por los demás policías y la misma Mildred, pero a la vez más simpatizado por padecer de cáncer terminal de pancreas. Esto hace que Mildred sea incriminada y atacada por muchas personas, incluyendo su propia familia; pero esto no es razón suficiente para retirar los carteles. 

Lo que más atrae de esta película es el papel de Frances McDormand, quien encarna a una madre desesperada en busca de respuestas. A pesar de la actitud arrogante, negra y fría, provoca empatía por todas las situaciones que tiene que vivir para poder lograr su cometido con estos carteles. De igual forma, la trama cuenta con la participación de un elenco que le suma ironía, comedia y atractivos a este filme con muchos sentimientos de amargura, misterio y sarcasmo. Las líneas de cada personaje están construidas con el objetivo de seguir moviendo la historia hacia adelante y abriendo el camino apropiado para llegar al desenlace que amerita, esto gracias al trabajo del guion en términos de historia conjunto con el tono en que debían ser desarrollados los diálogos.

La química entre Frances McDormand y Wood Harrelson es impresionante y recuerdan siempre que no se trata de una problemática llevada a lo personal, sino de dos personas que simplemente buscan respuestas, con técnicas distintas. ¿Si descubren quién es el asesino o no? En realidad no es lo más importante de la trama. El verdadero propósito tras los carteles es captar la atención de más personas hacia un atentado que afectó a una sola mujer, pero que se trata de un crimen atroz e irreversible.

De igual modo, la fotografía es un atractivo importante a destacar pues refleja la ambientación de toda la película y hace un enfoque constante de los carteles, desde los distintos puntos de vista de cada personaje, procurando de que estos no queden en el olvido y recordando que son la base de la trama. Lo mismo sucede con la musicalización, que da la sensación de transportarnos a esta zona de Estados Unidos, tanto en su tonalidad como en su estilo.

Esta película hace un uso formidable de sus talentos, complementados por un sarcasmo constante y un humor negro que retratan las realidades que muchas personas deben vivir cuando estos casos se dan en la realidad. Y en esta ocasión, no solo me refiero a los carteles.

La Gunguna

ATENCIÓN: 

(1) TODO LO QUE LEERÁ AQUÍ ES MI OPINIÓN. NO NECESARIAMENTE DEBE ESTAR DE ACUERDO CON ESTO. 

(2) SPOILERS

Gracias Ernesto Alemany, por demostrar que aún existen formas creativas de contar historias. Por demostrar que aún Dominicana puede tener un cine menos comercial y más de autor. Por darle importancia a cada detalle visual y narrativo en la peícula La Gunguna.

No quisiera tener que contar la historia, porque apuesto a que todavía hay algunos que están pensando: "¿en serio? ¿otra película dominicana que promete ser la mejor de todas?", pero realmente es una que vale la pena y el riesgo contar.

Con una forma totalmente aleatoria de ir narrando los distintos sucesos dentro de la historia, es la proyección de los diversos personajes que podemos encontrar en nuestra sociedad, como la gran comunidad china en Dominicana, los que viven en la línea fronteriza, el rico, el pobre, los vinculados a alguna persona de poder en el gobierno y los que, de por sí, tienen mucho poder. Así mismo, es una crítica a la situación social nacional, como la corrupción de la policía, el tráfico de mujeres dominicanas al extranjero, la discriminación a los haitianos y la pobreza en la que viven algunos sectores de la ciudad y que muchos de los que no han explorado esas zonas desconocen totalmente.

Lo que la mayoría de los espectadores tradicionales no están entendiendo es que quien importa aquí no es el chino, ni el boricua, ni el gago ni el pobre obrero de la construcción, quien importa es esta diminuta pistola calibre 22 que guarda unos antecedentes bien interesantes (Mussolini, Franco y Trujillo) y algunos relatos bien escondidos (para quienes quieren saber más, busquen el libro Montás del guionista de esta película, Miguel Yarull, y si lo encuentran, favor compartir). 

No podemos dejar de resaltar la dirección fotográfica, que le suma muchos puntos a esta historia (reconozco que este aspecto es uno de los que menos aqueja al cine dominicano, pero esta es aún más admirable y profesional, e incluso cuestionable: ¿cómo el dron atravesó el techo al final? aún me lo pregunto) y el montaje, que obligan al espectador a prestar atención a cada detalle y cada escena. 

[SPOILER] Para los que sí la vieron y no entendieron: la gunguna salió de la frontera en manos de un sargento, paso a manos del gago, del gago al chino, del chino al prestamista, del prestamista al pobre, del pobre a un basurero, del basurero a un indigente, del indigente a manos de una compraventa, y de la compraventa a la frontera otra vez. Por eso la frase al final de "todo regresa blablabla", que la encuentro innecesaria, y me excusa el guionista, porque ya la escena de la compraventa lo explica todo. No obstante, este es uno de los pocos aspectos narrativos que para mi no eran los acordes.

Simplemente, véanla. Soy de las que aún creen que un guión se puede escribir bien y una película se puede producir bien, como lo hicieron el guionista, el director y el productor de este filme. Soy de las que creen que el cine, a parte de ser un negocio, es un entretenimiento que debe enseñar al espectador y debe crear conciencia; la Gunguna lo logra. O por lo menos lo logró conmigo.

Inesita.-