Crítica Cinéfila: Triangle of Sadness

Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros.

¿Alguna vez han visto una película que se vuelve más confusa (en el peor sentido de la palabra) con cada minuto que pasa, y luego finalmente cuando se va esclareciendo la trama de repente empeora porque un actor vomita de manera extrema y grotesca a la vez? Pues si no quieren tener esa sensación, no vean esta película. A pesar del interesante manejo que se burla de cómo el poder material se vuelve insignificante dependiendo de las situaciones que se afrontan, esta visión de Triangle of Sadness se ve asquerosamente opacada por las innecesarias exageraciones en cada uno de sus renglones, planos y momentos.

La gran burla es cuál monarquía caerá primero: el imperio tradicional de la riqueza heredada por trabajo y esfuerzo, o el imperio de los influencers, la gran escoria del planeta tierra y, a la vez, un mal necesario de consumo para todos en la era moderna; un espectador se siente obligado a defender lo indefendible. Ruben Östlund trata de enfocar el punto de vista de los Instagrammers en el primer tercio de esta película, después de un prólogo que presenta a un conjunto de modelos masculinos y una llamada de casting que presenta al cincelado Carl (Harris Dickinson). Nada que ver una cosa con la otra, pero seguimos.

Él y su novia Yaya (Charlbi Dean) se ganan la vida posando y publicando, ella más lucrativa que él, ya que está perfectamente dispuesta a declarar en voz alta durante una incómoda liquidación de la factura en un restaurante de Tony. Es mezquina, superficial, vengativa y, lo peor de todo, es hipócrita cuando se hace un selfie con un tazón de pasta del que se niega a tomar un solo bocado por ser intolerante al gluten. Sin un ancla de humanidad que coincida con la inseguridad comprensiva de Carl, su existencia como pareja se presenta como una contradicción total y un desbalance de química.

Ella es solo una de las frutas colgantes aferradas por una sátira con ideas tan enormes y huecas a la vez como el casco del lujoso transatlántico en el que se encuentra el segundo tercio. Carl y Yaya embarcan en Christina O, anteriormente propiedad de Aristóteles Onassis, para un crucero solo por invitación que atiende a los megaricos de la sociedad. En el camino, la película en sí nos lleva a un recorrido turístico por el tema del que se basa esta historia, comenzando con la invacidad de la industria de la moda hasta las grandes cuestiones de capital y poder.

En el pasado, Östlund ha demostrado su habilidad para enviar temas carnosos, aplicando una atención granular al ego masculino en "Fuerza Mayor" y las pretensiones del mundo del arte con "The Square". Aquí, sin embargo, se inclina a la amplitud atribuida a su trabajo por sus críticos más duros, ahora más parodia de sí mismo que de una parodia como tal.

Tiene su mente en el dinero y el dinero en su mente: lo que le hace a aquellos con mucho y cómo reaccionan cuando ya no pueden lanzarlo al cielo. El barco alberga un grupo de grotescos ricos, incluido un magnate ruso del estiércol, un especulador británico de juguetes de guerra y el tipo de idiota manso y reacio a la mujer que seguramente habrá hecho su riqueza de la gran tecnología. Puede que Carl y Yaya no sean titanes de la industria, pero encajan perfectamente con su aire de desprecio apenas silenciado por todos los demás. Los clientes obtienen sus alegrías al hablar sobre el control que ejercen sobre el personal, ya sea que los despidan por infracciones menores o que los obliguen a jugar al ocio para que aquellos que explotan la mano de obra puedan calmar su culpabilidad. E incluso dentro de la clase inferior de la cubierta inferior, hay niveles; los empleados blancos que miran hacia el exterior obtienen consejos y beneficios inaccesibles en comparación con el personal de limpieza multiétnico.

Si bien apenas hay noticias de última hora de que la élite con dinero sean gigantescos agujeros, esa es solo la primera mitad de la ecuación confusa de Östlund. El punto medio se convierte en un verdadero caos cuando, por enviar a todo el personal a darse un chapuzón, la cena del capitán se dañó y por lo tanto todos los que la comieron terminaron intoxicados, vomitando y desechando todo su interior en una secuencia que, más que parte de una burla a cómo las exageraciones de los ricos los infligió directamente, es uno de los momentos más desagradables en pantalla del 2022. El que no tenga deseos de vomitar viendo esto, es un sádico. 

Todas las variables se intercambian una vez que las cosas se "desvían", en un momento narrativo que involucró vómito regado por doquier, heces fecales que salen expulsadas de los retretes, discusiones comunistas, piratas (así mismito...) y una explosión por una granada. Llega la tercera parte donde la custodia Abigail (Dolly De Leon) se da cuenta de que su capacidad para pescar, hacer un fuego y realizar actos básicos de autosuficiencia la coloca en la cima de la jerarquía alterada. En poco tiempo, se ha convertido en una minitirana, extorsionando sexo a Carl, su buena apariencia ahora es la forma más significativa de moneda en circulación, a cambio de comida.

Si lo esencial es que el poder absoluto se corrompe eventualmente, está bien, claro, aunque esa es una observación igualmente obvia. Pero Östlund enmarca su estructura de autoridad en términos políticos explícitos, con el capitán marxista del barco (Woody Harrelson, dentro y fuera de la película demasiado rápido) yendo cita por cita contra el magnate de los fertilizantes capitalista hasta que todos son solo eslóganes intercambiables. Puesto en práctica, la noción de que el proletariado será tan monstruoso como la burguesía si se le da la oportunidad cae en el inútil cinismo de ambos lados visto por última vez en "Nuevo Orden".

Estas fueron dos horas y media largas, tortuosas, que se vuelven "interesantes" solo en intervalos escasos, generalmente cuando el magnífico Dickinson juega su belleza, lo que sugiere insidad contra la angustiada agitación dentro de Carl. Pero el intento de comedia física en el período previo al vuelco, como si el clímax de "Titanic" hubiera sido rociado con vómitos y diarrea, hizo que la atención se desviara totalmente, y no se enfocara tanto en cómo los ricos pueden caer tan fácil. Estas distracciones hacen poco para redimir el análisis social subdesarrollado que Östlund no dejará de martillar hasta el mero final.

Uno puede preguntarse dónde encaja en esta superioridad de igualdad de oportunidades, mientras recibe sus cortes desde el banquillo de un conflicto que ve a distancia. Irónicamente, se aprovecha del mayor privilegio de todos: la comodidad de tratar a la clase como un experimento mental para ser jugado como mejor le parezca. El cineasta trabajó en las estaciones de esquí de Tony Alpine en sus años de posgrado, presumiblemente sirviendo a los mismos ricos que se satirizan aquí. Pero eso no es razón suficiente para que un espectador pueda suponer esto fácilmente por el desapego y poca empatía que se genera hacia el paquete de personajes que se desarrollan en esta historia. De manera particular, era más fácil aceptar su muerte y no seguirlos hasta el final con el deseo a voces de que se mutilen mutuamente y así terminar con esta "comedia" de una vez por todas.

Crítica Cinéfila: Venom - Let There Be Carnage

Eddie Brock (Tom Hardy) y su simbionte Venom todavía están intentando descubrir cómo vivir juntos cuando un preso que está en el corredor de la muerte (Woody Harrelson) se infecta con un simbionte propio.

¿Cómo se hace un lugar en un mundo de héroes para un monstruo que degusta cerebros humanos? En el caso de Venom, la respuesta de Marvel parece ser hacerlo divertido y dejarlo luchar contra monstruos que son incluso más homicidas que él. Por lo tanto Venom: Let there be carnage, la segunda característica de un personaje que podría haber sido un verdadero Deadpool como forastero, hace su mirada a un tema antiheroico que casi se siente como un proyecto hijastro del Universo Marvel; está condenado a habitar historias estructuradas como las de los Vengadores, hasta que las necesidades sinérgicas de Disney le exijan que entre en su saga.

Escrita por la estrella Tom Hardy y su colaboradora Kelly Marcel, la película desarrolla la química entre el alienígena titular y el humano donde se ve obligado a habitar mientras está dentro de la atmósfera de la Tierra. Pero el carácter distintivo de este vínculo entre amigos y películas a menudo se ve ahogado por piezas gigantes de caos que se sienten exactamente como las que se encuentran en las películas de los buenos. Aunque complacerá a la mayoría de los fanáticos de la primera entrega de 2018, Carnage demuestra que la fatiga de los superhéroes también se aplica a los antihéroes.

Eddie Brock de Hardy, reportero cruzado de San Francisco, está básicamente donde lo dejamos en la última película: su carrera se ha recuperado, su relación con su ex prometida Anne (Michelle Williams) todavía está muerta y tiene un asesino dentro de él. Su cuerpo alberga a un alienígena simbiótico, Venom, que puede acechar de manera invisible y gruñirle a Eddie con una voz que solo él puede oír, o convertir a Eddie en un gigante resbaladizo con tentáculos, colmillos y fuerza sobrehumana. De cualquier manera, el monstruo necesita alimento. Aunque su alimento preferido son los cerebros, puede sobrevivir con chocolate y pollos vivos; gran parte de la comedia del guión se deriva de los intentos de Eddie de mantener a Venom a dieta.

Cuando Brock tiene la oportunidad de entrevistar al asesino en serie convicto Cletus Kasady (Woody Harrelson), Eddie hace todo lo posible para evitar que Venom se coma al resentido detective Mulligan (Stephen Graham), quien acompaña su visita. Pero Venom es el que es mordido: Kasady muerde a Eddie, y de alguna manera un poco de ese material alienígena simbiótico entra en su torrente sanguíneo. Más tarde, cuando el preso condenado a muerte yace en la cámara de ejecución, ese material se mezcla con químicos de inyección letal para transformar a Kasady en Carnage, una bestia roja que sale de San Quentin luciendo como si un tornado lo golpeara.

Esta transformación ocurre mientras Eddie y Venom tienen otras cosas en mente, discutiendo sobre la incompatibilidad de sus estilos de vida, los dos se involucran en una pelea física que deja el lugar de Eddie totalmente destrozado. Venom huye del cuerpo de Eddie, saltando en la noche del cuerpo de un extraño desprevenido al siguiente, mientras Eddie simplemente reemplaza su televisor gigante - lo que aparentemente más le dolió y trata de disfrutar sus primeras horas de libertad sin Venom.

Mientras que Venom tiene una o dos desventuras cómicas, Carnage hace honor a su nombre. Kasady usa sus nuevos poderes para reunirse con su amor perdido hace mucho tiempo, una mutante que conoció cuando era un adolescente en el reformatorio: Frances Barrison (Naomie Harris), que será conocida como Shriek cuando algún día se cruce con Spider-Man, quien tiene el poder para destruir todo lo que le rodee con sus gritos agudos y ha estado encerrada durante años en una celda de prisión insonorizada. Cuando la liberan, está tan dispuesta a romper cosas como su novio (y hasta a él mismo).

La juerga de la pareja termina en Grace Cathedral, donde pretenden casarse. Pero el matrimonio es solo la excusa de la foto para el negocio habitual de la mujer en peligro: no habiendo salido del peligro al romper con Eddie, Anne es ahora el cebo que lo atrae a él y a Venom a una batalla gigante contra Carnage. Aunque Anne es un personaje necesario para justificar los impulsos y justificaciones de Eddie, Michelle Williams es demasiado talentosa para estar atrapada en este tipo de clichés.

Los defensores de Venom dirán que fue una película inigualable y entretenida, pero después de dos películas de Deadpool en este mismo tono, a esta le hace falta mayor profundidad en sus personajes y darle cierto grado de responsabilidad por sus actos. En cambio, Eddie parece importarle menos los peligros del mundo mientras Venom actua por naturaleza alienígena. Los chistes dejan de hacer efecto a partir de un punto de la historia, y esto, más que una película sobre unos de los personajes más emblemáticos de los antagonistas de Marvel, se siente como un película episódica para matar el tiempo.

Se reaviva casi al final con la confrontación a muerte entre Carnage y Venom, y aunque no hay nada de malo en la batalla culminante que nos dan, lo mejor que puedes decir sobre la acción en Carnage es que no alarga la película más allá de la marca de la hora y media. Eso sin contar los créditos y la inevitable lista de escenas ocultas, lo que sugiere un regreso a las raíces de Venom. La película anterior de Spider-Man con Venom (de 2007) es la peor de las salidas a la pantalla grande del webslinger hasta la fecha. Si esta se cruza con el spidey, ojalá que desarrollen una mejor historia, o a lo mejor salgan mal de una manera más entretenida, la próxima vez que se crucen.

Mientras tanto, esta entretiene pero nunca a la altura de su antecesora.

Crítica Cinéfila: Zombieland Double Tap

En esta secuela y empleando el característico sentido del humor del que hizo gala "Zombieland", el grupo de protagonistas tendrá que viajar desde la Casa Blanca hasta el corazón de los Estados Unidos, sobreviviendo a nuevas clases de muertos vivientes que han evolucionado desde lo sucedido hace algunos años, así como a algunos supervivientes humanos rezagados. Pero, por encima de todo, tendrán que tratar de soportar los inconvenientes de convivir entre ellos. 

Cuando la infección de los zombies se desató, la mayoría eran demasiado tontos para reaccionar a tiempo, dejando solo a cuatro personas sin infectar: ​​un neurótico ansioso (Jesse Eisenberg) cuya larga lista de reglas excesivamente cautelosas lo había mantenido vivo, un super-entusiasta agresivo de la Segunda Enmienda (Woody Harrelson) francamente ansioso por reventar a los devoradores de cerebros y a dos hermanas ingeniosas ( Emma Stone y Abigail Breslin) que lograron seguir su propia filosofía. En lugar de apegarse, la pandilla se refirió entre sí por sus pueblos natales (Columbus, Tallahassee, Wichita y Little Rock, respectivamente) y terminaron formando una especie de familia.

Avanzó una década, y Wichita es un ganador del Oscar, Columbus se atribuyó el invento de Facebook y los creadores Rhett Reese y Paul Wernick continuaron deconstruyendo la película de superhéroes a lo grande, escribiendo ambas entregas de la franquicia "Deadpool", mientras que Ruben Fleischer falló al alza, dirigiendo "30 minutes or less" y "Gangster Squad" antes de "Venom". Eso significa que los cheques de pago se han incrementado para casi todo el mundo, incluso si el rodaje en sí todavía se realiza con un presupuesto reducido.

En el universo de "Zombieland", el mundo no ha cambiado mucho. Los cuatro principales todavía están juntos, esta familia virtual se vuelve más disfuncional cada día. Mientras tanto, una cierta variedad de zombies se están volviendo más inteligentes. Algunos son prácticamente imposibles de matar. "T-800", los llama Columbus, después del androide imparable en Terminator. Eso significa que, después de años de burlar fácilmente a sus agresivos, estos personajes necesitan ajustar sus métodos y encontrar una nueva forma de luchar. los de los no muertos que simplemente se niegan a morir.

Ahora, si la premisa de la primera película era que este cuarteto era especialmente adecuado para la supervivencia, "Zombieland: Double Tap" sugiere que los humanos mucho menos inteligentes que estos cuatro podrían de alguna manera sobrevivir. Primero, los hombres conocen a Madison (Zoey Deutch), el estereotipo de chica rubia pero tonta que es una maravilla que no se haya suicidado por accidente. Mientras el mundo se volvía loco a su alrededor, ella se refugió en el centro comercial, encerrándose en un congelador de Pinkberry cada vez que se acercaba el peligro. Luego está Berkeley (Avan Jogia), un pacifista que de alguna manera ha logrado una estrategia para evitar conflictos.

Resulta que hay toda una comunidad de pacifistas de ideas afines que mantienen un estado de felicidad postapocalíptica en un lugar llamado Babilonia, donde el enfrentamiento final entre los zombies y los cerebros en peligro disminuye. Pero antes de que pueda ocurrir esa confrontación épica, la pandilla, que fluctúa en número, pero que básicamente involucra a un escuadrón de rescate para Little Rock, debe viajar desde la Casa Blanca (donde se había refugiado temporalmente) hasta lo que queda de la finca de Elvis Presley en Graceland.

En el camino, Tallahassee y Columbus descubren que cualquier dinámica especial que pensaron que tenían es compartida por otra pareja: el macho alfa Albuquerque (Luke Wilson) mata a los zombies con su camión monstruoso, mientras que el inquieto Flagstaff (Thomas Middleditch) juega a wingman. Es una variación de la mordaza de "Shaun of the Dead", donde una pequeña pandilla de sobrevivientes se topa con una banda de personajes comunes mientras se escabullen por los callejones, solo aquí, en lugar de ir por caminos separados, los dos pares de personajes terminan luchando por sus vidas. Mientras los muchachos luchan con sus doppelgängers, Nevada (Rosario Dawson), de mentalidad independiente, se ve como una especie de árbitro despiadado. Ella es la adición más bienvenida, incluso si, como con todos sus personajes femeninos, la película parece más centrada en su atractivo sexual que en su personalidad.

Los zombies han evolucionado en Zombieland; la comedia no tanto. Pero está bien, porque el éxito de Fleischer de 2009, que se embolsilló $75.6 millones en un género que se acerca rápidamente a su punto de saturación de la cultura pop, ya está a su punto de comodidad: su cuarteto sabía que vivían en un película de muertos vivientes y, por lo tanto, estaban armados para defenderse de una raza de malos terroristas modernos, incluyendo las críticas.

Incluso el clásico de Zom-com "Shaun of the Dead" recicló la rutina prolongada en la que los personajes tardan mucho en darse cuenta del hecho de que un ser querido infectado también se está transformando en un devorador de carne. "Zombieland", por el contrario, fue afortunadamente meta, francamente irreverente al respecto, y tuvo lugar en un mundo donde la idea de los zombis ya estaba muy extendida, dando a su conjunto una ventaja a la hora de sobrevivir a la terminación de la especie.

En ese sentido, la secuela de "Zombieland" (coescrita por Dave Callaham, el escriba de "The Expendables", que comparte crédito con Reese y Wernick) vuelve a caer en los defectos del original. Algunas líneas cuasi potenciadas pronunciadas por las mujeres no excusan que estos personajes existan principalmente como intereses amorosos para sus co-estrellas hormonales masculinas. Peor aún, la violencia una vez más funciona como una especie de broma, ya que los "buenos" de la película ejecutan alegremente legiones de ex humanos anónimos, lo que hace que John Wick parezca una especie de peso ligero en comparación.

A riesgo de sonar cuadrada, este tipo de asesinato en masa alegre es un subproducto escalofriante del género, como "The Walking Dead" estableció su tono despiadado directamente cuando Rick Grimes le disparó a una niña zombie en el piloto, así Zombieland se burla en la cara de su audiencia con los bofetones sangrientos a sus muertos vivientes. Aquí, el humor convierte cada asesinato en una frase enfermiza, y mientras los escritores hacen un buen trabajo para hacerlos divertidos, como dibujos animados macabros en los que Wile E. Coyote puede recuperarse de lesiones impensables, el tono de la película niega un respeto fundamental por la vida humana. Será solo una película, pero al igual que los videojuegos de disparos en primera persona que hacen referencia al título "Double Tap" de la película, la sociedad no puede simplemente sentarse pasivamente y aceptar una actitud que se burla del pacifismo y saca a la luz esa violencia extrema. O de lo contrario somos los zombies, y la broma es sobre nosotros.

Desde los primeros días de George A. Romero, se han hecho muchas películas de zombies por prácticamente ningún dinero, mientras que Fleischer trabaja lo más esbelto posible sin comprometer el resultado. Pero de una cosa está seguro: quiere garantizar mucha sangre a poca lógica de personajes que sobreviven y emociones exageradas. Seguro los amantes superficiales de zombies la adorarán.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia. (FILMAFFINITY)

Mildred (Frances McDormand) es una mujer que ha sufrido mucho: su hija fue violada y asesinada, aún no se ha encontrado el culpable, su ex-esposo la culpa de lo que le pasó y sale con una joven 30 años más joven, y su hijo cree que ella necesita ayuda. Pero todo parece complicarse cuando ella misma decide utilizar tres carteles de anuncio a la salida de Ebbing, Missouri, para incriminar como la policía ha abandonado la investigación sobre el asesinato de su hija, y se ha dedicado a discriminar y maltratar a los ciudadanos afroamericanos de la ciudad.

Sin embargo, esta acción simplemente le trae más problemas, pues a quien utiliza de blanco en los carteles es al jefe de la policía, Bill Willoughby (Woody Harrelson), quien es muy querido por todos los habitantes de Ebbing, especialmente por los demás policías y la misma Mildred, pero a la vez más simpatizado por padecer de cáncer terminal de pancreas. Esto hace que Mildred sea incriminada y atacada por muchas personas, incluyendo su propia familia; pero esto no es razón suficiente para retirar los carteles. 

Lo que más atrae de esta película es el papel de Frances McDormand, quien encarna a una madre desesperada en busca de respuestas. A pesar de la actitud arrogante, negra y fría, provoca empatía por todas las situaciones que tiene que vivir para poder lograr su cometido con estos carteles. De igual forma, la trama cuenta con la participación de un elenco que le suma ironía, comedia y atractivos a este filme con muchos sentimientos de amargura, misterio y sarcasmo. Las líneas de cada personaje están construidas con el objetivo de seguir moviendo la historia hacia adelante y abriendo el camino apropiado para llegar al desenlace que amerita, esto gracias al trabajo del guion en términos de historia conjunto con el tono en que debían ser desarrollados los diálogos.

La química entre Frances McDormand y Wood Harrelson es impresionante y recuerdan siempre que no se trata de una problemática llevada a lo personal, sino de dos personas que simplemente buscan respuestas, con técnicas distintas. ¿Si descubren quién es el asesino o no? En realidad no es lo más importante de la trama. El verdadero propósito tras los carteles es captar la atención de más personas hacia un atentado que afectó a una sola mujer, pero que se trata de un crimen atroz e irreversible.

De igual modo, la fotografía es un atractivo importante a destacar pues refleja la ambientación de toda la película y hace un enfoque constante de los carteles, desde los distintos puntos de vista de cada personaje, procurando de que estos no queden en el olvido y recordando que son la base de la trama. Lo mismo sucede con la musicalización, que da la sensación de transportarnos a esta zona de Estados Unidos, tanto en su tonalidad como en su estilo.

Esta película hace un uso formidable de sus talentos, complementados por un sarcasmo constante y un humor negro que retratan las realidades que muchas personas deben vivir cuando estos casos se dan en la realidad. Y en esta ocasión, no solo me refiero a los carteles.