Crítica Cinéfila: Bugonia

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. 

Emma Stone y Yorgos Lanthimos ya tienen una relación de trabajo: han rodado cuatro largometrajes y un cortometraje, lo que demuestra que ambos comparten un mismo nivel creativo. Lo que hace tan interesante su colaboración constante es el esfuerzo por definir cuál es ese nivel. El último fruto de esta dupla, que nos trajo "The Favourite", "Kinds of Kindness" y "Poor Things", es "Bugonia", una sátira magistralmente macabra sobre el síndrome de las supersticiones en el internet, que narra la historia de una joven y ambiciosa directora ejecutiva de una farmacéutica (Stone) que es secuestrada por uno de sus empleados de menor rango.

Este pobre y atormentado personaje, interpretado por Jesse Plemons, compañero de reparto de Stone en "Kinds of Kindness", es Teddy, un repartidor y apicultor a tiempo parcial. Está convencido, tanto por conversaciones en línea como por sus propias deducciones en el sótano, de que su jefa es en realidad una emperatriz alienígena disfrazada. Su plan es secuestrarla y mantenerla prisionera en su sótano hasta que esta amenaza extraterrestre salve la vida de su madre (Alicia Silverstone), quien se encuentra en un hospicio con una enfermedad terminal que Teddy cree que forma parte de un gran experimento interplanetario. Después de eso, va a acompañarla de vuelta a la nave nodriza y negociar la retirada de su raza de la Tierra. En esencia, es una historia un tanto descabellada (además de ser una adaptación de una película coreana, algo que no es común en el cine de Yorgos), pero el director y su elenco la han expandido hasta convertirla en una alocada epopeya canina de proporciones épicas, digna de los Baskerville.

El único compañero de Teddy en su causa es su primo Don, fácilmente influenciable, interpretado magistralmente por Aidan Delbis. Tras adoptar una existencia monástica moderna —«nada de videojuegos, nada de vapear, nada de masturbarse», advierte Plemons con severidad—, los dos secuestran a Stone frente a su mansión modernista en una secuencia hilarantemente seca que Lanthimos dirige como Jacques Tati al estilo de John Wick. (Aquí y en otras escenas, la fotografía de Robbie Ryan es una delicia: por momentos sensual y severa, con un brillo decadente y lujoso propio del Hollywood de los 70).

Los lectores atentos se habrán dado cuenta de que aquí hay dos posibilidades, y "Bugonia" los mantiene en vela. O bien Plemons es un lunático peligroso, radicalizado por sus incursiones en laberintos de teorías conspirativas en internet (hay una viñeta recurrente muy divertida de la Tierra en la que el planeta se vuelve progresivamente más plano), o bien… no lo es. Ambas opciones son sombrías, aunque por razones totalmente distintas; y a medida que la situación se torna cada vez más frenética y macabra, Lanthimos exprime con maestría la máxima tensión cómica de los fantasmas de ambas. En esto, Stone y Plemons demuestran ser los cómplices ideales, con interpretaciones cuidadosamente equilibradas que les permiten alternar entre héroe y villano sin llegar a aniquilar por completo nuestra simpatía ni ganárnosla del todo.

A la película le encanta contrastar la elegancia del entorno de trabajo de Michelle con el desorden rústico de la cabaña de Teddy; es alternativamente elegante y grunge, lo que permite al compositor Jerskin Fendrix (nominado al Oscar por "Poor Things") pasar de su característico minimalismo peculiar a una grandilocuencia orquestal a gran escala para acompañar los diversos ataques de pánico de todos los involucrados. Y no se equivoquen, los ataques de pánico se vuelven cada vez más espeluznantes y descabellados, con un secuestro educado que deriva en tortura (mala, pero ni de lejos tan perturbadora como en la película original coreana), disparos de escopeta y vestidos de fiesta empapados de sangre, como corresponde a una extravagancia de terror de ciencia ficción a gran escala. Mientras tanto, cada vez que una explicación lógica (o incluso ilógica) parece inminente, Lanthimos desmiente las expectativas de su público.

En cierto modo, da igual qué desenlace elija finalmente la película: la esencia de "Bugonia" reside en los retorcidos y agónicos giros de la narración. Pero tiene que terminar en algún sitio, y quizá algunos espectadores encuentren el desenlace exasperante, mientras que otros simplemente se desharán en elogios ante la pura virtuosismo y malicia que se despliega. En cualquier caso, ¡que relajo de película!

Crítica Cinéfila: Kinds of Kindness

Fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual.

El director griego Yorgos Lanthimos sigue las travesuras históricas barrocas y ganadoras del Oscar de Poor Things y The Favourite con este sombrío y aún más oscuro - pero no menos extraño - trío de historias filmadas en la Nueva Orleans actual y sus alrededores. Emma Stone, que se está convirtiendo rápidamente en una figura fija en la cinematografía de Lanthimos, se une a él en el viaje, al igual que Willem Dafoe de Poor Things, junto con Jesse Plemons, Margaret Qualley, Joe Alwyn, Hong Chau de The Whale y otros, formando un elenco de repertorio que gira en torno a tres historias. Cada viñeta es distinta, pero tiene un personaje secundario en común e intrigante: un hombre silencioso y barbudo llamado "RMF". También los une un estilo visual prístino y glacial, y una partitura de piano desconcertantemente aguda con estallidos corales que colorean el ambiente.

¿Quién es RMF? Nunca lo descubrimos. El trío de historias de Yorgos Lanthimos en Kinds of Kindness se titulan The Death of RMF (La muerte de RMF), RMF is Flying (RMF está volando) y RMF Eats a Sandwich (RMF come un sándwich). RMF es un hombre silencioso y barbudo, identificado por el monograma de su camisa. En la primera historia, llega a una mansión georgiana para recibir un sobre. Vivian (Margaret Qualley), concubina del anciano magnate Raymond, a quien normalmente se ve con un diminuto abrigo de satén, abre la puerta, le toma una fotografía y le entrega el sobre. Puede que contenga dinero. RMF está a punto de convertirse en el objetivo de una serie de accidentes. ¿Por qué? Eso tampoco lo averiguaremos.

No es una sorpresa para los fanáticos de Yorgos de toda la vida que las historias sean sombrías: un hombre de negocios (Plemons) vive una vida personal y profesional completamente bajo el control de su jefe (Defoe), hasta el jugo que bebe cada mañana y la hora exacta en que tiene relaciones sexuales con su esposa; una mujer (Stone) regresa de un accidente en el mar, pero su esposo (Plemons) no cree que sea su mujer y la obliga a cometer actos indescriptibles en su cuerpo; una esposa y madre (Stone) ha abandonado a su esposo e hijo por pertenecer a un culto sexual liderado por un hombre (Dafoe) que cree que una mujer joven (Qualley) tiene poderes para resucitar a los muertos.

Kinds of Kindness trata de una interdependencia omnipresente entre el poder despiadado y la sumisión voluntaria que surge en todas partes, lo que implica que todos estamos bajo su control. Eso la convierte en su película más sombría hasta el momento. Por supuesto, también es muy divertida.

Suceden cosas extrañas, pero esta no es una historia de fantasmas. A Lanthimos no le interesa tanto lo extraño como lo siniestro, una atmósfera subrayada en las tres historias con una punzante banda sonora para piano de Jerskin Fendrix y enfatizada por los lentes alternantes, los ángulos extravagantes, los primeros planos extremos y un motivo repetitivo de superficies brillantes del director de fotografía Robbie Ryan. De hecho, los pisos, paredes y techos de madera pulida del rústico bungalow de Daniel y Liz en el segundo piso, que le dan a todo el episodio un brillo cada vez más sanguinario, merecen un reconocimiento propio. 

Por supuesto, la atención a los detalles del decorado significa que siempre sabes exactamente dónde estás en una película de Lanthimos: el arreglo floral en una mesa auxiliar, un laberinto de mullidos sofás beige o la extensión de terreno baldío visible desde una ventana cuentan las historias de las personas en esta casa insoportablemente ordenada, esta oficina deslumbrantemente vidriada, o esta institución con propósitos turbios. 

El control es la obsesión de Lanthimos, y la posesión extrema de las vidas de otras personas recorre estos cuentos tanto como la posesión extrema de la narración recorre la obra de Lanthimos. Su control sobre nosotros es férreo, y puede resultar tan sofocante como desafiante e inspirador. El absurdo inexpresivo y el tono cómico tranquilamente negro de "Kinds of Kindness" recuerdan las películas anteriores de Lanthimos (Dogtooth, Alps, The Lobster y The Killing of the Sacred Deer), lo que tal vez no sea sorprendente, ya que ha vuelto a trabajar con su guionista, Efthimis Filippou, lo que convierte a esta película en una especie de reintroducción a su obra para aquellos que se unieron a la fiesta más recientemente. Como en esas películas anteriores, la sensación dominante es la de ver a los humanos como juguetes para las ideas cada vez más sádicas de un titiritero enfermo. 

No es una broma, es lo que hace Lanthimos, y el grado de simpatía (o, más apropiadamente, de relajación) que uno tenga con esta película determinará el apetito que uno tenga por él, que parece un limpiador de paladar provisional y para los verdaderos fans. Algunos de los que pensaron que sus dos últimas películas eran un pasatiempo excéntrico podrían acabar sintiéndose como algunos de los desafortunados protagonistas de esta película: maltratados, maltrechos y atrapados, pero cualquiera que comparta el placer de Lanthimos al aplastar a sus humanos como si fueran moscas sin duda obtendrá un placer irónico de ello.

Crítica Cinéfila: Poor Things

Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Emma Stone es una mujer que comienza de cero en la nueva y sorprendente película de Yorgos Lanthimos, “ Poor Things”. Para la mayoría de nosotros, la vida se compone de conocimientos y circunstancias que tardamos décadas en acumular hasta que morimos. Para Bella Baxter de Stone, ese proceso ocurre en dos horas y media, gracias a un procedimiento de reanimación después que la encuentran una vez una mujer muerta flotando en un río, ahora viva nuevamente con el cerebro de su hijo no nacido dentro de su cabeza.

Bella, de soltera Victoria, es una tabula viva que respira, libre de presiones sociales, decoro o sutilezas. Y Stone, en su interpretación más descaradamente extraña hasta la fecha, la interpreta como una niña pequeña que da sus primeros pasos y dice sus primeras palabras, hasta que al final de “Poor Things” ella habla francés con fluidez y estudia anatomía, con los ojos y los oídos llenos de emoción y mundanería.

Realizado audazmente con un diseño de producción de color caramelizado, decorados alucinantes repletos de suficientes irrealidades de huevos de Pascua como para llenar el rompecabezas más difícil de 5,000 piezas, y trajes victorianos tremendamente exagerados que también parecen hechos por una costurera esquizoide. Y con la suficiente sobredosis de azucar, también es histéricamente divertida y la película más atrevida que probablemente verás en todo el año.

Lanthimos nos sitúa en lo que parece un Londres victoriano del siglo XIX, pero las sutilezas surrealistas que sólo aumentan en su extrañeza sugieren un mundo abierto y agrietado fuera de lugar y tiempo: los carruajes tirados por caballos son literalmente mitad caballo, mitad carruaje, los pájaros tienen caras de tiburón y una quimera mitad cerdo, mitad gallina camina por las calles sin que nadie se lo piense. Estas anomalías médicas experimentales se le atribuyen al funerario y científico enloquecido Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe, sombríamente tranquilizador).

Está marcado, literal y psíquicamente, por los tormentos de su padre, cirujano, y ahora tiene un rostro que parece un cuadro de Picasso, como si lo hubieran cortado, desarmado, reorganizado al azar y vuelto a coser. También es un eunuco que tiene que “hacer mis propios jugos gástricos”. Uno de sus protegidos en el quirófano es el médico novato del pueblo, Max McCandles (Ramy Youssef, adorablemente inepto y perpetuamente atónito), y juntos le devuelven la vida a Bella Baxter, y Max espera casarse con ella.

"Qué adorable retardada", le dice McCandles a Godwin (a quien Bella acabará llamando simplemente "Dios") sobre su creación nacida de nuevo mientras Bella se pone a golpear superficies, orinarse y balbucear tonterías en un inglés entrecortado que poco a poco empieza a tomar una forma lingüística más reconocible. Ahora sobre esa obscenidad antes mencionada: parte de la curva de aprendizaje existencial de Bella, por supuesto, viene con el descubrimiento de la masturbación y, finalmente, el sexo, del cual “Poor Things” está lleno de una cantidad escandalosa. Bella hace algo con una manzana que hará que todos olviden a Elio y el durazno de “Call Me by Your Name” y, todavía en un estado pueril y lascivo, llama al sexo “saltos furiosos”, sugiriendo a McCandles que tal vez “se tocan las partes genitales del otro”.

“Poor Things” en última instancia trata sobre el viaje erótico de Bella desde fuera del escenario del espejo freudiano hacia el mundo como un ser sexual despierto. Lanthimos y el guionista de “The Favourite”, Tony McNamara, a partir de una novela epistolar de 1992 de Alasdair Gray, están fascinados por las formas en que el deseo gobierna toda nuestra toma de decisiones. Al conocer al pícaro y decadente abogado Duncan Wedderburn (un petulante Mark Ruffalo), Bella decide que debe "aventurarse" en lugar de atarse a Dios y McCandles, con quienes está comprometida.

Y esas aventuras incluyen muchos saltos furiosos, como en un viaje a Lisboa (una creación alucinante de los diseñadores de producción Shona Heath y James Price), Duncan y Bella lo practican en todas las posiciones imaginables. Pero a medida que Bella se vuelve más inteligente y sabia cada día, y sus mechones de pelo negro siguen creciendo a una velocidad sobrenatural, Wedderburn comienza a preguntarse si ella es realmente "el diablo envuelto en un cuerpo seductor y un cerebro que separa a las personas".

“Poor Things” está llena de comentarios nocivos, descarados y agrios como estos, como lo es, por supuesto, el oficio de Tony McNamara, cuyo viperoso triángulo erótico lésbico en “The Favourite” arrojó infinitas máximas citables que seguramente se abrirán paso en El panteón del diálogo. “Poor Things” no es diferente. "Te miro y no siento nada más que la persistente pregunta de ¿cómo te quise?", le dice Bella a Wedderburn, cansada de sus celos de que ella se convierta en su propia persona.

Mientras está en un crucero por el Mediterráneo, un pasajero cínico interpretado por Jerrod Carmichael (cuyas lecturas de líneas son demasiado inexpresivas) le dice a Bella que la degradación, el horror y la tristeza son lo que nos hace personas sustanciales. Como cualquier fan de Lanthimos sabe, esas son piedras de toque de todas sus películas anteriores, incluida “Dogtooth”, de temática similar, que también se centró en los encuentros fenomenológicos de las personas y la comprensión del mundo que las rodea. Y, por lo general, para Lanthimos, la humanidad existe dentro de una bola de nieve que le gusta agitar para su propia diversión macabra; literalmente, mientras el director de fotografía Robbie Ryan encuadra el mundo con bastante frecuencia con una lente de ojo de pez, un dispositivo que ocasionalmente lo hizo tropezar en “The Favourite”, aquí se adapta al material visto desde el punto de vista asombrado del yo inquisitivo de Bella.

Pero la degradación, el horror y la tristeza rara vez entran en juego en “Poor Things”, una comedia sexual llena de empatía y esperanza sobre las posibilidades de una vida iniciada desde cero. Tomemos como ejemplo el colapso emocional de Bella cuando se encuentra, por primera vez, con las clases bajas mientras visita Atenas, un grupo de cuerpos disipados al estilo de Hieronymus Bosch en la base de un pintoresco acantilado. “¿Quién soy yo para acostarme en una cama de plumas mientras los bebés muertos yacen en una zanja?” Bella quiere ser una buena persona tanto como “Poor Things” demuestra el deseo de Lanthimos de extender algo más que un simple encogimiento de hombros hacia la humanidad y sus crueldades innatas.

Al ver esta belleza maximalista de una película en una sala de cine, es difícil resistir el impulso de hacer una pausa y detectar cualquier siguiente locura que se les ocurrió a estos cineastas para poblar los fondos. Más allá de las imágenes orgiásticas, “Poor Things” también está repleta de fabulosos personajes secundarios que van y vienen de la forma picaresca de la educación sentimental y erótica de Bella: Kathryn Hunter, con tatuajes en todo el cuerpo, interpreta a una madame del burdel parisino, ronca y que se muerde el lóbulo de la oreja; Christopher Abbott como un siniestro recién llegado cuyas intenciones no se estropearán en esta crítica; Hanna Schygulla como un pájaro de las nieves que viaja en un crucero y que “no ha tenido sexo en 20 años”; y Suzy Bemba como una prostituta con quien Bella tiene un encuentro sexual queer y un vínculo quizás más especial. En el centro hay un giro deliciosamente fuera de lo común de Emma Stone, prueba de que, sea cual sea la frecuencia agrietada en la que ella y Lanthimos viajan, su alquimia es la verdadera.

“Poor Things” es la mejor película de la carrera de Lanthimos y ya se siente como un clásico instantáneo, mordazmente divertido, caprichoso y excéntrico, modesto y sin pretensiones, lleno de tanto que adorar que tratar de analizarlo todo en esta publicación resulta casi complicado a las ambiciones que la película posee.

Crítica Cinéfila: Cruella

Explora los rebeldes comienzos de una de las villanas más conocidas del cine y famosa por su elegancia: Cruella de Vil. Ambientada en el Londres de los años 70, en plena revolución del punk rock, la película muestra a una joven estafadora llamada Estella, así como la serie de acontecimientos que la llevan a asumir su lado malvado y a convertirse en la estridente y vengativa Cruella.

Con un sentido de la moda perversamente impresionante, una banda sonora retro eléctrica y su personaje principal pecaminosamente entretenido, "Cruella" es la película de Disney más genial de todos los tiempos.

El director Craig Gillespie no es ajeno a antihéroes por lo que aquí se enfrenta a otro rebelde complicado en nada menos que la villana de "101 Dálmatas" que mata cachorros, Cruella de Vil . En la comedia criminal deliciosamente alocada ambientada en el Londres punk de la década de 1970, la reina de la maldad de todos los tiempos de Disney cobra nueva vida con Emma Stone dándole personalidad exagerada, con una Emma Thompson deliciosamente antipática como contraste que saca lo mejor y lo peor de ella.

Emma Stone interpreta el papel principal de "Cruella" como una joven diseñadora de moda en Londres.

“Cruella” rastrea a su personaje principal (cuyos característicos mechones de cabello en blanco y negro son totalmente naturales) desde una recién nacida despreciada hasta una estudiante acosada y una rufián británica huérfana. Estella crece como una estafadora con sus compañeros callejeros en Londres, los ladrones de buen corazón Jasper (Joel Fry) y Horace ( Paul Walter Hauser ), pero también anhela ser diseñadora de moda. Estella es contratada en una tienda departamental elegante como conserje, pero después de una noche de borrachera rehaciendo un escaparate que provoca su despido, su ídolo, el ícono de la alta costura, la baronesa Von Hellman (Thompson), se da cuenta de la creatividad sin explotar de Estella y le da un trabajo en su mansión de moda competitiva.

Demasiado alta para manejar y demasiado fría para la mayoría de sus empleados, la baronesa toma a Estella bajo su protección, por razones no del todo altruistas. Estella descubre que su jefe tiene un collar inconfundible atado a su pasado que desea desesperadamente recuperar. Actuando de incógnito como la "Cruella" enmascarada con sus amigos criminales para un atraco en un baile, nuestra protagonista también descubre una comprensión asombrosa sobre la baronesa y aprovecha un lado oscuro reprimido durante mucho tiempo.

Estella crea una leyenda urbana misteriosamente elegante para sí misma mientras busca destruir y reemplazar a la baronesa. Sin embargo, también aliena a los más cercanos a ella y se ve obligada a elegir qué tipo de Cruella realmente va a ser.

Los atuendos de la diseñadora de vestuario Jenny Beavan son absolutamente impresionantes y esenciales para el estilo nítido de la película, al igual que la música: una secuencia ambientada en "Stone Cold Crazy" de Queen muestra a Cruella corriendo por la calle en su auto Panther De Ville, encorvada y conduciendo como una loca en un divertido guiño a la caricatura "Dálmatas" de 1961. Los amantes de Disney de la vieja escuela notarán referencias sutiles ocasionales, pero afortunadamente Gillespie frena el servicio exagerado de los fanáticos. Y para aquellos preocupados por los muchos perros que andan por ahí considerando la reputación del personaje central, el guión de "Cruella" de Dana Fox y Tony McNamara juega con sus expectativas de maneras inteligentes y no asesinas.

Sin embargo, nada de esto funciona sin Stone. Tiene el momento cómico para las escenas más ligeras, así como las habilidades de actuación para lograr la transformación psicológica del personaje y el ajuste de cuentas personal: la película le da a Estella / Cruella una ramificación en el camino y buenas razones por las que podría ir por cualquier camino. La clave es que Stone tenga un compañero de escena tan mordaz como Thompson, cuya baronesa es un monstruo hilarantemente degradante con su propia razón de ser dramática.

Fry y Hauser son bastante agradables como pícaros moralmente arraigados, aunque la película se pierde al no darle un papel más importante a Kirby Howell-Baptiste como la columnista de chismes Anita Darling, la amiga de escuela de Cruella y, como Jasper y Horace, otro retroceso de los "dálmatas". Y a las dos horas y cuarto, “Cruella” tarda un poco en comenzar con una apertura con mucha exposición, aunque se asienta a buen ritmo una vez que Estella y su antagonista principal se encuentren.

El resultado es una historia de dos Emmas. En el centro, por supuesto, está Stone , que se burla de la maldad invasora de Estella mientras conserva toda la presencia carismática en la pantalla que ha definido su carrera hasta ahora, y tiene un acento británico decente para empezar. Entre la teatralidad y las pelucas de dos tonos, encuentra momentos de humanidad sin disminuir la deliciosa extremidad de Cruella. Pero es Emma Thompson que amenaza con robar la película como La baronesa, una jefa de la moda cuya naturaleza despiadada se extiende mucho más allá de la pasarela. Ya sea que esté cortando prendas con una navaja de afeitar, leyendo en voz alta sus propias críticas favorables o llamando a la gente "imbéciles" con niveles fatales de burla, es una creación asesina. Thompson lo interpreta a la perfección absoluta, huyendo con cada escena en la que se encuentra.

No hay forma de que Disney haga algo tan abiertamente nihilista como "Joker", aunque Gillespie, alegre (ya veces conmovedoramente), aprovecha temas similares de lucha de clases y hechos desafortunados para dar un refrescante mordisco a una manzana podrida. Esta Cruella no es del todo buena ni del todo mala, simplemente es Cruella.

Crítica Cinéfila: Zombieland Double Tap

En esta secuela y empleando el característico sentido del humor del que hizo gala "Zombieland", el grupo de protagonistas tendrá que viajar desde la Casa Blanca hasta el corazón de los Estados Unidos, sobreviviendo a nuevas clases de muertos vivientes que han evolucionado desde lo sucedido hace algunos años, así como a algunos supervivientes humanos rezagados. Pero, por encima de todo, tendrán que tratar de soportar los inconvenientes de convivir entre ellos. 

Cuando la infección de los zombies se desató, la mayoría eran demasiado tontos para reaccionar a tiempo, dejando solo a cuatro personas sin infectar: ​​un neurótico ansioso (Jesse Eisenberg) cuya larga lista de reglas excesivamente cautelosas lo había mantenido vivo, un super-entusiasta agresivo de la Segunda Enmienda (Woody Harrelson) francamente ansioso por reventar a los devoradores de cerebros y a dos hermanas ingeniosas ( Emma Stone y Abigail Breslin) que lograron seguir su propia filosofía. En lugar de apegarse, la pandilla se refirió entre sí por sus pueblos natales (Columbus, Tallahassee, Wichita y Little Rock, respectivamente) y terminaron formando una especie de familia.

Avanzó una década, y Wichita es un ganador del Oscar, Columbus se atribuyó el invento de Facebook y los creadores Rhett Reese y Paul Wernick continuaron deconstruyendo la película de superhéroes a lo grande, escribiendo ambas entregas de la franquicia "Deadpool", mientras que Ruben Fleischer falló al alza, dirigiendo "30 minutes or less" y "Gangster Squad" antes de "Venom". Eso significa que los cheques de pago se han incrementado para casi todo el mundo, incluso si el rodaje en sí todavía se realiza con un presupuesto reducido.

En el universo de "Zombieland", el mundo no ha cambiado mucho. Los cuatro principales todavía están juntos, esta familia virtual se vuelve más disfuncional cada día. Mientras tanto, una cierta variedad de zombies se están volviendo más inteligentes. Algunos son prácticamente imposibles de matar. "T-800", los llama Columbus, después del androide imparable en Terminator. Eso significa que, después de años de burlar fácilmente a sus agresivos, estos personajes necesitan ajustar sus métodos y encontrar una nueva forma de luchar. los de los no muertos que simplemente se niegan a morir.

Ahora, si la premisa de la primera película era que este cuarteto era especialmente adecuado para la supervivencia, "Zombieland: Double Tap" sugiere que los humanos mucho menos inteligentes que estos cuatro podrían de alguna manera sobrevivir. Primero, los hombres conocen a Madison (Zoey Deutch), el estereotipo de chica rubia pero tonta que es una maravilla que no se haya suicidado por accidente. Mientras el mundo se volvía loco a su alrededor, ella se refugió en el centro comercial, encerrándose en un congelador de Pinkberry cada vez que se acercaba el peligro. Luego está Berkeley (Avan Jogia), un pacifista que de alguna manera ha logrado una estrategia para evitar conflictos.

Resulta que hay toda una comunidad de pacifistas de ideas afines que mantienen un estado de felicidad postapocalíptica en un lugar llamado Babilonia, donde el enfrentamiento final entre los zombies y los cerebros en peligro disminuye. Pero antes de que pueda ocurrir esa confrontación épica, la pandilla, que fluctúa en número, pero que básicamente involucra a un escuadrón de rescate para Little Rock, debe viajar desde la Casa Blanca (donde se había refugiado temporalmente) hasta lo que queda de la finca de Elvis Presley en Graceland.

En el camino, Tallahassee y Columbus descubren que cualquier dinámica especial que pensaron que tenían es compartida por otra pareja: el macho alfa Albuquerque (Luke Wilson) mata a los zombies con su camión monstruoso, mientras que el inquieto Flagstaff (Thomas Middleditch) juega a wingman. Es una variación de la mordaza de "Shaun of the Dead", donde una pequeña pandilla de sobrevivientes se topa con una banda de personajes comunes mientras se escabullen por los callejones, solo aquí, en lugar de ir por caminos separados, los dos pares de personajes terminan luchando por sus vidas. Mientras los muchachos luchan con sus doppelgängers, Nevada (Rosario Dawson), de mentalidad independiente, se ve como una especie de árbitro despiadado. Ella es la adición más bienvenida, incluso si, como con todos sus personajes femeninos, la película parece más centrada en su atractivo sexual que en su personalidad.

Los zombies han evolucionado en Zombieland; la comedia no tanto. Pero está bien, porque el éxito de Fleischer de 2009, que se embolsilló $75.6 millones en un género que se acerca rápidamente a su punto de saturación de la cultura pop, ya está a su punto de comodidad: su cuarteto sabía que vivían en un película de muertos vivientes y, por lo tanto, estaban armados para defenderse de una raza de malos terroristas modernos, incluyendo las críticas.

Incluso el clásico de Zom-com "Shaun of the Dead" recicló la rutina prolongada en la que los personajes tardan mucho en darse cuenta del hecho de que un ser querido infectado también se está transformando en un devorador de carne. "Zombieland", por el contrario, fue afortunadamente meta, francamente irreverente al respecto, y tuvo lugar en un mundo donde la idea de los zombis ya estaba muy extendida, dando a su conjunto una ventaja a la hora de sobrevivir a la terminación de la especie.

En ese sentido, la secuela de "Zombieland" (coescrita por Dave Callaham, el escriba de "The Expendables", que comparte crédito con Reese y Wernick) vuelve a caer en los defectos del original. Algunas líneas cuasi potenciadas pronunciadas por las mujeres no excusan que estos personajes existan principalmente como intereses amorosos para sus co-estrellas hormonales masculinas. Peor aún, la violencia una vez más funciona como una especie de broma, ya que los "buenos" de la película ejecutan alegremente legiones de ex humanos anónimos, lo que hace que John Wick parezca una especie de peso ligero en comparación.

A riesgo de sonar cuadrada, este tipo de asesinato en masa alegre es un subproducto escalofriante del género, como "The Walking Dead" estableció su tono despiadado directamente cuando Rick Grimes le disparó a una niña zombie en el piloto, así Zombieland se burla en la cara de su audiencia con los bofetones sangrientos a sus muertos vivientes. Aquí, el humor convierte cada asesinato en una frase enfermiza, y mientras los escritores hacen un buen trabajo para hacerlos divertidos, como dibujos animados macabros en los que Wile E. Coyote puede recuperarse de lesiones impensables, el tono de la película niega un respeto fundamental por la vida humana. Será solo una película, pero al igual que los videojuegos de disparos en primera persona que hacen referencia al título "Double Tap" de la película, la sociedad no puede simplemente sentarse pasivamente y aceptar una actitud que se burla del pacifismo y saca a la luz esa violencia extrema. O de lo contrario somos los zombies, y la broma es sobre nosotros.

Desde los primeros días de George A. Romero, se han hecho muchas películas de zombies por prácticamente ningún dinero, mientras que Fleischer trabaja lo más esbelto posible sin comprometer el resultado. Pero de una cosa está seguro: quiere garantizar mucha sangre a poca lógica de personajes que sobreviven y emociones exageradas. Seguro los amantes superficiales de zombies la adorarán.

The Favourite

Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra con los franceses. Una reina debilitada, Anne, ocupa el trono, mientras que su amiga Lady Sarah gobierna el país en su lugar, debido al precario estado de salud y al carácter inestable de la monarca. Cuando una nueva sirvienta aparece, Abigail (Emma Stone), su encanto seduce a Sarah.

Yorgos Lanthimos es del tipo de cineasta que se ha desarrollado sin posicionarse hacia un género en específico. Es cierto que sus películas siempre resultan ser bien inusuales y con un estilo muy particular, incluso entre ellas mismas, pero la verdad es que él nunca ha tenido una zona de comfort. Aún más lo comprueba con The Favourite, una película de época enfocada en la lucha por el favoritismo de las mujeres, y termina siendo una verdadera obra en esencia.

La historia sigue a dos mujeres: Sarah, una amiga cercana de la reina Anne, y quien siempre ha protegido a la reina de los bullicios de los hombres, al nivel de que termina manipulando a la reina con tal de conseguir lo que a ella le plazca; por otro lado está Abigail, quien había sido vendida por su padre a cambio de un pedazo de tierra, pero quien termina llegando a este palacio pidiéndole a su prima Sarah que la empleara, teniendo que hacer todo tipo de trabajos a los que nunca estuvo acostumbrada cuando tuvo una mejor vida en la nobleza.

La prematura confianza que se tenían se ve arrollada cuando Abigail comienza a interactuar con la reina, opacando la atención de Anne y dándole el cariño que aparentemennte nadie más ha sabido darle, ni siquiera su amiga Sarah. Es allí donde ambas mujeres batallan por la confianza de la reina; pero a pesar de que una termina destruyendo a la otra, ninguna se imagin las consecuencias que su batalla va a provocar en la reina.

La acción de The Favourite transcurre en el reinado de Anne de Inglaterra, a principios del siglo XVIII: su historia de alianzas y traiciones –al estilo de Juego de tronos, pero con verdadero ingenio– adquiere una dimensión intemporal gracias a un inspirado trabajo con los anacronismos: entre bailes palaciegos, coreografías modernizadas, una banda sonora que mezcla a Bach, Vivaldi y Elton John, y los diálogos, que además de estar abarrotados de frases contemporáneas, suenan al son de la comedia de la era dorada de Hollywood, a gran velocidad, siempre al borde del precipicio del absurdo.

En este escenario, tres mujeres más emotivas de lo que podría parecer a simple vista, participan en una contienda de amistades peligrosas: Emma Stone es una joven que su belleza compra a cualquiera; Rachel Weisz es la controladora del reino; y, por último, tenemos a la monarca, Olivia Coleman, probablemente el personaje más fascinante creado hasta la fecha por Lanthimos, por pasar de ser una reina dominada a un ser dominante hasta sus últimos días. Coleman –la hija de Margareth Tatcher en La dama de hierro y la sustituta de Claire Foy como Isabel II en la tercera temporada de The Queen– es la joya de la corona de The Favourite: una figura que, en un principio, se presenta puramente caricaturesca, acongojada por su gordura y atormentada por una mala circulación sanguínea, pero que poco a poco va revelando un complejo universo interior marcado por los traumas de múltiples abortos espontaneos, la soledad, los anhelos y los requerimientos autoritarios de su rol monárquico.

The Favourite explora la psicología de sus personajes de un modo relativamente tradicional, mostrando la manera en que cada capítulo les afecta y provoca a tomar decisiones que no parecían estar en su camino. La trama desarrolla el tema de abuso de poder y cómo cualquier persona puede convertirse en alguien totalmente distinto cuando saborean el poder por un instante. La originalidad de la narrativa, apoyada por una interesante fotografía (compuesta por panorámicas y composiciones con el lente de ojo de pez), ayudan a la audiencia entender el compendio de emociones que experimentan los personajes que se enriquecen con cada vivencia y emociones que van viviendo: de las múltiples seducciones a las negociaciones para prolongar o acabar con la guerra con Francia, los complots y traiciones al descubrimiento progresivo de las flaquezas y traumas de los personajes. 

Por otro lado, hay que destacar el trabajo de producción de diseño, que se tomó su tiempo en verdaderamente encarnar esas habitaciones reales, tal cual y cómo muchos museos hoy en día los presentan. Desde el detalle de las pinturas y fanatismo por el exceso de flores y colores vivos, hasta la exactitud del vestuario, maquillaje y hasta peinado. Todo fue muy bien pensado para que la película se sintiese como un viaje en el tiempo hacia tres siglos antes.

El tema sobre la lucha de género se presenta en carne viva, pero lo hace alineándose más hacia el empoderamiento de la mujer a la hora de la toma de decisiones. Resulta ser una buena demostración de que las mujeres siempre han sabido manejar sus propias situaciones sin mucha consulta a ojos masculinos. 

Al final, esta historia es una metáfora de cómo la cabeza de un reinado se da cuenta de las personas que la han estado tratando de manipular, y decide demostrarle a todos quien es la verdadera patrona. Así, The Favourite termina brillando como una absorbente exploración sobre la búsqueda del amor, un severo estudio del modo en que unos anhelos primitivos son destruidos por una estructura social proclive a la corrupción política, la violencia social y una endiablada guerra de sexos en la que termina prevaleciendo el todos contra todos.

Ganadores de la 70 edición de los Premios BAFTA

Lista completa de los ganadores en la edición número 70 de los Premios BAFTA.

MEJOR PELÍCULA: La La Land

La Llegada
Yo, Daniel Blake
Manchester frente al mar
Moonlight

MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA: Yo, Daniel Blake

American Honey
Denial
Animales fantásticos y dónde encontrarlos
Notes on Blindness
Under the shadow

MEJOR DIRECTOR: Damien Chazelle (La La Land)

Denis Villeneuve (La Llegada)
Ken Loach (Yo, Daniel Blake)
Kenneth Lonergan (Manchester frente al mar)
Tom Ford (Animales Nocturnos)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Manchester frente al mar

Comanchería
Yo, Daniel Blake
La La Land
Moonlight

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Lion

La Llegada
Hasta el último hombre
Figuras ocultas
Animales Nocturnos

MEJOR ACTOR: Casey Affleck (Manchester frente al mar)

Andrew Garfield (Hasta el último hombre)
Jake Gyllenhaal (Animales Nocturnos)
Ryan Gosling (La La Land)
Viggo Mortensen (Capitán Fantastic)

MEJOR ACTRIZ: Emma Stone (La La Land)

Amy Adams (La Llegada)
Emily Blunt (La chica del tren)
Meryl Streep (Florence Foster Jenkins)
Natalie Portman (Jackie)

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Dev Patel (Lion)

Aaron Taylor Johnson (Animales Nocturnos)
Hugh Grant (Florence Foster Jenkins)
Jeff Bridges (Comanchería)
Mahershala Ali (Moonlight)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Viola Davis (Fences)

Hayley Squires (Yo, Daniel Blake)
Michelle Williams (Manchester frente al mar)
Naomie Harris (Moonlight)
Nicole Kidman (Lion)

MEJOR DIRECCION DIRECTOR, GUIONISTA O PRODUCTOR BRITÁNICO DEBUTANTE: Babak Anvari (Guión/Dirección), Emily Leo, Oliver Roskill, Lucan Toh (Producción) (Under the Shadow)

Mike Carey(Guión), Ccamille Gatin (Producción) (The Girl With All the Gifts)
George Amponsah (Guión/Dirección/Producción), Dionne Walker (Guión/Producción) (The Hard Stop)
Peter Middleton (Guión/Dirección/Producción), James Spinney (Guión/Dirección), Jo-Jo Ellison (Producción) (Notes on Blindness)
John Donnelly (Guión), Ben A. Williams (Dirección) (The Pass)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: El hijo de Saúl

Dheepan
Julieta
Mustang
Toni Erdmann

MEJOR DOCUMENTAL: 13th

Eight Days a Week
The Eagle Huntress
Notes on Blindness
Weiner

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Kubo y las cuerdas mágicas

Buscando a Dory
Moana
Zootrópolis

MEJOR MÚSICA: La La Land

La Llegada
Jackie
Lion
Animales Nocturnos

MEJOR FOTOGRAFÍA: La La Land

La Llegada
Comanchería
Lion
Animales Nocturnos

MEJOR MONTAJE: Hasta el último hombre

La Llegada
La La Land
Manchester frente al mar
Animales Nocturnos

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Animales Fantásticos y dónde encontrarlos

Doctor Extraño
¡Ave, César!
La La Land
Animales Nocturnos

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Jackie

Aliados
Animales Fantásticos y dónde encontrarlos
Florence Foster Jenkins
La La Land

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Florence Foster Jenkins

Doctor Extraño
Hasta el último hombre
Animales Nocturnos
Rogue One: Una historia de Star Wars

MEJOR SONIDO: La Llegada

Marea Negra
Animales Fantásticos y dónde encontrarlos
Hasta el último hombre
La La Land

MEJORES EFECTOS VISUALES: El libro de la selva

La Llegada
Doctor Extraño
Animales Fantásticos y dónde encontrarlos
Rogue One: Una historia de Star Wars

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN BRITÁNICO: A Love Story

The Alan Dimension
Tough

MEJOR CORTO BRITÁNICO: Home

Consumed
Mouth of Hell
The Party
Standby

PREMIO BAFTA A LA ESTRELLA EMERGENTE: Tom Holland

Anya Taylor-Joy
Laia Costa
Lucas Hedges
Ruth Negga