Crítica Cinéfila: Springsteen: Deliver Me from Nowhere

 Adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación del álbum "Nebraska", de Bruce Springsteen, de 1982. La película sigue a 'The Boss' cuando era un joven músico en los albores de la fama mundial, tratando de reconciliar las presiones del éxito con los fantasmas de su pasado. Grabado en un viejo cassette de cuatro pistas en su habitación en Nueva Jersey, 'Nebraska' refleja un periodo trascendental de su vida y está lleno de personajes perdidos en busca de una razón para creer.

 

Así como "A Complete Unknown" escapó de la tediosa convencionalidad de las biografías musicales que abarcan toda la vida de un artista al explorar los inicios de su enigmático protagonista, Bob Dylan, "Springsteen: Deliver Me From Nowhere" logra un impacto conmovedor al centrarse en el artista como un joven deprimido. Esto no significa que el retrato de Bruce Springsteen realizado por Scott Cooper sea deprimente. Si buscas celebrar los himnos del hijo predilecto de la clase trabajadora de Nueva Jersey, esta película tan personal quizá no cumpla con tus expectativas. Pero los verdaderos fans —en especial aquellos que admiran el álbum Nebraska de 1982— conectarán con este drama íntimo.

Publicado entre el influyente álbum doble de 1980, The River, y el salto definitivo al estrellato cuatro años después con Born in the USA, Nebraska representó una audaz apuesta profesional, lejos de ser la cosecha de sencillos Top 10 que Columbia Records probablemente esperaba. Se trata de una colección acústica de temática oscura, grabada de forma casera, inspirada en los relatos de Flannery O'Connor, la película "Badlands" de Terrence Malick, el asesino en serie de finales de los 50, Charles Starkweather, y el trauma infantil no resuelto de Springsteen.

Todo esto supone un reto para Jeremy Allen White en el papel protagonista, y aunque su parecido con Springsteen es mínimo, profundiza en la melancólica interioridad del músico durante una época difícil que finalmente lo llevó a buscar tratamiento para la depresión. Interpreta al personaje recio, vestido con su uniforme de camisa de franela a cuadros, vaqueros y chaqueta de cuero, como un hombre agobiado por sus demonios. White también impresiona con su voz en directo; su voz solo se mezcla con la de Springsteen en algunas de las grabaciones de Nebraska.

Al principio, Cooper incluye un emocionante interludio con Bruce y la E Street Band arrasando en el escenario del Cincinnati Coliseum en 1981 con “Born to Run”. Pero esta es una película mucho más introspectiva de lo que sugiere esa escena. Tras la extenuante gira River Tour de doce meses, Bruce tiene 32 años y se siente perdido. Le dice a su amigo y representante de toda la vida, Jon Landau (Jeremy Strong): “Necesito volver a casa y bajar un poco el ritmo”.

Jon le consigue un alquiler en una zona tranquila y boscosa de Colts Neck, Nueva Jersey, donde intenta encontrar su camino. De vez en cuando, rememora sus días de músico en el Stone Pony de Asbury Park, pero mientras Columbia presiona a Jon para que lo guíe hacia el próximo éxito de "Hungry Heart", Bruce está más preocupado por sentirse ajeno al mundo que mejor conoce.

Incluso una chispa de romance con Faye (Odessa Young), una camarera soltera que trabaja en un restaurante y es la hermana menor de un compañero de escuela al que se esfuerza por recordar, se vuelve difícil de mantener para él en algunas de las escenas más conmovedoras.

El recuerdo se abre ante él cuando Bruce pasa en coche por la casa de su infancia, ahora una triste y destartalada vivienda en un barrio obrero, ya que sus padres se han mudado a California. Pero el miedo que a menudo sentía hacia su volátil padre, Doug (Stephen Graham), un alcohólico con violentos cambios de humor, y la ansiedad de su sobreprotectora madre, Adele (Gaby Hoffman), siguen muy presentes.

Cooper recurre al blanco y negro para los flashbacks, un recurso narrativo muy utilizado que funciona aquí gracias a la rica estética visual de Masanobu Tayayanagi, su colaborador habitual en la fotografía, y a su convincente ambientación. La vulnerabilidad del joven actor Matthew Anthony Pellicano Jr. en el papel del preadolescente Bruce también da vida a estos episodios; una escena en la que su padre lo lleva a ver "The Night of the Hunter" es especialmente memorable. Y Graham (Adolescence) introduce sutilmente matices redentores que se profundizarán en algunas escenas realmente conmovedoras entre padre e hijo hacia el final.

En cierto modo, se siente como un documental sobre la creación de un álbum, dedicando gran parte de su tiempo a Bruce componiendo y grabando canciones en una grabadora de cuatro pistas en su habitación de la casa de Colts Neck. Trabajando únicamente con el técnico de guitarra Mike Batlan (Paul Michael Hauser), graba versiones básicas de canciones que originalmente iban a ser desarrolladas en el estudio con la E Street Band. Pero durante las frustrantes sesiones en el legendario estudio de grabación Power Station de Hell's Kitchen, Bruce siente que la banda está eclipsando las canciones e insiste en reducirlo todo a lo esencial, masterizando el álbum directamente desde las cintas, con todas sus imperfecciones.

Los detalles del proceso de grabación resultarán fascinantes para cualquiera interesado en cómo se hace música, aunque la lucha de poder entre Bruce y el ingeniero Chuck Plotkin (Marc Maron) para conseguir el sonido minimalista y con eco que busca no sea precisamente el material más dramático. Pero hay humor en la reacción del ejecutivo de Columbia, Al Teller (David Krumholtz), a la noticia de Jon: "¿¡Va a sacar un disco de folk!?". Aunque los personajes secundarios podrían haber estado más desarrollados, hay una tierna sensación de que la gente intenta proteger a Bruce, incluso Faye, el personaje de Young, que tiene escenas desgarradoras en las que está tan preocupada por él como por su propio dolor.

Strong parece interpretar a Landau siguiendo su estilo habitual, pero la lealtad de Jon es conmovedora, actuando como un escudo entre Bruce y los ejecutivos de CBS. También comparte en casa con su esposa (Grace Gummer) sus preocupaciones sobre cómo las canciones de Nebraska abordan temas perturbadores de culpa, de los que se siente incapaz de hablar con su amigo. En un momento desgarrador más adelante en la película, Bruce le dice: «Creo que ya no puedo huir de esto». El dolor de Jon al confesar que se siente incapaz de ayudar es casi igual de palpable.

Además de Graham, Hoffman también causa una gran impresión como Adele. Su lealtad a su atormentado esposo, a pesar de todo lo que él le hizo pasar, sugiere un estoicismo arraigado, probablemente común entre las esposas de mediados de siglo, para quienes la idea de abandonar el hogar era impensable.

La producción, visualmente atractiva, destaca especialmente en la parte sonora. La escena en la central eléctrica, donde la E Street Band interpreta por primera vez "Born in the USA", es apoteósica, aunque la música en general tiene menos protagonismo del esperado. Por momentos, el biodrama se siente emocionalmente débil, pero hay una melancólica belleza en el hecho de que Springsteen sintiera la necesidad de posponer éxitos seguros como "Born in the USA", "Glory Days" e "I'm on Fire" hasta haber superado el impacto de "Nebraska".

La decisión de retratar al artista no como una estrella de rock, sino como un ser humano frágil pero también como un artista intransigente, dota a "Deliver Me From Nowhere" de una solemne integridad. Algunos argumentarán que faltan canciones clave de Nebraska. Y quien desee un análisis detallado, canción por canción, debería consultar el libro de Warren Zanes, que sirvió de base para el guion de Cooper. Lo que la película y la angustiosa e introspectiva interpretación de White transmiten con creces es el estado mental del que surgió uno de los álbumes más importantes de la discografía de Springsteen, el que él considera su mejor trabajo. Las películas sobre la depresión son difíciles, pero los fans que se involucren con el tema durante un momento de transición, de catarsis artística y personal, se verán recompensados.

Crítica Cinéfila: Cruella

Explora los rebeldes comienzos de una de las villanas más conocidas del cine y famosa por su elegancia: Cruella de Vil. Ambientada en el Londres de los años 70, en plena revolución del punk rock, la película muestra a una joven estafadora llamada Estella, así como la serie de acontecimientos que la llevan a asumir su lado malvado y a convertirse en la estridente y vengativa Cruella.

Con un sentido de la moda perversamente impresionante, una banda sonora retro eléctrica y su personaje principal pecaminosamente entretenido, "Cruella" es la película de Disney más genial de todos los tiempos.

El director Craig Gillespie no es ajeno a antihéroes por lo que aquí se enfrenta a otro rebelde complicado en nada menos que la villana de "101 Dálmatas" que mata cachorros, Cruella de Vil . En la comedia criminal deliciosamente alocada ambientada en el Londres punk de la década de 1970, la reina de la maldad de todos los tiempos de Disney cobra nueva vida con Emma Stone dándole personalidad exagerada, con una Emma Thompson deliciosamente antipática como contraste que saca lo mejor y lo peor de ella.

Emma Stone interpreta el papel principal de "Cruella" como una joven diseñadora de moda en Londres.

“Cruella” rastrea a su personaje principal (cuyos característicos mechones de cabello en blanco y negro son totalmente naturales) desde una recién nacida despreciada hasta una estudiante acosada y una rufián británica huérfana. Estella crece como una estafadora con sus compañeros callejeros en Londres, los ladrones de buen corazón Jasper (Joel Fry) y Horace ( Paul Walter Hauser ), pero también anhela ser diseñadora de moda. Estella es contratada en una tienda departamental elegante como conserje, pero después de una noche de borrachera rehaciendo un escaparate que provoca su despido, su ídolo, el ícono de la alta costura, la baronesa Von Hellman (Thompson), se da cuenta de la creatividad sin explotar de Estella y le da un trabajo en su mansión de moda competitiva.

Demasiado alta para manejar y demasiado fría para la mayoría de sus empleados, la baronesa toma a Estella bajo su protección, por razones no del todo altruistas. Estella descubre que su jefe tiene un collar inconfundible atado a su pasado que desea desesperadamente recuperar. Actuando de incógnito como la "Cruella" enmascarada con sus amigos criminales para un atraco en un baile, nuestra protagonista también descubre una comprensión asombrosa sobre la baronesa y aprovecha un lado oscuro reprimido durante mucho tiempo.

Estella crea una leyenda urbana misteriosamente elegante para sí misma mientras busca destruir y reemplazar a la baronesa. Sin embargo, también aliena a los más cercanos a ella y se ve obligada a elegir qué tipo de Cruella realmente va a ser.

Los atuendos de la diseñadora de vestuario Jenny Beavan son absolutamente impresionantes y esenciales para el estilo nítido de la película, al igual que la música: una secuencia ambientada en "Stone Cold Crazy" de Queen muestra a Cruella corriendo por la calle en su auto Panther De Ville, encorvada y conduciendo como una loca en un divertido guiño a la caricatura "Dálmatas" de 1961. Los amantes de Disney de la vieja escuela notarán referencias sutiles ocasionales, pero afortunadamente Gillespie frena el servicio exagerado de los fanáticos. Y para aquellos preocupados por los muchos perros que andan por ahí considerando la reputación del personaje central, el guión de "Cruella" de Dana Fox y Tony McNamara juega con sus expectativas de maneras inteligentes y no asesinas.

Sin embargo, nada de esto funciona sin Stone. Tiene el momento cómico para las escenas más ligeras, así como las habilidades de actuación para lograr la transformación psicológica del personaje y el ajuste de cuentas personal: la película le da a Estella / Cruella una ramificación en el camino y buenas razones por las que podría ir por cualquier camino. La clave es que Stone tenga un compañero de escena tan mordaz como Thompson, cuya baronesa es un monstruo hilarantemente degradante con su propia razón de ser dramática.

Fry y Hauser son bastante agradables como pícaros moralmente arraigados, aunque la película se pierde al no darle un papel más importante a Kirby Howell-Baptiste como la columnista de chismes Anita Darling, la amiga de escuela de Cruella y, como Jasper y Horace, otro retroceso de los "dálmatas". Y a las dos horas y cuarto, “Cruella” tarda un poco en comenzar con una apertura con mucha exposición, aunque se asienta a buen ritmo una vez que Estella y su antagonista principal se encuentren.

El resultado es una historia de dos Emmas. En el centro, por supuesto, está Stone , que se burla de la maldad invasora de Estella mientras conserva toda la presencia carismática en la pantalla que ha definido su carrera hasta ahora, y tiene un acento británico decente para empezar. Entre la teatralidad y las pelucas de dos tonos, encuentra momentos de humanidad sin disminuir la deliciosa extremidad de Cruella. Pero es Emma Thompson que amenaza con robar la película como La baronesa, una jefa de la moda cuya naturaleza despiadada se extiende mucho más allá de la pasarela. Ya sea que esté cortando prendas con una navaja de afeitar, leyendo en voz alta sus propias críticas favorables o llamando a la gente "imbéciles" con niveles fatales de burla, es una creación asesina. Thompson lo interpreta a la perfección absoluta, huyendo con cada escena en la que se encuentra.

No hay forma de que Disney haga algo tan abiertamente nihilista como "Joker", aunque Gillespie, alegre (ya veces conmovedoramente), aprovecha temas similares de lucha de clases y hechos desafortunados para dar un refrescante mordisco a una manzana podrida. Esta Cruella no es del todo buena ni del todo mala, simplemente es Cruella.