Crítica Cinéfila: The Menu

Una joven pareja viaja a uno de los destinos más exclusivos del mundo para cenar en un restaurante que ofrece una experiencia culinaria única. Sin embargo, el chef ha preparado un ingrediente secreto que tendrá un resultado sorprendente en los dos enamorados.

Un restaurante de cinco estrellas llamado Hawthorne, ubicado en una isla alejada de toda civilización, está creando un menú especial para algunos invitados de alto perfil: una famosa crítica gastronómica, una estrella de "cine", algunos amigos de las finanzas, parejas acomodadas y fanáticos de su chef Slowik (interpretado por Ralph Fiennes). Recibieron invitaciones y se presentan con sus egos, arrogancia y dinero. La atípica, Margot Mills (Taylor-Joy), es la cita de Tyler (Nicolas Hoult) que no estaba en la lista de invitados. La fachada no impresiona a Mills. Ella sabe que algo está mal en la atmósfera tan pronto cuando llega a la isla. Elsa (Hong Chau) es la segunda al mando de Slowik y ayuda a que el lugar funcione sin problemas, pero rápidamente nota la extrañeza (o impertinencia) de Margot, y no deja de fijarse en ella.

La cocina de Hawthorne está dirigida como los militares. Llevan la comida a los asientos de sus invitados, responden a las órdenes al unísono y solo hablan cuando se les habla. Nadie piensa que esto es raro excepto Margot. El chef mira a su invitado con desdén. ¿Quizás un indicio de lo que vendrá? Elabora sus platos basándose en su vida y en la vida de sus invitados. Parece conocer información secreta sobre todos ellos y revela estos hechos aprendidos a través de varias comidas. Estas personas están destinadas a estar en Hawthorne, y todos menos Margot se merecen lo que les espera.

"The Menu" proporciona comentarios satíricos desconcertantes sobre la división de clases y cómo los ricos son un pozo sin fondo de necesidad que nunca será satisfecho. Slowik se da cuenta de que Margot no viene de dinero; que en realidad es una trabajadora sexual. Interactuar con los ricos es una experiencia sin alma que elimina toda la diversión y el amor de cualquier arte. En un momento, Margot habla de disfrutar de su línea de trabajo hasta interactuar con hombres ricos arrogantes. Esencialmente, Hawthorne es el pobre levantándose y usando la comida como presagio de la muerte. Los trabajadores del servicio de alimentos y del sexo se destacan aquí porque la sociedad menosprecia las profesiones. Es un recordatorio de que merecen respeto. 

El elenco estelar de "The Menu" está al unísono. Judith Light, John Leguizamo, Chau, Fiennes, Taylor-Joy, Hoult, Janet McTeer y muchos otros creyeron lo suficiente en el guión inteligentemente escrito de Reiss y Tracy como para ser parte de él. Hay química por todas partes, con los actores jugando entre sí y apoyándose en las acciones de los demás a medida que avanza la película. Importante destacar a Chau, que la viene arrasando últimamente. Ella se compromete completamente con cada papel y se puede estimar alguna nominación o incluso reconocimiento en esta próxima temporada de premios.

El diseño de sonido y la partitura de Collin Stetson es una orquesta degustante que hace rejuego con la cinematografía casi publicitaria, en el buen sentido. La película no sería tan agradable sin ella. El sonido atraviesa tu cuerpo como un cuchillo de cortar carnes. Cada chillido, aplauso y ruido metálico del cristal es limpio y preciso. Mylod entreteje estos elementos en su estilo cinematográfico deliberadamente incómodo con destellos de la estética de Ari Aster. El director guía a la audiencia por un camino sinuoso que los desorientará, por lo que nunca verán lo que se avecina.

Una de las escenas más discutidas de 2021 se lee como una precuela no planificada en este thriller cómico negro y sangriento. En Pig, de Michael Sarnoski, el chef convertido en un recluso del bosque, Rob, destripa suavemente al chef de un lujoso restaurante de alta cocina, que también es uno de los ex empleados de Rob. Desde el punto de vista de Rob, el otro chef se traicionó a sí mismo cuando abandonó su sueño de ser dueño de un pub íntimo y cómodo, a favor de servir comida elaboradamente deconstruida a snobs que en su mayoría se preocupan por cuánto cuestan. “Todos los días, te despiertas y eres menos”, le dice Rob al chef, quien se ve devastado, pero no como si estuviera en desacuerdo. “Vives tu vida por ellos, y ni siquiera te ven. Ni siquiera te ves a ti mismo”.

"The Menu" se siente como el siguiente paso en esa historia, si el desafortunado chef de alto nivel hubiera decidido convertir la revelación de Rob en contra de su clientela en lugar de hacerlo hacia adentro. La película burla el tipo de gente que comería en ese restaurante que el chef Rob desprecia, con sus “vieiras emulsionadas” y “espuma de arándano forrajera, bañada en el humo de las piñas de abeto de Douglas”. Pero también encuentra un poco de humanidad en ellos. Una de las cosas más intrigantes de la película es la forma en que los cineastas encuentran espacio para ensartar cada objetivo a la vista.

Anya Taylor-Joy interpreta a Margot, una cita de última hora para Tyler (Nicholas Hoult), un obsesivo amante de la alta cocina, que se aseguró un asiento en un restaurante exclusivo en una isla privada, encabezado por el renombrado Chef Slowik (Ralph Fiennes). A Margot no le importa el tipo de comida que sirve el chef Slowik, como unas pocas manchas de salsa ingeniosamente espaciadas en un plato, anunciadas como un descarado "plato de pan sin pan". Pero Tyler está obsesionado con el trabajo del chef Slowik y la posibilidad de ganarse su atención e interés. Son una pareja extraña desde el principio, con una extraña tensión entre ellos que sugiere secretos que esperan ser revelados.

No son los únicos que tienen secretos. Los otros comensales en esta noche en particular incluyen a una crítica gastronómica petulante (Janet McTeer) y su editor adulador (Paul Adelstein), una estrella de cine tipo B (John Leguizamo) y su asistente (Aimee Carrero), un trío de ruidosos tacaños tecnológicos que inician la noche alardeando de gastar su cena de manera fraudulenta, y una pareja mayor que siente que podría reconocer a Margot. Luego está el chef Slowik, que ha planeado un "menú" peligroso para la noche diseñado para sacar a la luz los secretos de sus clientes.

Hasta dónde está dispuesto a llegar el chef Slowik y lo que está pasando con Margot, constituyen la mayoría de las complicaciones en esta trama. De lo contrario, podría convertirse en un thriller de venganza bastante sombrío y familiar dirigido a algunos objetivos fáciles: personas ricas, con derecho, groseras y engreídas. Si no hubiera más cosas debajo de la superficie, "The Menu" correría el riesgo de parecer una versión elegante de uno de esos slashers adolescentes que se trata más de ver a jóvenes simbólicamente odiosos y superficiales siendo asesinados por un asesino.

En cambio, el guión de Seth Reiss y Will Tracy reparte las revelaciones con un cuidadoso sentido de ritmo y escalada, manteniendo un equilibrio de simpatías entre las víctimas y el autor intelectual. Claramente, no esperan que la audiencia se sume por completo a la gente que paga $1,250 cada uno por una cena minimalista, principalmente por presumir de la experiencia. Tampoco dejan a sus víctimas como cifras. Margot, naturalmente, ocupa el centro del escenario, y Taylor-Joy le da una energía feroz y quebradiza que la convierte en una protagonista convincente. Hoult ofrece una actuación igualmente fuerte como un hombre que se ve obligado a aceptar sus propias pretensiones de una manera particularmente dolorosa. Pero cada personaje a su vez tiene un poco de tiempo en el escenario, incluida la dedicada asistente del chef Slowik, Elsa.

Y el mismo Fiennes es un activo considerable, como de costumbre. Dirige la acción en su restaurante como un líder de culto, pone una cara cálida y benévola cuando se adapta a la historia, y luego trae una forma despiadada de psicopatía fría a la mesa para otras escenas. Tratar de adivinar qué hay debajo de su superficie es uno de los mayores desafíos de la película y una de sus mayores alegrías, principalmente porque está escrito e interpretado como un villano con algunas arrugas simpáticas, un hombre que corteja la empatía y evoca horror al mismo tiempo.

"The Menu" a menudo se lee como una versión expansiva de una obra de teatro de un solo set, donde un grupo de personas obligadas a estar muy cerca se quiebra gradualmente bajo la presión y revela cosas nuevas sobre sí mismos. Mucho de lo que lo mantiene en marcha no es esa energía escénica, sino la puesta en escena en sí misma. El diseñador de producción Ethan Tobman se inspiró en todo, desde en referencias gastronómicas del cine de autor, hasta en la arquitectura expresionista alemana. Él y el director de fotografía Peter Deming le dan a la película una frialdad áspera y punitiva que enfatiza tanto la falta de comodidad o calidez en la alta cocina como el estado de ánimo del chef Slowik. Es una película apropiadamente suntuosa e impulsada por los sentidos, con algo sorprendente para mirar en cada encuadre.

Hay una extraña falta de voluntad para comprometerse con el potencial de Grand Guignol de la película, probablemente por el deseo de mantener al elenco para el acto final. Hay una desconexión entre el odio del Chef Slowik hacia sus invitados que cuando llega se siente un poco tardío y el nivel de sus crímenes comparativos, algunos de los cuales son mucho más personales y significativos que otros. El desprecio de la película por la arrogancia y los derechos es sencillo y satisfactorio, pero cuando otros motivos comienzan a impulsar la historia, como los celos de Elsa por Margot o la ira del chef Slowik hacia un cliente recurrente por no recordar cada uno de sus platos, la historia de venganza se cuaja un poco.

Aún así, la voluntad de Reiss y Tracy de implicar al chef Slowik junto con su plan vanidoso y obsesionado con la superficie le da a esta película una intriga sorprendente. Slowik diseñó su propia caída y su propio tormento, y "The Menu" no lo deja libre al jugar como un cuento moral de cómo contraatacar a los ricos. El humor en esta película es mayormente sutil (particularmente en los títulos de los platos hilarantemente irónicos que aparecen en la pantalla), pero en última instancia es también un híbrido de thriller y terror. Hay cierta tensión mientras los espectadores esperan para ver cómo se desarrollará todo, pero Mylod y los escritores también sugieren que vale la pena reírse un poco de todos los involucrados, ya sea que estén ofreciendo versiones elegantes del caos o simplemente pagando por su propia aniquilación.

Crítica Cinéfila: TÁR

La mundialmente famosa Lydia Tár está a solo unos días de grabar la sinfonía que la llevará a las alturas de su ya formidable carrera. La notablemente brillante y encantadora hija adoptiva de Tár, Petra, de seis años, tiene un papel clave en la tarea. Y cuando los elementos parecen conspirar contra Lydia, la joven es un apoyo emocional importante para su madre en apuros.

No es hasta una hora después de “Tár” que se reconoce al personaje del título, una directora de orquesta clásica conocida en todo el mundo como Lydia Tár, aquí interpretada por Cate Blanchett, quien hace lo que nació para hacer. Es una actuación asombrosa anidada dentro de otra: en una toma, Lydia se eleva como un coloso sobre el podio y la cámara, su rostro es visible solo para los músicos sentados fuera de la pantalla, sus brazos abiertos como si estuviera abrazando, incluso parece que está poseyendo el mundo. Los aficionados a la música clásica, que tendrán la oportunidad de sentirse identificados con esta película, también tendrán observaciones más agudas sobre los méritos de la técnica de la postura y la batuta de Blanchett. Pero esta actriz ni siquiera necesita levantar una batuta, o acercarse a un podio, para que su audiencia sienta que está en presencia de un cuerpo y una mente musical singularmente dotados.

Uno de los extraños placeres de "Tár" es que no se puede dejar de imaginar la película como un origen del personaje, presentando a Lydia en una introducción al mundo de los "maestros musicales", para convencer de su genialidad al principio. Pero el guionista y director Todd Field da por sentada esa genialidad y confía en que el público lo reconocerá inmediatamente; respeta la inteligencia de la audiencia con tanta seguridad como la magnificencia de su estrella. Y ese respeto queda claro en la larga y burlona revelación de una secuencia de apertura: una sesión de preguntas y respuestas en el escenario moderada por el escritor neoyorquino Adam Gopnik (interpretándose a sí mismo) que lleva a la audiencia, con risas de buen gusto y aplausos suaves como la radio, a la peculiar esfera cultural de Lydia.

Gopnik recita una lista impresionantemente variada (y hábilmente expositiva) de los logros profesionales de Lydia: no solo todas las prestigiosas orquestas que ha dirigido, sino también los honores que ha recibido como pianista, compositora, maestra, autora, estudiosa de la música indígena peruana y una extraordinaria triunfadora cuyo trabajo abarca la música, la televisión, el cine y el teatro (sí, ella es una ganadora de EGOT ).

Lydia, casualmente resplandeciente con un sencillo traje negro y una camisa blanca con el cuello abierto, se toma un momento para registrar todos estos elogios antes de desviarlos suavemente. Ella describe su amor por sus héroes como Mahler y Leonard Bernstein, y se posiciona en una pequeña y orgullosa tradición de directoras, incluidas Nadia Boulanger y Antonia Brico. Hay una nota delicada de metaplacer en la actuación de Blanchett: puede que esté interpretando el papel de directora con un aplomo impecable, pero también lo es, por supuesto, la propia Lydia.

La capacidad de realizar la grandeza es en sí misma un componente clave de la grandeza, como lo sabe esta gran película. También lo es la ilusión de accesibilidad: en sus apartes autocríticos y charlas posteriores a las preguntas y respuestas, Lydia extiende la noción halagadora para la audiencia de que incluso se podría comenzar a entender lo que hace. Puede describir, con impresionante precisión y seguridad en sí misma, la belleza de una composición o la metodología detrás de los movimientos de sus manos. Pero lo que distingue a “Tár” de tantas películas buenas y malas sobre artistas es su comprensión de que lo que se hace llamar genialidad nunca puede realmente ser conocido, y mucho menos filmado. Solo se puede imaginar realmente.

Y ahora, Field, poniendo fin a una ausencia de 16 años en el cine, ha imaginado los mundos interior y exterior de Lydia con una claridad y un rigor que hacen que 158 minutos pasen volando como un sueño. Si “el tiempo es la pieza esencial de la interpretación”, como afirma Lydia desde el principio, entonces vale la pena destacar el dominio del tiempo cinematográfico de este cineasta. También lo son la sombría precisión de la fotografía de Florian Hoffmeister, la fluidez de la edición de Monika Willi y el elegante y lujoso diseño de producción de Marco Bittner Rosser. Si hay una razón por la que esta película fluye tan absorbentemente, incluso con su ritmo decididamente suave, puede ser que la narración de Field no establece una distinción artificial entre lo grande y lo pequeño, lo importante y lo mundano; todo lo que se ve y se escucha importa.

Si hay una lógica que rige la historia, es que en casi todas las escenas, Lydia está actuando, y en cada actuación, revelará algo que no necesariamente pretendía. Eso es cierto ya sea que esté tomando un trago obligatorio con un inversionista adinerado (Mark Strong) o enseñando en Juilliard, donde humilla cruelmente a un estudiante, Max (Zethphan D. Smith-Gneist), en un virtuoso monólogo extendido. La interpretación de Lydia no termina cuando deja Nueva York y regresa a Alemania, donde se desempeña como directora principal de la Filarmónica de Berlín, otro papel que interpreta con una habilidad perfecta, cautivando a sus colegas y subordinados con su ingenio seco y afable autoridad inquebrantable.

Porque si Lydia siempre está actuando, también siempre está dirigiendo, coordinando, manipulando sin piedad y, a veces, silenciando a las personas en su vida como si fueran miembros de su propia orquesta personal. A algunos de ellos, como el asistente de dirección de Lydia (Allan Corduner) y el mentor envejecido y jubilado (Julian Glover), se les concede un solo breve momento de brillar.

La más conmovedora de ellas proviene de Sharon (Nina Hoss), la violinista de la orquesta y compañera de Lydia, con quien comparte un apartamento maravillosamente cavernoso y una hija pequeña. Hoss, cuya mirada tranquila y comprensiva puede registrar incluso los cambios más sutiles en la temperatura emocional, aquí sublima su personalidad estelar de la misma manera que Sharon reprime sus propias necesidades. Conoce los sacrificios emocionales que ha hecho para vivir y cuidar a una celebridad.

Eso significa hacer la vista gorda ante algunos de los secretos menos deseosos de Lydia, cuya ocultación recae en gran medida en una ambiciosa asistente personal, Francesca (Noémie Merlant). Los detalles de las indiscreciones de Lydia son ambiguos, pero las conclusiones que se pueden sacar de ellas son casi banales y prácticas. A medida que varias mujeres jóvenes y encantadoras aparecen y desaparecen del radar de Lydia, como una estudiante de dirección a la que repentinamente eclipsa o una violonchelista rusa de prodigioso talento (Sophie Kauer), "Tár" se convierte en un estudio fríamente modulado sobre el abuso de poder y los impulsos depredadores de los famosos y influyentes, incluso en una era en la que los correos electrónicos, las entradas de Wikipedia y los videos de TikTok conllevan amenazas cada vez mayores de exposición pública.

Lydia, con su profunda reverencia por las tradiciones musicales centenarias, es previsiblemente ajena a estos escollos tecnológicos modernos y se sorprende ante la perspectiva inminente de su propio merecido. Pero en otros aspectos, es un instrumento extraordinariamente perceptivo. Blanchett enfatiza la aguda sensibilidad de Lydia al sonido, ya sea que esté silenciando el tic físico nervioso de alguien o detectando perturbaciones espeluznantes en su apartamento a altas horas de la noche. ¿Alguien la está acechando a ella y a su familia, o su culpa por sus fechorías pasadas finalmente la están alcanzando? “Tár” no es exactamente una película de terror, pero a veces su desconcertante tensión psicológica puede hacer referencia a thrillers de este estilo.

En "Tár", Lydia se deshace en parte por su desafío a los vientos culturales cambiantes en las esferas superpuestas de la música, la industria y la academia que ocupa. Como una mujer lesbiana rara en una profesión dominada por hombres, es sin duda una pionera, aunque como tantos testaferros bien establecidos, también es una ferviente defensora del status quo. Se burla de las iniciativas de diversidad, minimiza las barreras de género e insiste en que las políticas de identidad, lo que ella llama "el narcisismo de las pequeñas diferencias", no tienen cabida en la evaluación del arte.

Pero si "Tár" hurga en algunas burbujas de pensamiento amigables con el discurso como "#MeToo" y "cancelar la cultura", y deja caer algunas referencias deliberadas a músicos caídos en desgracia como Plácido Domingo y James Levine, es demasiado inteligente para ser reducida a ellos, rechazando las comodidades del absolutismo moral y la indignación fácil. Field coloca a Lydia Tár, la magnífica artista, y a Lydia Tár, el monstruoso ser humano, una al lado de la otra, e insiste en que las dos podrían, de hecho, estar simbióticamente conectadas.

El gran arte se nutre de la transgresión de los límites, tanto morales como estéticos. Si bien a Lydia la llaman con muchos nombres desagradables, es revelador que su insulto favorito sea "robot", como si un autómata que respeta las reglas fuera lo peor que una persona podría ser. Lo que hace que "Tár" sea tan vigorosamente honesta es hasta qué punto está de acuerdo con ella. Su tono, fríamente discreto pero no exactamente neutral, deja espacio tanto para la exasperación como para la admiración. Esta puede ser una obra moral sobre la caída de una mujer poderosa, pero hay algo en la negativa de Field y Blanchett a abandonar a Lydia en su punto más bajo que subvierte el aparato dramático habitual de crimen y castigo.

El final de la película es oscuramente divertido e inquietantemente ambiguo, no debido a una confusión real sobre lo que está sucediendo, sino porque se niega a instruir a la audiencia sobre cómo uno debe sentirse al respecto. Lydia es y siempre ha sido una artista incansablemente prolífica e inventiva, un gigante del medio que la eligió. Y ella también puede, contra todo pronóstico, tener un regreso triunfal bajo la manga.

Cinéfila aconseja: 25 películas y series sobre violencia de género

Ya me conocen... soy una cinéfia amante de la cinematografía feminista. Pero como activista reconozco que la sociedad, a nivel mundial, aún batalla por la igualdad y equidad de género, y más aún por un mundo libre de violencia de género. 

El cine, tanto en la ficción, documentales y series, ha logrado visibilizar las situaciones de violencia en la que muchas mujeres alrededor del mundo viven; un sistema normalizado de sexismo que tiene diferentes tipos de violencia, pero donde se resalta la violencia doméstica, el abuso sexual, el acoso y la manipulación. En honor al Día Internacional de la Erradiación de la Violencia contra la Mujer, les comparto 25 películas, documentales y series que exponen estos espacios de violencia, en algunas de ellas luchando en contra de estas situaciones.

1. Maid (Serie de ficción, 2021 - Netflix)

En  Maid , la joven madre Alex, interpretada por Margaret Qualley, y su hija de 2 años, Maddy, son víctimas no solo del esposo abusivo y alcohólico de Alex, Sean, sino también de un sistema roto que brinda poco o ningún apoyo una vez que se van, lo que los obliga. Alex a tomar la decisión desgarradora de volver con su ex abusivo para poder sobrevivir. Maid  hace un trabajo estelar al resaltar el abuso no físico (abuso psicológico y verbal, control coercitivo, abuso financiero) y las complicadas consecuencias de estas tácticas. Como han atestiguado durante mucho tiempo sobrevivientes y defensores, las víctimas de abuso no físico pueden sufrir tanto o más que las víctimas de abuso físico. El programa también señala de manera devastadora que, en todos los ámbitos, un abusador no se detiene mágicamente en el momento en que un sobreviviente sale por la puerta, especialmente cuando hay niños involucrados. 

2. Promising Young Woman (Ficción, 2020 - HBO MAX)

El debut de Emerald Fennell como directora presenta a Cassie, una joven que tenía un brillante futuro por delante hasta que un desagradable incidente truncó su carrera. Ahora nada en su vida es lo que parece: es inteligente, audaz y vive una doble vida de noche. Cassie tiene la oportunidad de enmendar todo lo que no salió bien en su pasado, vengándose de los culpables. La película examina no solo a los directamente involucrados en la agresión sexual, sino también a los responsables adyacentes de dejarlo pasar sin control. Demuestra cómo aquellos que no están directamente involucrados tienen actitudes cómplices que tienen efectos mucho más allá del asalto, lo que agrava la experiencia de las víctimas del trauma. 

3. The Handmaid's Tale (Serie de ficción, desde el 2017 - Hulu)

Esta adaptación de la novela de Margaret Atwood se desarrolla en un futuro distópico donde se ha implantado una dictadura fundamentalista. Tras el asesinato del presidente de los Estados Unidos y la mayoría del Congreso, se instaura en el país un régimen teocrático basado en los más estrictos valores puritanos. Los Estados Unidos de América, desde ese momento, pasan a ser conocidos como la República de Gilead. En esa nueva sociedad, la mayor parte de los valores modernos occidentales han quedado desterrados. La mujer pasa a un segundo plano, siendo prácticamente un objeto cuyo único valor está en sus ovarios, pues hay un problema de fertilidad en Gilead. La violencia sexual de las mujeres, que no hacen nada por evitarla, es uno de los puntos clave de la trama. Los gobernantes de la república de Gilead afirman que las mujeres están mejor protegidas en Gilead que en la sociedad anterior a Gilead, debido a la propagación de la violación y la pornografía. Esta razón se utilizó como justificación de los gobernantes para replicar a la violencia sexual de las mujeres. 

4. Thelma & Louise (Ficción, 1991 - Amazon Prime)

Thelma Dickinson, un ama de casa de vida vacía y anodina, está casada con un hombre violento que la trata como a una niña. Por su parte, Louise Sawyer trabaja como camarera en una cafetería y sueña con que su novio Jimmy, que es músico, se case con ella. Un fin de semana deciden hacer un viaje juntas en el coche de Louise para alejarse de la mortal rutina de sus vidas y de todas sus frustraciones. Sin embargo, su escapada, que prometía ser divertida y, sobre todo, liberadora, acaba siendo una experiencia llena de episodios dramáticos. La película presenta el género como una construcción y destaca, en beneficio de hombres y mujeres, que los roles que se les otorgan no tienen por qué ser los roles que se desempeñan.

5. Game of Thrones (Serie de ficción, 2011-2019 - HBO MAX)

La historia se desarrolla en un mundo ficticio de carácter medieval donde hay Siete Reinos. Hay tres líneas argumentales principales: la crónica de la guerra civil dinástica por el control de Poniente entre varias familias nobles que aspiran al Trono de Hierro; la creciente amenaza de "los otros", seres desconocidos que viven al otro lado de un inmenso muro de hielo que protege el Norte de Poniente; y el viaje de Daenerys Targaryen, la hija exiliada del rey que fue asesinado en una guerra civil anterior, y que pretende regresar a Poniente para reclamar sus derechos dinásticos. Game of Thrones es posiblemente el espectáculo más violento que jamás haya llegado a las masas. Con violaciones, decapitaciones, desmembramientos, mutilaciones sexuales y otras diversas formas de horribles torturas gráficas en cada episodio, GOT sentó un nuevo precedente de violencia contra las mujeres en la televisión.

6. Bombshell (Ficción, 2019 - Netflix)

Esta película se enfoca en la deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes. A pesar de que la película se refiere a sí misma como un "relato ficticio" de los acontecimientos detrás de escena en Fox, no se puede evitar notar la representación realista del acoso sexual en el lugar de trabajo. Si bien es terrible que tantas mujeres hayan sufrido este tipo de acoso sexual, es importante, y tal vez un punto de inflexión, cuando historias como estas llegan a los medios de comunicación.

7. The Invisible Man (Ficción, 2020 - Netflix)

Cecilia (Elisabeth Moss) rehace su vida tras recibir la noticia de que su exnovio, un maltratador empedernido, ha fallecido. Sin embargo, su cordura comienza a tambalearse cuando empieza tener la certeza de que en realidad sigue vivo. La película de la escritora y directora Leigh Whannell dirige la cámara, por primera vez, hacia la víctima del Hombre Invisible como una configuración tan obvia para un gran thriller: el Hombre Invisible que causa estragos en la vida de su víctima como metáfora de la manipulación y el abuso, pero quizás uno que la industria cinematográfica dominada por hombres no estaba lista para asumir antes de la era #MeToo.

8. Athlete A (Documental, 2020 - Netflix)

Este documental se enfoca en las gimnastas víctimas de los abusos del doctor Larry Nassar, de la Federación de Gimnasia de los EE. UU., y los periodistas que destaparon la cultura tóxica de un deporte y una federación en el que lo único importante era ganar. El encubrimiento de los crímenes de Larry Nassar, como lo documentó el “Atleta A”, fue análogo a los escándalos de abuso sexual de la Iglesia Católica: la protección sistemática de los abusadores que pueden no haber sido tan poderosos en ellos mismos, por una organización de extraordinario poder. 

9. Anatomy of a Scandal (Serie de ficción, 2022 - Netflix)

Esta miniserie de 6 episodios sigue un escándalo y prosecusión en corte de un consentimiento sexual que se desata entre la élite británica privilegiada y las mujeres atrapadas a su paso. La agresión sexual se representa repetidamente a lo largo de cada episodio de la serie, sensacionalizando el acto con una gratuidad gráfica y descarada. Al final del programa, la cultura de la violación parece ser un fetiche, algo que no deberíamos tener que condenar por completo, pero aquí estamos. La violencia sexual, y cualquier tipo de violencia contra la mujer, no tiene cabida para ser glorificada en los principales medios de comunicación.

10. Speak (Ficción, 2004 - Disney+ | Hulu | Showtime)

Esta película de drama juvenil, titulada "Speak", cuenta la historia de una adolescente que es violada en una fiesta de la escuela secundaria y queda tan traumatizada por la experiencia que se queda muda. El personaje de Kristen Stewart queda aislado por todos en su escuela, incluidos sus amigos más cercanos, y se convierte en el blanco de acoso y burlas incesantes por parte de niños crueles, maestros y su propio violador. Mientras que el personaje de Stewart encuentra la redención al final de la película, la trama es básicamente dos horas de violencia sexual y abuso mental de una niña.

11. Django Unchained (Ficción, 2012 - HBO MAX)

En Texas, dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana, King Schultz, un cazarrecompensas alemán que sigue la pista a unos asesinos para cobrar por sus cabezas, le promete al esclavo negro Django dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Él acepta, pues luego quiere ir a buscar a su esposa Broomhilda, esclava en una plantación del terrateniente Calvin Candie. Si bien la reinvención de la historia a través del cine puede ser una excelente manera de educar ampliamente al público, Django Unchained lleva la violencia contra las mujeres, específicamente las mujeres negras esclavizadas, demasiado lejos. Es de esperar del director Quentin Tarantino, pero la película presenta violaciones rutinarias y otros actos de violencia sexual, flagelaciones brutales y más formas de tortura severa realizadas para subyugar a las mujeres.

12. North Country (Ficción, 2005 - HBO MAX)

Esta película nominada a multiples premiaciones, incluido dos Oscars, sigue a Josey Aimes, una madre soltera, quien regresa a su pueblo natal en el norte de Minnesota y, para salir adelante, busca empleo en las minas de hierro, un trabajo dominado completamente por hombres y donde hay una gran discriminación por género. Pronto Josey se verá sometida a todo tipo de humillaciones por ser mujer. La película ha mostrado la naturaleza controvertida y la fealdad del problema del acoso sexual que aún prevalece tanto en los países desarrollados como en los países en desarrollo. La historia de la película es un indicio de que los prejuicios y prejuicios contra las mujeres nunca han concluido a pesar de las persistentes afirmaciones de las teorías sobre la eficacia de la ley en la promoción de la igualdad entre hombres y mujeres. 

13. Never Rarely Sometimes Always (Ficción, 2020 - Apple TV)

Autumn, una apática y callada adolescente, trabaja como cajera en un supermercado rural de Pennsylvania. Viéndose obligada a sobrellevar un embarazo accidental y sin alternativas viables para poder realizar un aborto en su propio estado, ella y su prima Skylar reúnen algo de dinero y se embarcan en un autobús rumbo a Nueva York. Con la dirección de una clínica apuntada en un papel y sin un lugar en el que pasar la noche, las dos chicas se adentran en una ciudad que desconocen. Esta historia lidia más explícitamente con la noción de dominio y violencia patriarcal y la forma en que se filtra en todas las facetas de la sociedad. 

14. The Girl With the Dragon Tattoo (Ficción, 2011 - HBO MAX)

En "The Girl With the Dragon Tattoo", se sigue al periodista Mikael Blomkvist quien, en espera de poder librarse de una acusación de difamación que puede hundir su carrera, recibe un extraño encargo: trasladarse a una remota isla del norte de Suecia, donde la muerte no esclarecida de una joven cuarenta años atrás atormenta aún a su tío, el patriarca de una conocida familia. Sospechando que el asesino puede seguir aún en la isla, Blomkvist emprende una investigación que lo lleva a descubrir los secretos y mentiras de la poderosa y rica saga familiar, contando con el apoyo de su extravagante aliada, la hacker Lisbeth Salander. Esta trama presenta una de las representaciones más gráficas de una violación intensamente brutal vista en una película. Superficialmente, Salander es una muestra de cómo ha internalizado el odio sexista y se ha vuelto cruda para el mundo. Su reacción ante los hombres sexistas ha sido retirarse de todas las convenciones sociales e interacciones sociales.

15. The Assistant (Ficción, 2019 - HBO MAX)

Jane (Julia Garner) es una recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine que consigue un trabajo aparentemente ideal como asistente de un poderoso ejecutivo de la industria del entretenimiento. Su día es muy similar al de cualquier otro asistenta: preparar café, cambiar el papel en la fotocopiadora, ordenar el almuerzo, organizar viajes, recibir mensajes telefónicos, etc. Pero a medida que Jane sigue su rutina diaria, es cada vez más conscientes del abuso que colorea insidiosamente cada aspecto de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las cuales Jane decide adoptar una posición, quizás solo para descubrir la verdadera profundidad del sistema en el que ella ha entrado. Los incidentes aparentemente pequeños de acoso sexual que Jane presencia se acumulan con el tiempo. Green nos presenta una experiencia universal, una que ha sido difícil de poner en palabras y, en consecuencia, difícil de procesar. Sumergiéndonos en un retrato profundamente realista de lo que muchas mujeres soportan, intenta contar la historia en un lenguaje que podamos entender.

16. Martyrs (Ficción, 2008 - Apple TV)

En Francia, a comienzos de 1970, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es vista mientras camina por una carretera. Se encuentra en estado catatónico y es incapaz de contar nada de lo que le ha sucedido. Mártires establece algunos paralelos condenatorios con las grandes instituciones que ejercen el poder en nuestro mundo. El ciclo de abuso de la sociedad durante décadas contra las mujeres jóvenes es indicativo de la explotación institucional históricamente persistente de las mujeres y la forma femenina, tratadas como cuerpos y recursos para la investigación antes de ser tratadas como seres humanos. El abuso de las mujeres como conductos del trauma, motivado por expectativas opresivas y en beneficio de todos menos de ellas mismas, es una realidad que se extiende a nivel mundial. Su existencia en el sótano de una casa habitada por una “familia feliz” es un espejo: es un espacio que sabemos que existe, pero enmascarado por la ilusión de la sociedad doméstica. 

17. Memoirs of a Geisha (Ficción, 2005 - Netflix)

Chiyo, una niña de nueve años, es vendida por sus padres para trabajar en la casa de Geishas de Nitta Okiya. Su hermana mayor Satsu no es aceptada y es enviada a un prostíbulo. En la casa Chiyo conoce a Pumpkin, otra niña que va a ser instruida para ser geisha, así como a las famosas geishas Hatsumomo y su rival Mameha. Los comienzos de Chiyo son duros, pero un encuentro con el que será el amor de su vida, el Presidente, hará que desde ese momento sólo desee convertirse en una famosa geisha para estar más cerca de él. Memorias de una geisha establece el tema de lo que significa ser mujer en Japón. Con esta película en particular, vemos que el ideal de la mujer es convertirse en geisha, lo cual se circunscribe al género femenino. La identidad de Chiyo como geisha y subordinada se construye aún más a través del dominio institucional. La institución incluye distintas prácticas sociales, expectativas y normas, así como la restricción y facilitación del comportamiento.

18. American Murder: The Family Next Door (Documental, 2022 - Netflix)

Con imágenes reales sin editar, este documental ahonda en la desaparición de Shanann Watts y sus hijas, y los sucesos acontecidos posteriormente. Chris Watts asesinó a su esposa embarazada Shanann y a sus dos hijas pequeñas el 13 de agosto de 2018 en el pequeño pueblo de Frederick, Colorado. Los asesinatos de Watts se revisan en este devastador documental sobre su matrimonio, las redes sociales y la violencia contra las mujeres.

19. Orange is the New Black (Serie de ficción, 2013-2019 - Netflix)

Piper Chapman, una mujer de Connecticut con una vida estable a punto de casarse, es detenida a raíz de un delito de drogas que cometió hace una década: en aquellos días llevó un maletín con droga para Alex Vause, una traficante y antigua amante de Piper. Tras el juicio, es enviada a prisión de mujeres en Litchfield, Nueva York. Basada en las vivencias reales de Kerman, cuya experiencia entre rejas le sirvió para escribir el best-seller autobiográfico 'Orange Is The New Black: My Year In A Women's Prison'. A medio camino entre el drama y la comedia, una aclamada serie que aborda temas relacionados con la cárcel como el sistema penitenciario norteamericano, el lesbianismo, la represión sexual, el abuso de poder y la corrupción policial hacia las mujeres encarceladas.

20. I May Destroy You (Serie de ficción, 2020 - HBO MAX)

Arabella Essiuedu es una joven escritora que no se compromete, despreocupada y que se distrae fácilmente que, tras escribir un exitoso texto que atrajo mucha atención en internet, se encuentra proclamada como la ‘voz de su generación’. Ahora cuenta con un agente, un contrato literario y una inmensa presión. Después de ser agredida sexualmente en un club nocturno, su vida cambia irreversiblemente y Arabella se ve obligada a reevaluar todo: su carrera, sus amigos, y hasta su familia. Mientras Arabella lucha por aceptar lo que sucedió, también comienza un viaje de autodescubrimiento. “I May Destroy You” se puede considerar como parte de una tendencia cultural más amplia en la que las experiencias de agresión sexual de las mujeres negras aparecen con mayor frecuencia y se tratan con más sensibilidad.

21. Jeffrey Epstein: Filthy Rich (Docuserie, 2020 - Netflix)

Esta docuserie se apoya en testimonios de víctimas para analizar cómo el agresor sexual convicto Jeffrey Epstein utilizó su fortuna y poder para llevar a cabo sus abusos. Epstein, conocido financiero neoyorquino con gran influencia social y política en la ciudad hasta su acusación y condena por solicitar prostitución e incitar a la prostitución a menores, se ahorcó en su celda del Centro Correccional Metropolitano en Manhattan en agosto del 2019, en circunstancias sin esclarecer aún. Filthy Rich está anclado por las sobrevivientes del abuso de Epstein, ahora mujeres adultas. En sus muchas historias, recuerdan haber sido reclutadas o reclutar a otras chicas para ir a las propiedades de Epstein en Palm Beach y la ciudad de Nueva York o a su isla privada en las Islas Vírgenes de EE. UU. para tener relaciones sexuales con Epstein, a menudo bajo el pretexto de que estaban siendo contratadas.

22. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Ficción, 2017 - Amazon Prime)

Mildred Hayes, una mujer de 50 años cuya hija adolescente ha sido violada y asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la Policía de su pueblo, Ebbing, al considerar que no hacen lo suficiente para resolver el caso y que se haga justicia. Su primer paso será contratar unas vallas publicitarias denunciando la situación y señalando al jefe de policía, William Willoughby (Woody Harrelson), como responsable principal de la pasividad policial. La trama y sus personajes contrastan la complicidad de larga data de la iglesia católica en actos de violencia. y abuso sexual a la protección de los Crips y Bloods de su propia. Mildred sugiere que en una comunidad del medio oeste plagada de crímenes y prejuicios, su pastor supuestamente amable debe asumir parte de la responsabilidad. La “pandilla” de la que habla Mildred en la película es más grande y más amplia que la iglesia: incluye todo tipo de hombres que abusan e ignoran a las mujeres, y Mildred está dispuesta a acabar con ella. 

23. Keep Sweet: Pray and Obey (Docuserie, 2022 - Netflix)

Esta miniserie documental analiza el ascenso de Warren Jeffs dentro de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días y el proceso penal contra él. Esta iglesia también llamada  FLDS es una secta extrema de la iglesia mormona que practica la poligamia, donde se demuestra cómo su líder abusó de su posición en la iglesia para realizar matrimonios de menores, violar a menores de edad. niñas, y muchos más crímenes impensables.

24. En el tiempo de las Mariposas (Ficción, 2001 - Amazon Prime)

Narra la historia de las hermanas Mirabal, consideradas auténticas heroínas en la República Dominicana, pues apoyaron un intento revolucionario para derrocar al cruel dictador Trujillo. El 25 de noviembre de 1960, los cuerpos de las tres hermanas Mirabal se encontraron en el fondo de un acantilado en la costa norteña de la República Dominicana. Reseñado como un fatal accidente por la prensa oficial, la cuarta de las hermanas, conocidas como las Mariposas, se encargó de mantener el legado de la familia, su feroz ofensiva contra el régimen de Trujillo. Su lucha comenzó cuando Minerva rechazó las propuestas indecorosas del dictador, lo que llevó al asesinato de su padre. Patria, otra de las mariposas, organizó la oposición. La película demuestra cómo, la misma ola de violencia que se vivía durante la tiranía de Trujillo también estaba impregnada en las relaciones domésticas, ya sea esposos que usan la fuerza para controlar a sus esposas o padres que corrigen violentamente a sus hijas, la idea es que el sexo más grande, poderoso y dispuesto puede usar la violencia contra el otro.

25. She Said (Ficción, 2022 - HBO MAX)

La recién estrenada película de Maria Schrader explora a las reporteras del New York Times, Megan Twohey y Jodi Kantor, y cómo se determinaron publicar uno de los reportajes más importantes de una generación: una historia que ayudó al lanzamiento del movimiento #MeToo y rompió décadas de silencio sobre el tema de las agresiones sexuales en Hollywood. Las elecciones creativas de la película se prestan para crear una trama que pueda servir de molde para otros medios en el futuro que quieran tratar el tema de la agresión sexual; que la explotación y deshumanización de las mujeres no es algo que deba filmarse para el consumo para registrar su impacto. Basta con escuchar lo que dicen las víctimas.

Crítica Cinéfila: Argentina, 1985

"Argentina, 1985" está inspirada en la historia real de Julio Strassera, Luis Moreno Ocampo y su joven equipo jurídico que se atrevieron a acusar, contra viento y marea, a contrarreloj y bajo constante amenaza, a la más sangrienta dictadura militar argentina. Una batalla de David contra Goliat, con los héroes menos esperados.

Cuando los coroneles entran en la sala del tribunal, claramente creen que están libres. Un tribunal militar lleva un año decidiendo que cualesquiera que sean los excesos que hayan cometido la policía, el ejército y cualquier otra persona argentina con rango militar, estos señores no estaban en el medio donde sucedieron estas cosas, fueran lo que fueran “estas cosas”. Uno por uno, se levantan para anunciar que, como militares, no reconocen la autoridad del tribunal civil, tal vez pensando que estarán libres de este ajetreo judicial para la hora del almuerzo.

El excepcional thriller político "Argentina, 1985" de Santiago Mitre recuenta lo que sucedió cuando el departamento de justicia de la incipiente democracia fue acusado de enjuiciar a nueve miembros de la junta anterior. Bajo el régimen militar, que duró de 1976 a 1983, se estimó que 30,000 personas “desaparecieron”. Muchos de los que no desaparecieron habían sobrevivido a violaciones, torturas e internamientos en indescriptibles campos de concentración.

Hubo un gran deseo popular de nombrar y avergonzar a los responsables en la cima, pero la mayoría de la gente no creía que alguna vez funcionaría. La vieja guardia todavía tenía un control rudo sobre el país y sus instituciones; su influencia impregnó el sistema judicial, junto con todas las demás burocracias. Incluso el Departamento de Justicia se mostró reacio a asumir algo que probablemente fracasaría. Los militares tenían todas las razones para sentirse confiados. Nadie los tocaría.

El fiscal Julio Strassera no quería contratar a nadie, al parecer, pues prefería trabajar con su propio equipo a pesar del contratiempo. Ricardo Darin, uno de los más grandes actores del mundo, interpreta a Strassera. Como se muestra aquí, era un abogado de segunda línea que había sobrevivido a los años de tiranía aparentemente haciendo muy poco; su apodo en la oficina era "Loco". Argentina 1985 comienza como una comedia de oficina, en la que Loco hace todo lo posible por esquivar a su superior del ministerio que le va a instruir que se haga cargo de un caso inútil y agotador.

Cuando Strassera no logra escabullirse y le pone el caso en su escritorio, ninguno de los abogados experimentados a los que pide que formen un equipo acudirá. Tal vez solo querían una vida tranquila; tal vez, como dice bruscamente, era solo que siempre habían sido fascistas. La única ayuda que puede obtener es de jóvenes abogados idealistas recién salidos de la escuela, que no tienen ninguna experiencia.

Su adjunto es Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani): un abogado académico, vástago de una familia conservadora que bien podría estar involucrándose por llevarle la contraria a su madre y revelarse contra sus allegados familiares. ¿Qué sabe él de la batalla? El abogado contrario se burla de que Strassera parece haber elegido su equipo legal de una tropa de exploradores. Lo que olvida es cuánta energía tienen los jóvenes. Pueden leer archivos toda la noche y trabajar todo el día. Que es lo que hacen.

Más de 800 testigos contaron sus historias durante el juicio de cinco meses. Mitre filmó sus escenas largas y convincentes que mostraban a estos testigos en la sala del tribunal donde se llevó a cabo el juicio, lo que le dio a la filmación una atmósfera cargada de emociones y frustraciones. En la vida real, el juicio se mostró por televisión; los argentinos se aferraron a estas historias, noche tras noche. Estas transmisiones cambiaron la opinión de algunos. Incluso se ve a la madre de Moreno Ocampo cambiar de bando. Después de todo, la derrota de la junta puede estar a la vista.

La lucha culmina con el resumen de Strassera, un discurso de bravura que marca un hito en la película y en la historia política argentina. No es sólo un alegato de justicia para las víctimas de la junta, aunque ciertamente es eso. No sólo traza una línea bajo la dictadura, reivindicando la Argentina para la democracia, aunque también lo hace. Es una declaración audaz de los derechos de los seres humanos en todas partes. Y eso hace que esta película sea narrativamente y contextualmente brillante.

Lo que distingue a esta película de otras sagas políticas es la destreza con la que Mitre y su coguionista Mariano Llinas han entretejido la urdimbre de la lucha política con la trama de la lucha humana. Su alcance es amplio, sus complejidades legales claramente explicadas, pero Darin lleva "Argentina, 1985" de una escena a la siguiente en lo que sin duda es la mejor actuación de su carrera hasta el momento. Tiene la habilidad de pasar de la comedia irónica a la intensidad dramática con un golpe de látigo de gaucho. Como Julio Strassera, es notable.

Pero el mismo Strassera, aún el encarnado aquí, se nota que también fue notable. Con su espectacular discurso, alcanza su potencial no solo como abogado, sino como hombre. El hijo pequeño que nunca vio lo suficiente en el pasado se sienta con él mientras escribe ese discurso, incluso contribuyendo con una frase clave. Ya no espía a su hija adolescente, habiendo aprendido a respetarla. Ella le dijo claramente que tenía cosas más importantes que hacer. Su esposa Silvia (Alejandra Flechner, excelente), quien evidentemente es la mejor mente de su hogar, le ha dicho que está orgullosa de él, lo que uno intuye que es algo nuevo. El escuchó y dio un paso adelante. No se puede pedir más a nadie.

Crítica Cinéfila: The Crown, 5ta temporada

Basada en la exitosa obra de teatro de Peter Morgan, "The Audience", cuenta la historia de la última reina de Inglaterra, Elizabeth II, y de la relación entre dos de las direcciones más famosas del mundo: el Palacio de Buckingham y el número 10 de Downing Street, con las intrigas, amores y maquinaciones detrás de los eventos que forjaron la segunda mitad del siglo XX.

La quinta y penúltima temporada de The Crown, la nueva temporada publicada desde la muerte de la reina Elizabeth II y el príncipe Phillip, ve una conflictiva Casa de Windsor en la encrucijada entre un pasado tradicionalista o un futuro progresista, algo que se está viendo bien presente en la situación actual de esta familia real. La monarquía está en su punto más bajo desde la abdicación de Eduardo VIII. Los padres no entienden cómo sus hijos resultaron como lo hicieron, los cónyuges se han distanciado y el público está cada vez más frustrado por los costos exorbitantes de mantener una familia real plagada de escándalos ampliamente vista como fuera de lugar. La supervivencia de la monarquía parece estar en juego en cada epiosodio de esta temporada. Los arrepentimientos y las represalias ocupan un lugar central. Con un compendio de varios momentos históricos importantes y la introducción de un elenco principal completamente nuevo, la quinta temporada parecería tener mucho que equilibrar, algo que su showrunner Peter Morgan y su equipo lo logran todo con la gracia, la consideración y la gravedad que siempre se espera de esta serie.

Hay un sombrío reparto narrativo durante toda la temporada: la finalidad y el cambio siempre están presentes, desde el colapso del matrimonio de Charles y Diana hasta el desmantelamiento del Royal Yacht Britannia, el final del dominio colonial de Hong Kong, hasta el incendio en el castillo de Windsor. La generación más joven siente que ha llegado su momento de brillar mientras los ancianos ven a sus sucesores como imprudentes y poco preparados. Esta división generacional se desarrolla no solo dentro de la familia real, sino también en otros ámbitos cercanos, como la familia Al-Fayed y la BBC. El simbolismo en torno a este tema se torna redundante por momentos, pero insisto que lo hace más acorde al tiempo que actualmente se vive. 

El tema del pasado frente al futuro se desarrolla de manera más dramática entre Charles y Elizabeth en múltiples frentes, desde que busca el divorcio de Diana hasta su impulso cada vez más agresivo para que la monarquía se modernice y refleje mejor la Gran Bretaña de la década de 1990. Por su parte, la Reina sigue siendo firme, de hecho, inamovible, en su deber de toda la vida de defender las tradiciones y el papel de la monarquía en la sociedad británica. Ninguna de las partes parece estar dispuesta a ceder. Por desgracia, los acontecimientos están fuera incluso del control de Elizabeth, ya que finalmente aprueba el divorcio de Charles y Diana, un movimiento a regañadientes contrario a sus creencias como esposa, madre, monarca y soberana de la Iglesia de Inglaterra. Ella está en un mundo que ya no reconoce y siente una mayor presión para poder controlar la prensa, los políticos, el público e incluso al Príncipe de Gales. Como se muestra aquí, Charles es sin duda ambicioso, pero también está frustrado por el purgatorio dorado que se ha convertido en su vida de mediana edad. Está inquieto y quiere vivir una vida con propósito y amor, y su madre se interpone en el camino.

Imelda Staunton y Dominic West ofrecen actuaciones matizadas y conmovedoras como Elizabeth y Charles. La simpatía de los espectadores sin duda estará con Elizabeth, ya que ahora es una dulce señora abuela y Charles es un marido frustrado y fracasado, pero él no es un monstruo. Aunque West no se parece en nada al verdadero Charles, su actuación y la escritura lo hacen de carne y hueso y comprensible. El Charles de la temporada 5 es en varias ocasiones un pésimo marido de su primera esposa, un compañero devoto de su futura segunda esposa Camilla Parker-Bowles (Olivia Williams) y un defensor genuinamente apasionado de los problemas sociales. 

Charles de la temporada 5 cree que la monarquía debe reflejar lo que saben sus súbditos modernos, que es el divorcio y la disfunción. Del mismo modo, la temporada 5 tampoco está del todo en la esquina de la princesa Diana, ya que sus propios errores de juicio entran en juego; sin embargo, en todo momento es una figura comprensiva y vulnerable que solo quiere desesperadamente el amor y la compañía que Charles nunca iba a proporcionar, ya que Camilla siempre fue la mujer que él amaba y con la que quería casarse. Casarse por amor en lugar de por deber es una línea importante esta temporada, desde Charles, la princesa Ana, hasta la princesa Margaret con su amado Peter Townsend).

Entre un elenco tan formidable, Elizabeth Debicki se encuentra por encima del resto, su Diana se cierne literal y figurativamente sobre la familia real que siente que nunca la respetó. Debicki clava la voz y las expresiones faciales de Diana, con más parecido con la verdadera Princesa de Gales que muchos otros actores que la han interpretado. Su Diana es, al igual que Charles de West, un ser humano complicado y defectuoso capaz de una serie de reacciones dadas las circunstancias. Puede ser coqueta e ingeniosa para romper el hielo o angustiada y despreciada cuando se le hace daño. Es una madre devota y una figura pública que muestra una verdadera y profunda compasión. La breve relación de Diana con el cirujano cardíaco Dr. Hasnat Khan está representado aquí, pero Debicki y su compañero de escena Humayun Saeed no comparten mucha química, y tal vez eso sea intencional. Diana está tan desesperada por una pareja amorosa que abruma a este hombre consumado pero ordinario, que se queda preguntándose en qué se ha metido una vez que se emite la notoria entrevista de Diana en la BBC. 

Mohamed Al-Fayed (Salim Daw) y su hijo Dodi (Khalid Abdalla) se presentan en el episodio 3, titulado "Mou Mou", uno de los más fuertes de los 10 episodios de esta temporada. El ascenso de Mohamed al poder y la riqueza se establece rápidamente; este es un hombre que quiere que el mundo, específicamente, el mundo británico blanco de los ocupantes de su Egipto natal, lo respete. Él tratará y gastará lo que sea necesario para conseguir un asiento en la mesa (o, en este caso, The Royal Windsor Horse Show). Por su parte, Dodi quiere el respeto de su padre y que cumpla sus propias ambiciones, que gana brevemente al producir "Chariots of Fire" a Mejor Película en los Oscars del 1982. Mientras que el trágico romance de Dodi y Diana debe esperar hasta la temporada 6, esta quinta entrega explora cuidadosamente quiénes son los Al-Fayeds, qué quieren y cómo llegaron a su posición.

El colonialismo, el racismo institucionalizado y el clasismo son evidentes en este tercer episodio, pero su punto culminante es la tierna amistad entre Mohamed y su criado Sydney Johnson (Jude Akuwudike), que anteriormente había servido durante mucho tiempo como valet personal de Eduardo VIII después de su abdicación. El prejuicio inicial de Mohamed contra Sydney, que es negro, disminuye una vez que se entera de su trabajo anterior. Con Sydney como su mentor y valet, Mohamed aprende a convertirse en "un caballero británico" para obtener acceso y respeto del establecimiento blanco. El fascinante Sydney Johnson, que apareció brevemente en la temporada 3, finalmente se lo consigue aquí.

Otros destacados de la temporada 5 incluyen al discreto primer ministro del Reino Unido de Jonny Lee Miller (John Major) y Natascha McElhone como la confidente del príncipe Phillip, Penny Knatchbull, quienes congenian rápidamente con giros comprensivos mientras las personas se sienten atraídas a los asuntos más personales de la familia real. Asumiendo el papel de la princesa Margaret, Lesley Manville hace un trabajo absoluto de su confrontación embriagada y atrasada con su hermana Elizabeth por negarle a casarse con el amor de su vida, Peter Townsend (Timothy Dalton). La relación entre Margaret y Elizabeth es posiblemente la piedra angular de toda la serie, una que permite ver a menudo tanto a la Princesa como a la Reina en su forma más humana y juguetona, especialmente aquí durante una llamada telefónica nocturna para arreglar las cosas después del arrebato de Margaret.

Jonathan Pryce impregna a la envejecida encarnación del príncipe Phillip con medidas iguales de arrogancia y feroz curiosidad. Ha hecho las paces con su estación y está totalmente dedicado a su esposa y a la monarquía, incluso si ahora quiere andar en carruajes con la hermosa esposa de su ahijado, Penny. Un episodio muestra sus lazos con la familia real romana de Rusia asesinada y cómo el ADN de Phillip puso en el cierre al misterio de décadas, un giro de los acontecimientos que renace los resentimientos enterrados que tiene hacia su amada esposa. Cada uno de los personajes principales de esta temporada tiene su propio episodio dedicado para brillar y este mostró la complicada relación del Duque de Edimburgo con "el sistema".

La mayor bomba histórica cubierta en la temporada 5 es la infame entrevista de Diana con Martin Bashir (Prasanna Puwanarajah) de la BBC, en la que no solo confirmó la larga aventura de Charles con Camilla, sino que también parecía poner en duda la capacidad de Charles para servir algún día como rey. En los últimos años se ha expuesto lo retorcido que Bashir y, por extensión, la BBC estaban engañando a Diana para que hiciera la entrevista. Bashir forjó documentos y teorías de conspiración, basado en las ansiedades de Diana para anotar la entrevista de su vida. No es solo la BBC la que se ve en el infierno; los medios británicos en general se describen como desfavorables y depredadores durante toda la temporada.

Ambientada en un telón de fondo de transición, tensión, romance y remordimiento, la quinta temporada de The Crown explora con simpatía los corazones rotos, el deber contra el deseo y la búsqueda del amor por encima de todo, con la introspección y la elegancia que los fanáticos esperan del showrunner Peter Morgan, incluso si las metáforas se establecen bastante gruesas aquí. El elenco permanente final de la serie lo entrega con mucha altura, siendo los grandes destacados Elizabeth Debicki como la princesa Diana, Salim Daw como Mohamed Al-Fayed, Lesley Manville como la princesa Margaret y Jonny Lee Miller como John Major.

Crítica Cinéfila: Black Panther, Wakanda Forever

La reina Ramonda y Shuri luchan para proteger su nación de la injerencia de potencias mundiales a raíz de la muerte del rey T’Challa. Mientras los wakandianos se esfuerzan por adaptarse a su nueva etapa, los héroes deben actuar unidos, con la ayuda de Nakia y Everett Ross, y forzar un nuevo destino para el reino de Wakanda.

Frente a la desafiante perspectiva de seguir su éxito de taquilla pese a la ausencia del carismático actor principal que proporcionó el noble corazón de la primera película, Ryan Coogler entrega un homenaje emocionalmente resonante a Chadwick Boseman en las primeras escenas de Black Panther: Wakanda Forever que no dejará a ningún fan sin una lágrima brotada. Extendiéndose a través del logotipo de Marvel en los créditos de apertura, rediseñado para incluir imágenes conmovedoras del difunto actor, toda la introducción invita al público a compartir el dolor que sienten los cineastas y el elenco, así como los personajes que interpretan, plantando una vena de tristeza exquisita que se agita a través de esta secuela épica.

Las simples palabras en los créditos finales, "Dedicado a nuestro amigo Chadwick Boseman", definen el espíritu predominante de la película, con su melancólico reconocimiento de la pérdida y el legado. Lo que no quiere decir que sea corto de emoción, acción o incluso humor. Solo pensar en el arrogante guerrero de montaña de Wakanda de Winston Duke, M'Baku, mordisqueando una zanahoria mientras gruñe "Demonio calvo" a Okoye de Danai Gurira, su general rival de la unidad de fuerzas especiales de Dora Milaje, hace reír a cualquiera.

Más que cualquier otra entrada en el canon del MCU, "Black Panther" se convirtió en un fenómeno cultural genuino en términos de representación orgullosa, una aventura de acción futurista que abrazó la historia y la tradición. Fue una representación implícitamente política de una nación africana firmemente independiente que se resistía a la comprensión de los colonizadores hambrientos por obtener sus recursos naturales, una respuesta audazmente imaginativa a generaciones de traumas del mundo real. Envolver todo eso en un compendio de superhéroes fue un logro considerable.

Coogler y su coguionista Joe Robert Cole mantienen y podría decirse que incluso fortalecen esa vena aquí. Introducen otra antigua civilización de pueblos indígenas que han escapado de una brutal historia de esclavitud y genocidio, viviendo en una reclusión fantástica y listos para desatar todas sus considerables fuerzas contra cualquier saqueador global que pesca que se quiera aprovechar de su recurso natural más preciado. Eso, por supuesto, es vibranium, el mismo elemento metálico derivado de meteoritos del que Wakanda extrae su poder.

Ya sea que esos descendientes mayas escondidos bajo el agua, liderados por el formidable gobernante de Talokan, Namor (Tenoch Huerta Mejia), se conviertan en valiosos aliados o enemigos peligrosos de los Wakandianos, es la principal intriga que impulsa la trama de la secuela, y posiblemente en futuras entregas.

Coogler se resiste al incansable impulso de la polinización cruzada de tantas películas del MCU al concluir con dos claros indicios separados de conflicto en curso. Los personajes de "Black Panther" podrían seguir echando un poco en esas otras hazañas de Marvel pobladas por personajes que hablan como adolescentes alegres, pero cada semilla plantada aquí es de una saga más sombría contenida predominantemente dentro de su propio universo complejo. Si la narración de vez en cuando se desordena con sus interminables cambios de ubicación y el tiempo de ejecución (un expansivo 2 horas 41 minutos) se siente definitivamente, particularmente en la sección media, esta secuela tan esperada es tan emocionante como debe ser.

La presencia de dos personajes principales, Letitia Wright como Shuri, y Angela Bassett como su madre, la reina Ramonda, se ha visto aliviada en formas a las que ambas actrices responden con una autoridad estimulante. Eso es el resultado directo de la muerte del rey T'Challa y la consiguiente pérdida de la Pantera Negra, protector de Wakanda, un golpe devastador representado en la escena inicial. 

Las películas del MCU generalmente no se han distinguido por su peso emocional, pero puede que no haya un momento más destrozante en el canon que una Ramonda afectada que le diga a Shuri: "Tu hermano está con los antepasados". Esto sienta las bases para los incómodos conflictos madre-hija, una que se reconforta con el mundo espiritual, la otra intensifica su dedicación a la ciencia, pero también puntos de vista divergentes sobre cómo mantener el país seguro. Incluso la necesidad de encontrar una nueva Pantera Negra para la supervivencia de Wakanda se convierte en un asunto de disputa, inicialmente descartada por Shuri como una reliquia de otro tiempo.

Sin embargo, es gratificante que Coogler y Cole no se limiten a seguir adelante. En cambio, se detienen conmovedoramente sobre la elaborada ceremonia funeraria, un equilibrio de solemnidad y danza cinéticamente cargada con batería y percusión, con el ataúd llevado por Okoye y las Dora Milaje. Esta impresionante secuencia también ofrece una oportunidad temprana para estar asombrado por la increíble belleza y detalle de los trajes de Ruth Carter, posiblemente incluso superando su trabajo ganador del Oscar en la película anterior con prendas que combinan la elegante sofisticación del mundo del futuro con la simbología africana.

Los aficionados a la historia de los cómics que han estado esperando impacientemente la aparición de Namor, introducido por primera vez en 1939, no se sentirán decepcionados por el comportamiento brillante y la corpulenta fisicalidad del actor mexicano Huerta en el papel. Los pies alados pueden ser un poco demasiado, pero el atuendo real es espectacular, su torso desnudo de cuerpo duro adornado con conchas y cuentas y oro y túnicas de algas. Namor y sus guerreros Talokanil emergen por primera vez como una respuesta hostil a una nave estadounidense operada por la CIA en el medio del Atlántico en una secuencia de acción. Demuestra la fuerza y la coordinación estratégica del Talokanil, pero también su capacidad similar a la de las sirenas para hipnotizar a los adversarios, atrayéndolos a sumergirse en las profundidades del océano.

Después de haber frustrado ese intento de aprovechar sus depósitos de vibranio, Namor va a Wakanda, que no tenía conocimiento previo de la existencia de la civilización Talokanil, y mucho menos del recurso invaluable que tienen en común. Namor exige una alianza contra los intrusos, atrapando a Ramonda y Shuri en un momento íntimo de dolor, y les advierte que la nueva tecnología hace que su vibranio sea vulnerable. La Reina ya ha expresado su descontento con los territorios extranjeros que intentan conseguirlo en un momento electrizante que ve a Bassett, asistiendo a la ONU. Nomar se retira con la promesa de que no será fácil la próxima vez. Pero ni Ramonda ni su hija están inspiradas en confiar en Namor.

Con Okoye como su principal facilitadora, para gran disgusto eterno de M'Baku, se ponen en contacto con el antiguo aliado de la CIA Everett Ross (Martin Freeman) y Nakia (Lupita Nyong'o), la maestra espía en autoexilio que dirige una escuela en Haití. Provocando otro enfrentamiento explosivo entre diferentes facciones que intentan secuestrar al inventor del rastreador de vibranio, también reclutan a Riri Williams (Dominique Thorne) de 19 años de ciencia del MIT. 

Riri es una gran nueva incorporación y Thorne aporta un humor brillante a la mezcla, aunque en una película que dura tres horas, podrían haber encontrado unos minutos para un montaje de entrenamiento rápido para hacer que su transición a una luchadora de patadas sea más creíble. Aún así, el ingenio tecnológico de Riri le da un inmediato parentesco de hermandad con su compañera genio Shuri, lo que disminuye el aislamiento de esta última, particularmente después de que otra tragedia golpee Wakanda.

También refuerza aún más el hilo consistente con las películas de Pantera Negra de mujeres como buques de inestimable poder, ingenio e inteligencia. Hay un eco correspondiente de eso incluso entre los Talokanil, donde Namor no confía menos en su feroz prima Namora (Mabel Cadona) que en el poderoso Attuma (Alex Livinalli), sus dos principales tenientes guerreros. El look de Carter para Namora es asombroso, con piezas de hombro de estilo glamrock sujetadas por garras de langosta y un tocado masivo inspirado en el pez león; sus túnicas diáfanos flotantes la hacen parecer un fantasma del mar.

Por supuesto, cualquier fanático de Marvel medio atento sabrá que debe surgir una nueva Pantera Negra a medida que se intensifique la apuesta y la amenaza se intensifique, y a pesar de que Disney insta a las primeras audiencias a evitar los spoilers, la identidad de ese nuevo protector se filtró rápidamente. No es que fuera tan difícil de adivinar. Pero el proceso de descubrimiento que ocurre a través de una visita al plano ancestral, completado con un cameo de alguien del pasado de este universo, sigue siendo emocionante y estimulante, especialmente una vez que el nuevo traje mejorado de la pantera se pone en acción.

Si bien la mayoría de las batallas de la película tienen lugar en el mundo de la superficie, es la capacidad del Talokanil para aprovechar el poder del agua lo que le da más exaltación; estas personas pueden montar ballenas, lo que da lugar al set más sensacional, en el que Coogler orquesta hábilmente la destrucción para reflejar las catástrofes del mundo real de las inundaciones y los tsunamis. Un gran choque en el mar, en un enorme barco de Wakanda y en los cielos de arriba, es otro punto culminante. Pero Coogler equilibra la acción con el drama humano impulsado por los personajes, manteniendo las apuestas tanto personales como globales.

Esa dualidad da a los actores más que masticar que la tarifa habitual del MCU. Wright y Bassett son las destacadas de la secuela, sus personajes se niegan a dejar que su dolor disminuya su dignidad, ya que ambas llevan con orgullo la antorcha para T'Challa. Nyong'o tiene un papel menos central, pero como siempre es una presencia convincente. Lo mismo ocurre con Gurira, con la siempre vigilante Okoye marginada hasta el final de la película cuando demuestra su lealtad inquebrantable en el combate.

Últimamente se ha escrito mucho sobre demasiados directores de fotografía que no saben cómo iluminar a los actores de color. Pero el nuevo director de fotografía, Autumn Durald Arkapaw continúa donde Rachel Morrison lo dejó en Black Panther al darnos actores negros y latinos sorprendentemente hermosos y físicamente poderosos como resplandecientes estrellas de cine. La impresionante construcción del mundo de la diseñadora de producción Hannah Beachler se extiende desde el deslumbrante afrofuturismo de Wakanda hasta las majestuosas salas submarinas de Talokan, lo que significa no una sino dos civilizaciones avanzadas resistentes a los acosadores blancos.

Incluso si la duración se siente extendida, Coogler y sus editores merecen crédito por permitir el espacio entre las escenas de acción para el desarrollo del personaje y la relación, con la partitura de Ludwig Göransson en la que aumenta el estilo africano en mejoría tanto en esos momentos más tranquilos como en las grandes batallas. Es imposible que Wakanda Forever coincida con el impacto revolucionario de su predecesor, pero en términos de continuar la saga mientras allana el camino para futuras entregas, es ampliamente satisfactorio.