Crítica Cinéfila: The Truth and Tragedy of Moriah Wilson

Retrato íntimo de la ciclista Moriah Wilson, criada por una familia fuerte y cariñosa, cuyo singular empuje la impulsó a la brillantez atlética antes de que su vida se viera trágicamente truncada por un asesinato.

La documentalista Marina Zenovich se ha labrado un nombre como cineasta con talento para tomar a las celebridades y desafiar sus arraigadas imágenes públicas, no necesariamente de una manera iconoclasta, sino de una manera que dice: "Esta es la historia que crees conocer, con suficiente información que la complica como para obligarte a reflexionar, si no a reconsiderarla". Puede resultar frustrante si uno no está convencido de que la reconsideración merezca la pena, pero desde Roman Polanski hasta el escándalo del equipo de lacrosse de Duke y su reciente documental de CNN sobre Chevy Chase, Zenovich ha consolidado una marca.

Al ver "The Truth and Tragedy of Moriah Wilson", de Zenovich, que se estrenó en SXSW antes de su lanzamiento en Netflix, queda inevitablemente claro que Zenovich es mucho menos eficaz a la hora de encontrar una profundidad similar en una historia que la gente quizás no conozca. Con una sonrisa radiante y un palmarés cada vez más impresionante en el ciclismo, Moriah Wilson parecía estar a punto de alcanzar la fama nacional cuando fue asesinada en 2022 en Austin, Texas. La historia acaparó titulares por el sensacionalismo de su triángulo amoroso mortal, pero cuando Lifetime la adaptó como una película para televisión en 2024, el título —Yoga Teacher Killer: The Kaitlin Armstrong Story— se centró en el asesino convicto y no en la víctima.

Enhorabuena a Zenovich por utilizar esta película para reafirmar la presencia de Wilson en el centro de la historia. Sin embargo, el documental es una mezcla torpe de hagiografía excesivamente seria y sensacionalismo barato de crímenes reales, sin llegar a ser del todo satisfactorio en ninguno de los dos aspectos. El retrato que Zenovich hace de Wilson es afectuoso pero superficial, y si bien la investigación del asesinato y el juicio tuvieron algunos giros inesperados, todo resulta menos sensacionalista de lo que los aficionados al género podrían esperar. Incluso si ese es el objetivo del documental —despojarlo del sensacionalismo y revelar que la "verdad" es bastante simple—, ambas partes rara vez se integran con éxito.

Con la participación activa de la familia de Wilson —su padre, Eric, su madre, Karen, y su hermano, Matt, aparecen en cámara y, obviamente, proporcionaron mucha documentación— y de un grupo de amigos, entre ellos Caitlin Cash, cuyo apartamento en Austin fue el lugar de la tragedia, Zenovich ofrece una instantánea del crecimiento de Wilson, desde el adorable bebé que balbuceaba en vídeos caseros hasta el aspirante a esquiadora y prometedora ciclista.

Quizás sepas más que yo sobre ciclismo de grava y otras disciplinas ciclistas, pero creo que el documental no explica bien en qué competía Wilson, su alcance y dimensiones, ni qué la hacía especialmente hábil más allá de su dedicación y perseverancia. Se entiende que recorría largas distancias y a veces ganaba carreras por amplio margen, pero la información es solo parcial. Incluso quienes mejor la conocieron hablan de ella con halagos idealizados en lugar de detalles concretos, y el uso de fragmentos narrados de su diario para ofrecer una perspectiva adicional demuestra, en general, que era una joven con grandes sueños. Me alegró, al menos, que Zenovich contratara a la actriz Olivia Sinnott para leer los extractos del diario en lugar de sucumbir a la reciente convención documental de recrear su voz con inteligencia artificial. 

Algunos aspectos de la historia detrás del asesinato —Wilson sentía atracción romántica por el ciclista Colin Strickland, quien vivía con su novia intermitente, Kaitlin Armstrong— son sórdidos; si Zenovich no quería que se percibiera así, debería haber manejado a sus entrevistados con mayor tacto. El periodista especializado en ciclismo Ian Dille se muestra particularmente sarcástico al hablar de la relación entre Strickland y Armstrong, sonriendo y riendo mientras comenta una situación que terminó en asesinato. Es un tono que desentona terriblemente con la sobriedad del resto del documental y que podría haberse evitado fácilmente en la edición.

Cuando el documental aborda el crimen y su investigación, Zenovich presenta a varios policías y abogados que ofrecen versiones frías y objetivas de cómo llegaron a identificar a Armstrong como sospechosa y sus posteriores intentos de evadir la justicia. Una vez más, este tono desentona con los recuerdos de los familiares afligidos y demás personas afectadas.

La conclusión a la que todos llegan es que es imposible saber o comprender qué pasaba por la mente de Armstrong y qué papel desempeñó Strickland en todo esto, y si ese es el caso, no está claro qué pretende lograr el documental. Incluso una o dos personas que conocieron a Strickland y Armstrong no tienen información sobre su relación. Al final, se revela que Zenovich tuvo acceso a Strickland para una conversación en la que se le ve demacrado, pero no dice nada relevante.

El momento de indiferencia con Strickland demuestra cómo esta situación lo ha marcado de forma permanente, lo cual encaja con los segmentos finales centrados en el impacto a largo plazo en la familia de Wilson y, quizás de manera más contundente, en Cash, quien aún vive en el mismo apartamento. Pero si la mitad del documental es un resumen rutinario de crímenes reales, y una de las pocas personas con información no revelada aparece y no dice nada, todo queda en nada creíble.

"The Truth and Tragedy of Moriah Wilson" narra una historia triste y sus consecuencias, pero no estoy segura de haber comprendido realmente a su protagonista ni su trágica muerte. Y a veces, la muerte trágica es verdaderamente incomprensible. Pero en esta película se le trata de forma demasiado sutil y superficial.

Crítica Cinéfila: Pepe

Una voz que dice provenir de un hipopótamo. Una voz que no entiende la percepción del tiempo. Pepe, el primer y último hipopótamo muerto en América, cuenta su historia con la arrolladora oralidad de estos pueblos.

En 2017, Nelson Carlo sorprendió las salas de cine con su película "Cocote", una historia que con estilo narrativo, visual y técnico muy particular, rompió con cualquier estándar que ya se había visto anteriormente dentro de la cinematografía dominicana. Pero más que su distancia hacia parámetros y técnicas anteriormente visitadas, el director anticipó con su primer largometraje de ficción que no es el cineasta visionario tradicional que la industria local entiende. "Pepe", su obra más reciente que lo hizo ganador de Mejor Dirección en la Berlinale 2024, trae un estilo y una narrativa todavía más alejada a lo que comúnmente se aprecia en el cine dominicano. Esta definitivamente no es una película para todo público; ni siquiera para todo público amante del cine.

Cuando Pablo Escobar murió en un tiroteo con las fuerzas especiales colombianas en 1993, el "Rey de la Cocaína" dejó tras de sí una manada privada que incluía cuatro hipopótamos. Para 2007, la manada había crecido a 16 hipopótamos que vivían en libertad y continuaban multiplicándose en el río Magdalena y sus alrededores, siendo percibidos gradualmente como una amenaza para los agricultores y pescadores locales. Un macho rebelde que se había separado de la manada, bautizado "Pepe" por los medios de comunicación, fue asesinado dos años después por cazadores que actuaban bajo órdenes de las autoridades. Nelson Carlos de los Santos Arias presenta una versión peculiar de esa historia en Pepe.

Al igual que en "Cocote", la película se comporta como un collage discursivo, un híbrido de documental y ficción, concebido aparentemente como un poema filosófico. El inconexo comienzo es especialmente desafiante, y muchos lo encontrarán frustrante, probablemente lento y opaco. Gran parte se desarrolla en una pantalla en blanco o en escenas nocturnas oscuras. Más enfocada en su narrativa, parecería que el director quiere que relacionemos a Escobar con Pepe, sin aportar mucha información concreta. Se desvía hacia los pensamientos en off del narrador hipopótamo, maravillándose del lenguaje desconocido que sale de su boca, de las historias que parece conocer instintivamente y preguntándose sobre sus orígenes, aunque solo sabe con certeza que ya está muerto. 

Lo que más sorprende es que parecería que el hipopótamo está actuando cuando se ve en pantalla. La narración intermitente de la bestia del título cambia en varios momentos del afrikáans al mbukushu, el idioma bantú de Namibia, y luego al castellano, a menudo acompañado por los gruñidos y mugidos de sus compañeros hipopótamos. Pepe incluso vocaliza sonidos como la Oruga de Alicia en el País de las Maravillas. El drama humano resulta menos atractivo cuando la atención se centra en un pescador de río que se asusta al encontrar el cuerpo corpulento de Pepe enredado en su red, casi tirándolo de su bote. Es difícil despertar interés en las disputas del hombre con su irascible esposa, quien resta importancia a sus afirmaciones de un encuentro con una bestia monstruosa como si fueran solo otra tontería de borracho, o incluso en las rutinas y costumbres del pueblo atemorizado por la criatura.

La película se transforma en documental de naturaleza cuando la criatura visualiza sus raíces ancestrales en el suroeste de África, a orillas del río Okavango, en la primera de muchas impresionantes tomas con dron. Esta captura los cuerpos de una manada de hipopótamos, que brillan como piedras lisas en aguas poco profundas. Si bien un desvío con un grupo de turistas alemanes resulta bastante torpe y probablemente innecesaria, su guía local nos enseña que el hipopótamo es un animal sabio con un profundo conocimiento tanto del agua como de la tierra, y que, a pesar de su considerable corpulencia, puede moverse más rápido que cualquiera de nosotros.

De los Santos Arias hace una referencia pasajera a seres traídos a un país extranjero y tratados como una amenaza que debe ser eliminada. Sin embargo, cualquier alegoría humana que pretenda representar la dislocación cultural o la esclavitud sigue estando poco desarrollada. Si bien Pepe salta mucho más y dedica demasiado tiempo a la afectación artística, alcanza su potencia en una imagen final mientras la cámara se aleja sobre el triste espectáculo de Pepe abatido por las balas en una exuberante pradera, con un semicírculo de humanos boquiabiertos de pie junto al cuerpo ensangrentado del hipopótamo. Esa es la escena que más merece la pena ver. Todo lo anterior, es algo que lo dejo a libertad de la audiencia; hasta lo de catalogar si se puede considerar o no una película dominicana.

Crítica Cinéfila: The Man with 1000 Kids

Un grupo de familias descubre que el hombre carismático en el que habían confiado también es donante de esperma de cientos (o quizás miles) de otros niños en todo el mundo.

Otra semana más, otra docuserie de Netflix que si no se ve en un día le da ansiedad a cualquier miembro de la audiencia. Esta plataforma es más conocida en este género por el subgénero de crímenes reales, pero a veces eso no es un limitante para encontrar otras historias de crímenes más sutiles que aún así contienen toda esa depravación, psicosis o malevolencia. "Abducted in Plain Sight", por ejemplo, la historia de un pedófilo que se hizo amigo de un matrimonio durante años y efectivamente secuestró a su hija dos veces con todo menos su bendición. "Girl in the Picture", cuyos giros y vueltas en un territorio absolutamente increíble pero demasiado real te hicieron contemplar pasar el resto de tu vida como ermitaño o justiciero. O cualquiera de las cosas de Jeffrey Epstein.

Ahora tenemos otro: "The Man with 1000 Kids". Piénselo como una pieza complementaria al documental de "Our Father", sobre un médico especialista en fertilidad que pasó 30 años impregnando en secreto a pacientes con su esperma en lugar de la muestra del donante o del cónyuge acordada. Esta vez seguimos la historia del eyaculador múltiple Jonathan Meijer, un holandés que parece haber viajado por todo el mundo donando su esperma a tantas clínicas en tantos países como pudo. Sin mencionar también el tiempo que encontró para hacer innumerables donaciones a mujeres que prefirieron obtener su esperma de forma privada y evitar las reglas de los bancos de esperma sobre el anonimato de los donantes y el veto del contacto del proveedor de gametos con cualquier descendencia hasta que el niño tenga 16 o 18 años, según las regulaciones nacionales. Si esto no fuese una serie documental, fuese difícil de creer.

Sólo conocemos a unas pocas de las mujeres a las que dejó embarazadas (en ocasiones mediante “donación natural” – sexo – si la mujer era soltera, aunque no parece que la principal motivación de Meijer fuera deshacerse de su parte). La pareja Suzanne y Natalie lo conocieron como donante privado y quedaron impresionadas por su buena apariencia, salud e inteligencia – especialmente después de su extraño encuentro con el primer donante que conocieron, un hombre inquietante, calvo y lleno de cicatrices que no se parecía en nada al perfil “simpático y amable” que publicó en el sitio web que usaban. Meijer les dijo que planeaba donar hasta cinco familias y que estaba feliz de que fueran una. Suzanne y Natalie ahora tienen dos hijos con él.

El hombre utilizó mucho la frase "solo cinco familias". Cuando finalmente se despertaron las sospechas, los receptores comenzaron a unirse en un grupo de Facebook. Mapeaban sus viajes a través de sus videos de YouTube y los relacionaban con las listas de donantes de los bancos de esperma cercanos. Poco a poco se hizo evidente que no se trataba del joven hippie altruista que habían conocido, sino de alguien obsesionado con engendrar tantos hijos como pudiera, sin importar los riesgos de consanguinidad y de posible incesto involuntario que conlleva. Por lo que pudieron deducir que podría haber producido fácilmente 3,000 niños hasta ahora. Según la experiencia personal de Nicolette, quien dentro de su propio círculo de amigos y amigos de amigos se dio cuenta de que seis habían utilizado el esperma de Meijer para tener a sus hijos, la escala potencial y los riesgos de sus operaciones eran horrendos. Se negó a sus súplicas de que dejara de poner en peligro el futuro de sus hijos, por lo que recurrieron a la ley.

El documental sigue las historias de las mujeres desde la alegría inicial de los embarazos hasta el desenlace del horror, la movilización de las víctimas y el eventual proceso judicial que presentan, que dictamina que Meijer no puede hacer más donaciones, bajo pena de una multa de 100,000 euros por cada una. Se supone que este es el primer caso que ha limitado la autonomía corporal masculina de esta manera, o posiblemente de cualquier otra.

No hay conclusiones sólidas sobre sus motivaciones. Una mujer sugiere que buscaba atención después de haber sido ignorado en una familia numerosa, lo que a usted le parece muy generoso de su parte. Algunas de las mujeres sugieren una adicción al poder y un creciente complejo de Dios; otras proponen un simple narcisismo y una sensación de superioridad masculina como los principales impulsores. Sin duda, su respuesta cruel cuando intentan obtener respuestas de él sugiere que estos motivos no estaban muy por debajo de la superficie encantadora. 

Crítica Cinéfila: The Deepest Breath

Descendiendo a notables profundidades bajo el mar, a pulmón, Alessia Zecchini entra en lo que ella describe como el último lugar tranquilo en la Tierra. La campeona italiana está decidida a marcar un nuevo récord mundial en apnea, un deporte extremo y peligroso en el que los competidores intentan alcanzar la mayor profundidad sin usar equipo de buceo.

Tenga mucho cuidado al ver el documental de Laura McGann en Netflix y A24 The Deepest Breath. Esta crónica del mundo precario, inquietante y casi místico del buceo libre hará que cualquier persona motivada por los deportes extremos desee unirse a los competidores mientras siguen sus viajes a las profundidades acuáticas. Pero probablemente deberías resistirte. ¿Los freedivers? Bueno, probablemente también deberían resistirse, ya que "The Deepest Breath" encaja en una tradición reciente de documentales sobre atletas extremos cuyo compromiso con eventos en los que la muerte es una consecuencia aceptada supera el sentido común: se convierte en una creencia.

En el sentido más literal, "The Deepest Breath" es un documental impresionante, con una cinematografía alucinante, narraciones de competencia emocionantes y una historia de amor hábilmente presentada. A pesar de que la narración del documental tiene un enfoque retorcido que encuentro cada vez más irritante cada vez que se usa, por la manipulación que hacen en su audiencia, el gran volumen de respuestas viscerales producidas por la historia es difícil de negar. Piense en Free Solo en descenso, con matices de Fire of Love, y tendrá una idea de la emoción nerviosa y ocasionalmente estimulante que acompaña a esta película.

Antes de que sepamos su nombre o el evento en el que participa, "The Deepest Breath" nos presenta a la freediver Alessia Zecchini. En las Bahamas y de camino a un intento de clavado sin precedentes, se le pregunta a Alessia sobre la posibilidad de morir en su deporte favorito. Se ríe y habla sobre el destino, pero cinco minutos más tarde, después de una de las zambullidas más fotogénicas, sale a la superficie, con los ojos en blanco y recibiendo RCP de emergencia. 

Esto, revela finalmente el documental, no es raro en el buceo libre, un deporte en el que los apagones son comunes y los buzos de seguridad son tan esenciales que alcanzan un nivel de celebridad comparable al de los buzos que están protegiendo. 

McGann construye la película en torno a dos biografías paralelas. Joven, hermosa y motivada, Alessia supo que quería ser apneista desde que era una niña, atraída por el encanto del mar y por la celebridad récord de la apneista rusa Natalia Molchanova. Stephen Keenan es un hombre en busca de un propósito, que eventualmente se dirige a Dahab, la Meca egipcia del buceo, hogar del notoriamente mortal Blue Hole. Después de batir récords irlandeses con su propio buceo, se convierte en buzo de seguridad.

Editado cuidadosamente por Julian Hart para presagiar pero no estropear, el documental se dirige hacia una intersección de nuestros héroes, y hacia algo siniestro. A lo largo hay explicaciones de los matices del deporte, lo suficientemente bien comunicadas para que la audiencia pueda comprender tanto las estrategias como los objetivos, y advertencias repetidas de que incluso las competiciones más reguladas con los saltadores más entrenados pueden conducir a una tragedia. Hay un concurso fundamental en el que Alessia tiene apagones durante tres días seguidos, y eso es normal.

Es un deporte que es notablemente bueno para documentarse a sí mismo, y aunque Tim Cragg es el director de fotografía acreditado, el documental está compuesto por imágenes filmadas por más fotógrafos submarinos y cronistas de redes sociales sobre el agua de los que podría contar. Puede que la audiencia no entienda por completo por qué Alessia y Stephen hacen lo que hacen, más o menos de lo mismo que se cuestiona el deseo de Alex Honnold de escalar acantilados sin cuerdas ni arneses, pero las imágenes captan a Alessia y Stephen en tantas formas diferentes de júbilo y desolación que al menos se puede empatizar con los extremos que anhelan. La partitura arrolladora de Nainita Desai ahoga cualquier incertidumbre restante del espectador, aunque McGann es muy cuidadosa en entregar las escenas submarinas sin música en absoluto, solo respiración, latidos del corazón y un silencio de otro mundo.

A lo largo de "The Deepest Breath", se sabe que la película que uno está viendo no concluirá con dos personas jugando felizmente con cachorros en un campo y diciendo: "¡Hombre, eso fue una locura que hicimos durante un par de años!" Pero la ambigüedad y el misterio de lo que se avecina se mantiene a tensión elevada, y dado que el documental está destinado a Netflix, la esperanza es que la gracia de Alessia y sus compañeros, la oscuridad herméticamente sellada que proviene de estar a más de 100 metros bajo la superficie, los intentos de inmersión auditiva y visual serán tan completos que la audiencia no se distraerá lo suficiente o no querrá curiosear en Google lo que realmente pasa en esos últimos minutos de la película.

No vi "The Deepest Breath" en un cine, y aunque sentí una gran inmersión y una gran distracción por su cinematografía y su historia, aún sentía la incomodidad de la narrativa manipulada. Entiendo que con muchos documentales que me gustan, incluido "Free Solo", los directores saben el final de una historia y emplean juegos de manos para mantener a los espectadores en la oscuridad, dispositivos que van desde una cronología cuestionable hasta cabezas parlantes que usan tiempos verbales tortuosos para enderezar hasta la retención de información, que se muestran aquí. Está justo al borde de lo cuestionable, y no puedo evitar pensar en los miembros de la familia algún día viendo un documental que usa el peor momento de sus vidas para un twist cinematográfico. 

Pero la artesanía que impulsa "The Deepest Breath" es tan efectiva que finalmente me quedé con una catarsis bien representada. E incluso en mi incomodidad, no estoy segura de qué hubiera querido que McGann lo hiciera de manera diferente. Es una reserva, no una condena de una película, en gran parte potente, hermosa y asfixiante (en el buen sentido de la palabra).

Crítica Cinéfila: La Dama del Silencio - El caso Mataviejitas

La oleada de asesinatos de ancianas que sacudió Ciudad de México entre 1998 y 2005 desató la caza (y captura) del asesino... pero nadie podía imaginarse su identidad.

Difícilmente puedes navegar por el gran océano del streaming sin encontrarte con un documental o una serie de asesinos en serie , un hecho que probablemente dice más sobre nosotros como espectadores que de la industria del entretenimiento. Sin embargo, todas las opciones no son iguales. Algunas se notan rápidas y descuidadas por esa gran necesidad de "entretener con el morbo", pero siempre aparecerán otros con estilo y personalidad real; esa es la categoría donde "La dama del silencio: Los asesinatos de Mataviejitas" caen en definitiva. 

La directora María José Cuevas no podría haber elegido mejor tema para un documental policial. La historia de “La Dama del Silencio” es ciertamente extraña, curiosa y llena de intriga. Esta se sumerge en los muchos aspectos fascinantes del caso que asoló la Ciudad de México, como (por años y un seguro sexismo) se creyó que el asesino debía ser hombre por la brutalidad de los asesinatos, como la asesina en serie creía que su Dios era la muerte, su supuesta profesión de luchadora y tomar recuerdos de cada víctima.

Juana Barraza fue la responsable de la muerte de más de 16 mujeres envejecientes, desde el 1998 hasta el 2006. Víctima de abuso sexual cuando era una niña, Barraza se convirtió en luchadora profesional, lo cual le permitió lograr un físico y técnicas de ataque que le permitieron derribar a sus víctimas sin mucha dificultad. Aunque no se le pudieron demostrar los más de 40 casos de ancianas asesinadas en la franja de tiempo que ella misma confesó haberlos hecho, Barraza mostró siempre una frialdad y serenidad ante el caso. Quizás por sus traumas del pasado, o por la satisfacción de que lo logró por un largo tiempo. 

Lo interesante del documental es la manera tan artística y coqueta en que se maneje. En definitiva, no parecería un documental de una asesina en serie a simple vista. La introducción tiene un buen gancho con un tipo de tema de asesinato y misterio, pero con una música que estimula a un thriller de aventura. Las fuentes utilizadas a lo largo de la película incluso imitan hábilmente las que están impresas en los viejos libros de Agatha Christie. La paleta de colores recurrentes también tiene un significado con los aspectos de lucha libre y día de los muertos, que se revela sutilmente cerca del final de la película, pero que de entrada parecería que indica una fiesta y no un crimen.

Hay una variedad de diferentes técnicas documentales aplicadas aquí. La cineasta no se limita con realizar las entrevistas habituales a los testigos, sobrevivientes y familiares, también detona un gran contraste entre lo que dice la prensa y lo que dicen los miembros institucionales responsables de encontrar a la asesina. Retrata a las familias en un estilo de documental dramático, mientras que los fragmentos de las acusadas y asociadas a Barraza parecen unos sketches de comedia.

Tampoco hay una narración de mano dura que es lo habitual de encontrar en los documentos criminales. En esta película, aunque el relato de los hechos por parte de los entrevistados es la única narración necesaria, la cineasta se esfuerza por mostrar un aprecio por la población adulta mayor mexicana en general y un enfoque en las víctimas y sus familias, a través de los distintos elementos que caracterizan a estas figuras.

El documental también muestra la discriminación que exhibieron la policía y el gobierno mexicano al priorizar los asesinatos mientras ignoraba de alguna manera muchos otros feminicidios violentos que estaban ocurriendo en ese momento. La Dama del Silencio: Los Asesinatos de Mataviejitas destaca a todos los grupos afectados, incluidos los muchos acusados ​​falsamente (uno de los cuales murió en prisión por pecados que no cometió). 

Y si no eres nativo de México, entonces te estarás preguntando por qué nunca antes habías oído hablar de “La Dama del Silencio”. Bueno, eso es porque hasta que se estrenó esta película, nadie le había dado a la historia una plataforma internacional adecuada sobre la cual apoyarse. Hay tantas maneras en que esta historia podría haber sido contada. Podría haber habido diez veces más entrevistados. Podría haber más o menos antecedentes sobre el asesino en serie. Pero la forma en que se filma esta parece estar cerca de la perfección. Hay variedad, hay brevedad y, sobre todo, hay armonía. 

De manera amena y creativa, "La dama del silencio: los asesinatos de Mataviejitas" cuenta una historia, pero también señala las fallas del gobierno mexicano y su policía. Está completamente bien hecho, y podría ser uno de los mejores documentales sobre crímenes que se han producido este año.

Crítica Cinéfila: Ramona

Sintiéndose poco preparada para su papel de adolescente embarazada de las afueras de Santo Domingo, la actriz Camila Santana decide sentarse con jóvenes embarazadas para inspirarse. Sin embargo, Ramona se adentra inesperadamente en un terreno desconocido cuando las adolescentes pasan a ocupar el centro del escenario.

¿Cuál es el criterio para interpretar a un personaje basado en una persona fáctica? ¿Cuánta licencia artística se concede para interpretar a un personaje así en una obra de ficción? ¿Debe un actor interpretar dicho personaje en base a los conocimientos o la experiencia es necesaria para el papel? Esos son los dilemas éticos en juego en el segundo largometraje de Victoria Linares Villegas, "Ramona". En la película hibrida de ficción y no-ficción, esta fue originalmente planeada para ser un drama ficticio y frustrada por COVID y los excesos presupuestarios para ser lograda, donde la actriz y directora de casting Camilla Santana interpretaría a una joven del mismo nombre, embarazada en medio de la epidemia de embarazo adolescente en la República Dominicana.

Pero la pandemia obligó a Villegas a convertir esta idea preconcebida en un documental en el que Santana, un poco mayor, entrevista a seis madres preadolescentes / adultas jóvenes para comprender cómo darle vida a Ramona. Ella busca la autenticidad del personaje captando su imaginación sobre cómo vive Ramona, su estilo de moda, apariencia física, movimiento corporal y cómo interactúa con los personajes masculinos. El consenso que reúne Santana es una historia de origen colectivo de cómo niñas se convierten en mujeres a muy temprana edad y cómo no llegan a la edad adulta de la misma manera que sus contrapartes masculinas. Luego se convierte en un estudio de personajes de los esfuerzos que un artista toma para comprometerse con el proyecto y los sacrificios que hace por el bien del arte.

Villegas sigue admirando la pizarra después de su presencia fundamental en su debut, "Lo que se hereda". En Ramona, la pizarra teletransporta a la audiencia desde un escenario de sonido artificial a tomas animadas y vibrantes que llenan las texturas de la pared pintada y se conectan con las voluminosas historias de los participantes. Es un cambio orgánico donde los instintos de Villegas y Santana dictan la complejidad interna de la feminidad. No les interesa encontrar una solución a una crisis conocida. En cambio, descubren cómo las normas culturales forzaron una trayectoria de vida específica en las mujeres dominicanas. Villegas también hace un uso fascinante en resaltar las repeticiones, como cortar a cada participante con el mismo uniforme y Santana diciendo la misma línea de manera diferente: "Mamá bebía todo el tiempo y me salió bien", para enfatizar los múltiples estados de ánimo por los que uno ha pasado durante su adolescencia, y que Ramona no es un monolito.

El intercambio de roles en pantalla entre Santana y el conjunto de jóvenes embarazadas en el tercer acto descarrila el arco emocional de Santana, pero es la transacción necesaria para que se realice la película. Santana se diluye detrás de la cámara para destacar a las personas que han experimentado la vida de Ramona de manera similar, lo que refleja su experiencia como directora de reparto. Pero sus reflexiones emocionales sobre su actuación no se capturan explícitamente cuando poco a poco se convierte en un extra. Aunque esta película no se trata de la actuación; se trata de las decisiones autorales de Villegas y Santana informando el arte. Revela la política de emitir una película y cómo sus elecciones determinan su destino y recepción cuando se maneja con cuidado y la debida diligencia. 

Pero más allá del arte como tal, esta es una película que analiza a profundidad los patrones de conducta que llevan a que la sociedad mantenga a estas jóvenes marginadas y que ellas se sientan rechazadas. "Ramona" es un lienzo incisivo y delicado que ennoblece la sororidad, la maternidad y el liderazgo. Su cinematografía precisa amplifica los recursos de fondo entrevistados en el esqueleto y la columna vertebral de la película. Cuestiona las prácticas tradicionales de casting a favor de un acto solidario colaborativo y transformador. Santana reconoce sus límites como alguien que nunca ha tenido un bebé y le devuelve su papel a la comunidad de clase baja de "Ramona", el origen original de la protagonista. 

Crítica Cinéfila: Stan Lee

"STAN LEE" es el documental oficial sobre Stan “The Man” Lee y su periplo hasta convertirse en un referente del mundo del cómic y de la cultura pop: desde su infancia como Stanley Lieber hasta el ascenso meteórico de Marvel Comics. A partir de material de archivo personal, "STAN LEE" cuenta la historia de Stan Lee (su vida, su carrera, su legado) con las propias palabras del autor.

“Stan Lee”, un documental sobre el hombre que, junto con Jack Kirby y Steve Ditko, creó Spider-Man, X-Men, Iron Man, Thor, Black Panther y muchos otros personajes icónicos de Marvel, se enfoca selectivamente en la leyenda del cómic, su carrera y, en mucha menor medida, su vida personal, podando información considerable sobre sus otras empresas y disputas legales. Está coproducida por Marvel Studios, por lo que la película, que recibe su estreno mundial en el Festival de Tribeca y se transmite en Disney Plus, como se esperaba, canta sus alabanzas. 

  

Lee mismo proporciona póstumamente la narración en primera persona, aunque indirectamente a través de varias entrevistas de archivo y discursos pronunciados a lo largo de los años, que el cineasta David Gelb ("Jiro Dreams of Sushi") ha ensamblado cuidadosamente en función de la cronología de los eventos fundamentales de su vida. . Para ilustrar la narración, Gelb ha empleado material de archivo y fotos convencionales, así como tiras cómicas y figuras de plastilina no tan convencionales. Todos los paneles parecen haber sido seleccionados de publicaciones antiguas de Marvel, aunque no es evidente de inmediato si se ha encargado alguna obra de arte original específicamente para el documental. Las figuras de arcilla son interesantes pero no realmente relevantes para Marvel per sé. 

Su historia comienza en 1922 cuando Stanley Lieber nació en la ciudad de Nueva York, en una familia de inmigrantes de Europa del Este. Era un ávido lector de "La Odisea", Sherlock Holmes y otros, y aspiraba a convertirse en Errol Flynn cuando creciera. Su padre, Jack, a menudo estuvo desempleado durante la Gran Depresión, lo que le inculcó desde temprana edad la importancia de un trabajo estable. Involuntariamente se metió en la publicación en 1939 después de una sugerencia de su tío. En Timely Comics, el predecesor de Marvel, inicialmente ayudó al editor Joe Simon y al ilustrador Kirby. Pronto comenzó a incursionar como un relleno de texto y adoptó a Stan Lee como su seudónimo. En 1941, después de que Simon y Kirby se fueran, Lee se convirtió en el editor de facto. 

  

Se ofreció como voluntario durante la Segunda Guerra Mundial y fue asignado a trabajar en manuales de capacitación debido a su experiencia en publicaciones. Lee regresó a los cómics en 1947, desempeñando múltiples funciones como editor, director de arte y escritor. La empresa producía unas 100 revistas al mes. Para 1961, se había vuelto insatisfecho con el contenido trivial que estaba produciendo. Con el regreso de Kirby al redil, Lee cambió sus prioridades para crear personajes e historias identificables que personalmente disfrutaría leer, comenzando con los Cuatro Fantásticos. El ejemplo proporcionado en la película muestra al cuarteto de superhéroes desalojados de su sede porque no podían pagar el alquiler. Otro es que Spider-Man recibe un cheque que no pudo cobrar porque no pudo proporcionar una identificación a pesar de su disfraz. Lee sintió que estos prepararían mejor a los lectores jóvenes para el mundo real.   

Los fanáticos seguramente disfrutarán de estas anécdotas sobre cómo surgieron sus superhéroes favoritos. Además de crear héroes defectuosos y villanos simpáticos, Lee quería personajes con los que las mujeres y las minorías pudieran identificarse. También sintió que las historias necesitaban moral sin ser sermón, y desafió el Código de Cómics para publicar una serie de libros de Spider-Man con mensajes antidrogas.  

Cuando Lee ya no tuvo tiempo de escribir correctamente los cómics, dio sinopsis a los ilustradores y luego llenó globos con palabras según lo que entregaron. Las historias se inspiraron en eventos actuales, como la Guerra de Vietnam y las actividades del Ku Klux Klan. La oficina de Marvel tenía una energía espontánea y caótica, con creativos saltando por todos lados para representar escenas. Curiosamente, este espíritu parece haberse desvanecido de las adaptaciones cinematográficas que Marvel Studios está produciendo sin alegría en una línea de montaje. Una vez que la línea de tiempo llega a la década de 2010, el documental sugiere que los únicos aspectos destacados de su vida fueron hacer apariciones especiales y dar credibilidad callejera a las películas de Marvel, pero particularmente a su participación como el creador original de todo este universo. 

Aunque nadie espera que un documental de Stan Lee con la participación de Marvel sea menos que halagador, al menos la película es transparente sobre sus disputas con Kirby y Ditko sobre la creación de todos los amados personajes. La película incluso incluye una discusión entre Lee y Kirby en una transmisión de radio de 1987, más de una década después de su colaboración histórica. 

  

El documental de Gelb ofrece a los espectadores una visión general de quién era Lee y qué lo motivaba, pero principalmente dentro del contexto de los cómics. Hay pocos fragmentos de sonido de otros sobre él, siendo el más destacado el de su difunta esposa, Joan. Aunque la película puede satisfacer a algunos fanáticos obsesivos e historiadores de sillón, se siente más como un tributo bien elaborado al autor intelectual detrás de la propiedad intelectual más grande de The Walt Disney Company.

Crítica Cinéfila: No me conoces

Este documental retrata cómo los prejuicios y sobre todo el miedo, nos impiden celebrar quiénes somos y de dónde venimos. Que como sociedad, aún somos niños en conflicto, en negación, y que debemos hacer las paces con eso, que es parte de la evolución y que toma tiempo aceptar nuestro pasado sin rechazo. El documental expone cómo se construye una identidad colectiva de nación... e invita a dar un paso valiente hacia la validación no sólo colectiva, también personal.

A simple instancia, previo a leer el origen de esta historia, su título se delata como un ring de pelea. Un espacio para reprimir los ataques que el mundo lanza de vez en cuando, sobre todo a las personas que son conocidas o reconocidas. En el caso de Nashla Bogaert, quien es una actriz ya establecida desde hace muchos años, con una alta trayectoria en los medios de comunicación y en el arte, es muy válido que ella sea la que lance la frase. A pesar de que seguro 5 de cada 10 dominicanos la siguen, ven sus videos y sus películas, o incluso la recuerdan de sus primeros programas de TV como presentadora, realmente no conocemos el origen más íntimo de ella. Y sin embargo, la historia no se trata de ella.

La película comienza como una visibilización de los aspectos que la gente no reconoce lo suficiente de la dominicanidad, como la diversidad que late en nuestra sociedad o las características propias que personas de fuera no conocen de nosotros. Mientras avanza, la historia se convierte en una evaluación de la identidad personal y el ejercicio de encontrarse a sí mismo para poder mostrarse propiamente a los otros.

"No me conoces" es una exploración a la idiosincrasia dominicana. Es un análisis continuo que deconstruye lo que para uno significa ser dominicano (una persona indica que la palabra Quisqueya realmente no es dominicana y seguramente se sentirá como una negación a toda la ideología que uno ya tiene de su país). Esta pieza retoma un tema muy importante sobre la dominicanidad, y es el hecho de que este es un país multiracial, multicultural y multisocial. Multiracial, porque el dominicano no tiene un estilo físico específico, y aquí varios entrevistados resaltan como otros se sorprenden cuando dicen que son dominicanos porque no se ven o suenan como un dominicano. Multicultural, porque nuestro país ya está mezclado con características de distintas culturas que se han ido adoptando en la propia, lo cual indica la misma evolución y sistema de adaptación que vive dentro de uno. Multisocial, porque somos una sociedad muy diversa, enriquecida y con una historia que nos recuerda y a la vez reprime los sentimientos.

La primera mitad de esta película se enfoca en analizar al dominicano como tal, pero la segunda mitad se enfoca en la gran cuestionante de si realmente conocemos a las personas que nos rodean, tanto desde el punto de vista de la identidad y aceptación de la diversidad de personas que habitan en nuestro círculo, como de su pasado y la historia que se desarrolla en sus vidas. Es un ejercicio propio para motivar a la observación más profunda hacia esas personas de nuestros círculos y reconocerles que, a pesar de todo, son personas que en gran parte, no cambiarían mucho de su vida, más allá de romper con perjuicios que la sociedad ha tratado de empujarles.

Aunque la gran riqueza del documental yace en la relación entre los entrevistados y la directora (Nashla Bogaert en su debut como directora), la grata sorpresa y adición fueron las propias anécdotas de Nashla, autoanalizándose y su vida como tal. Esas narraciones en off mientras observamos la cámara de Israel Cárdenas andar por calles, pasillos, espacios de exteriores e interiores que formaron parte de la vida de la directora, le dan una exposición propia que va en total sinergia con las emociones y la trama que el documental está llevando a lo largo de la historia con gran corazón.

Pero el balance perfecto se logra cuando la reflexión de su historia pasa de lo nacional a lo personal, y cómo esa introspección de uno mismo nos permite reconocer aún más los aspectos que no solo nos hacen ser dominicanos, también "humanos". El desborde de talentos locales, como José Duluc, Xiomara Fortuna, Freddy Ginebra, Quisqueya Lora, Zoila Luna, Carmen Rosario y Vicente Santos permite enfatizar en esta última expresión, y resalta cómo ellos, a pesar del reconocimiento y el lugar que han logrado alcanzar, también son humanos.

El poema de Pedro Mir, "Hay un país en el mundo" se asienta mejor con nuestra historia cuando nos autoevaluamos y aceptamos las grandes fortalezas y debilidades que nos hacen ser la persona que somos. "No me conoces" es un ejercicio bien logrado y necesario, que si se visualiza en función a la era moderna donde las redes sociales claman saber todo de todo el mundo, le da un recordatorio de que detrás de cada pantalla, hay una galaxia de anécdotas dentro de una persona.

Cinéfila aconseja: 25 películas y series sobre violencia de género

Ya me conocen... soy una cinéfia amante de la cinematografía feminista. Pero como activista reconozco que la sociedad, a nivel mundial, aún batalla por la igualdad y equidad de género, y más aún por un mundo libre de violencia de género. 

El cine, tanto en la ficción, documentales y series, ha logrado visibilizar las situaciones de violencia en la que muchas mujeres alrededor del mundo viven; un sistema normalizado de sexismo que tiene diferentes tipos de violencia, pero donde se resalta la violencia doméstica, el abuso sexual, el acoso y la manipulación. En honor al Día Internacional de la Erradiación de la Violencia contra la Mujer, les comparto 25 películas, documentales y series que exponen estos espacios de violencia, en algunas de ellas luchando en contra de estas situaciones.

1. Maid (Serie de ficción, 2021 - Netflix)

En  Maid , la joven madre Alex, interpretada por Margaret Qualley, y su hija de 2 años, Maddy, son víctimas no solo del esposo abusivo y alcohólico de Alex, Sean, sino también de un sistema roto que brinda poco o ningún apoyo una vez que se van, lo que los obliga. Alex a tomar la decisión desgarradora de volver con su ex abusivo para poder sobrevivir. Maid  hace un trabajo estelar al resaltar el abuso no físico (abuso psicológico y verbal, control coercitivo, abuso financiero) y las complicadas consecuencias de estas tácticas. Como han atestiguado durante mucho tiempo sobrevivientes y defensores, las víctimas de abuso no físico pueden sufrir tanto o más que las víctimas de abuso físico. El programa también señala de manera devastadora que, en todos los ámbitos, un abusador no se detiene mágicamente en el momento en que un sobreviviente sale por la puerta, especialmente cuando hay niños involucrados. 

2. Promising Young Woman (Ficción, 2020 - HBO MAX)

El debut de Emerald Fennell como directora presenta a Cassie, una joven que tenía un brillante futuro por delante hasta que un desagradable incidente truncó su carrera. Ahora nada en su vida es lo que parece: es inteligente, audaz y vive una doble vida de noche. Cassie tiene la oportunidad de enmendar todo lo que no salió bien en su pasado, vengándose de los culpables. La película examina no solo a los directamente involucrados en la agresión sexual, sino también a los responsables adyacentes de dejarlo pasar sin control. Demuestra cómo aquellos que no están directamente involucrados tienen actitudes cómplices que tienen efectos mucho más allá del asalto, lo que agrava la experiencia de las víctimas del trauma. 

3. The Handmaid's Tale (Serie de ficción, desde el 2017 - Hulu)

Esta adaptación de la novela de Margaret Atwood se desarrolla en un futuro distópico donde se ha implantado una dictadura fundamentalista. Tras el asesinato del presidente de los Estados Unidos y la mayoría del Congreso, se instaura en el país un régimen teocrático basado en los más estrictos valores puritanos. Los Estados Unidos de América, desde ese momento, pasan a ser conocidos como la República de Gilead. En esa nueva sociedad, la mayor parte de los valores modernos occidentales han quedado desterrados. La mujer pasa a un segundo plano, siendo prácticamente un objeto cuyo único valor está en sus ovarios, pues hay un problema de fertilidad en Gilead. La violencia sexual de las mujeres, que no hacen nada por evitarla, es uno de los puntos clave de la trama. Los gobernantes de la república de Gilead afirman que las mujeres están mejor protegidas en Gilead que en la sociedad anterior a Gilead, debido a la propagación de la violación y la pornografía. Esta razón se utilizó como justificación de los gobernantes para replicar a la violencia sexual de las mujeres. 

4. Thelma & Louise (Ficción, 1991 - Amazon Prime)

Thelma Dickinson, un ama de casa de vida vacía y anodina, está casada con un hombre violento que la trata como a una niña. Por su parte, Louise Sawyer trabaja como camarera en una cafetería y sueña con que su novio Jimmy, que es músico, se case con ella. Un fin de semana deciden hacer un viaje juntas en el coche de Louise para alejarse de la mortal rutina de sus vidas y de todas sus frustraciones. Sin embargo, su escapada, que prometía ser divertida y, sobre todo, liberadora, acaba siendo una experiencia llena de episodios dramáticos. La película presenta el género como una construcción y destaca, en beneficio de hombres y mujeres, que los roles que se les otorgan no tienen por qué ser los roles que se desempeñan.

5. Game of Thrones (Serie de ficción, 2011-2019 - HBO MAX)

La historia se desarrolla en un mundo ficticio de carácter medieval donde hay Siete Reinos. Hay tres líneas argumentales principales: la crónica de la guerra civil dinástica por el control de Poniente entre varias familias nobles que aspiran al Trono de Hierro; la creciente amenaza de "los otros", seres desconocidos que viven al otro lado de un inmenso muro de hielo que protege el Norte de Poniente; y el viaje de Daenerys Targaryen, la hija exiliada del rey que fue asesinado en una guerra civil anterior, y que pretende regresar a Poniente para reclamar sus derechos dinásticos. Game of Thrones es posiblemente el espectáculo más violento que jamás haya llegado a las masas. Con violaciones, decapitaciones, desmembramientos, mutilaciones sexuales y otras diversas formas de horribles torturas gráficas en cada episodio, GOT sentó un nuevo precedente de violencia contra las mujeres en la televisión.

6. Bombshell (Ficción, 2019 - Netflix)

Esta película se enfoca en la deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes. A pesar de que la película se refiere a sí misma como un "relato ficticio" de los acontecimientos detrás de escena en Fox, no se puede evitar notar la representación realista del acoso sexual en el lugar de trabajo. Si bien es terrible que tantas mujeres hayan sufrido este tipo de acoso sexual, es importante, y tal vez un punto de inflexión, cuando historias como estas llegan a los medios de comunicación.

7. The Invisible Man (Ficción, 2020 - Netflix)

Cecilia (Elisabeth Moss) rehace su vida tras recibir la noticia de que su exnovio, un maltratador empedernido, ha fallecido. Sin embargo, su cordura comienza a tambalearse cuando empieza tener la certeza de que en realidad sigue vivo. La película de la escritora y directora Leigh Whannell dirige la cámara, por primera vez, hacia la víctima del Hombre Invisible como una configuración tan obvia para un gran thriller: el Hombre Invisible que causa estragos en la vida de su víctima como metáfora de la manipulación y el abuso, pero quizás uno que la industria cinematográfica dominada por hombres no estaba lista para asumir antes de la era #MeToo.

8. Athlete A (Documental, 2020 - Netflix)

Este documental se enfoca en las gimnastas víctimas de los abusos del doctor Larry Nassar, de la Federación de Gimnasia de los EE. UU., y los periodistas que destaparon la cultura tóxica de un deporte y una federación en el que lo único importante era ganar. El encubrimiento de los crímenes de Larry Nassar, como lo documentó el “Atleta A”, fue análogo a los escándalos de abuso sexual de la Iglesia Católica: la protección sistemática de los abusadores que pueden no haber sido tan poderosos en ellos mismos, por una organización de extraordinario poder. 

9. Anatomy of a Scandal (Serie de ficción, 2022 - Netflix)

Esta miniserie de 6 episodios sigue un escándalo y prosecusión en corte de un consentimiento sexual que se desata entre la élite británica privilegiada y las mujeres atrapadas a su paso. La agresión sexual se representa repetidamente a lo largo de cada episodio de la serie, sensacionalizando el acto con una gratuidad gráfica y descarada. Al final del programa, la cultura de la violación parece ser un fetiche, algo que no deberíamos tener que condenar por completo, pero aquí estamos. La violencia sexual, y cualquier tipo de violencia contra la mujer, no tiene cabida para ser glorificada en los principales medios de comunicación.

10. Speak (Ficción, 2004 - Disney+ | Hulu | Showtime)

Esta película de drama juvenil, titulada "Speak", cuenta la historia de una adolescente que es violada en una fiesta de la escuela secundaria y queda tan traumatizada por la experiencia que se queda muda. El personaje de Kristen Stewart queda aislado por todos en su escuela, incluidos sus amigos más cercanos, y se convierte en el blanco de acoso y burlas incesantes por parte de niños crueles, maestros y su propio violador. Mientras que el personaje de Stewart encuentra la redención al final de la película, la trama es básicamente dos horas de violencia sexual y abuso mental de una niña.

11. Django Unchained (Ficción, 2012 - HBO MAX)

En Texas, dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana, King Schultz, un cazarrecompensas alemán que sigue la pista a unos asesinos para cobrar por sus cabezas, le promete al esclavo negro Django dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Él acepta, pues luego quiere ir a buscar a su esposa Broomhilda, esclava en una plantación del terrateniente Calvin Candie. Si bien la reinvención de la historia a través del cine puede ser una excelente manera de educar ampliamente al público, Django Unchained lleva la violencia contra las mujeres, específicamente las mujeres negras esclavizadas, demasiado lejos. Es de esperar del director Quentin Tarantino, pero la película presenta violaciones rutinarias y otros actos de violencia sexual, flagelaciones brutales y más formas de tortura severa realizadas para subyugar a las mujeres.

12. North Country (Ficción, 2005 - HBO MAX)

Esta película nominada a multiples premiaciones, incluido dos Oscars, sigue a Josey Aimes, una madre soltera, quien regresa a su pueblo natal en el norte de Minnesota y, para salir adelante, busca empleo en las minas de hierro, un trabajo dominado completamente por hombres y donde hay una gran discriminación por género. Pronto Josey se verá sometida a todo tipo de humillaciones por ser mujer. La película ha mostrado la naturaleza controvertida y la fealdad del problema del acoso sexual que aún prevalece tanto en los países desarrollados como en los países en desarrollo. La historia de la película es un indicio de que los prejuicios y prejuicios contra las mujeres nunca han concluido a pesar de las persistentes afirmaciones de las teorías sobre la eficacia de la ley en la promoción de la igualdad entre hombres y mujeres. 

13. Never Rarely Sometimes Always (Ficción, 2020 - Apple TV)

Autumn, una apática y callada adolescente, trabaja como cajera en un supermercado rural de Pennsylvania. Viéndose obligada a sobrellevar un embarazo accidental y sin alternativas viables para poder realizar un aborto en su propio estado, ella y su prima Skylar reúnen algo de dinero y se embarcan en un autobús rumbo a Nueva York. Con la dirección de una clínica apuntada en un papel y sin un lugar en el que pasar la noche, las dos chicas se adentran en una ciudad que desconocen. Esta historia lidia más explícitamente con la noción de dominio y violencia patriarcal y la forma en que se filtra en todas las facetas de la sociedad. 

14. The Girl With the Dragon Tattoo (Ficción, 2011 - HBO MAX)

En "The Girl With the Dragon Tattoo", se sigue al periodista Mikael Blomkvist quien, en espera de poder librarse de una acusación de difamación que puede hundir su carrera, recibe un extraño encargo: trasladarse a una remota isla del norte de Suecia, donde la muerte no esclarecida de una joven cuarenta años atrás atormenta aún a su tío, el patriarca de una conocida familia. Sospechando que el asesino puede seguir aún en la isla, Blomkvist emprende una investigación que lo lleva a descubrir los secretos y mentiras de la poderosa y rica saga familiar, contando con el apoyo de su extravagante aliada, la hacker Lisbeth Salander. Esta trama presenta una de las representaciones más gráficas de una violación intensamente brutal vista en una película. Superficialmente, Salander es una muestra de cómo ha internalizado el odio sexista y se ha vuelto cruda para el mundo. Su reacción ante los hombres sexistas ha sido retirarse de todas las convenciones sociales e interacciones sociales.

15. The Assistant (Ficción, 2019 - HBO MAX)

Jane (Julia Garner) es una recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine que consigue un trabajo aparentemente ideal como asistente de un poderoso ejecutivo de la industria del entretenimiento. Su día es muy similar al de cualquier otro asistenta: preparar café, cambiar el papel en la fotocopiadora, ordenar el almuerzo, organizar viajes, recibir mensajes telefónicos, etc. Pero a medida que Jane sigue su rutina diaria, es cada vez más conscientes del abuso que colorea insidiosamente cada aspecto de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las cuales Jane decide adoptar una posición, quizás solo para descubrir la verdadera profundidad del sistema en el que ella ha entrado. Los incidentes aparentemente pequeños de acoso sexual que Jane presencia se acumulan con el tiempo. Green nos presenta una experiencia universal, una que ha sido difícil de poner en palabras y, en consecuencia, difícil de procesar. Sumergiéndonos en un retrato profundamente realista de lo que muchas mujeres soportan, intenta contar la historia en un lenguaje que podamos entender.

16. Martyrs (Ficción, 2008 - Apple TV)

En Francia, a comienzos de 1970, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es vista mientras camina por una carretera. Se encuentra en estado catatónico y es incapaz de contar nada de lo que le ha sucedido. Mártires establece algunos paralelos condenatorios con las grandes instituciones que ejercen el poder en nuestro mundo. El ciclo de abuso de la sociedad durante décadas contra las mujeres jóvenes es indicativo de la explotación institucional históricamente persistente de las mujeres y la forma femenina, tratadas como cuerpos y recursos para la investigación antes de ser tratadas como seres humanos. El abuso de las mujeres como conductos del trauma, motivado por expectativas opresivas y en beneficio de todos menos de ellas mismas, es una realidad que se extiende a nivel mundial. Su existencia en el sótano de una casa habitada por una “familia feliz” es un espejo: es un espacio que sabemos que existe, pero enmascarado por la ilusión de la sociedad doméstica. 

17. Memoirs of a Geisha (Ficción, 2005 - Netflix)

Chiyo, una niña de nueve años, es vendida por sus padres para trabajar en la casa de Geishas de Nitta Okiya. Su hermana mayor Satsu no es aceptada y es enviada a un prostíbulo. En la casa Chiyo conoce a Pumpkin, otra niña que va a ser instruida para ser geisha, así como a las famosas geishas Hatsumomo y su rival Mameha. Los comienzos de Chiyo son duros, pero un encuentro con el que será el amor de su vida, el Presidente, hará que desde ese momento sólo desee convertirse en una famosa geisha para estar más cerca de él. Memorias de una geisha establece el tema de lo que significa ser mujer en Japón. Con esta película en particular, vemos que el ideal de la mujer es convertirse en geisha, lo cual se circunscribe al género femenino. La identidad de Chiyo como geisha y subordinada se construye aún más a través del dominio institucional. La institución incluye distintas prácticas sociales, expectativas y normas, así como la restricción y facilitación del comportamiento.

18. American Murder: The Family Next Door (Documental, 2022 - Netflix)

Con imágenes reales sin editar, este documental ahonda en la desaparición de Shanann Watts y sus hijas, y los sucesos acontecidos posteriormente. Chris Watts asesinó a su esposa embarazada Shanann y a sus dos hijas pequeñas el 13 de agosto de 2018 en el pequeño pueblo de Frederick, Colorado. Los asesinatos de Watts se revisan en este devastador documental sobre su matrimonio, las redes sociales y la violencia contra las mujeres.

19. Orange is the New Black (Serie de ficción, 2013-2019 - Netflix)

Piper Chapman, una mujer de Connecticut con una vida estable a punto de casarse, es detenida a raíz de un delito de drogas que cometió hace una década: en aquellos días llevó un maletín con droga para Alex Vause, una traficante y antigua amante de Piper. Tras el juicio, es enviada a prisión de mujeres en Litchfield, Nueva York. Basada en las vivencias reales de Kerman, cuya experiencia entre rejas le sirvió para escribir el best-seller autobiográfico 'Orange Is The New Black: My Year In A Women's Prison'. A medio camino entre el drama y la comedia, una aclamada serie que aborda temas relacionados con la cárcel como el sistema penitenciario norteamericano, el lesbianismo, la represión sexual, el abuso de poder y la corrupción policial hacia las mujeres encarceladas.

20. I May Destroy You (Serie de ficción, 2020 - HBO MAX)

Arabella Essiuedu es una joven escritora que no se compromete, despreocupada y que se distrae fácilmente que, tras escribir un exitoso texto que atrajo mucha atención en internet, se encuentra proclamada como la ‘voz de su generación’. Ahora cuenta con un agente, un contrato literario y una inmensa presión. Después de ser agredida sexualmente en un club nocturno, su vida cambia irreversiblemente y Arabella se ve obligada a reevaluar todo: su carrera, sus amigos, y hasta su familia. Mientras Arabella lucha por aceptar lo que sucedió, también comienza un viaje de autodescubrimiento. “I May Destroy You” se puede considerar como parte de una tendencia cultural más amplia en la que las experiencias de agresión sexual de las mujeres negras aparecen con mayor frecuencia y se tratan con más sensibilidad.

21. Jeffrey Epstein: Filthy Rich (Docuserie, 2020 - Netflix)

Esta docuserie se apoya en testimonios de víctimas para analizar cómo el agresor sexual convicto Jeffrey Epstein utilizó su fortuna y poder para llevar a cabo sus abusos. Epstein, conocido financiero neoyorquino con gran influencia social y política en la ciudad hasta su acusación y condena por solicitar prostitución e incitar a la prostitución a menores, se ahorcó en su celda del Centro Correccional Metropolitano en Manhattan en agosto del 2019, en circunstancias sin esclarecer aún. Filthy Rich está anclado por las sobrevivientes del abuso de Epstein, ahora mujeres adultas. En sus muchas historias, recuerdan haber sido reclutadas o reclutar a otras chicas para ir a las propiedades de Epstein en Palm Beach y la ciudad de Nueva York o a su isla privada en las Islas Vírgenes de EE. UU. para tener relaciones sexuales con Epstein, a menudo bajo el pretexto de que estaban siendo contratadas.

22. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Ficción, 2017 - Amazon Prime)

Mildred Hayes, una mujer de 50 años cuya hija adolescente ha sido violada y asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la Policía de su pueblo, Ebbing, al considerar que no hacen lo suficiente para resolver el caso y que se haga justicia. Su primer paso será contratar unas vallas publicitarias denunciando la situación y señalando al jefe de policía, William Willoughby (Woody Harrelson), como responsable principal de la pasividad policial. La trama y sus personajes contrastan la complicidad de larga data de la iglesia católica en actos de violencia. y abuso sexual a la protección de los Crips y Bloods de su propia. Mildred sugiere que en una comunidad del medio oeste plagada de crímenes y prejuicios, su pastor supuestamente amable debe asumir parte de la responsabilidad. La “pandilla” de la que habla Mildred en la película es más grande y más amplia que la iglesia: incluye todo tipo de hombres que abusan e ignoran a las mujeres, y Mildred está dispuesta a acabar con ella. 

23. Keep Sweet: Pray and Obey (Docuserie, 2022 - Netflix)

Esta miniserie documental analiza el ascenso de Warren Jeffs dentro de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días y el proceso penal contra él. Esta iglesia también llamada  FLDS es una secta extrema de la iglesia mormona que practica la poligamia, donde se demuestra cómo su líder abusó de su posición en la iglesia para realizar matrimonios de menores, violar a menores de edad. niñas, y muchos más crímenes impensables.

24. En el tiempo de las Mariposas (Ficción, 2001 - Amazon Prime)

Narra la historia de las hermanas Mirabal, consideradas auténticas heroínas en la República Dominicana, pues apoyaron un intento revolucionario para derrocar al cruel dictador Trujillo. El 25 de noviembre de 1960, los cuerpos de las tres hermanas Mirabal se encontraron en el fondo de un acantilado en la costa norteña de la República Dominicana. Reseñado como un fatal accidente por la prensa oficial, la cuarta de las hermanas, conocidas como las Mariposas, se encargó de mantener el legado de la familia, su feroz ofensiva contra el régimen de Trujillo. Su lucha comenzó cuando Minerva rechazó las propuestas indecorosas del dictador, lo que llevó al asesinato de su padre. Patria, otra de las mariposas, organizó la oposición. La película demuestra cómo, la misma ola de violencia que se vivía durante la tiranía de Trujillo también estaba impregnada en las relaciones domésticas, ya sea esposos que usan la fuerza para controlar a sus esposas o padres que corrigen violentamente a sus hijas, la idea es que el sexo más grande, poderoso y dispuesto puede usar la violencia contra el otro.

25. She Said (Ficción, 2022 - HBO MAX)

La recién estrenada película de Maria Schrader explora a las reporteras del New York Times, Megan Twohey y Jodi Kantor, y cómo se determinaron publicar uno de los reportajes más importantes de una generación: una historia que ayudó al lanzamiento del movimiento #MeToo y rompió décadas de silencio sobre el tema de las agresiones sexuales en Hollywood. Las elecciones creativas de la película se prestan para crear una trama que pueda servir de molde para otros medios en el futuro que quieran tratar el tema de la agresión sexual; que la explotación y deshumanización de las mujeres no es algo que deba filmarse para el consumo para registrar su impacto. Basta con escuchar lo que dicen las víctimas.