Crítica Cinéfila: Resident Evil

Película basada en la saga de videojuegos de Capcom del mismo nombre. En una reinvención totalmente nueva, el mensajero médico Bryan (Austin Abrams) se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia, mientras el caos se desata a su alrededor.

Una de las muchas virtudes de "Weapons" de Zach Cregger es que se trata de una película de terror con humanidad. Rebosaba de una majestuosa inquietud, pero todo el tema de la brujería y el niño robado se integraba en situaciones de gran suspense emocional que Cregger entrelazó como una versión juvenil de "Pulp Fiction". En parte, por eso la malvada bruja interpretada por Amy Madigan tenía una resonancia tan terrorífica.

Cuando una película se convierte en un éxito inesperado como lo fue "Weapons", el director que la creó puede hacer lo que quiera. Así que cuando Cregger anunció que su próxima película sería un reinicio de " Resident Evil ", pensé: muy típico de esta época, después de una película tan notable como "Weapons", lanzar un reinicio de la saga de terror más inhumana de los últimos 25 años.

Han habido siete películas de “Resident Evil” (incluido el reinicio de 2021), y obviamente cuentan con una gran base de fans. Pero, sin excepción, han sido una masa hiperviolenta y frenética de zombis de videojuegos, diseñada como atracción despersonalizada para jugadores. Pero, ¿cómo sería una película de “Resident Evil” de Zach Cregger?

Su nueva película de "Resident Evil" es diferente, y mucho mejor que las otras películas de "Resident Evil": es una película espeluznante y repugnante que se toma su tiempo y tiene una extraña inocencia. Cregger no la filma al estilo habitual de las películas de videojuegos "implacables". Trabaja de una manera más pausada y naturalista, y eso se nota desde la primera escena, cuando la cámara sigue a Bryan (Austin Abrams), un mensajero médico, al hospital donde entrega un órgano vital, y luego le entregan otro paquete aún más importante de la Lista A (él supone que es un corazón humano, o algo de esa magnitud) para que lo lleve a un hospital en las montañas.

Austin Abrams, quien interpretó al drogadicto sin hogar en “Weapons”, aquí parece un actor diferente. Con el pelo revuelto y una actitud tiernamente tímida y temerosa, tiene el aspecto y el aura de un rockero indie de los 2000 como Mark Foster, pero también tiene un toque del joven Sam Rockwell. Su Bryan es un héroe entrañablemente ordinario, nada machista (hay momentos en que grita de terror), y básicamente está solo. Eso es lo que hace que esta sea una película de videojuegos: no el tono, sino la forma en que Bryan vaga de una zona de peligro cada vez más extravagante a otra. “Resident Evil” es un thriller viral ligero y divertido sobre monstruos.

Esta es una obra de entretenimiento ligero y bien ejecutada. Tiene un toque peculiar que resulta cercano para ser una película de “Resident Evil”. Bryan, sin cadenas en las ruedas, conduce por un camino rural peligroso en la noche nevada, lo que le da a la película una atmósfera de cuento de hadas. Cregger introduce un aspecto más humano al involucrar a Bryan en una discusión telefónica con su novia, que está embarazada. Ella quiere saber qué quiere hacer. Él le dice que es su cuerpo y su decisión, lo cual no es la respuesta que ella quiere oír.

Esto nos da una pizca de interés en Bryan, pero también es la forma que tiene la película de prepararnos para el final. Conduciendo sobre la nieve irregular, Bryan atropella a una mujer que se ha lanzado al medio de la carretera, y ella es nuestra primera zombi: un poco mayor de lo que esperábamos, con manchas de sangre irregulares en la cara. Él termina salvándola y escondiéndola en el asiento del copiloto, hasta que un policía lo detiene. Ocurre un accidente y tiene su primer enfrentamiento con la zombi, aunque todavía no se cree que lo sea. En su torpeza, toma el arma del policía, disparando como loca a la mujer pero dañando su vehículo en el proceso, paralizándolo en medio de la nada.

Momentos después, está caminando por una pradera hacia una granja aparentemente vacía, y este es el primero de los "entornos" episódicos de la película, aunque la forma en que Cregger lo plantea no nos hace sentir atrapados en un juego. Es más como una casa de la risa que evoluciona lentamente. Bryan es atacado por un perro, que asoma la cabeza a través de la pared de un granero... y entonces la cara del perro se parte como una flor, con tentáculos saliendo disparados. Ese efecto recordará a cualquiera que haya visto "La Cosa" de John Carpenter, una de las varias películas de terror de las que "Resident Evil" toma prestados ciertos elementos. Los tentáculos siguen apareciendo, y los zombis tienen una forma de usarlos para aferrarse a las víctimas, a las que absorben en masas de múltiples extremidades que ruedan como arbustos rodantes, un efecto que evoca la película de culto de terror corporal de 1989 "Sociedad". En el hueco de un ascensor, uno de los monstruos vomita ácido verde que quema el suelo como la sangre alienígena en "Alien".

Bryan es un aficionado hilarante en el manejo de armas y no posee cualidades heroicas propias de una película. Es simplemente nuestro representante desgarbado, tratando de sobrevivir a lo que sea que le depare el destino. Lo divertido de "Resident Evil" es cómo evoluciona constantemente. No es solo una película de zombis devoradores de carne. Los monstruos, aunque surgen del mismo virus, son todos diferentes, y Cregger quiere que los observes con la misma fascinación contenida que él.

Bryan tiene un encuentro con Carl (Paul Walter Hauser), un científico que trabaja para Umbrella Corporation (lo más cercano que la película tiene a la construcción oficial del mundo de "Resident Evil"), y Hauser está divertidamente exagerado, hasta que los tentáculos van por él. Cuando Bryan finalmente aterriza en el laboratorio de Umbrella, donde están listos para usar el paquete que llevaba para crear un antídoto, nos tranquiliza estar en ese espacio blanco impoluto, lleno de científicos con batas de laboratorio, liderados por Dave (Zach Cherry), que parecen listos para salvar el día. Pero no funciona exactamente así. "Resident Evil" es una broma, una mezcla de monstruos, un descarte cambiante. Como película de terror, hace que "Weapons" parezca "Guerra y Paz", pero se intensifica a lo largo de 90 minutos hasta convertirse en una especie de locura sinfónica. Se niega a tomarse en serio, pero a diferencia de las otras películas de "Resident Evil", esta está muy viva.

Crítica Cinéfila: Monster - The Lizzie Borden Story

Cuarta temporada, 8 episodios. Atrapada en un hogar victoriano marcado por la crueldad, Lizzie Borden mata brutalmente a sus padres a hachazos y conmociona a todo el país.

La historia de Lizzie Borden, un espantoso asesinato real del siglo XIX, es tan conocida en Estados Unidos que incluso tiene su propia canción infantil. Eso nos da la información básica, aunque ignora la incómoda verdad de que, cuando llegó el juicio en 1893, Lizzie Borden fue absuelta de los asesinatos de su padre y su madrastra en su casa de Massachusetts. Así comenzó un ciclo de especulaciones que continúa hasta el día de hoy. Si Lizzie Borden no tomó un hacha y asestó esos golpes, ¿quién lo hizo?

El hecho de que el título califique a Lizzie Borden como un monstruo deja claro que Murphy y el showrunner Ian Brennan están bastante seguros de que Lizzie lo hizo. Su interés radica más en el porqué. “Monster: The Lizzie Borden Story”, la cuarta entrega de la serie “Monster” de Ryan Murphy e Ian Brennan, lleva la antología en una dirección nueva y emocionante con su primera asesina. Ambientada en Fall River, Massachusetts, a finales del siglo XIX, la serie sigue a Lizzie Borden (una cautivadora Ella Beatty), una joven peculiar que sufre bajo la mano de su cruel madrastra, Abby (Rebecca Hall), a quien llama Sra. Borden, su distante padre, Andrew (Charlie Hunnam, quien interpretó a Ed Gein en la temporada anterior) y el dolor de sus terribles ciclos menstruales. Sin embargo, una amistad con la nueva criada de la familia, Bridget Sullivan (Vicky Krieps), abre el mundo de Lizzie, guiándola por un camino brillante y sangriento que pasará a la historia para siempre. 

La serie de Netflix de ocho episodios comienza con una cortina roja rubí, un piano ornamentado y un toque de fantasía. Lizzie baja las escaleras descalza con su camisón blanco, recorriendo la casa hasta detenerse en el armario de hachas de Andrew. En otro lugar, se ve a la señora Borden irrumpiendo en la habitación de Lizzie y arreglando su cama hecha de forma desordenada. Sin embargo, antes de que pueda levantarse, Lizzie irrumpe por la puerta, blandiendo un hacha y atacando a su madrastra. Momentos después, Andrew entra en la casa y enciende una pipa antes de correr la misma suerte. Su cuerpo se desploma sobre sí mismo en el diván de la sala de estar. Mientras la sangre empapa su camisón, Lizzie observa con calma la escena del crimen. 

Aunque los Borden encontraron su fin el 4 de agosto de 1892, "The Lizzie Borden Story" retrocede cuatro meses. Es abril, y la menstruación abundante de Lizzie y su extraña personalidad han ahuyentado a otro pretendiente. Sin ningún posible novio a pesar de la considerable fortuna de su padre, y con su hermana Emma (Billie Lourd) viviendo la vida a su manera, Lizzie se contenta con pasar sus días holgazaneando entre los cerezos de la familia o en su palomar rodeada de sus queridos pájaros. Pero su mundo se expande inesperadamente cuando la señora Borden contrata a una nueva criada, Bridget, quien le cuenta historias sobre París, conoce todo tipo de remedios herbales e incluso cumple con los imposibles estándares de limpieza de la señora Borden.

Animadas por la amistad de Bridget, y tras otro de los horribles actos de barbarie de la Sra. Borden, las mujeres planean matar a los Borden para que Lizzie pueda encontrar algo de libertad y seguridad. A pesar del tema, "The Lizzie Borden Story" tiene un tono lúdico y vibrante. Lizzie no es una mujer llevada al límite sin motivo. En cambio, otros la marginan y la tratan horriblemente hasta que finalmente se quiebra. En sus primeros episodios, la serie distingue cuidadosamente a Lizzie de sus homólogos masculinos asesinos, al tiempo que resalta las condiciones opresivas que enfrentaban las mujeres en la época.

Algo que, aparentemente, a otros les ha perturbado es cómo la serie decide vincular el deseo monstruoso de Lizzie con otras asesinas históricas, algo que no es completamente novedoso en esta serie. En "Monster: The Ed Gein Story", se destacaron los asesinos imitadores Ted Bundy y Richard Speck. Hubo un intento torpe de vincular las historias de Gein y Bundy con una trama inventada que sugería que Gein estaba involucrado de alguna manera en la captura del estrangulador. 

Aun así, aquí se nos introducen otras mujeres en el camino. Sarah Paulson, colaboradora habitual de Ryan Murphy, aparece como la asesina en serie convicta Aileen Wuornos, quien mató a siete hombres entre 1989 y 1990. Los asesinatos de Wuornos ocurrieron casi 100 años después de que Lizzie Borden asesinara a sus padres a machetazos, pero aquí se sugiere que era fanática de Lizzie y que justificaba lo que había hecho con base en que las mujeres son consideradas incapaces de cometer un asesinato frío a menos que sea en defensa propia. No está comprobado que Aileen realmente siguiera la vida de Lizzie, pero, como siempre, Paulson se mete en el cuerpo de su personaje al punto de que le crees cada onza de locura.

Otro asesino en serie se integra a la perfección en la serie. Bridget le lee a Lizzie la historia de la condesa Elizabeth Báthory de Ecsed (también interpretada por Krieps), una noble húngara del siglo XVI que, según se cuenta, desangraba a hermosas vírgenes para bañarse en su sangre y preservar su belleza. La historia de la condesa resalta la obsesión con la apariencia femenina a lo largo del tiempo, a la vez que añade un toque divertido y extravagante a la naturaleza gótica de la serie.

Y, al igual que en las entregas anteriores de Monster, el mal luce espectacular. La ambientación, el vestuario y las escenas de violencia están realizados con un estilo impecable, con una alta calidad de producción y un brillo al estilo Bridgerton . Todo está intensificado, lo cual es a la vez un halago —sin duda, la carnicería más glamurosa que he visto en pantalla— y una crítica.

Aunque Charlie Hunnam regresa en un personaje completamente diferente al que encontramos en la tercera entrega de Monster en el cuerpo de Andrew Borden, aquí las mujeres son las que destacan. Vicky Krieps es una Bridget/Maggie con un corazón confundido que seguro conectará con muchos de la audiencia, pero es impresionante como, a la vez, encarna a un personaje tan opuesto como el de la condesa húngara. Y Rebecca Hall es particularmente macabra como la madrastra de Lizzie, dando suficientes razones para entender por qué llegó su fin. Pero la que verdaderamente enganchará la audiencia, aun a los que les moleste que la dejaron libre, será Ella Beauty, por su naturalidad y representación de ingenuidad tan elocuente que acabará justificando fielmente sus acciones. Y no puedo dejar de mencionar a Jessica Barden como la actriz Nance O'Neill, quien según esta interpretación, se hizo muy cercana a Lizzie para ayudarla a que todos creyeran su inocencia durante el juicio, y sea verdad o mentira, la fuerza de su Nance retumba.

Como cuarta entrega de esta franquicia, "The Lizzie Borden Story" ofrece algo refrescante y completamente único dentro del canon de "Monster". Una ventana a la era victoriana, la serie retrata a una joven atormentada por su familia, la misoginia y su propio cuerpo. Una representación muy atractiva de uno de los crímenes más espantosos de la historia estadounidense, la narrativa, por supuesto, distorsiona y tergiversa la verdad de lo que realmente ocurrió en la casa de los Borden aquella infame mañana de jueves. Sin embargo, la serie también nos recuerda que la última persona a la que se debe subestimar es a una mujer, especialmente a una que clama por un pequeño resquicio de libertad.

Crítica Cinéfila: Practical Magic 2

Secuela de la película 'Prácticamente magia'. Las hermanas Owens deben enfrentarse a la oscura maldición que amenaza con desintegrar a su familia de una vez por todas.

«Seguro que has oído hablar de las hermanas Owens», comienza la narración inicial de "Practical Magic 2". Si es así, la película te invita a visitar de nuevo su espaciosa y laberíntica casa de Nueva Inglaterra tras tanto tiempo; como ejercicio de nostalgia, el filme funciona lo bastante bien como para despertar cierta calidez, aunque no llegue a hechizar por completo al espectador. ¿Y si, por el contrario, no has oído hablar de las hermanas Owens? ¿O si las conoces pero no sientes ningún deseo especial de volver a verlas? Pues bien, esta película fantástica dirigida por Susanne Bier podría ser perfectamente un libro de hechizos con las páginas pegadas entre sí, dada la escasa magia que probablemente extraerás de ella.

Al igual que en la película original de 1998, la mejor razón para ver la secuela es la química entre Sally (Sandra Bullock) y Gilly (Nicole Kidman). Casi tres décadas después de nuestra última visita a estos personajes, Sally ha emprendido una nueva carrera como bibliotecaria, mientras que Gilly... bueno, en realidad no estoy muy segura de a qué se dedica Gilly, más allá de moverse por el pueblo deleitando a los niños con pequeños trucos de magia. Entretanto, Bullock y Kidman han pasado de ser jóvenes promesas a convertirse en leyendas consagradas.

Pero cuando las hermanas Owens vuelven a compartir pantalla —ya sea preparando «margaritas de medianoche» o bromeando sobre hombres —, todos los años transcurridos se desvanecen. Vuelven a parecer aquellas niñas que escuchaban a escondidas cómo se lanzaba su primer hechizo de amor desde la seguridad del rellano de la escalera. Aunque las bromas resulten algo más exageradas en esta ocasión y su vínculo parezca menos complejo, el afecto palpable entre Kidman y Bullock sigue siendo tan sólido como siempre.

Es todo lo que Akiva Goldsman, Georgia Pritchett y Kelly Marcel construyen sobre esa base lo que parece correr el riesgo de desmoronarse; empezando por la propia premisa que nos reúne de nuevo aquí. 

"Practical Magic 2" revela que, en los años transcurridos desde la última vez que supimos de este clan, Gary —el marido de Sally, autor de aquella declaración tan romántica pero aparentemente muy desacertada de que «las maldiciones solo tienen poder si crees en ellas»— ha sucumbido a la misma maldición que acabó con todas las demás parejas sentimentales de las mujeres Owens. Es comprensible que Sally esté destrozada. Lo que resulta menos comprensible es su decisión de que la mejor manera de proteger a sus hijas de ese mismo desconsuelo es, simplemente, no hablarles nunca de la maldición ni de ningún otro asunto relacionado con la brujería.

Así es como las hijas de Sally, Kylie (Joey King) y Antonia (Maisie Williams), han llegado a la juventud adulta sin sospechar siquiera que enamorarse de alguien equivale, en esencia, a condenar a esa persona a una muerte prematura. Sin embargo, cuando el escarabajo de la muerte empieza a rondar al novio de Kylie, la verdad sobre su linaje sale a la luz. Furiosa por haber sido engañada toda su vida, Kylie toma el primer avión hacia la casa ancestral de los Owens en Inglaterra con la intención de romper la maldición de una vez por todas.

Como es natural, a Sally no le queda más remedio que ir tras ella. Esto implica que Sally debe recuperar los dones sobrenaturales que había reprimido, contando con el apoyo espiritual y emocional de una Gilly rebosante de entusiasmo. Si a esto le sumamos un interés amoroso increíblemente atractivo (Lee Pace), que también ha hecho sus pinitos en las artes místicas, y un inglés sospechosamente servicial (Solly McLeod) que tal vez sepa más de la angustiosa historia de los Owens de lo que admite, "Practical Magic 2" se ve obligada a correr para abarcar todos los puntos clave de la trama.

Pero, aunque este ritmo frenético hace que la película pase volando —más rápido de lo que sugerirían sus 130 minutos de duración—, también impide desarrollar esa narrativa compleja y llena de matices necesaria para dotar a la historia de verdadero peso emocional. Apenas tenemos tiempo para lamentar el distanciamiento de Sally respecto a sus dones sobrenaturales antes de que los recupere por completo; solo vislumbramos de forma muy vaga la relación entre Sally y Kylie antes de que esta se rompa y vuelva a recomponerse.

Tampoco nos detenemos lo suficiente en ninguno de los personajes secundarios como para explorarlos a fondo. No resulta sorprendente que Dianne Wiest y Stockard Channing —que retoman sus papeles de Jet y Franny, las excéntricas tías Owens— tengan una participación más bien modesta en la frenética búsqueda que emprende Sally para encontrar a su hija por toda Inglaterra. Al menos, estos entrañables personajes reciben despedidas tan hermosas —chispas doradas, flores en flor, lágrimas, una banda sonora de Stevie Nicks— como se merecen.

Lo más decepcionante —y desconcertante— es el total desinterés de "Practical Magic 2" por la siguiente generación de chicas Owens. Aunque Williams y King muestran una química alegre y distendida en las escenas que comparten, estas son escasas. Durante la mayor parte de la película, permanecen separadas no solo entre sí, sino también del resto de su familia: Kylie recorre Inglaterra cometiendo torpezas en solitario mientras espera a que su madre y su tía la alcancen, mientras que Antonia hace aún menos —si cabe— al permanecer junto a la cama de un paciente en coma en Massachusetts.

Para ser justos, la película original (y superior), "Practical Magic", tampoco destacaba precisamente por una trama impecable o una construcción de mundo rigurosa. Confió acertadamente en que el vínculo inquebrantable entre Gilly y Sally bastaría para sostener gran parte de la narrativa, dejando que la vaga invocación de la «magia» se encargara del resto. Del mismo modo, la secuela funciona mejor cuanto menos se busca la lógica y más se disfruta de los placeres efímeros de ver la interacción entre estas actrices.

Desde esa perspectiva, ¿qué importa si el coqueteo entre Ian y Sally parece construido a partir de una lista de elementos argumentales obligatorios de "Practical Magic"? Pace y Bullock siguen formando una pareja entrañable, sobre todo con Kidman presente para sonreír con complicidad ante su evidente atracción. ¿Y qué más da si Gilly no tiene realmente nada que hacer aquí? Resulta encantadora simplemente como entusiasta compañera de Sally. ¿Y qué importa si la triunfal demostración final del poder de las Owens parece desconectada de lo anterior, cuando verlas descender flotando crea una imagen tan dulce?

Como bien saben las Owens, algunos hechizos están hechos para durar y otros para romperse. Algunas películas están destinadas a perdurar en el afecto del público, generando interés por una continuación incluso décadas después. Otras se conforman con provocar unas cuantas sonrisas antes de disiparse como el humo con la más mínima brisa.

Crítica Cinéfila: Ice Cream Man

Lo que comienza siendo un verano idílico, en un pequeño y tranquilo pueblo vacacional, se convierte en una auténtica pesadilla cuando los más pequeños comienzan a mostrar instintos asesinos y deseos insaciables por acabar con todos los adultos. Son víctimas de una curiosa maldición provocada por los helados que comen que afecta a todos, menos a tres niños que tendrán que intentar escapar y salvar a todo el pueblo.

Las películas de terror actuales generalmente se dividen en dos categorías. Por un lado, está el terror psicológico que busca ahondar en la mente del espectador, como los éxitos de este verano "Obsession" y "Backrooms", así como también fueron "Weapons" y "Talk to Me". Pero en el otro lado están las películas que buscan brindar al público la simple diversión del gore y la sangre de la vieja escuela. Aunque durante mucho tiempo fue menospreciado, este subgénero ha resurgido recientemente, gracias a la popularidad de la franquicia "Terrifier" y "Thanksgiving" de 2023 .

Eli Roth, el director de la última película, no es nuevo en esto de emocionar al público con efectos sangrientos; lleva dos décadas provocando repulsión con películas como "Cabin Fever" y "Hostel". Ahora, regresa con "Ice Cream Man", una comedia de terror sobre un villano sonriente cuyos dulces convierten a un pueblo en un lugar violento y hostil. Si buscas el tipo de impresionantes efectos prácticos que hicieron de las películas de "Terrifier" un fenómeno, sin duda los encontrarás aquí. Pero ahí termina la diversión. A pesar de su buen aspecto, "Ice Cream Man" es una película monótona con un villano olvidable.

"Ice Cream Man" (que no debe confundirse con la comedia de terror homónima de Clint Howard de 1995) comienza en un idílico pueblito que parece el lugar perfecto para crecer. ¿Y qué más podría necesitar un pueblo perfecto que su propio heladero local? Acechando en segundo plano en escenas de niños jugando en el parque y participando en partidos de béisbol infantil, el camión de helados los reparte a los pequeños a través de un personaje silencioso conocido simplemente como el Heladero (Ari Millen). Con su sombrero blanco, pajarita roja y bigote, él también parece una reliquia de tiempos pasados.

Claro, estamos en una película de terror, así que este helado tiene un precio muy alto. Por la noche, el camión de helados recorre barrios oscuros, tocando su melodía característica, y todos los niños que comieron el helado se convierten en monstruos parecidos a zombis cuyo único objetivo es destrozar a los adultos del pueblo (ni siquiera Roth, que tiene un pequeño papel como un padre local, está a salvo). Los únicos que pueden salvar el día son unos cuantos niños y adolescentes que no comieron el helado, incluyendo al intolerante a la lactosa Jared (Charlie Zeltzer) y su hermana mayor Lizzie (Sarah Abbott). Ice Cream Man se ve como la escena final de Weapons convertida en largometraje. La película sabe exactamente lo que es y no se hace ilusiones de ser otra cosa. Pero al final, eso no es suficiente para redimirla.

Eli Roth es un gran admirador del estilo grindhouse. Este gusto, aunque ya palpable en sus demás películas, se hizo público con su genial tráiler grindhouse para la película ficticia "Thanksgiving", que tuvo tan buena acogida que acabó convirtiéndose en un largometraje de éxito. Ese gusto también se aprecia aquí. Ice Cream Man es una comedia de terror donde las escenas de asesinatos no dan miedo; al contrario, son tan exageradas que lo único que queda es reírse de la genialidad del equipo de efectos especiales, que presumiblemente dedicó muchas horas a idear nuevas y descabelladas formas de descuartizar a alguien.

La trama absurda de la película está diseñada para que la producción se divierta, y el gore es el verdadero atractivo. Si te gusta el gore, no te decepcionarán las numerosas escenas de aspecto creíble en las que niños decapitan a sus padres y les destrozan la cara. La mejor de todas es aquella en la que una pandilla de pequeños monstruos en la escuela le corta la parte superior del cráneo a un adulto y, mientras aún está vivo, le arranca parte del cerebro con una cuchara de helado, lo mete en un cono y se lo da de comer.

Sin embargo, hay tantas escenas sangrientas que el impacto inicial se desvanece rápidamente. Un espectador solo puede soportar una cantidad limitada de carnicería repugnante antes de que pierda toda su fuerza, sobre todo porque Ice Cream Man tiene una estética cuidada que contrasta con su predilección por las muertes brutales. Cuando el número de muertes es tan elevado que deja de importar, debe haber una trama que la mantenga en marcha. Aquí es donde Ice Cream Man falla: si se elimina la violencia explícita, no hay mucho más que destacar.

"Ice Cream Man" tiene una premisa similar a la de "Cooties" (2014), otra comedia de terror en la que los niños se transforman en diminutas máquinas de matar. Si bien aquella película distaba mucho de ser perfecta, el coguionista Leigh Whannell y actores talentosos como Elijah Wood y Rainn Wilson crearon una película que, al menos, era coherente. "Ice Cream Man" carece de esto. Los diálogos son muy básicos y dependen demasiado de la interpretación de niños que, sinceramente, no son grandes actores. Esto hace que "Ice Cream Man" parezca una película de serie B directamente para plataformas de streaming.

Pero quizás lo peor de todo sea el villano que da título a la película, tan blando y sin sustancia como los dulces que sirve. Ari Millen es un buen actor que ha impresionado en series como "Orphan Black", pero aquí no tiene nada que hacer, ya que este villano no pronuncia ni una sola palabra.

Claro que una película puede sortear este obstáculo si hay algo sustancial bajo la superficie; el silencioso Art el Payaso es el corazón de "Terrifier". Sin embargo, el Vendedor de Helados no es Art el Payaso. Es solo un tipo, y uno que, además, no parece muy siniestro. Para colmo, el Vendedor de Helados nunca mata a nadie; lo mejor que puede hacer es mantenerse al margen mientras los monstruos que creó hacen el trabajo sucio. Si bien esto podría haber sido el comienzo de un misterio intrigante, una avalancha de información en el tercer acto explica quién es y por qué hace lo que hace. Unos minutos después, tras un clímax poco emocionante, la película termina.

Eli Roth se ha labrado un lugar como uno de los directores de terror más visionarios del siglo XXI, creando tanto películas de pesadilla como comedias de gore. Con "Ice Cream Man", Roth tiene una idea interesante, pero con tan poco respaldo, la película se desinfla rápidamente. Sus brillantes escenas de gore resultan atractivas al principio. Sin embargo, después de un rato, el encanto se desvanece, dejando al público con una sensación de vacío. Al final de los créditos, uno se queda con ganas de más.

Crítica Cinéfila: The Dog Stars

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los sobrevivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados 'segadores'. Hig, un piloto que antes era mecánico, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. 

No es ningún misterio por qué Disney casi enterró  "The Dog Stars" con un estreno a finales de verano pospuesto desde la primavera, mínima publicidad previa, escasa prensa con los actores, sin alfombra roja en Estados Unidos y un tráiler engañoso, que se parece a un millón de otros thrillers postapocalípticos que han cedido terreno a series de televisión más emocionantes, como "The Last of Us" y —al menos en sus primeras temporadas— "The Walking Dead". La película es excesivamente melancólica, y algunos sin duda la considerarán poco potente, pero podría decirse que es la mejor de Ridley Scott desde "The Martian" hace 11 años. Ahora, a sus 88 años, el prolífico director no ha perdido su gusto por la acción explosiva, pero esos estallidos se ven amortiguados aquí por un drama más reflexivo.

Adaptada por Mark L. Smith ("The Revenant", "Twisters") a partir de la aclamada novela de Peter Heller de 2012, la película tiene el aire de un western melancólico centrado en los personajes, más que de un thriller de supervivencia con tiroteos, aunque incluya secuencias de ese tipo. Esto hace que sea difícil que satisfaga a los espectadores con poca capacidad de atención que buscan acción trepidante, pero el público más maduro, abierto a una visión de un futuro distópico donde la desolación y la brutalidad se contrarrestan con la compasión y la esperanza humanas, debería verla.

En consonancia con la estética retro, Jacob Elordi lidera con un magnetismo introspectivo propio de una estrella de cine que evoca la época dorada de Kevin Costner, mientras que las vistas panorámicas del director de fotografía Erik Messerschmidt —lugares en las estribaciones de los Alpes italianos y las montañas de las regiones de Abruzzo y Lazio que sirven como majestuosos sustitutos de Colorado— dotan a la historia, pausada pero absorbente, de una gracia revitalizante. Como demostró Paul Greengrass en la infravalorada  News of the World , lo clásico no siempre es negativo.

Elordi interpreta a Hig, un viudo inseparable de su fiel compañero Jasper, un pastor belga malinois que lo acompaña desde cachorro y que representa el vínculo más duradero con los tiempos felices que compartió con su difunta esposa, Melissa (Sai ​​Bennett). La relación de Hig con el veterano militar Bangley (Josh Brolin) es afectuosa pero tensa, ya que, a pesar de su experiencia en la aviación del ejército, nunca aprendió a volar. Ambos comparten alojamiento en un hangar convertido en una pista de aterrizaje abandonada en Erie, Colorado, rodeado por un perímetro de seguridad.

El francotirador Bangley se encarga de las armas y las fortificaciones, y confía en Hig, un antiguo mecánico y piloto experimentado, para realizar vuelos de reconocimiento en una avioneta Cessna destartalada. El objetivo es detectar posibles amenazas humanas y recolectar combustible y otros suministros de lo que queda de Denver. En una de estas misiones, Hig descubre a una nueva banda de carroñeros conocida como los "Segadores", que, según se dice, son más salvajes que cualquier tribu anterior, y cuyo único propósito es matar a los supervivientes y arrasarlo todo.

La historia transcurre en 2035 —resulta curioso cómo los autores de ficción postapocalíptica siguen posponiendo la fecha con optimismo—, una década después de que la población humana fuera diezmada por una pandemia de gripe. Esa gripe se llevó a Melissa, un año después de haber perdido al bebé que esperaban. 

Hig sostiene que Bangley nació para estos tiempos brutales de supervivencia. El anciano posee un arsenal de armas bien surtido, reciclando ingeniosamente casquillos de bala como punzones. Bangley cree en disparar primero y preguntar después, lo cual demuestra cuando dos adolescentes se acercan al perímetro armados con un machete. Se opone a que Hig se ponga en riesgo de infección al entregar suministros médicos a una comunidad menonita liderada por Aaron (Benedict Wong) en un valle aislado, donde muchos niños portan una enfermedad sanguínea potencialmente mortal. Pero Hig no está dispuesto a darle la espalda a la bondad humana, lo que lo enfrenta a Bangley, incluso cuando este último lo salva de un ataque sorpresa.

Cuando Hig capta una señal de radio de Grand Junction, lo que lo impulsa a despegar solo en busca de algo más cercano a la civilización, una avería en el motor lo obliga a hacer una parada imprevista cerca de un rancho aislado en un valle, donde la joven viuda Cima (Margaret Qualley) vive con su padre hipervigilante, conocido como Pops (Guy Pearce). Poco a poco, él se gana la confianza del anciano y el afecto incipiente de su hija mientras repara su avión y crea una pista de aterrizaje, tarea que se ve acelerada por un ataque de los cañoneros.

Suceden más actos de violencia, junto con un insólito interludio protagonizado por Allison Janney, maquillada como una exazafata vestida con un uniforme de aerolínea de época, que sirve martinis a los visitantes («¡Una vez azafata, siempre azafata!»). Sin embargo, este episodio está totalmente divorciado del tono más sobrio que predomina, aunque los salvajes saqueadores pudieran sugerir lo contrario. Algunos podrían preguntarse si Scott se está volviendo más blando con la edad, especialmente en algunos de los giros finales, que ofrecen esperanza para la resiliencia de la humanidad. Pero incluso si el final resulta abrupto y un tanto trivial, el sentimiento no es infundado. Dicho esto, el guion de Smith carece de complejidad psicológica, y en la parte final de la película se percibe que se han recortado algunos fragmentos del libro, e incluso del rodaje, durante el montaje.

Desde mi punto de vista, el sólido reparto es lo que te mantiene enganchado. En uno de los pocos papeles protagónicos importantes del actor australiano, Elordi irradia una emotividad y sensibilidad que dotan a la película de autenticidad emocional. Brolin está en plena forma como un tipo duro con un núcleo de decencia bien disimulado, aportando un humor considerable. Pearce se muestra hostil en las primeras escenas de Pops, pero gradualmente se transforma en calidez y confianza, mientras que Qualley ofrece una de sus interpretaciones más encantadoras, libre de excentricidades o momentos dramáticos ostentosos, retratando a Cima como una mujer marcada por el dolor pero reacia a cerrarse a la posibilidad del amor.

La cinematografía de Messerschmidt rebosa de texturas —sobre todo en IMAX—, con una dinámica puesta en las escenas de acción e imágenes nítidas y envolventes en las secuencias de vuelo. Como era de esperar en Scott, la ambientación se construye principalmente a través de recursos visuales, con impactantes tomas aéreas de zonas urbanas y rurales fantasmagóricas, deambuladas por manadas de perros salvajes. La banda sonora de Harry Gregson-Williams captura la esencia de la película con pasajes melódicos de guitarra acústica, dobro y cuerdas orquestales —con ecos en temas vocales folk de Hozier, Caamp y otros—, a la vez que se transforma en un suspense opresivo cuando es necesario. 

Sin ser aburrida, "The Dog Stars" difícilmente buscaba posicionarse entre las mejores películas de Ridley Scott. Sin embargo, es una película agradablemente tranquila, aunque esto pueda parecer contradictorio con un drama postapocalíptico ambientado en la sombra de la muerte.

Crítica Cinéfila: The End of Oak Street

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

“The End of Oak Street” pertenece al género que yo llamo la película de último suspiro del verano. Una película de esta categoría tiene varias características, empezando por el hecho de que debe estrenarse a mediados de agosto o más tarde. Además, una película de último suspiro del verano es cutre y obvia, está repleta de otras películas y se burla de todo ello con una sonrisa descarada. Al mismo tiempo, exige cierta magnitud y escala: una pretensión desmesurada de extravagancia palomitera que la identifica como una auténtica película de cierre de la temporada de grandes éxitos.

En "The End of Oak Street", un tranquilo barrio de clase media es atacado por dinosaurios, así que no sería inexacto llamar a la película «Jurassic World: Apocalipsis Suburbano». Ha habido siete películas de «Jurassic», pero para algunos parece que ha habido 27, y «El fin de Oak Street» bien podría ser la número 28. La película no tiene absolutamente nada que ver con esa legendaria franquicia, pero rara vez me he topado con un ejemplo tan obvio de oportunismo cinematográfico corporativo. Parte de la gracia reside en que los cineastas son descaradamente conscientes de que al público actual le da igual si «El fin de Oak Street» es una película oficial de «Jurassic» o no.

Ahora, aunque es muy absurda en la lógica de su trama, “The End of Oak Street” también es irreverentemente divertida. Permite que la temporada de películas de verano termine con un suspiro en lugar de un gemido. En una calle sin salida suburbana en el pueblo de Flowervale, una familia “normal”, los Platts — Denise y Greg (Anne Hathaway y Ewan McGregor) y sus dos adolescentes, Audrey (Maisy Stella) y Brian (Christian Convery) — se despiertan un día y descubren bestias y criaturas prehistóricas correteando por su vecindario. Al principio, ven aves rapaces rápidas y emplumadas que parecen engañosamente inofensivas. Hay estegosaurios vagando por el bosque (el bosque, por cierto, se ha convertido en un bosque primigenio). Hay una serpiente que se desliza como el condón más grande del mundo prehistórico, y sí, hay un T. Rex, todo movimiento rápido hacia adelante y mandíbulas gigantescas, al estilo de la película original de "Jurassic Park" de 1993.

¿Por qué está pasando todo esto? Enseguida lo explicaremos, pero no se preocupen: es completamente absurdo. Sin embargo, "The End of Oak Street", por muy tonta que sea, tiene un peculiar sabor a película de serie B que empieza con la extraña introducción de su ambientación. Se desarrolla en 1982, pero no hay ningún título al principio que lo indique. Tenemos que situarnos en la atmósfera de la época, y durante un rato resulta divertido, mientras nos fijamos en las canciones de fondo ("Hit Me With Your Best Shot", "Turning Japanese"), los muebles otoñales apagados y el tamaño y la forma de las casas, que son más pequeñas que las casas suburbanas de película a las que estamos acostumbrados. ¿Y es un Gremlin el que Greg está usando para repartir pizzas? Brian y sus amigos andan en bicicleta como refugiados de "Stand by Me", con un matón atormentador siguiéndolos. Y cuando empiezan a ocurrir cosas sobrenaturales, con erupciones nocturnas de luz blanca brillante, parece sacado de una película de Spielberg de la época. Lo mismo ocurre con los problemas matrimoniales de Denise y Greg, que rozan la separación.

JJ Abrams, uno de los productores de la película, ya había imitado a Spielberg en "Super 8". En "The End of Oak Street", el guionista y director David Robert Mitchell ("It Follows") hace un guiño al Spielberg analógico de finales de los 70 y principios de los 80, especialmente en una escena donde Greg, el personaje de McGregor, corre junto a una valla. Basta para despertar cierta nostalgia por aquellos tiempos en que un thriller de dinosaurios no se reducía a una exagerada ostentación digital.

“The End of Oak Street” a veces da miedo, más que cualquier cosa en las últimas secuelas de “Jurassic Park”. Y a veces es divertidísima. ¿Intencionadamente o no? Un poco de ambas cosas, y esa es la dinámica de kitsch tonto pero inocente de la película. Denise, Greg y los niños, junto con la vecina adolescente (Jordan Alexa Davis) a la que ayudan (las dos chicas empiezan a coquetear, lo que le da a esta película un toque actual), no tienen muchas armas. Hay escopetas, que resultan poco efectivas al disparar contra la gruesa piel de un dinosaurio, y Brian tiene un arco y flechas con los que no para de disparar y fallar.

La mayoría de las veces se trata de correr, disparar y esconderse. Pero Mitchell escenifica los ataques de las criaturas con una sincronización ingeniosa, hasta el punto de que cuando Denise se defiende de un T. rex en su porche, casi te lo crees. Los personajes son devorados de forma satisfactoria, incluyendo una sorpresa impactante que no voy a revelar. (También hay un momento bizarro en el que se ve a dos brontosaurios emplumados apareándose contra una casa; que Denise quiera sacarle una Polaroid a Greg delante de esto es una auténtica locura).

La película finalmente se convierte en la patética imitación de "Jurassic Park" que es. Los Platts, al igual que la familia de las películas de "A Quiet Place", están en un mundo de bestias por una razón que resulta aún más absurda cuanto más se piensa en ella. Han atravesado un agujero de gusano que distorsiona el tiempo, así que en realidad están en el mundo prehistórico, pero atrapados en un círculo de tres kilómetros de ancho de suburbios que se ha conservado. ¿Podrán regresar? Tal vez... saltando a una brillante esfera luminosa que aparece periódicamente. No es difícil imaginar que este sinsentido haya surgido de un ejecutivo diciéndole a su guionista y director: "Resuélvelo de una vez , o le pediremos a la IA que escriba el guion".

Con "It Follows" y "Under the Silver Lake", Mitchell se quedó creativamente estancado, y "The End of Oak Street" es la forma de intentar salir de su estancamiento: haciendo un thriller de dinosaurios tan descaradamente complaciente que demuestra que la audiencia está dispuesta a seguirle el juego. Sin embargo, Mitchell introduce toques de humanidad de película de serie B en los resquicios, especialmente en su retrato del tambaleante matrimonio de los Platts. Hathaway y McGregor sobreactúan juntos de una manera vívida y simpática. Como confirma la película, a veces un ataque de T. rex puede ser la mejor terapia de pareja.

Crítica Cinéfila: The Last House

En una situación inexplicable, una familia se encuentra confinada en su casa, sin poder salir. A medida que las provisiones disminuyen, deben aprender a ser ingeniosos para sobrevivir y desentrañar la misteriosa fuerza que los atrapa.

Dándole un giro inesperado al género de los thrillers de invasión a domicilio, "The Last House" de  Netflix pone a una familia en peligro cuando una misteriosa amenaza los encierra en su hogar sin posibilidad de escape, mientras caen lluvias torrenciales durante días que se convierten en semanas, meses y años. La hábil dirección de Louis Leterrier y las sólidas interpretaciones de Greta Lee y Wagner Moura como padres desesperados por proteger a sus hijos de sus peores miedos dan como resultado una película que, a pesar de sus elementos de ciencia ficción y terror, es tanto un drama psicológico como un thriller de supervivencia sobre cuatro personas que usan su ingenio y sus menguantes recursos para mantenerse con vida, incluso cuando sus estrechos lazos familiares comienzan a resquebrajarse. 

El guion de Matthew Robinson ("Good Luck, Have Fun, Don't Die") , que inevitablemente evoca el aislamiento del confinamiento por la COVID-19, oscila entre encontrar consuelo y una vulnerabilidad aterrorizada en la autosuficiencia, manteniendo la naturaleza exacta de la fuerza que aprisiona a la familia —y aparentemente a todos los demás en el mundo— en la ambigüedad hasta aproximadamente una hora después, cuando aumenta el suspense incluso cuando la narración se vuelve inestable. 

Esa espera podría frustrar a los fanáticos del género que requieren una dosis más instantánea de emociones y sustos de alta intensidad, o a cualquiera que espere el tipo de acción trepidante por la que Leterrier es más conocido, pero los actores hacen lo que sea para mantenerla entretenida.

La cita de Arthur C. Clarke con la que comienza la película es significativa: «Qué inapropiado llamar a este planeta Tierra cuando claramente es Océano». Con el aumento del nivel del mar a nivel mundial debido al cambio climático, esas palabras podrían resultar proféticas. La ansiedad generalizada asociada a estos problemas ambientales contribuye a la tensión que corroe a la familia mientras intentan descubrir quién o qué los mantiene cautivos y qué pretende esa entidad de ellos. 

Durante gran parte de su duración, "The Last House" se siente casi como una versión más realista de la tensa película de ciencia ficción y terror de Kaitlyn Dever de 2023, "No One Will Save You", aquí centrada en la respuesta humana a una amenaza más ambigua, posiblemente alienígena. Desde el primer día, cuando buscan respuestas, Jason Delgado (Moura) le dice a su familia que la fuerza que los ha dejado confinados en su casa no es de origen humano. Pero, al igual que el público, saca conclusiones basándose en un conocimiento concreto mínimo.

Jason, un ingeniero desempleado, recoge sus aparejos de pesca y regresa a casa desde el muelle mientras se acerca un fuerte frente de tormenta, sin haber pescado nada a pesar de sus esfuerzos matutinos. Una voz en off, identificada solo al final, nos dice: «El día que llegaron las lluvias, descubrimos que no estábamos solos». 

Cuando Jason lleva apresuradamente a su esposa Ann (Lee), a su hijo Graham (Noah Alexander Sosnowski), de 12 años, y a su hija Ruth (Riley Chung), de 8 años, al coche para comprar un árbol de Navidad, encuentra las puertas y ventanas de la casa selladas. Cualquier intento de forzarlas o incluso romperlas resulta inútil. Al mirar por las ventanas, los Delgado descubren que sus vecinos están en la misma situación, incluyendo a una pareja de jubilados que vive al otro lado de la calle y que tiene provisiones de comida limitadas.

Al principio, Jason y Ann animan a los niños a seguir una rutina —tareas domésticas, estudio, práctica de piano, educación física— convencidos de que la lluvia pronto parará y sus vidas volverán a la normalidad. Sin conexión Wi-Fi, ni señal de televisión ni de radio, las opciones de entretenimiento se limitan a juegos de mesa, la vieja colección de vinilos de Jason (un momento entrañable muestra a la familia bailando al ritmo de The Cure) y dos películas para elegir: Annie o Air Force One, para poner en un viejo reproductor de DVD.

Comienzan a racionar la comida, y Ann empieza a recolectar semillas de tomate y raíces de hortalizas para crear un huerto interior. Una de las ventajas de una casa en ruinas y con los cimientos hundidos es el fácil acceso a la tierra con solo levantar unas tablas del suelo. Una grieta en la chimenea impulsa a Jason a preparar una trampa con la que se dedica a "pescar", atrapando ardillas y otros animales salvajes que se adentran en el patio y acaban en la sartén. Pero esta fuente de alimento también trae consigo un nuevo peligro a la casa. De alguna manera, la necesidad de esconderse de lo que sea que esté afuera se vuelve imperativa, aún más cuando vislumbran por primera vez, de forma parcial, a una criatura imponente, irreconocible como cualquier especie conocida por el hombre. 

Su confinamiento se prolonga, dando un salto de cinco años, tiempo durante el cual la ordenada calle suburbana ha sucumbido ante la vegetación descontrolada. Los niños crecen y se convierten en adolescentes; Graham (Gabriel Barbosa) se vuelve más malhumorado e impaciente, mientras que Ruth (Emma Ho) se refugia en su vívida imaginación, leyendo sobre sirenas y monstruos mitológicos como el Kraken y el Leviatán. Comienza a elaborar teorías sobre criaturas marinas desconocidas que habitan en el fondo del océano. La cosa se complica cuando las entidades tentaculares del exterior se revelan y la familia se ve obligada a combatirlas. Pero el diseño de las criaturas es tosco, con inspiraciones que van desde H.P. Lovecraft y los kaiju, hasta la mutación del río descontrolado de  The Host  y una mezcla heterogénea de criaturas de ciencia ficción olvidables. 

Cuanto más los vemos y más se explica su presencia, más se le escapa la película a Leterrier, devaluada por clichés manidos de sustos repentinos como cadáveres flotando en el agua o cuerpos infestados de bichos repugnantes. Hemos visto demasiadas representaciones más aterradoras de familias enfrentadas a agresores no humanoides descomunales —en el mundo de "A Quiet Place", por ejemplo— como para quedar especialmente cautivados por los enfrentamientos aquí presentes, que resultan menos efectivos que la amenaza elemental de las crecientes aguas que amenazan con ahogar a los Delgado en su propia casa. Tras una acumulación emocional tan prolongada, el final se siente apresurado y su mensaje de empatía entre especies, un tanto trivial.

La principal fortaleza de la película reside en su énfasis en el amor familiar como fuerza vital, haciendo un guiño a los thrillers de los años 80. Puede que Ann y Jason parezcan estar al borde del colapso, asustando a sus hijos —ella se vuelve más fatalista, mientras que él está tan absorto en su responsabilidad de mantenerlos a salvo que descuida sus roles de esposo y padre—, pero el vínculo inquebrantable que los une hace que la situación sea más real de lo que el guion de Robinson sugiere. Lee y Moura son actores talentosos, especialmente convincentes en sus interpretaciones de Ann y Jason, cada vez más demacrados, que dejan de intentar ocultar su desesperación. Graham y Ruth están magníficamente elegidos para sus respectivos papeles, creando un retrato conmovedor de la familia como salvavidas que mantiene al público de su lado incluso cuando la narración flaquea.

Crítica Cinéfila: Spider-man, Brand New Day

Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home, y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo, ha desaparecido voluntariamente de las vidas y recuerdos de quienes ama. Combatiendo el crimen en una Nueva York que ya no conoce su nombre, se ha dedicado por completo a proteger su ciudad—un Spider-Man a tiempo completo—, pero a medida que aumentan las exigencias sobre él, la presión desencadena una evolución física que amenaza su existencia, al mismo tiempo que un extraño nuevo patrón de crímenes da lugar a una de las amenazas más poderosas a las que se ha enfrentado.

En las películas, a los superhéroes no les suele faltar compañía. Se organizan en ligas, escuadrones y dúos dinámicos. Tienen fans en cada rincón de la metrópolis, así como parejas importantes. (Incluso Batman, el vengador más renegado, vuelve a ser Bruce Wayne, el alma de la fiesta). Pero en "Spider-Man: Brand New Day", Peter Parker (Tom Holland) se ha convertido en un justiciero adicto al trabajo, motivado pero aislado. Lo vemos atrapar a un montón de villanos con la precisión de sus telarañas, para luego regresar al destartalado ático de Nueva York donde vive como un ermitaño, rodeado de pantallas de ordenador, trasteando con dispositivos electromecánicos diseñados para perfeccionar y concentrar sus poderes.

Pero es una cruzada solitaria. Peter, aunque ya no es un estudiante de secundaria ni un aspirante al MIT, está obsesionado con revisar los videos de redes sociales publicados por MJ (Zendaya), el amor de su vida, y Ned (Jason Batalon), su mejor amigo, siempre tan descarado. Doctor Strange borró todos sus recuerdos de Peter al final de "Spider-Man: No Way Home". Hacer eso era la única manera en que Peter podía salvar el multiverso. Ahora, cuando los tres finalmente se encuentran, MJ y Ned miran a Peter y ven a un completo desconocido. En cuanto a la querida tía May (Marisa Tomei), murió en la película anterior. 

En 2021, "No Way Home" recaudó 800 millones de dólares solo en Estados Unidos. Y si bien es tentador decir que tantos fans no pueden estar equivocados, mi propia experiencia con "No Way Home" fue que su extravagante y enrevesada historia de tres Spider-Man (Holland, Andrew Garfield, Tobey Maguire) fue una maniobra brillantemente orquestada y astutamente cínica de nostalgia, por no mencionar una película que solo me recordó por qué me mantengo fiel a Tobey Maguire como Spider-Man.

Tras “No Way Home”, “Spider-Man: Brand New Day” se siente por momentos como un bálsamo de drama contemplativo. La nueva película fue dirigida por Destin Daniel Cretton, el talentoso cineasta independiente que se adentró en el universo de Marvel con “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021). En “Brand New Day”, se percibe el gran esfuerzo que pone en crear una película de cómics reflexiva, humana y madura, y mucho mejor a su primera experiencia con este universo. Pero cuando se nota el esfuerzo que hace una película por lograr esas cualidades, tiende a desviar la atención de su objetivo.

En líneas generales, "Brand New Day" abarca lo que se espera de una película de superhéroes. Tiene una dosis satisfactoria de acción explosiva y vertiginosa, en particular una secuencia extendida, ambientada dentro y fuera de un rascacielos, donde Hulk, interpretado por Mark Ruffalo, irrumpe en escena. Tiene un héroe con una buena dosis de conflicto interno bajo su fachada bondadosa, así como una interpretación simpática y descontenta de Punisher por parte de Jon Bernthal y un villano que dista mucho de ser una caricatura odiosa. Sin embargo, si bien la película es entretenida por momentos, también es ardua, demasiado episódica e innecesariamente larga. Me alegró ver que "Brand New Day" no se pierde en el síndrome de fatiga de superhéroes con un exceso de CGI, pero la película es más agitada y pretenciosa que emocionalmente conmovedora.

Parte del problema radica en la trama de la amnesia. Al principio, resulta divertido y conmovedor que Peter, al encontrarse en la misma habitación que MJ, tenga que enfrentarse al hecho de que ella no lo recuerda. Estas escenas ahora tienen una dimensión metateatral propia. Sin embargo, después de un tiempo, la situación básica se vuelve un tanto frustrante. Queremos que la relación entre Peter y MJ sea un viaje, no una triste ironía congelada.

“Brand New Day” fue escrita por los veteranos de las películas de Marvel, Chris McKenna y Erik Sommers, cuya trama se nos presenta en bloques conceptuales. Al principio, Peter descubre que, como resultado de una concentración excesiva de ADN arácnido, sus poderes se han descontrolado. Pensamos que tal vez veremos un eco del drama traumático de “Superman II”, uno de los clásicos del género de superhéroes. Sin embargo, Peter solo necesita recuperarse con un “inhibidor”, un dispositivo plateado que se coloca en la nuca. Así recupera el control de sus poderes. Pero si “Brand New Day” iba a introducir este conflicto, la película debería haberlo mantenido hasta el final, en lugar de presentarlo como un capítulo cerrado.

Durante un tiempo, el villano resulta intrigante: una fuerza misteriosa capaz de entrar en la mente de cualquiera (excepto la de Spider-Man). Esta oscura habilidad se manifiesta en la imagen de personas que son repelidas una tras otra, como por un campo magnético, mientras las habilidades telepáticas del villano saltan de un huésped a otro. Spider-Man puede estar hablando con alguien que dice algo siniestro, y nos damos cuenta de que simplemente están canalizando al villano. ¿Pero qué importa? La película cree que este concepto es más impactante de lo que realmente es. Por fin, descubrimos quién es el villano, y resulta que no es... un villano. En realidad, es un personaje con una motivación honorable y comprensible. Sadie Sink la interpreta con una urgencia conmovedora, pero ¿cuál es, exactamente, el punto dramático de un enfrentamiento entre villanos que se convierte en una historia de amor? Es como si la película presentara a los villanos de los cómics como un grupo identitario que necesita ser salvado.

Se le agradece a Destin Daniel Cretton que intentara ofrecer algo más que la típica aventura de conectar los puntos del multiverso. Pero "Brand New Day" no llega a ser realmente impactante. O por lo menos, no para mí.