Crítica Cinéfila: Spider-man, Brand New Day

Han pasado cuatro años desde los acontecimientos de No Way Home, y Peter Parker ahora es un adulto que vive completamente solo, ha desaparecido voluntariamente de las vidas y recuerdos de quienes ama. Combatiendo el crimen en una Nueva York que ya no conoce su nombre, se ha dedicado por completo a proteger su ciudad—un Spider-Man a tiempo completo—, pero a medida que aumentan las exigencias sobre él, la presión desencadena una evolución física que amenaza su existencia, al mismo tiempo que un extraño nuevo patrón de crímenes da lugar a una de las amenazas más poderosas a las que se ha enfrentado.

En las películas, a los superhéroes no les suele faltar compañía. Se organizan en ligas, escuadrones y dúos dinámicos. Tienen fans en cada rincón de la metrópolis, así como parejas importantes. (Incluso Batman, el vengador más renegado, vuelve a ser Bruce Wayne, el alma de la fiesta). Pero en "Spider-Man: Brand New Day", Peter Parker (Tom Holland) se ha convertido en un justiciero adicto al trabajo, motivado pero aislado. Lo vemos atrapar a un montón de villanos con la precisión de sus telarañas, para luego regresar al destartalado ático de Nueva York donde vive como un ermitaño, rodeado de pantallas de ordenador, trasteando con dispositivos electromecánicos diseñados para perfeccionar y concentrar sus poderes.

Pero es una cruzada solitaria. Peter, aunque ya no es un estudiante de secundaria ni un aspirante al MIT, está obsesionado con revisar los videos de redes sociales publicados por MJ (Zendaya), el amor de su vida, y Ned (Jason Batalon), su mejor amigo, siempre tan descarado. Doctor Strange borró todos sus recuerdos de Peter al final de "Spider-Man: No Way Home". Hacer eso era la única manera en que Peter podía salvar el multiverso. Ahora, cuando los tres finalmente se encuentran, MJ y Ned miran a Peter y ven a un completo desconocido. En cuanto a la querida tía May (Marisa Tomei), murió en la película anterior. 

En 2021, "No Way Home" recaudó 800 millones de dólares solo en Estados Unidos. Y si bien es tentador decir que tantos fans no pueden estar equivocados, mi propia experiencia con "No Way Home" fue que su extravagante y enrevesada historia de tres Spider-Man (Holland, Andrew Garfield, Tobey Maguire) fue una maniobra brillantemente orquestada y astutamente cínica de nostalgia, por no mencionar una película que solo me recordó por qué me mantengo fiel a Tobey Maguire como Spider-Man.

Tras “No Way Home”, “Spider-Man: Brand New Day” se siente por momentos como un bálsamo de drama contemplativo. La nueva película fue dirigida por Destin Daniel Cretton, el talentoso cineasta independiente que se adentró en el universo de Marvel con “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021). En “Brand New Day”, se percibe el gran esfuerzo que pone en crear una película de cómics reflexiva, humana y madura, y mucho mejor a su primera experiencia con este universo. Pero cuando se nota el esfuerzo que hace una película por lograr esas cualidades, tiende a desviar la atención de su objetivo.

En líneas generales, "Brand New Day" abarca lo que se espera de una película de superhéroes. Tiene una dosis satisfactoria de acción explosiva y vertiginosa, en particular una secuencia extendida, ambientada dentro y fuera de un rascacielos, donde Hulk, interpretado por Mark Ruffalo, irrumpe en escena. Tiene un héroe con una buena dosis de conflicto interno bajo su fachada bondadosa, así como una interpretación simpática y descontenta de Punisher por parte de Jon Bernthal y un villano que dista mucho de ser una caricatura odiosa. Sin embargo, si bien la película es entretenida por momentos, también es ardua, demasiado episódica e innecesariamente larga. Me alegró ver que "Brand New Day" no se pierde en el síndrome de fatiga de superhéroes con un exceso de CGI, pero la película es más agitada y pretenciosa que emocionalmente conmovedora.

Parte del problema radica en la trama de la amnesia. Al principio, resulta divertido y conmovedor que Peter, al encontrarse en la misma habitación que MJ, tenga que enfrentarse al hecho de que ella no lo recuerda. Estas escenas ahora tienen una dimensión metateatral propia. Sin embargo, después de un tiempo, la situación básica se vuelve un tanto frustrante. Queremos que la relación entre Peter y MJ sea un viaje, no una triste ironía congelada.

“Brand New Day” fue escrita por los veteranos de las películas de Marvel, Chris McKenna y Erik Sommers, cuya trama se nos presenta en bloques conceptuales. Al principio, Peter descubre que, como resultado de una concentración excesiva de ADN arácnido, sus poderes se han descontrolado. Pensamos que tal vez veremos un eco del drama traumático de “Superman II”, uno de los clásicos del género de superhéroes. Sin embargo, Peter solo necesita recuperarse con un “inhibidor”, un dispositivo plateado que se coloca en la nuca. Así recupera el control de sus poderes. Pero si “Brand New Day” iba a introducir este conflicto, la película debería haberlo mantenido hasta el final, en lugar de presentarlo como un capítulo cerrado.

Durante un tiempo, el villano resulta intrigante: una fuerza misteriosa capaz de entrar en la mente de cualquiera (excepto la de Spider-Man). Esta oscura habilidad se manifiesta en la imagen de personas que son repelidas una tras otra, como por un campo magnético, mientras las habilidades telepáticas del villano saltan de un huésped a otro. Spider-Man puede estar hablando con alguien que dice algo siniestro, y nos damos cuenta de que simplemente están canalizando al villano. ¿Pero qué importa? La película cree que este concepto es más impactante de lo que realmente es. Por fin, descubrimos quién es el villano, y resulta que no es... un villano. En realidad, es un personaje con una motivación honorable y comprensible. Sadie Sink la interpreta con una urgencia conmovedora, pero ¿cuál es, exactamente, el punto dramático de un enfrentamiento entre villanos que se convierte en una historia de amor? Es como si la película presentara a los villanos de los cómics como un grupo identitario que necesita ser salvado.

Se le agradece a Destin Daniel Cretton que intentara ofrecer algo más que la típica aventura de conectar los puntos del multiverso. Pero "Brand New Day" no llega a ser realmente impactante. O por lo menos, no para mí.

Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Spider-man - No Way Home

Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado, y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un superhéroe. Cuando pide ayuda al Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser él. Secuela de 'Spider-Man: Far From Home'.

Donde hay una red, hay un camino.

Ah, pero ¿hay un camino a casa cuando ya no te sientes como en casa incluso cuando ESTÁS en casa, porque de repente todo el mundo sabe tu nombre y quiere una parte de ti? Qué telaraña tan enredada ha tejido este Spidey, aun cuando en realidad nunca tuvo la intención de engañar.

Si crees que hay mucho que analizar, será mejor que te pongas el cinturón y te quedes con la innovadora, emocionante, divertida y conmovedora "Spider-Man: No Way Home", el tercer capítulo de la trilogía que comenzó con “Homecoming” en 2017 y “Far From Home” en 2019 y, los demás capítulos del Universo Cinematográfico de Marvel donde Spiderman ha estado participando. No es un spoiler decir que esta no será su última aparición, y estoy interesada por ver cómo se desarrolla todo, porque al final de este arduo y a veces complicado viaje las cosas han cambiado en un camino bastante grande aunque reconocido para los verdaderos fanáticos del comic.

Analicemos juntos mientras trato de esquivar el revoltillo de giros y vueltas geniales que se experimentan en el transcurso de la inmersión profunda de Jon Watts en 148 minutos, alternativamente ventosa y existencial, o mejor conocida como el multiverso. 

"Spider-Man: No Way Home" retoma una semana después de los eventos de "Far From Home", con el mundo de Spidey explotando después de que el villano vencido Mysterio (Jake Gyllenhaal) ha dejado un video de despedida desde más allá de la tumba: la revelación de que Spiderman es un estudiante de secundaria de 17 años llamado Peter Parker.

El mundo y, en particular, la ciudad de Nueva York se divide rápidamente en dos campos: aquellos que continúan creyendo que Spider-Man es su vecindario amigable y un héroe local, y aquellos que lo etiquetan como un justiciero que debe ser llevado ante la justicia. Alimentando los fuegos para el equipo en contra está nada menos que J. Jonah Jameson de JK Simmons de las tres películas de Sam Raimi "Spider-Man" en la década de 2000, que ha pasado de ser editor de un periódico sensacionalista a un comentarista web desvariado y delirante como Alex Jones. Con vallas publicitarias que proclaman a Spider-Man "Public Enemy # 1" y helicópteros de los medios sobrevolando cada uno de sus movimientos, Peter, su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo/compinche Ned (Jacob Batalon) están devastados, principalmente y porque se han hecho controversia, están siendo rechazados por una universidad tras otra, incluyendo MIT.

Ese es el gran problema en el comienzo de "No Way Home", que Peter, MJ y Ned no pueden ingresar al MIT ni a ninguna de sus escuelas de backup porque están muy polarizados. El director Watts y los escritores Chris McKenna y Erik Sommers gastan demasiado en este punto de la trama, que eventualmente se usa como un trampolín para que Peter busque a Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) en su increíble historia de múltiples historias, con la esperanza de que el doctor haga un poco de magia con la línea de tiempo y reorganice las cosas para que solo aquellos que conocían la identidad de Spider-Man antes de la revelación de Mysterio retengan ese conocimiento. De esa manera, Peter, MJ y Ned pueden ir a la universidad, y Peter puede luchar un poco contra el crimen en el área de Boston en su tiempo libre. Suena bastante simple... si tan solo fuese así de simple.

La cuestión es que, cuando se tiene en cuenta todo el asunto de los multiversos, no solo MJ, Ned, la tía May y Happy son conscientes de la verdadera identidad de Spider-Man. Gente como Norman Osborn / Green Goblin (Willem Dafoe), Otto Octavius ​​/ Doctor Octopus (Alfred Molina) y Max Dillon / Electro (Jamie Foxx) conocen a Peter/Spidey, y de repente, todos están aterrizando en ESTE universo, y sí, es emocionante ver a estos grandes actores repitiendo sus memorables papeles de años y películas pasadas. El ambicioso plan de los jóvenes se desarrolla con mucha bondad, magia alucinante, humor peculiar, un poco de angustia y varias formas ingeniosas de unir el universo Marvel más grande.

Estos villanos están asombrados más allá de la comprensión de este nuevo mundo, que contiene a un Peter Parker que no se parece en nada al Peter Parker que conocen. Esto genera algunos momentos cómicos y también una pregunta dramática verdaderamente intrigante: ¿Qué pasa si es posible que estos monstruos resucitados regresen a su ser humano en este universo? Es un acertijo intrigante y un dispositivo de trama inteligente, ya que permite a Dafoe, Molina y Foxx traer a sus personajes de regreso como algo más que mutaciones infundidas por CGI.

Las secuencias de batalla en “No Way Home” son relativamente discretas, tienen lugar en la ciudad de Nueva York y sus alrededores, y la secuencia culminante transcurre de una manera bastante turbia debido al entorno nocturno. No hay nada nuevo o particularmente memorable sobre el CGI útil y los efectos prácticos, hasta que se tiene una batalla cargada de universos paralelos, y no es contra villanos. Aunque no es mi Spidey favorito, Tom Holland ha hecho una de las mejores interpretaciones de Spiderman en mucho tiempo, y quizás el más cercano al Peter Parker del comic. Y aunque sus películas no han sido mis favoritas, han sido las que me han traído los mejores recuerdos de mi niñez.

Y a pesar de lo extenso que se vuelve esto, "No Way Home" concluye satisfactoriamente la trilogía de Watts. Claro, hubo un extraño padre malvado y un viaje de verano que salió mal, pero el núcleo de esas películas fue que Peter intentaba descubrir cómo ser un adolescente y un superhéroe al mismo tiempo, y generalmente fallaba antes de aprender una lección más profunda. Watts mantiene ese aspecto como una constante en la nueva película, por lo que basa toda la gran MCU en una universalidad identificable, incluso cuando Spidey se encuentra con el extremo comercial de los tentáculos de Doc Ock y Green Goblin le arroja sus bombas a la cabeza.

Hay muchos retornos bienvenidos en “No Way Home”, ¡la mayoría de los cuales deben ver por sí mismos! - pero ver a Dafoe deleitarse con tener otra oportunidad como el archienemigo loco de los cómics es un placer celestial, mientras que una segunda vez es sin duda el encanto para Electro de Foxx. Sin embargo, el corazón y el alma de la película, como fue el caso de las dos últimas películas, es Holland, quien en esta ocasión muestra un nuevo valor y seriedad.

"No Way Home" resulta ser también una película navideña, con una intrigante vibra de "It's a Wonderful Life" que le da una nueva perspectiva a su personaje central. Es una película de Spider-man por excelencia que rinde homenaje al pasado, marca todas las casillas de Marvel necesarias y aún se las arregla para dar un giro algo refrescante. Puntos para Marvel.

Crítica Cinéfila: Cherry

Cuenta la historia real de Nico Walker, que volvió de la guerra de Iraq con un trastorno de estrés postraumático no diagnosticado que le llevó primero a hacerse adicto al opio y posteriormente a robar bancos.

Llega un momento en la vida de todo joven en el que debe alejarse de las historias de Marvel y enfrentarse a las duras realidades del mundo. Esto también aplica para los directores de esas historias. Así surge Cherry, la nueva colaboración entre los directores principales de Marvel Universe, Anthony y Joe Russo, y su Spider-Man, Tom Holland. La película, basada en la novela semiautobiográfica de Nico Walker, se ocupa de los terribles males de la América actual y del pasado reciente: las guerras desastrosas en Irak y Afganistán y la crisis de los adictos al opio. Ciertamente, muy lejos de parecerse a la lucha contra Thanos.

Cherry sigue al personaje principal mientras se transforma de un estudiante universitario sensible a un médico del ejército a la deriva, a luego un veterano con PTSD, un adicto a la heroína y más tarde un ladrón de bancos. Los Russo, libres de preocupaciones sobre la propiedad intelectual y la supervisión severamente invertida de Disney, apuestan por el alto estilo en Cherry, con tarjetas de título de capítulo, el rompimiento de la cuarta pared, una voz narrativa muy en off y un intrincado trabajo de cámara. La película está casi tan ocupada como una producción de Marvel, a pesar de lo que está en juego en la vida real y sus sombrías implicaciones sobre la difícil situación de tantos jóvenes estadounidenses. 

Pero la realidad es que está demasiado cargada: la película es un intento excesivamente esforzado de hacer algo grande, nervioso y relevante. Hay una especie de curva de tolerancia en campana; comienza ruidosa y exagerada, gradualmente se convierte en un tono triste y retorcido, y luego se apaga con un final teatral. Es una experiencia agotadora, lo cual puede ser la intención de sus cineastas. Lo que más se nota de Cherry es la generosidad de su alcance épico. Quizás este tema merece este tipo de escala. Es una gran historia, o más bien miles de historias entrelazadas. Y tal vez la profundidad esté mejor equipada para resumir la inmensidad y la surrealidad de sus sujetos, y para reflejarse en la gente de la que se trata de una manera nebulosa y reverente. 

Cherry es una película hecha ardientemente para hombres de la generación de mi hermano, que estaban en edad universitaria cuando ocurrió el 11 de septiembre y luego se vieron atrapados en la resaca del imperialismo, y para los jóvenes de hoy, que pueden sentir algo similar, aunque un poco menos insistente. Hay empatía en ese cuidado, en honrar esas historias con una grandiosidad visual y auditiva que les corresponde. Sin embargo, con demasiada frecuencia es fácil ver las costuras de la ambición de los Russo, un esfuerzo creativo que va más allá de la compasión proporcionada y se vuelve demasiado maquillado. La película parece menos que seria, a veces, un ejercicio demasiado obvio de flexión artística. 

Holland, sin embargo, no pierde de vista la misión. Sin duda, está tratando de demostrar algo por sí mismo, pero mantiene a raya ese interés propio. Mientras Cherry desciende a la ruina, Holland evita los clichés de la adicción. Tampoco muestra al Cherry de antes de la guerra en un ángel: hay una oscuridad colgando a su alrededor incluso en ese entonces, una marca de su introversión visible en la cuidadoso físico y cadencia de Holland. Del mismo modo ofrece líneas tan desafiantes para la marca sin la llamativa despreocupación de muchos actores jóvenes en la historia del cine que han intentado ser valientes.

El guión de Jessica Goldberg y Angela Russo-Otstot intenta darle a otros personajes, como Emily, el gran amor de Cherry, algo de redondez y un arco vago, pero ella sobre todo ronda la película como un espíritu de preocupación y pérdida. Cherry no es, en realidad, una película hecha para o sobre las mujeres que se vieron arrastradas por las mismas fuerzas que se apoderaron de hombres como Cherry. Sus historias tendrán que esperar a otro noble proyecto de los autores de superhéroes. 

En cuanto a este noble proyecto en particular, la contundencia del enfoque de Cherry puede desanimar a algunas personas. Tal vez sea una señal de los tiempos cambiantes que una película que gira sobre tantos ejes familiares —la masculinidad, la guerra, el crimen— se sienta casi como un nicho, un producto de otra época extrañamente acerca de la nuestra. Pero también, durante la larga duración de la película, parece que eso es todo lo que Cherry es: una película de guerra cínica hecha porque todos los grandes directores necesitan una película de guerra. Otras veces en la película, cuando Holland expresa palpablemente la confusión y el desaliento de las circunstancias de Cherry, y lo terriblemente joven que permanece durante esa lucha, Cherry se eleva hacia la urgencia. Y, sí, complica el perfil de sus creadores como sin duda se pretendía, mostrando que tienen más sentimientos realistas y agridulces que simplemente la idea heroína constante de salvar el mundo.

Crítica Cinéfila: The Devil all the Time

Desesperado por salvar a su mujer, Willard Russell convierte sus oraciones en un sacrificio. Las acciones de Russel llevan a su hijo Arvin a pasar de ser un niño que sufre abusos en el instituto a convertirse en un hombre que sabe cuándo y cómo ha de pasar a la acción. Los acontecimientos que se dan lugar en Knockemstiff (Ohio) desatan una tormenta de fe, violencia y redención que se desarrolla a lo largo de dos décadas.

No soy fanática de las narraciones dentro de una película, mucho menos cuando se trata de un thriller o una película western, pero en The Devil all the time, este es muy necesario, pues con todos esos saltos en el tiempo y las historias tan interconectadas en su humor negro de mediados del siglo XX, hubiese salido más confusa de lo que realmente es. Hay momentos en que las cosas se complican mucho, pero en el desorden del principio y las distintas tramas que introducen, un poco de narrativa y un buen desenlace desarrollado siempre ayuda a que todo salga bien.

Al principio, el rompecabezas parece innecesariamente difícil, pero una vez que todas las piezas están en su lugar y vemos el panorama general, nos quedamos con admiración por la capacidad del director y coguionista Antonio Campos para tejer una película memorablemente inquietante de la novela homónima de Donald Ray Pollock. 

Bill Skarsgard interpreta a Willard Russell, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que una década más tarde todavía está obsesionado por la imagen de un cadete colgado en una cruz y abandonado a sufrir de una muerte lenta e insoportable. Skarsgard es inquietantemente bueno ya que Willard se enfrenta a sus demonios e intenta ser un buen esposo y padre, pero está librando una batalla perdida.

Mientras tanto, Carl Henderson (Jason Clarke) y su esposa Sandy (Riley Keough) viajan por carreteras secundarias del campo, recogiendo hombres que necesitan aventones e invitándolos a posar para fotos provocativas con Sandy. Carl toma fotografías gráficas de Sandy con estos hombres, convirtiéndolos en víctimas, y a los Henderson en asesinos en serie.

A medida que la historia avanza hacia mediados de la década de 1960, Tom Holland, en el modo James Dean y haciéndolo bastante bien, se convierte en la pieza central de la historia como Arvin Russell, el ahora adulto hijo de Willard. Tom es ferozmente protector de su hermanastra Lenora (Eliza Scanlen), su compañera huérfana que confía en el nuevo predicador hábil de la ciudad, Preston Teagardin (Robert Pattinson), quien conduce un Cadillac y es un depredador, otro predicador que tiene mucho que decir sobre la hipocresía religiosa. Arvin sigue tratando de caminar por el camino recto, pero se encuentra con personas muy malas a lo largo de su viaje, y los enfrentamientos violentos no se pueden evitar.

Con Alabama reemplazando a las zonas rurales de West Virginia y el sur de Ohio de la posguerra, el director Campos y la directora de fotografía Lol Crawley hacen un excelente trabajo al crear una atmósfera siniestra, como si la desesperación y la tragedia acecharan en cada esquina de las calles de los pueblos pequeños, en cada tramo de la carretera rural. A pesar de todas sus acusaciones de religión, esta película no es anti-fe; es una tragedia de advertencia sobre poner su fe en los hombres equivocados que se disfrazan de Dios cuando en realidad el diablo está dentro de ellos, todo el tiempo. 

Los escritores libran la guerra del Antiguo Testamento entre los puros de corazón muy abusados ​​y todos los demás. No habría mucho de eso sin su flujo constante de azotes retributivos en cada uno de ellos para sentirse bien con el final que les corresponde. Sin embargo, es agradable a la vista y vale la pena verlo para un elenco intrigante, que autentica el entorno tanto como sea posible. Holland es fantástico, asimilando cada nuevo detalle en la vida de Arvin sin revelar la magnitud del daño. En una película rebosante de excelente actuación, Sebastian Stan se destaca como Lee Bodecker, un sheriff corrupto con una historia del pasado relacionada a Arvin y a Sandy, entre otros. Bodecker es uno de esos villanos tan viles que estás alentándolo para que reciba su merecido, pero odiarás verlo irse.

La partitura musical de Danny Bensi y Saunder Jurriaans se basa en la lamentación lúgubre y contenida incluso cuando los cerebros golpean la ventana o las ráfagas de disparos bruscamente editadas nos dicen lo que podríamos adivinar por el título. El mundo es miserable y duro, la mayoría de las personas merecen lo que reciben. “The Devil All the Time” se hace eco de la desesperación y las vísceras de “No Country For Old Men” de Cormac McCarthy. El mal que hacen los hombres mantiene la sangre en el desierto, las calles mezquinas y los gritos fluyendo todo el tiempo.

Crítica Cinéfila: Onward

Ambientado en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo. 

Erase una vez, Disney jugaba con los sentimientos de su audiencia. Pero aún así la gente sentía poca originalidad. Dedicó sus últimos dos años a revivir viejas historias, trayendo Toy Story 4 , Increíbles 2 y Buscando a Dory, y de vez en cuando creando historias originales, como Coco. De repente, llegó el 2020 y consigo trajo a Onward, reviviendo la vieja pregunta confiable: ¿todavía se mantiene la magia? La respuesta es muy satisfactoria.

El escenario de Onward es un reino de criaturas míticas que viven tanto como los humanos de hoy en día: la magia se ha ido prácticamente. Los unicornios se alimentan a través de contenedores de basura suburbanos, y aunque pueden galopar a 70 mph, el policía centauro conduce un automóvil, por poco práctico que sea.

De momento ya se sabe que va a ser una película de misiones. Incluso señala cómo no está tomando la ruta directa sino el "camino del peligro". Al igual que con lo mejor de la producción de Pixar, el viaje es tanto hacia adentro como hacia afuera (o hacia adelante). Nuestros héroes son dos elfos de piel azul: Ian, inseguro y maltrecho (con la voz de Tom Holland) y su hermano mayor, el ingenio lento Barley (Chris Pratt), cuyo conocimiento enciclopédico del saber mágico arcano podría ser útil. Su padre murió antes de que Ian naciera, pero dejó a los hermanos un extraño regalo para abrir en el cumpleaños número 16 de Ian: un hechizo para traerlo de vuelta por un día. Como cualquiera que haya visto el avance lo sabrá, el hechizo solo funciona a medias: solo trae la mitad inferior de su cuerpo. Y así los hermanos deciden salir con las piernas de su padre en busca de completar el hechizo y poder pasar las siguientes 24 horas con un padre que no los vio crecer.

Así, salieron a la carretera en la furgoneta de Barley, en una carrera contra el tiempo para encontrar lo que necesitaban: arrastrando las piernas de papá detrás de ellos como una mascota torpe. Inicialmente, lo de las piernas es desagradable; pero en el punto medio de la historia, el padre proporciona un alivio cómico novedoso, especialmente cuando los hermanos crean la mitad superior improvisada. Hay sorpresas y placeres en el camino: algunos surrealmente cómicos, algunos modestamente espectaculares, otros que podrían haber sido engañados de una antigua campaña de Dungeons & Dragons. Pero Onward se revela como algo más que una simple aventura para niños.

La historia se extravía astutamente en asuntos de relaciones masculinas, tanto fraternales como paternales. Los personajes de los hermanos se profundizan considerablemente a medida que descubren y revelan fortalezas y vulnerabilidades. En medio de la inevitable acción climática, la reunión con el padre se resuelve de una manera delicada, inesperada y silenciosa. En lugar de ofrecer lecciones clichosas, Onward se siente sincera y específica, y mucho mejor por ello, Por supuesto, el escritor y director Dan Scanlon perdió a su padre cuando tenía un año y no lo recuerda, y de ahí surge suficiente inspiración para hacer esta historia aún más real y cercana.

Se podría argumentar que aquí hay poco para las niñas y las mujeres, aunque hay papeles secundarios para la madre de los niños (Julia Louis-Dreyfus) y la mantícora afectada por la crisis de Octavia Spencer (una criatura león / dragón / escorpión alada). Pero si bien este tipo de relaciones a menudo se tratan en cuentos de hadas dirigidos por mujeres, para los personajes masculinos esto todavía es un territorio relativamente poco explorado. 

Debajo de los adornos de arte de fantasía amigables con los hermanos, Onward encuentra esa vieja magia de Pixar. El fin.

Crítica Cinéfila: Dolittle

Cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura, recuperando su sentido del humor y su coraje a medida que se cruza con viejos adversarios y mientras descubre maravillosas criaturas.

Ningún médico puede curar lo que afecta a esta película de Dolittle. Desde la primera escena, está claro que algo está terriblemente flojo con este intento generosamente equivocado de la popular franquicia literaria cargada de animales que nació exactamente hace un siglo. El actor y productor ejecutivo Robert Downey Jr., extrañamente diferente, nunca se siente lo suficientemente cómodo para energizar una historia que no puede justificar su reinterpretación.

Inmediatamente después de Cats, esto es todo lo que Universal necesita, pero al menos el estudio ahora sabrá mejor que nunca que no debería dar luz verde a ninguna película centrada en animales por el momento.

La historia toma lugar en una Inglaterra del siglo XIX durante el reino de la joven Reina Victoria. Unos años antes, Dolittle utilizaba su hogar como un hospital para animales junto a su esposa Lily. Sin embargo, y después del fallecimiento de Lily, él cerro las puertas de su vivienda, solo teniendo contacto con los animales que viven en esas paredes. Unos años más tarde, Dolittle es impulsado por la urgencia de salvar la vida de una muy joven Reina Victoria para salir de sus paredes. Pero tantos años disfrutando del talento único de poder hablar con los animales que pueblan su vasta propiedad rural, han hecho que lidiar con humanos sea una tarea difícil. 

Es así como a través del viaje, confronta personas de su pasado, la realidad de poder perderlo todo por no querer comprometerse a ayudar a quien lo ayudó en su momento, y de paso cargar con un jóven que dice querer convertirse en su aprendiz, aunque de quien uno tiene que apiadarse es de este niño.

El primer acto se dedica principalmente a detallar las habilidades de comunicación entre Dolittle y otras especies, manejadas con el doctor hablando el mismo idioma que los distintos animales. Sin embargo, este es uno de los pocos atractivos de la película. Entre problemas narrativos y técnicos, es cuestionable la necesidad de haber vuelto a traer al importante doctor a la gran pantalla.

A pesar de los grandes esfuerzos claramente realizados para hacer que la colección de animales de Dolittle sean visualmente creíble, las escenas fundamentales clave se sienten obligatorias y moderadas. Los planos extremadamente cercanos a los animales hacen aún más notorios los problemas de efectos visuales, mientras que las escenas de acción se sienten claramente falsas. 

Cuando este sarnoso Dolittle y su grupo de animales finalmente se embarcan en su largo viaje por el mundo para encontrar una cura para el joven monarca enfermo, esto implica, por supuesto, el cóctel habitual de efectos especiales y visuales impactantes, pero poca de la emoción deseada y la alegría de un viaje épico se desborda incluso para intoxicar ligeramente al espectador. Junto con la sensación progresiva de que Downey realmente no está disfrutando del personaje que está interpretando, su Dolittle simplemente no es muy divertido, es la sensación de que el director Stephen Gaghan es irreparablemente inadecuado para este material. El talento natural de Gaghan radica en un drama feroz y oportuno, no caprichoso en el orden de lo que se requiere aquí.

La actuación de Downey tiene una cualidad recesiva, algo extraño debido a este extrovertido normalmente irreprimible actor. Cuando Dolittle tiene actitudes que el mismo Downey Jr. ha traído a la vida en ocasiones anteriores, aquí el personaje se siente forzoso y con un acento que es verdaderamente difícil de entender. Sus interacciones con los animales son toscas, muy al contrario del clásico Dolittle donde era bien cercano a cada especie.

Junto con el desempeño vago de la estrella, el ritmo desesperadamente maníaco no le da a Dolittle  ni siquiera un susurro de la posibilidad de convertirse en lo que aspira a ser: encantador y atractivo para niños de todas las edades. La forma en que este desajuste del personaje tanto antes como detrás de la cámara no fue evidente de inmediato para todos los involucrados representa un leve misterio que fruncirá algunas cejas por un segundo al comienzo de esta nueva década.

En cualquier caso, Dolittle y compañía finalmente llegan al rincón más alejado del mundo donde reside el Rey Rassouli (Antonio Banderas), el padre de la difunta esposa del médico, que pereció en un accidente. Michael Sheen proporciona cierta villanía de dibujos animados como Dr. Blair Mudfly, pero esta es una película que se encuentra muy cara en la pantalla sin que nada parezca remotamente en juego. No tiene peso ni sustancia y no produce ningún tipo de impacto.

Ay si se hubiera dedicado tanto trabajo meticuloso a la narración y al guión. La historia pierde ritmo y energía constantemente, y las historias de los animales son las que lideran la pantalla. Entre una ardilla con un constante deseo de venganza, un gorila inseguro, un tigre con "mommy issues" y un super rectil con problemas de constipación, las escenas de los animales ganan sus risas en momentos que son necesarios para que la historia no decaiga aún más. 

Cualquiera que busque diversión genuina podría hacer algo peor que leer el capítulo en las memorias del director Richard Fleischer, Just Tell Me When to Cry, sobre la realización de la igualmente catastrófica adaptación de Lofting, el musical Doctor Fox Dolittle de 1967; es uno de los relatos más divertidos de la realización de cualquier película. Ese fiasco, que casi hundió a 20th Century Fox, es un fuerte contendiente para la peor película nominada al Oscar a la mejor película. Eddie Murphy tuvo mejor suerte con su versión de 1998 cargada de comediantes, que fue seguida por una secuela. Pero definitivamente esta no tendrá otros episodios. O por lo menos, no creo que Robert Downey Jr. lo permita.

Spider-Man: de regreso a casa (Spiderman: Homecoming)

Peter Parker comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su mentor Tony Stark (Robert Downey Jr.), Peter intenta mantener una vida normal como cualquier joven de su edad, pero interrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y, con él, lo más importante de la vida de Peter comenzará a verse amenazado. (FILMAFFINITY)

No soy fanática de las películas de acción, pero a este nivel ya he aprendido a sacarle cuentas a este género: Spiderman ya lleva dos remakes, tres actores diferentes para el mismo personaje, el mismo tiempo pero 3 situaciones diferentes y aproximadamente 4 cambios de disfraces para el arácnido. Suena demasiado cuando se dice así, aunque debo admitir que los remakes han ido mejorando... en la mayoría de las cosas.

Peter Parker es un joven de 15 años que ha sido picado por una araña que le ha dado la fuerza y capacidad de moverse como tal. Gracias a su nuevo dote, decide hacerse de superhéroe en su ciudad, subiendo videos a YouTube, y es ahí donde Tony Stark lo descubre y lo invita a luchar en la Guerra Civil de Captain America. Una vez termina ese episodio, le permite a Peter quedarse con el traje, con la condición de que lo use responsablemente. Después de par de accidentes en su barrio, uno que otro momento vergonzoso y tratar de demostrar su talento a su amada Liz, por fin se le presenta una oportunidad con verdaderos criminales. El asunto de todo eso es el peligro que corre su vida al exponerse a este nuevo enemigo que brega con nada más que bombas nucleares en miniatura. Sí, al final lo vence, y sí, Tony Stark lo invita a pertenecer a los Avengers (¿les acabo de dar spoilers? como que no lo sabían).

Cosas que mantiene del Spiderman original, y no me refiero al de la primera película, sino al que Stan Lee creó: sigue siendo un adolescente, fue picado por una araña, es un nerd en su máxima expresión y sigue viviendo con la tía May, solo que ahora ella es mucho más jóven y parece que nunca existió el tío Ben. Después de esto, la historia está cambiada en gran parte, para bien y para mal.

Este Peter Parker es muy parlanchín, y eso distrae MUCHO, pues aunque a veces de risa, a veces es innecesario. Del mismo modo, demuestra lo torpe e inmaduro que puede ser un adolescente, creando muchos disturbios en sus "momentos de lucha" contra los villanitos que se encuentra en el camino, no sé si por el hecho de que es joven y no sabe lo que hace (lo siento por estar comparando, pero Spiderman era bastante maduro con sus actos, cuando Tobey Maguire e incluso Andrew Garfield). Tom Holland tiene la carisma y el físico para Spiderman, pero el personaje que le desarrollaron no fue el mejor Spiderman de la historia del cine. Lo mismo ocurrió con Michael Keaton, quien interpretó a Vulture, el villano que solo se comportó como tal después que descubrió quien era en realidad Spiderman. Al principio le faltó actitud de villano, pero ya después le cogió el piso. Me gustó que le dieron un verdadero amigo a Peter Parker, uno que sí le acompañara en su travesía y no lo abandonara por una u otra razón. Y sigo extrañando a Mary Jane...

Ahora... el resto de la película está increíble. A pesar de ser una historia un poco larga para mi gusto, es entretenida, divierte en las escenas que tiene que hacerlo y tensa en las situaciones que lo amerita. Los mejores momentos de la película fueron la escena en el transbordador, en el monumento en Washington y el avión, que fueron claves para crear verdadera adrenalina en cuanto a las situaciones de Spiderman y que, para serles sincera, no creía que lo resolvería.

El diseño del traje de Spiderman (a pesar de que se ve sencillo por fuera) es una réplica digital del de Iron Man, pero con atractivos necesarios para este superhéroe, lo cual le agregaron técnicas que mejoraron cada una de sus hazañas. Lo mismo opino con el traje de Vulture que, aunque se ve un poco brusco, no deja de ser sorprendente y peligroso a la vez, sobretodo las herramientas que involucran las minibombas.

Este remake vence a las demás anteriores en cuanto a fotografía, música y, por supuesto, efectos especiales; esto gracias al ascenso de Marvel como productor de la adaptación. Los movimientos de Spiderman no se ven tan computarizados como en ocasiones anteriores y se ven mucho más creíbles en cuanto a lo que es capaz de hacer. 

Resumiendo: Spider-Man Homecoming funciona bastante bien, porque es una película simpática con sus propias fórmulas y con una secuencia de momentos que satisfacen a su público. A pesar de que algunos aspectos matan el ritmo (como el mismo personaje de Spiderman), logra retomarlo y darnos un final bien adecuado, recordándonos que esta no será la última vez que veremos a este Spidey... aunque sí espero que sea el último remake. 

Z: La ciudad perdida (The lost City of Z)

Durante siglos, los europeos discutieron la existencia de una antigua civilización en la selva del Amazonas. A principios del siglo XX, el británico Percy Fawcett participó en una expedición tras otra, convencido de poder encontrar esta legendaria ciudad en cuya búsqueda han muerto cientos de hombres. En 1925, en su viaje más ambicioso y obsesivo, Fawcett desapareció en lo más profundo de la selva, al igual que todas las expediciones que han seguido su rastro. (FILMAFFINITY)

El explorador británico Percy Fawcett reaparece en esta adaptación de James Gray, basado en el libro homónimo de David Grann. 

La historia inicia en los primeros años del siglo XX, época en la que Fawcett pasó de ser comandante de batallas a explorador, designado por la Sociedad Geográfica Real (RGS), con el objetivo de explorar las junglas que dividen Bolivia y Brasil y determinar cuál sería la verdadera línea fronteriza de ambos países para evitar una posible guerra entre las naciones. En medio de su travesía, descubren posibles restos de una antigua ciudad aborigen, y regresando a Inglaterra, plantea sus descubrimientos, quedando en ridículo para algunos, pero de mucho interés para otros, lo cual motivó su siguiente viaje exploratorio que tenía como fin encontrar esa ciudad perdida, a la cual nombró como Z.

Además del papel como director, James Gray se pone los guantes de guionista y trata (de manera apasionada) contar todo el trayecto de Fawcett, desde sus primeros años en el RGS hasta su desaparición y la búsqueda incansable de su esposa por encontrar a Percy y su hijo. Esto significó entrar en temas como sus relaciones familiares, sus complejos, sus exploraciones y su participación en la Primera Guerra Mundial. El inconveniente con este tratamiento es que no logra enfocar la película en un género ni perspectiva específica. No se puede clasificar como biopic ni cine de aventura. No termina de desarrollar la historia en base a la búsqueda de la ciudad perdida de Z o de sus conflictos con su familia. Entonces abarcó tanto con demasiado que hizo la historia innecesariamente larga y en ocasiones aburrida.

Por otro lado, es una película visualmente atractiva, con un cuidado exclusivo en el manejo de la dirección de arte de acuerdo a las épocas en las que se fueron desarrollando cada trama, principalmente en las ambientaciones de los interiores (en las fiestas y reuniones). Las mejores escenas son recreadas en la jungla, donde se crea una atmófera de tensión impresionante, pues no nos imaginamos que ocurrirá: si serán atacados por una bestia o por salvajes. De igual forma, el final está bien cuidado, con una escena de la esposa de Fawcett saliendo de una oficina y se refleja como si caminara hacia la jungla, siendo un mensaje metafórico de que fue por igual atrapada por la selva, en espera de que le devolviera aunque sea los restos de su esposo e hijo.

A pesar del tratamiento confuso del guion, los personajes están muy centrados en su papel dentro de la historia, principalmente Charlie Hunnam, quien se encarga de encarnar a Percy y retratar las distintas etapas que tuvo que pasar antes de desaparecer, sin siquiera dejar un rastro. Al final, la historia logra dejar ese sabor en la boca de cuestionamiento sobre qué habrá ocurrido con Fawcett y si tendremos alguna secuela sobre este explorador.