Crítica Cinéfila: Spider-man - No Way Home

Por primera vez en la historia cinematográfica de Spider-Man, nuestro héroe, vecino y amigo es desenmascarado, y por tanto, ya no es capaz de separar su vida normal de los enormes riesgos que conlleva ser un superhéroe. Cuando pide ayuda al Doctor Strange, los riesgos pasan a ser aún más peligrosos, obligándole a descubrir lo que realmente significa ser él. Secuela de 'Spider-Man: Far From Home'.

Donde hay una red, hay un camino.

Ah, pero ¿hay un camino a casa cuando ya no te sientes como en casa incluso cuando ESTÁS en casa, porque de repente todo el mundo sabe tu nombre y quiere una parte de ti? Qué telaraña tan enredada ha tejido este Spidey, aun cuando en realidad nunca tuvo la intención de engañar.

Si crees que hay mucho que analizar, será mejor que te pongas el cinturón y te quedes con la innovadora, emocionante, divertida y conmovedora "Spider-Man: No Way Home", el tercer capítulo de la trilogía que comenzó con “Homecoming” en 2017 y “Far From Home” en 2019 y, los demás capítulos del Universo Cinematográfico de Marvel donde Spiderman ha estado participando. No es un spoiler decir que esta no será su última aparición, y estoy interesada por ver cómo se desarrolla todo, porque al final de este arduo y a veces complicado viaje las cosas han cambiado en un camino bastante grande aunque reconocido para los verdaderos fanáticos del comic.

Analicemos juntos mientras trato de esquivar el revoltillo de giros y vueltas geniales que se experimentan en el transcurso de la inmersión profunda de Jon Watts en 148 minutos, alternativamente ventosa y existencial, o mejor conocida como el multiverso. 

"Spider-Man: No Way Home" retoma una semana después de los eventos de "Far From Home", con el mundo de Spidey explotando después de que el villano vencido Mysterio (Jake Gyllenhaal) ha dejado un video de despedida desde más allá de la tumba: la revelación de que Spiderman es un estudiante de secundaria de 17 años llamado Peter Parker.

El mundo y, en particular, la ciudad de Nueva York se divide rápidamente en dos campos: aquellos que continúan creyendo que Spider-Man es su vecindario amigable y un héroe local, y aquellos que lo etiquetan como un justiciero que debe ser llevado ante la justicia. Alimentando los fuegos para el equipo en contra está nada menos que J. Jonah Jameson de JK Simmons de las tres películas de Sam Raimi "Spider-Man" en la década de 2000, que ha pasado de ser editor de un periódico sensacionalista a un comentarista web desvariado y delirante como Alex Jones. Con vallas publicitarias que proclaman a Spider-Man "Public Enemy # 1" y helicópteros de los medios sobrevolando cada uno de sus movimientos, Peter, su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo/compinche Ned (Jacob Batalon) están devastados, principalmente y porque se han hecho controversia, están siendo rechazados por una universidad tras otra, incluyendo MIT.

Ese es el gran problema en el comienzo de "No Way Home", que Peter, MJ y Ned no pueden ingresar al MIT ni a ninguna de sus escuelas de backup porque están muy polarizados. El director Watts y los escritores Chris McKenna y Erik Sommers gastan demasiado en este punto de la trama, que eventualmente se usa como un trampolín para que Peter busque a Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) en su increíble historia de múltiples historias, con la esperanza de que el doctor haga un poco de magia con la línea de tiempo y reorganice las cosas para que solo aquellos que conocían la identidad de Spider-Man antes de la revelación de Mysterio retengan ese conocimiento. De esa manera, Peter, MJ y Ned pueden ir a la universidad, y Peter puede luchar un poco contra el crimen en el área de Boston en su tiempo libre. Suena bastante simple... si tan solo fuese así de simple.

La cuestión es que, cuando se tiene en cuenta todo el asunto de los multiversos, no solo MJ, Ned, la tía May y Happy son conscientes de la verdadera identidad de Spider-Man. Gente como Norman Osborn / Green Goblin (Willem Dafoe), Otto Octavius ​​/ Doctor Octopus (Alfred Molina) y Max Dillon / Electro (Jamie Foxx) conocen a Peter/Spidey, y de repente, todos están aterrizando en ESTE universo, y sí, es emocionante ver a estos grandes actores repitiendo sus memorables papeles de años y películas pasadas. El ambicioso plan de los jóvenes se desarrolla con mucha bondad, magia alucinante, humor peculiar, un poco de angustia y varias formas ingeniosas de unir el universo Marvel más grande.

Estos villanos están asombrados más allá de la comprensión de este nuevo mundo, que contiene a un Peter Parker que no se parece en nada al Peter Parker que conocen. Esto genera algunos momentos cómicos y también una pregunta dramática verdaderamente intrigante: ¿Qué pasa si es posible que estos monstruos resucitados regresen a su ser humano en este universo? Es un acertijo intrigante y un dispositivo de trama inteligente, ya que permite a Dafoe, Molina y Foxx traer a sus personajes de regreso como algo más que mutaciones infundidas por CGI.

Las secuencias de batalla en “No Way Home” son relativamente discretas, tienen lugar en la ciudad de Nueva York y sus alrededores, y la secuencia culminante transcurre de una manera bastante turbia debido al entorno nocturno. No hay nada nuevo o particularmente memorable sobre el CGI útil y los efectos prácticos, hasta que se tiene una batalla cargada de universos paralelos, y no es contra villanos. Aunque no es mi Spidey favorito, Tom Holland ha hecho una de las mejores interpretaciones de Spiderman en mucho tiempo, y quizás el más cercano al Peter Parker del comic. Y aunque sus películas no han sido mis favoritas, han sido las que me han traído los mejores recuerdos de mi niñez.

Y a pesar de lo extenso que se vuelve esto, "No Way Home" concluye satisfactoriamente la trilogía de Watts. Claro, hubo un extraño padre malvado y un viaje de verano que salió mal, pero el núcleo de esas películas fue que Peter intentaba descubrir cómo ser un adolescente y un superhéroe al mismo tiempo, y generalmente fallaba antes de aprender una lección más profunda. Watts mantiene ese aspecto como una constante en la nueva película, por lo que basa toda la gran MCU en una universalidad identificable, incluso cuando Spidey se encuentra con el extremo comercial de los tentáculos de Doc Ock y Green Goblin le arroja sus bombas a la cabeza.

Hay muchos retornos bienvenidos en “No Way Home”, ¡la mayoría de los cuales deben ver por sí mismos! - pero ver a Dafoe deleitarse con tener otra oportunidad como el archienemigo loco de los cómics es un placer celestial, mientras que una segunda vez es sin duda el encanto para Electro de Foxx. Sin embargo, el corazón y el alma de la película, como fue el caso de las dos últimas películas, es Holland, quien en esta ocasión muestra un nuevo valor y seriedad.

"No Way Home" resulta ser también una película navideña, con una intrigante vibra de "It's a Wonderful Life" que le da una nueva perspectiva a su personaje central. Es una película de Spider-man por excelencia que rinde homenaje al pasado, marca todas las casillas de Marvel necesarias y aún se las arregla para dar un giro algo refrescante. Puntos para Marvel.

Crítica Cinéfila: Soul

¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser... tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

Pixar nunca ha rehuido los temas filosóficos... pero con Soul, el estudio se familiariza con algunos temas realmente importantes, con un efecto sorprendente. ¿Cuál es el propósito de la vida? ¿Es una pasión lo mismo que una vocación? ¿Y qué hace que una existencia humana sea significativa? Oportunamente, dado que la fuerza vital de la película es el jazz, hay una inventiva de enfoque libre que baila en torno al hecho de que la historia se desarrolla, al menos parcialmente, en un tono menor pensativo. Visualmente gloriosa, con frecuencia muy divertida y genuinamente profunda, esta es una película que clama por ser vista en la pantalla grande. Pero saben qué: no importa. Comoquiera funciona.

Con sus temas de aspiración musical y mortalidad, Soul tiene un parentesco con la producción de Pixar de 2017, Coco; en otros lugares hay una superposición narrativa con imágenes como Here Comes Mister Jordan y Heaven Can Wait. Pero lo más cercano en términos de construcción de mundos y fascinación por el funcionamiento de la mente humana es la película anterior del director Pete Docter, Inside Out. Aquí, Docter comparte las funciones de dirección y escritura con Kemp Powers, el guionista detrás de One Night In Miami de Regina King.

El protagonista es Joe (Jamie Foxx), el primer personaje central afroamericano de Pixar, un maestro escolar de música de mediana edad que, en un cruel giro del destino, pierde fatalmente el equilibrio en el mismo momento en que parecía que su vida estaba a punto de tornarse más interesante. Joe tiene la oportunidad de hacer realidad la ambición de su vida y tocar en el club de jazz Half Note de Manhattan junto a una de las grandes, la saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett). Ciertamente, no está listo para morir.

En su búsqueda por sacar su alma del "Great Beyond" y reunirla con su cuerpo en la Tierra, Joe se encuentra arrojado junto con el malcriado 22 (Tina Fey), un alma aún por nacer que ya está harta de la vida. Un residente permanente de “The Great Before” - el mundo de nubes abstracto donde las pizarras en blanco de almas no nacidas puras e inmaculadas obtienen sus personalidades esbozadas - 22 ha puesto a prueba la paciencia de cientos de mentores, entre ellos la Madre Teresa, Muhammad Ali y Galileo. Con la voz de una mujer blanca de 40 y tantos años, elegida arbitrariamente por el porque parecía molestar a la gente, 22 no está tan en la idea de nacer.

Todo eso cambia cuando, debido a la interferencia psíquica por parte de una alma perdida que viaja astralmente expresada por Graham Norton, 22 llega a ver el mundo de primera mano, a través de los ojos de Joe, o al menos de los ojos del cuerpo de Joe. Mientras tanto, el alma de Joe está atrapada en un corpulento gato de terapia de hospital llamado Mister Mittens.

Al igual que con Inside Out, la historia se desarrolla en dos mundos distintos. El "Great Beyond" es una (des)realidad elástica que no está sujeta a las leyes de la física o, por lo tanto, a la razón. Pero es en las bulliciosas calles de Nueva York donde la película encuentra su núcleo de magia y su enfoque, a través de momentos trascendentales y edificantes que podrían ser desencadenados por cualquier cosa, desde un piano de jazz hasta una semilla de sicomoroo una porción de pizza realmente grandiosa. Los realizadores citan los dibujos del dibujante Ronald Searle y la animación de Disney de 1961 101 Dalmatians como referencias visuales, pero también hay un guiño a la sorprendente calidad gráfica de las portadas de álbums de Blue Note y el beat art de los años 50.

Los dos mundos también se definen por su música. Trent Reznor y Atticus Ross proporcionan una musicalización fluida y descabellada para el Great Beyond. Pero es el músico de jazz John Batiste quien captura la personalidad de Joe y le da a la película su ritmo interior. La animación y el jazz siempre han tenido una relación simbiótica: la poesía rítmica del piano de Joe suenan como las relaciones descarriadas de la partitura de Vince Guaraldi para A Charlie Brown Christmas. Y aunque esta imagen podría inclinarse hacia una audiencia un poco mayor que la demográfica habitual de Pixar, se podría crear una generación completamente nueva de fanáticos del jazz junior como resultado del verdadero don de Joe, no solo en tocar la música, sino también en su contagiosa pasión por ella.

Crítica Cinéfila: Project Power

En las calles de Nueva Orleans, se empieza a correr la voz sobre una misteriosa nueva píldora que desbloquea superpoderes únicos para cada usuario. La trampa: no sabes cómo te afectará hasta que la tomes. 

Todos tenemos un superpoder único. O por lo menos eso es lo que dicen en Project Power. Algunos están relacionado con las temperaturas, otros con condiciones animales y vegetales, y también está el grupo de los que se se van más allá de lo creíble. Pero mientras algunos desarrollan una piel a prueba de balas, invisibilidad y una fuerza sobrenatural, otros exhiben una reacción más mortal. Cuando la ciudad de New Orleans es tomada como conejillo de indias para probar estas nuevas píldoras y estas elevan el crimen dentro de la ciudad a niveles peligrosos, un policía local (Joseph Gordon-Levitt) se une a una traficante adolescente (Dominique Fishback) y a un ex soldado alimentado por una venganza secreta (Jamie Foxx) para luchar contra el poder con poder y arriesgarse a tomar la píldora con el fin de localizar y detener al grupo responsable de crearla.

"Project Power" se siente como parte de una nueva tendencia en las películas de Netflix, o tal vez de un nuevo género: una película que no es una película de superhéroes tradicional, es más un thriller callejero excitado, pero está llena de toques que recordarán usted de las películas de superhéroes, por lo que en ciertos momentos cuenta. (Ya que estás sentado en casa, disfrutando del entretenimiento en la pantalla chica, sientes el impulso de decir: "¡Mira esto! ¡Es lo suficientemente bueno!") El éxito de Netflix "The Old Guard" realmente fue una película de superhéroes. En "Project Power", sin embargo, no se nos pide que apoyemos a estas almas hambrientas de omnipotencia que están haciendo estallar cápsulas; son conejillos de indias humanos al azar. Estamos apoyando el arte, también conocido como el Mayor ( Jamie Foxx), un ex oficial militar que está en un curso de colisión del inframundo para saber quién distribuye la droga, para poder sofocarla en su origen. Se une a Robin ( Dominique Fishback ), un demonio de la escuela secundaria que ha estado vendiendo la droga de forma paralela, y se convierten en aliados incómodos en una carrera para ver qué significa realmente "poder".

“Project Power” tiene propulsión, pequeñas detonaciones de magia visual, el escenario resonante de una Nueva Orleans todavía desesperada y un reparto mejor que el que suele tener una película como ésta. Sin embargo, al verlo, es posible que se dé cuenta de lo arreglado que está todo. Los directores de la película, Henry Joost y Ariel Schulman (quienes hicieron el documental "Catfish" de 2011 y luego dirigieron dos secuelas de "Paranormal Activity"), quieren darle un rumor. Cada vez que se hace estallar la droga, hay montajes de ojos dilatados y sinapsis activadas que imitan crudamente a las de “Requiem for a Dream”.

En “Project Power”, estamos fuera de la experiencia de las drogas, pero la verdadera pista del alma bastante descuidada de esta aventura llamativa y deprimente es que se convierte en un thriller sobre una conspiración que es grandiosa pero irritantemente abstracta. La droga es parte de un plan maestro para controlar a las personas: quitarles su poder dándoles una falsa sensación de poder. El guión, de Mattson Tomlin es una obra raída que te hace desear la siniestra especificidad y el peligro arraigado de un buen drama sobre drogas. "Project Power" es básicamente un cuaderno de bocetos exagerado de una película con efectos de exhibición.

A pesar de una temática relevante y una premisa interesante sobre una sobrecargada reimaginación de la narrativa de superhéroes, hay que admitir que Henry Joost y Ariel Schulman son fanáticos de complicar las historias. Lo han hecho a lo largo de su carrera y lo más interesante de este dúo es que siempre encuentran la manera de salvar sus tramas de caer en lo extravagante o disfuncional. En el caso de Project Power, y a pesar de su nombre tan genérico, se salva por un elenco que sabe elevar el conflicto narrativo con estilo.

No es una fórmula secreta, pero está claro que hay que saber reunir actores de diferentes calibres. Joseph Gordon-Levitt (quien se ha mantenido extrañamente ausente de la pantalla grande desde hace unos años) y Jamie Foxx son dos potencias de diferentes bandos, y su punto neutral es el talento joven de Dominique Fishback parecen hacer una buena balanza. Pero aún con sus talentos en equilibrio, existen momentos que crean cuestionamientos sobre los ideales, principios e impulsos de cada personaje; por momentos contradictorios a lo que hacen entre escenas, e incluso conclusiones y decisiones que denotan a una persona completamente diferente. 

La diversidad de casting, que se ha convertido en un sello distintivo de Netflix, le da a la conspiración de la película, al menos en teoría, una nueva dimensión de fervor social, evocando connotaciones del Experimento Tuskegee de 1932 y la percepción generalizada de que las drogas que se derramaron en Estados Unidos el interior de las ciudades a finales de los 60, 70 y 80 lo hizo con un grado de aprobación gubernamental. Sin embargo, eso no libra a la película de la necesidad de completar la logística de la conspiración de una manera convincente. Al igual que otras películas de acción recientes de Netflix ("Extraction" y "The Old Guard"), "Project Power" te da la sensación de que se basa en tantas décadas de clichés que la película apenas se molesta en fingir que es cualquier cosa menos un remix.

Crítica Cinéfila: Just Mercy

Después de licenciarse en Harvard, Bryan decide defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada. Uno de sus primeros y más turbulentos casos es el de Walter McMillian (Foxx), que en 1987 fue sentenciado a la pena muerte por el asesinato de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas demostraban ostensiblemente su inocencia.

Walter McMillian era un talador de madera cuando fue injustamente incriminado por el asesinato de una joven de 18 años. Muchas circunstancias actuaban en su contra, pero la principal era el hecho de ser un hombre negro pobre en el estado de Alabama. Recibió su sentencia antes de verdaderamente ser condenado. Los abogados ya se habían dado por vencido, mientras que otros tomaban el dinero de la familia y se retiraban del caso. Johnny D ya contaba los meses para recibir la fecha de la pena de muerte. 

Al mismo tiempo, Bryan Stevenson, un abogado recién graduado de Harvard, es trasladado a un centro de derechos civiles en Alabama, para tratar casos de pena de muerte a condenados que no han recibido la suficiente atención de sus abogados anteriores. El destino los unió, aunque muchos, incluyendo el mismo Johnny D, ya se habían dado por vencido.

Pero Stevenson tiene otros casos en su plato también, como el de Richardson (Rob Morgan), un veterano tartamudo y melancólico que fue condenado por armar una bomba en el porche de una mujer, causando su muerte. 

El director Destin Daniel Cretton (Short Term 12) trae a la pantalla este drama legal retratando las injusticias de las instituciones federales al condenar personas que no tienen la capacidad financiera para lograr una defensa que les salve la vida. Ese sistema, con el corredor de la muerte como una extensión mórbida de la esclavitud, es de lo que se trata Just Mercy. La película es un drama de derechos civiles, enfocado en Bryan Stevenson, al intentar salvar la vida de los hombres que solo él ve opciones de ayudar, y para llevar la justicia a un lugar donde el estado de derecho es tratado como un azar para la violencia. Bryan, de Delaware, ha venido al sur profundo para continuar la lucha en el vientre de la bestia. En un drama clásico de injusticia racial, que Just Mercy es y no es (el aspecto más poderoso es la forma en que no lo es), la película consistiría en un impulso constante hacia la verdad, con una muesca serie de sorpresas de suspenso.

Sin embargo, Cretton encuentra una nueva forma flexible de dar un golpe de gracia liberal de Hollywood. Expone los hechos del caso de Johnny desde el principio, mostrándonos la evidencia de su inocencia: las mentiras obscenas (y absurdas) contadas por el testigo en su contra; el hecho de que Johnny, el día del asesinato, estuvo todo el día en un almuerzo familiar, en la que 20 testigos podrían haberlo corroborado.  Otros fragmentos de información se filtran, como, por ejemplo, el hecho de que la policía no eligió a Johnny al azar; tenían un motivo clásico (racista) para atacarlo.

Con la evidencia más o menos abierta, Just Mercy puede establecerse como el drama más sutil que Cretton quería hacer: no solo un retrato de injusticia, sino una película que toma la temperatura del paisaje, esbozando cómo el racismo funciona, tratando los encuentros más pequeños como expresiones de una forma de vida y retratando a las víctimas como personas complicadas cuyas personalidades espinosas y alegres son un testimonio de lo que se ha perdido en su encarcelamiento.

Como Johnny, Foxx nos recuerda por qué es un gran actor. Él interpreta a este hombre con una música sureña en su voz, y con una inteligencia cínica sobre cómo está estructurada la sociedad: cómo existe un muro frente a cualquier persona negra, especialmente si es pobre. Pero incluso si no lo son. Al principio, Johnny le dice a Stevenson que ya ha pasado por esto con otros abogados, entonces, ¿por qué molestarse de nuevo? El veneno que están luchando está demasiado arraigado.

El rendimiento de Jordan es silenciosamente sorprendente. Su Bryan no se enoja, al menos no en la superficie. Si lo observaras desde la distancia, dirías que es estrictamente de negocios, vigilando el premio. Pero, de hecho, la actuación de Jordan hierve a fuego lento con la fuerza de alguien que ha absorbido miles de desprecios, insultos, rabia y revertirá ese karma al mantener la calma. Jordan ofrece sus líneas con una calma acelerada, actuando con la mente de un abogado, pero sus ojos cuentan una historia diferente. Emiten destellos de furia y lágrimas.

Hay otra excelente actuación en Just Mercy, y ayudan a darle a la película un ambiente sureño de pueblo pequeño que nunca es menos que auténtico. Brie Larson, quien saltó a la fama en Short Term 12 y también protagonizó la segunda película de Cretton, The Glass Castle, interpreta a Eva Ansley, un local que se convierte en el gerente de la Iniciativa de Justicia de Stevenson, y su inquietante actitud defensiva para fumar cigarrillos invoca una autoridad que nunca antes había tenido en pantalla, sin embargo, en comparación a otros talentos, como Anthony Ray Hinton y Karen Kendrick, su papel se sintió innecesariamente redundante. Tim Blake Nelson, como el falso testigo que se perjuró para condenar a Johnny, ofrece una gran actuación, con el lado de su boca colgando en una mirada gomosa; el personaje está lo suficientemente parpadeado como para parecer un tonto, y lo suficientemente inteligente como para hacerte preguntarte qué está cubriendo su tontería.

A las 2 horas y 16 minutos, "Just Mercy" es larga para una película de este tipo, y hay momentos en los que desearía que fuera más corta. Sin embargo, si el ciclo de las batallas judiciales al final gira en torno a hechos que ya conocemos, lo impredecible es el factor humano. La película se construye con una resolución conmovedora, basada en la certeza de que el odio, en todo su terrible poder, nunca será tan poderoso como la justicia.

Baby Driver

Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad. (FILMAFFINITY)

Las películas de persecuciones son las que le han dado sentido y verdadero éxito taquillero a Hollywood. La gran mayoría de sus filmes de acción incluyen una que otra escena maratónica de buenos contra malos, o viceversa. Y créanme cuando les digo que no soy la mejor referencia para decirle cuáles son las más sobresalientes; aunque, a veces me mata la curiosidad, la atracción a un actor o actriz, o el trailer. En el caso de Baby Driver, me atrajeron todos los aspectos anticipativos a su estreno, y lo mejor es que superó todas las expectativas que tenía.

Baby (Ansel Elgort) es un adolescente que se dedica a ser "chofer" de asaltantes. Su talento es escapar de los policías a través de sus maniobras frente al volante. Después de cada asalto, él junto al equipo se dirigen hacia donde Doc, quien es el líder y es quien decide dónde y cuándo será el siguiente. Para la mala suerte de Baby, él es el amuleto de suerte de que cada fuga sea exitosa y cada día es más difícil que pueda salirse de esta vida criminal que lleva para poder saldar una cuenta pendiente. 

Ansel Elgort se encarga de darle vida a un personaje que, después de un accidente automovilístico en donde sus padres perdieron la vida, sufre de tinnitus (percepción de ruidos en la cabeza) y vive aislado de toda la sociedad que lo rodea, a excepción de su padrastro sordomudo Joe (CJ Jones), y envuelto en lo único que lo rescata de sus zumbidos internos: la música. Esta es una de las mejores interpretaciones de Ansel, saliéndose del estereotipo de personaje que ya había establecido en The Fault in Our Stars y la saga Divergente. A parte del atractivo que le da al personaje (que seguro a todas las chicas les encantará), hace de Baby un chico simpático, divertido y auténtico. Además la química que tiene Baby con Debora (Lily James) es envidiable y sobresaliente.

El elenco es complementado por Kevin Spacey como Doc (a quien siempre le quedará bien el papel de "malo", pero con un giro interesante al final), Jon Hamm como Buddy (otro giro bastante interesante cuando la situación cambia totalmente para el personaje) y Jamie Foxx como el psicópata de Bats, que me recordó su papel en Django Unchainned, pero con una dosis adicional de locura.

Lo mejor de esta película está básicamente en la interesante coreografía creada entre la banda sonora y las acciones de cada personaje, donde cada uno tiene el rol de medir sus líneas y movimientos acorde a la música, que es en muchas ocasiones dirigida por los iPods de Baby. A su vez, cada persecusión y cada escena tiene su canción, que determinará el ritmo de las secuencias y el final de cada una. Aquí se ve el trabajo de montaje que hubo y unos juegos con la fotografía que logran mantener arriba el nivel de entretenimiento de la película. Todo estuvo muy bien pensado, incluso los diálogos más sencillos de los personajes.

Edgar Wright, su director y escritor, demuestra con este último filme, que la música forma parte fundamental de su creatividad cinematográfica, pero aún más destacable y necesaria en esta última producción, la cual es, para mi, su mejor obra hasta ahora.

El trabajo de todos los elementos de esta película, que logró crear una sinfonía interesantísima entre las acciones, los puntos de giro y la banda sonora, hace de Baby Driver un filme sumamente divertido, creativo y entretenido, donde se nota un derroche interesante de talento, tanto en sus actores como en su producción.