Crítica Cinéfila: West Side Story

Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de los 50.

No hay un género de películas que Steven Spielberg no pueda dominar. El único que no ha intentado ha sido western y ya variar con un documental; sin embargo, siempre se mantiene fiel a su estilo por excelencia. Para su primera incursión en el género musical, intenta rehacer un clásico con un sólido conjunto de temas que fueron tan atemporales hace setenta años como lo son hoy: racismo tóxico, pobreza e inmigración. Su remake de West Side Story es una experiencia cautivadora.

Todavía tienes esos Jets pintados con grasa que juzgan injustamente a los nuevos Sharks del vecindario. Dirigida por Riff (un destacado Mike Faist), la película comienza con su escuadrón profanando una pintura de la bandera puertorriqueña en una pared en un estacionamiento de la ciudad de West Side. Estalla una pelea cuando Bernardo (David Alvarez) y sus sharks defienden el honor de su comunidad. Esta pelea es finalmente dividida por el oficial Krupke (Brian d'Arcy James) y el teniente Schrank (Corey Stoll).

Siempre se ha dicho que nunca se debería intentar rehacer un clásico. Es decir, hay suficientes películas horribles, por debajo del promedio, promedio y ligeramente divertidas con muchos defectos que pueden convertirse en mejores películas. Así es como aquí se captura las cualidades centrales que hicieron grande a West Side Story, desde sus temas importantes para mejorar la banda sonora de la película, incluidos los clásicos de Leonard Bernstein-Stephen Sondheim como "Maria" y "Somewhere".

Atrapados en el medio están Tony (Ansel Elgort) y Maria (Rachel Zegler) en libertad condicional. Se encuentran en un baile y se enamoran de inmediato. Por supuesto, Bernardo es muy protector con su hermana. Quiere que se case con un simpático puertorriqueño como su mejor amigo, Chino (Josh Andrés Rivera). Riff interviene cuando Tony transmite su sinceridad de que sus intenciones son honorables y fallan. Entonces, el escenario está listo. Riff y Bernardo elaboran planes para pelear en la antigua fábrica de Salt Mill. Se permite que palos y piedras rompan sus huesos, pero no se permiten armas. Excepto que Riff va y compra una como respaldo.

El guión de West Side Story fue adaptado por el gran Tony Kushner, quien adapta la legendaria obra de teatro y el libro de Aurthur Laurents. Junto con Spielberg, toman dos decisiones audaces para contar historias. Uno, eligen no usar subtítulos. Dos, cambian el personaje tomboy de Anybodys (Iris Menas), que ahora es un personaje de la comunidad LGBTQ+, aun conservando las fortalezas del núcleo musical.

Junto con el director de fotografía de Saving Private Ryan, Janusz Kaminski, toda la experiencia es como dar un paso dentro de una cápsula del tiempo, ya que la historia es lo suficientemente antigua ahora y se siente como ser transportado a esa época. Combinado con una dirección de arte superior, maquillaje y diseño de vestuario, toda la experiencia puede ser fascinante y adictiva.

Si bien Zegler ciertamente tiene las habilidades vocales para deslumbrar en este remake de West Side, es el sorprendente giro de Ariana DeBose lo que le da a West Side Story su nectar. Ella roba el espectáculo de sus escenas con una química palpable con Bernardo, y su potencia cantando y bailando como Anita. Su reacción de resistencia de la que tanto se ha hablado ante la escena del intento de agresión sexual le da a la película una capa de poder adicional que necesitaba. Y no podemos ignorar a Rita Moreno como Valentina, un personaje que nuevo en términos del rol emocional que representa en la historia hacia los demás personajes y se la luce, pues no la habíamos visto en esa posición tan sutil antes.

Sin embargo, mientras las mujeres son las virtudes de esta historia, los hombres se convierten en su defecto. El Tony de Elgort es un personaje muy rígido y, aunque Ansel tiene todos los atributos para ser considerado atractivo, no se entiende esa atracción obsesiva que siente María hacia él. Los demás hombres, a pesar de revivir viejos sentimientos e impulsos de sus antecesores, son más olvidables pues no saben crear esa empatía de pertenencia y propiedad, con excepción de sus gestos en sus bailes y canciones.

El otro defecto que predomina es el mismo que se repite en las anteriores presentaciones. El tema del amor superando al odio juega con el hecho de que después de conocer a Tony por un día, ella ignora el hecho de que él mató a su hermano. Entonces, recapitulemos: María conoció a Tony ayer. El mata a su hermano. Su reacción natural es acostarse con él. Y de paso envía a su cuñada a advertirle que la policía va por él... Solo en novelas de Shakespeare.

Spielberg hace hincapié en tener un elenco completo que representa la cultura hispana tergiversada en la película original. Sin embargo, muchos ignoran que la comunidad Latinx abarca una amplia gama de culturas. Esto quita la individualidad de culturas tan ricas que también incluye a los dominicanos, cubanos, mexicanos y decenas de otros como una caracterización neutral.

Este es un paso en la dirección correcta. Sin embargo, es esencial tener en cuenta que este no es un elenco totalmente puertorriqueño. El mensaje que se presenta aquí es que se trata de una gran cultura. Hay una inmensa cantidad de individualidad que debe celebrarse y entenderse. Pero todavía se requiere la necesidad de aumentar la competencia cultural en Hollywood.

Aún así, West Side Story de Steven Spielberg tiene potencial. Un remake magistral de gran presupuesto con opciones de narración audaces. El remake de West Side Story demuestra que no es necesario modificar un clásico, pero  necesita hacer un esfuerzo consciente para corregir sus errores y preservar su alma.

Crítica Cinéfila: The Goldfinch

Una familia adinerada del Upper East Side se lleva a un niño en Nueva York después de que su madre es asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte.

Theodore Decker tenía 13 años cuando su madre fue asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Esta tragedia cambió el rumbo de su vida, viéndose sumido en una desgarradora odisea de dolor y culpa, reinvención y redención, amor y odio. A pesar de todo, se aferra a una prueba tangible de esperanza que le dejó aquel terrible día... un cuadro de un pequeño pájaro encadenado a su percha: El Jilguero.

Por años, salta de hogar en hogar, y cuando encuentra unas cuantas gotas de felicidad a su vida, el universo se la arrebata y lo obliga a seguir moviéndose sin un verdadero objetivo. Así es como se siente la película The Goldfinch, una adaptación de la novela ganadora del premio Pulitzer de Donna Tartt, la cual está protagonizada por grandes talentos de la pantalla grande, pero aún así decide apegarse a ideas narrativas que no funcionan en su totalidad en un filme, mientras que abandona otras muy necesarias para la historia y el ritmo de esta.

En el cine, lo nuevo y lo audaz —y lo biográfico— reinan para ser nominado a los premios, lo que extrañamente hace que The Goldfinch, tan cargado de privilegios, esté un poco frío y hasta me atrevo a decir vacío. ¿Cuánta necesidad tenemos ahora de una adaptación literaria obediente sobre la riqueza y el arte?

La historia de The Goldfinch se refiere a una pintura desaparecida después de un bombardeo en el Museo Metropolitano de Arte. Bueno, les falta a los que están fuera de la novela, y ahora el ámbito íntimo de la película. En el interior sabemos que la pintura fue tomada por un niño, Theo (Oakes Fegley), cuya madre murió en la explosión y que se ha encontrado bastante solo en el mundo. A medida que seguimos los juicios y tribulaciones de Theo (más tribulaciones que juicios), desde Nueva York a Las Vegas y de regreso, la pintura, realizada por un maestro holandés que murió en una explosión (otra explosión, no la misma), actúa como un talismán y un recordatorio culpable del pasado, tanto inspiración como peso. Las cosas eventualmente (aunque brevemente) se mueven en territorio de misterio, suspenso y thriller, pero Crowley trata de mantener el tono en drama y nostalgia.

La película de Crowley, al menos, tiene más argumentos de lo que se espera. Muchas películas como esta son episódicas y pesadas, golpean los ritmos requeridos pero no evocan un sentido real de la vida cinematográfica. Crowley, sin embargo, encuentra una melodía con bastante frecuencia, imbuyendo su película con un silencio lírico y tristeza. Está magníficamente filmada, espacios bien equipados de Nueva York dado el brillo lacado de una pintura vieja. Pero también maneja dos líneas de tiempo con gracia, yendo y viniendo entre la juventud y la adultez naciente. En ese sentido, se honra el espíritu del libro de Tartt: sentimos el bostezo de los años, el peso del dolor y la experiencia formativa acumulada.

Lo que sin duda es un logro. Solo que no hay suficiente textura y sensación en The Goldfinch. Existe esa tristeza que preside, sí, pero la importancia de la pintura, y de todo el arte, los objetos y la música que tanto le importan a la gente de la película, no es lo suficientemente palpable. En última instancia, la película tiene que establecer apresuradamente sus temas al final porque han pasado dos horas y media y es hora de concluir las cosas. Deseaba ver toda la conmovedora alegoría de Tartt, la forma en que vierte la densidad de crecimiento y lamento en algo sólido que puede pasar de las manos, y que pudo haber tenido espacio para florecer en la película. Pero no lo hace, y dejé la película apreciando su estilo y sus fuertes actuaciones, pero no alterada emocionalmente de ninguna manera persistente.

Eso no es por falta de intentos por parte de sus actores. Como lo hizo en Brooklyn, Crowley persigue el trabajo fino y silencioso de su elenco. Como los dos Theos, Fegley y Elgort tienen muchas miradas silenciosas y contemplativas. Pero a veces son capaces de provocar un estallido expresivo, en momentos que registran profundamente la pérdida casi cósmica de Theo. Elgort es particularmente efectivo, atenúa su brillo a un resplandor nocturno; él está obsesionado y consumido por la memoria, una persona que sigue tropezando con un tiempo presente que no entiende. Sin embargo, el guión los lleva forzados, pues a pesar del obvio vacío que siente el personaje, a su vez se siente sin una meta física y sin un deseo de alcanzar algo al final de la historia. Es verdad que es una película de crecimiento emocional, pero este llega tan tarde que se siente apresurado y sin un adecuado desarrollo.

Kidman hace un giro sutil como una dama de la sociedad que le gusta los gustos y educaciones de Theo después de su tragedia. Ella y Crowley crean una rica historia familiar en solo unas pocas escenas, y la película mira hacia otro conjunto de problemas y tragedias, ayudando a espesar el mundo de la pintura y a todas las personas que lo rodean. Lo mismo para Jeffrey Wright como otro de los cuidadores de Theo. Mientras que Finn Wolfhard y Aneurin Barnard sorprenden con dos versiones diferentes de Boris, el dinámico y único emigre ucraniano con el que Theo forma una conexión cercana y, en última instancia, catastrófica.

En total, The Goldfinch es buena, mas, al despejar esa barra, abre toda la posibilidad de que podría haber sido aún más. No es tarea fácil, convertir un libro de 784 páginas en una película, y mucho menos una llena de referencias sobre arte y antigüedades. Tal vez podría haber una versión de miniserie que satisficiera toda la ambición de mente alta de Tartt. Mientras tanto, la película que existe solo alcanza los ritmos principales: es majestuosa y segura, y está bien. Tal vez eso significa que podría llegar a algunas nominaciones después de todo.

Baby Driver

Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad. (FILMAFFINITY)

Las películas de persecuciones son las que le han dado sentido y verdadero éxito taquillero a Hollywood. La gran mayoría de sus filmes de acción incluyen una que otra escena maratónica de buenos contra malos, o viceversa. Y créanme cuando les digo que no soy la mejor referencia para decirle cuáles son las más sobresalientes; aunque, a veces me mata la curiosidad, la atracción a un actor o actriz, o el trailer. En el caso de Baby Driver, me atrajeron todos los aspectos anticipativos a su estreno, y lo mejor es que superó todas las expectativas que tenía.

Baby (Ansel Elgort) es un adolescente que se dedica a ser "chofer" de asaltantes. Su talento es escapar de los policías a través de sus maniobras frente al volante. Después de cada asalto, él junto al equipo se dirigen hacia donde Doc, quien es el líder y es quien decide dónde y cuándo será el siguiente. Para la mala suerte de Baby, él es el amuleto de suerte de que cada fuga sea exitosa y cada día es más difícil que pueda salirse de esta vida criminal que lleva para poder saldar una cuenta pendiente. 

Ansel Elgort se encarga de darle vida a un personaje que, después de un accidente automovilístico en donde sus padres perdieron la vida, sufre de tinnitus (percepción de ruidos en la cabeza) y vive aislado de toda la sociedad que lo rodea, a excepción de su padrastro sordomudo Joe (CJ Jones), y envuelto en lo único que lo rescata de sus zumbidos internos: la música. Esta es una de las mejores interpretaciones de Ansel, saliéndose del estereotipo de personaje que ya había establecido en The Fault in Our Stars y la saga Divergente. A parte del atractivo que le da al personaje (que seguro a todas las chicas les encantará), hace de Baby un chico simpático, divertido y auténtico. Además la química que tiene Baby con Debora (Lily James) es envidiable y sobresaliente.

El elenco es complementado por Kevin Spacey como Doc (a quien siempre le quedará bien el papel de "malo", pero con un giro interesante al final), Jon Hamm como Buddy (otro giro bastante interesante cuando la situación cambia totalmente para el personaje) y Jamie Foxx como el psicópata de Bats, que me recordó su papel en Django Unchainned, pero con una dosis adicional de locura.

Lo mejor de esta película está básicamente en la interesante coreografía creada entre la banda sonora y las acciones de cada personaje, donde cada uno tiene el rol de medir sus líneas y movimientos acorde a la música, que es en muchas ocasiones dirigida por los iPods de Baby. A su vez, cada persecusión y cada escena tiene su canción, que determinará el ritmo de las secuencias y el final de cada una. Aquí se ve el trabajo de montaje que hubo y unos juegos con la fotografía que logran mantener arriba el nivel de entretenimiento de la película. Todo estuvo muy bien pensado, incluso los diálogos más sencillos de los personajes.

Edgar Wright, su director y escritor, demuestra con este último filme, que la música forma parte fundamental de su creatividad cinematográfica, pero aún más destacable y necesaria en esta última producción, la cual es, para mi, su mejor obra hasta ahora.

El trabajo de todos los elementos de esta película, que logró crear una sinfonía interesantísima entre las acciones, los puntos de giro y la banda sonora, hace de Baby Driver un filme sumamente divertido, creativo y entretenido, donde se nota un derroche interesante de talento, tanto en sus actores como en su producción.