Crítica Cinéfila: The Iron Claw

Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.

Admito que sabía muy poco sobre la familia Von Erich antes de ver "The Iron Claw"; la lucha libre no es el tipo de deporte que veré por voluntad propia. Sin embargo, la película es tan buena y tan conmovedora que es fácil sumergirse en su mundo. Escrita y dirigida por Sean Durkin, "The Iron Claw" cuenta con la mejor actuación de Zac Efron hasta la fecha, y se destaca por aportar una profunda sensación de pérdida, dolor y angustia a su papel. La película biográfica en sí, realizada con la bendición de Kevin Von Erich, se hizo con mucho respeto y corazón, profundizando en las trágicas pérdidas que enfrenta la familia Von Erich. A pesar de lidiar con el dolor y las dificultades, "The Iron Claw" mantiene un sentido de sensibilidad y matices, creando una meditación hermosa e inquietante sobre la historia de la familia Von Erich.

Su enfoque en la familia y, en particular, la dinámica entre los hermanos Von Erich y su padre, Fritz, es convincente y emocionalmente pesada. Hay muchas cosas que no se dicen con palabras, pero que se expresan alto y claro en el lenguaje corporal y en la tensión que se genera entre los personajes con el tiempo. No es fácil de ver y no hay forma de prepararse para los golpes emocionales que da la película, pero es silenciosamente dinámica y poderosa en innumerables formas. Es una película biográfica desgarradora, visceral y conmovedora que seguramente te hará derramar una lágrima o dos sin importar si conocías la historia de los Von Erich.

"The Iron Claw" se basa en la historia real de los hermanos Von Erich, su ascenso a la fama en la lucha libre en Texas en la década de 1980 y la popularización de la lucha con garras de hierro. La película biográfica sigue a los cuatro hermanos, Kevin (Zac Efron), Kerry (Jeremy Allen White), David (Harris Dickinson) y Mike (Stanley Simons), centrándose en la relación con su padre, Fritz (Holt McCallany), quien los impulsó a convertirse en luchadores profesionales y se tomaron el deporte muy en serio. Si bien la familia Von Erich tiene una gran presencia, "The Iron Claw" se cuenta en gran medida desde la perspectiva de Kevin, mientras trabaja duro para ganar el cinturón del Campeonato Mundial Peso Pesado de la NWA y la aprobación de su padre, mientras intenta luchar contra una supuesta maldición familiar.

La película de Durkin incluye la muerte de tres hermanos Von Erich, y cada una de ellas es absolutamente desgarradora. Si bien el drama no dedica demasiado tiempo a tragedias individuales, estas impregnan la película y afectan la vida de Kevin y su nueva familia con su esposa Pam (Lily James), la relación a menudo tensa con Fritz y la forma en que interactuamos con los temas de la película y la dinámica familiar. Más allá de las muertes, la pesadez emocional de la película surge de la compleja relación entre Fritz y sus hijos. Hay mucha vulnerabilidad en la película y una crudeza emocional que retuerce nuestros corazones al mismo tiempo que brinda momentos de devastación desgarradores. "The Iron Claw" no es la película biográfica para sentirse bien que muchos cineastas tienden a hacer hoy en día; en realidad, trata sobre las dificultades, el dolor y las dificultades que enfrentan sus personajes.

Las situaciones de la vida real no siempre son tan claras y ordenadas, y "The Iron Claw" es una clase magistral para dar matices, profundidad y dinamismo a una familia que ha sufrido una buena cantidad de tragedias. El guión de Durkin es sensible y conmovedor; es a la vez duro y exigente. La lucha libre juega un papel importante en la película, pero, por encima de todo, se trata del amor y el vínculo entre hermanos, que son el corazón y el alma de la vida de cada uno. Las pérdidas que siguen después de establecer un vínculo tan fuerte le dan a la película su peso emocional, quitando la alfombra bajo nuestros pies incluso cuando contenemos la respiración anticipándolo. Y aunque "The Iron Claw" es realmente triste, no es manipuladora.

La película tiene un reparto excepcional y todos hacen su parte. Jeremy Allen White es fantástico como Kerry y realmente eleva el sentido del deber que tiene hacia su familia y la presión que eso conlleva. Harris Dickinson como David es encantador y discreto, mientras que Mike, de Stanley Simons, es sensible y dulce. Pero si bien todo el elenco, incluida Lily James como la encantadora Pam, es excelente, "The Iron Claw" pertenece a Zac Efron y Holt McCallany. Mejor conocido por su papel en Mindhunter, McCallany es feroz y formidable como Fritz. El actor interpreta al patriarca Von Erich, estoico y cada vez más duro con sus hijos. No quiere necesariamente lo mejor para ellos, sino lo que cree que es mejor para la familia. Hay algo casi amenazador en la interpretación de McCallany, y equilibra esa arrogancia e ira desenfrenada.

Efron, por otro lado, muestra la vulnerabilidad de Kevin en todo momento. Es protector y gentil con sus hermanos, pero frustrado y deferente con su padre. Efron se comporta de manera diferente en sus interacciones con Fritz, casi como si tuviera miedo de causar problemas. Hay mucha confusión interna que Kevin siente que el actor es capaz de transmitir de forma no verbal. Es una actuación fuerte y cautivadora por la que me sentí atraída en todo momento, ya que Efron demuestra que puede aprovechar una gran cantidad de emociones a la vez sin permitir que una supere a la otra. La suya es una actuación emocionalmente devastadora que nos permite permanecer en la tristeza abrumadora.

No esperaba que me gustara tanto la película de Durkin, pero me atrapó desde la primera escena y me mantuvo fascinada hasta el final. Ni siquiera es necesario saber mucho sobre lucha libre para quedar cautivado por esta película. La sensibilidad con la que trata a la familia central y todo lo que pasó, junto con las actuaciones excepcionales y en capas, fundamentan la película. A pesar del dolor constante y el abuso de sustancias que llena el último tercio de la película, "The Iron Claw" tiene mucho corazón gracias a la relación de los hermanos. ¿Podría haber profundizado más en las relaciones de los personajes más allá de la familia? Absolutamente. Pero lo que le falta a la película lo compensa con su hermosa e inquietante meditación sobre la familia Von Erich, las trágicas pérdidas que enfrentaron y el amoroso manejo de su historia.

Crítica Cinéfila: The Dig

Crónica de la relación entre la terrateniente Edith Pretty y Basil Brown, el arqueólogo que impulsó la excavación de Sutton Hoo en 1938, cuando el mundo se preparaba para la guerra. 

La idea melancólica que se expresa de manera poética en la adaptación de The Dig del director Simon Stone sufre de un conflicto congestionado. Los temas de este drama de época son tesoros enterrados y anhelos reprimidos, cosas efímeras que se desmoronan cuando se exponen al aire libre.

La película está basada en la novela de 2007 de John Preston, que dramatizó la excavación en 1939 de un entierro de un barco anglosajón del siglo VI cerca del enclave rural inglés de Woodbridge. Como cabría esperar de esa rápida sucesión de fechas, el tiempo y la naturaleza fugaz de la existencia humana son temas importantes. Y, francamente, con una metáfora evocadora allí mismo en el centro de la historia, una estructura que alguna vez fue imponente comprimida por siglos bajo tierra, sería un tonto no correr con él. De hecho, cada personaje de la película, que conserva un alcance novelístico, lleva su propio memento personal en su cetrino cofre británico. Pero si el tiempo vuela y la vida es corta, ¿por qué gastar tanto tiempo simplemente dando vueltas?

Inertia define The Dig, que tiene un estilo visual seguro y un enfoque frustrantemente vacilante de la narración. Al principio, parece que nos espera una historia de amor. La imagen de la fragilidad femenina, la Sra. Pretty (Carey Mulligan) sufre de una dolencia cardíaca que hace de su estilo de vida relajado una necesidad médica, así como un lujo aristocrático. La terrateniente viuda pasa sus tardes vistiéndose para la cena con la esperanza de que Basil Brown (Ralph Fiennes), el arqueólogo rudo y de clase trabajadora que ha contratado para excavar un misterioso montículo en su propiedad, se una a ella. Él nunca lo hace, aunque la esposa de Basil, May (Monica Dolan), advierte conscientemente el cariño de Basil por la dueña inválida de la mansión y su hijo precoz, Robert (Archie Barnes).

El trasfondo sutil, casi imperceptible del erotismo en la dinámica de Pretty and Brown finalmente se desvanece, lo cual es igualmente bueno dado que la química de Mulligan y Fiennes realmente solo funciona en los escasos momentos de crisis de la película. Aún así, Mulligan se sienta al margen, su paleta emocional diluida en expresiones dibujadas en elegantes abrigos de lana. Cualquier asertividad que su personaje pueda reunir, nace de su estatus de clase alta, y el espectador debe decidir por sí mismo si afirmar el privilegio de una mujer como terrateniente puede también contar como empoderamiento femenino. Pero el derecho de Pretty se vuelve invaluable cuando The Dig cambia a una versión gentil de una película de fraternidad de los años 80, mientras una banda condescendiente de doctores en Filosofía del Museo Británico amenaza con separar a Brown de su amada afición.

Por desgracia, por mucho que el Museo Británico merezca ser derribado, ese conflicto tampoco va a ninguna parte. Pero introduce un puñado de nuevos personajes que se convertirán en parte integral de la trama. La principal de ellas es Lily James como Peggy Piggott, la esposa abandonada del arqueólogo Stuart Piggott (Ben Chaplin). Al igual que la Sra. Pretty, Peggy está consumida por un dolor emocional que no puede articular del todo. A medida que se desarrolla la excavación, los nuevos descubrimientos en el sitio dan a todos una oportunidad intelectual en el brazo y, de hecho, estas son algunas de las escenas más estimulantes de la película. En el medio, todo el mundo espera: que cese la lluvia, que se emita un veredicto sobre quién es el propietario de estos tesoros recién desenterrados, que el distante trueno de la guerra estalle sobre sus cabezas, lo que finalmente sucederá, con pocas consecuencias duraderas.

A medida que estos modestos marcadores narrativos avanzan lentamente, Stone y el director de fotografía Mike Eley pasan el tiempo con elegantes composiciones y técnicas de filmación estilizadas que crean contraste con la configuración del período. El esquema de color envejecido y polvoriento transmite elocuentemente lo primero, dándole a The Dig esa calidad de fotografía anticuada. Mientras tanto, el dispositivo de mano de gran ángulo en las primeras escenas parece prometer un revisionismo visual agresivo al estilo de The Favourite o Jackie. Pero este también es un tren que nunca llega. Y así, para cuando las historias se entrelazan en una declaración sobre la humanidad como hojas flotando en la corriente de la historia, el efecto es menos arrebatador y más un satisfacción de que llegamos al final. A pesar de todas las ideas románticas y arrolladoras de la película, la experiencia real de ver The Dig es muy incompleta en todos sus aspectos, hasta en la idea de comprender el verdadero significado de la historia.

Crítica Cinéfila: Rebecca

 Una joven (Lily James) contrae matrimonio con un aristócrata (Armie Hammer) y se traslada a vivir a su mansión, de nombre Manderley, situada en Cornualles. Sin embargo, ahí continúa presente la sombra de Rebecca, la anterior esposa del millonario, fallecida en extrañas circunstancias.

Teniendo en cuenta el daño psicológico que causa el amor en las personas, me sorprende que el romance y el horror no sean compañeros de cama más frecuentes. Los dos géneros nunca han sido tan perfectamente entrelazados como lo logra Daphne du Maurier en su Rebecca hasta que el libro fue adaptado en 1940 como una de las mejores películas de Alfred Hitchcock. Ochenta años después, el director Ben Wheatley intenta una nueva adaptación de la historia que funciona para encajar en sus sensibilidades junto con las del público contemporáneo. Para crédito de Wheatley, se destaca en lo que hace que Rebecca sea tan mórbida: la horrible noción de la mujer idealizada cuya mera memoria existe para hacer que todos se sientan inadecuados. Pero cuanto más tiene Wheatley para basar la historia en lo que le sucedió a Rebecca de Winter, más pierde su poder etéreo y fantasmal. En una película magníficamente realizada desde una perspectiva artesanal y visual, los tropiezos en la narración se vuelven aún más difíciles de ignorar.

Trabajando como compañera de viaje de la adinerada Sra. Van Hopper (Ann Dowd) en una escapada a Montecarlo, una joven (Lily James) se cruza con el apuesto y enigmático Maxim de Winter (Armie Hammer). Seducidos el uno por el otro, los dos comienzan una aventura apasionada, y cuando Van Hopper planea irse de Montecarlo, Maxim decide que él y la joven deben casarse ​​para poder llevársela a su finca palaciega en la costa inglesa, Manderley. Allí, la nueva Sra. De Winter se enfrenta al dominante legado de la difunta esposa de Maxim, Rebecca. Oprimida por los cambios de humor de Maxim, la presencia persistente de Rebecca y la ama de llaves dominante, la Sra. Danvers (Kristin Scott Thomas), la joven lucha por mantener su cordura e identidad.

Comparar la versión de Hitchcock con Wheatley no favorece, y es justo decir que Wheatley ha puesto su propio sello en el material que hace que esto se sienta como una nueva adaptación a pesar del hecho que la película de 1940 de Hitchcock es un clásico. Wheatley pone su énfasis en lo pequeña que se siente la nueva señora de Winter. Esa es una parte inherente de la historia, pero Wheatley usa algunos toques psicodélicos para resaltar el aspecto del horror psicológico de que no importa qué identidad tenga, nunca será considerado "lo suficientemente bueno". No iría tan lejos como para llamarlo una crítica feminista, pero instantáneamente simpatizas con el retrato de James de un mundo que existe para decirle que nunca será lo suficientemente buena porque no es esta mujer perfecta que está muerta.

Al enfatizar este subtexto, Wheatley puede golpear la soledad y el aislamiento que siente la Sra. De Winter y el horror que impone su entorno. La idea de que nunca será la mujer ideal y es indigna de amor es una idea aterradora, y Wheatley lo dibuja maravillosamente a través de los dos primeros actos, primero con la actuación viciosa de Dowd y luego con el inolvidable giro de Scott una vez que los recién casados ​​llegan a Manderley, sin mencionar la forma en que Maxim usa a la Sra. de Winter como bote salvavidas para su herida del pasado. James, por su parte, lo sostiene por completo, mostrando su impresionante rango de actuación a medida que las inseguridades y los miedos de su personaje dominan su identidad.

Este enfoque se basa aún más en la exquisita artesanía, ya que Wheatley teje un telón de fondo visualmente exuberante y romántico que puede volverse siniestro cuando el director lo exige. Desde la gélida frialdad del dormitorio de Rebecca hasta los inquietantes paisajes que rodean a Manderley, Wheatley es experto en transmitir el tono y el carácter a través del espacio, y es una película eficaz en la que ni siquiera necesita depender de su elenco cuando su cuadro en escena logra decir tanto.

Desafortunadamente, todo comienza a desmoronarse cuando la película llega al tercer acto. Sin estropear nada, la historia obliga a Rebecca a comenzar a entrar en el reino de lo real en lugar de un símbolo vengativo y malicioso, por lo que el impacto comienza a desvanecerse. Wheatley nunca reclama el poder de los dos primeros actos de la película, y hay otras opciones en el camino que disminuyen la gravedad de la historia. La película no se vuelve "mala", pero ya no tiene el agarre magnético e inquietante de la Sra. De Winter que lucha con el legado de Rebecca, y en su lugar trata de retorcerse en una extraña idealización de mujer fuerte e independiente que también respalda el enfoque de hombre correcto o incorrecto que nunca hace clic, pues el personaje de Lily James no se lo ha ganado. Parte de lo que le da a Rebecca su poder es la melancolía de nunca sentir que será suficiente, por lo que es incómodo terminar con una nota edificante considerando lo que vino antes.

Estos tropiezos son un poco desalentadores. Al igual que el personaje de Rebecca que se cierne sobre la nueva Sra. De Winter, hay un poder enervante de estar a la sombra de Hitchcock, incluso si los cineastas afirman que se trata simplemente de una nueva adaptación. Tratar de encontrar algo nuevo, especialmente cuando la adaptación de 1940 no ha perdido nada de su poder, es una tarea abrumadora. Pero la nueva Rebecca no siempre es coherente, pero cuando se junta tiene todo el desconcertante y espantoso encanto de la historia original.

Crítica Cinéfila: Yesterday

Un músico que lucha por abrirse camino se da cuenta de que es la única persona en el mundo capaz de recordar a los Beatles.

¿Les ha pasado que a veces hablan de cosas que ustedes saben que son reales, pero los demás actúan como si eso no existiese? Para Jack, despertarse un día y enterarse de que los Beatles nunca existieron es un sueño hecho realidad y una tortura interna a la vez. 

No importa si creciste con su música o no, un mundo sin los Beatles suena a un mundo sin sol ni cielos soleados. Son una base tan firme en la música occidental como Beethoven o Mozart. Por eso, la premisa de Yesterday podría ser una especie de pesadilla distópica: un día después de que se corta el poder en todo el mundo, un músico que lucha por darse a conocer en la industria se da cuenta de que es la única persona que recuerda a los Beatles. 

Esta película, dirigida por Danny Boyle y el guionista Richard Curtis, parece una especie de sueño efervescente que podría ocurrir en una playa con demasiado vino y Abbey Road en rotación, un agradable homenaje a la impronta cultural de los Beatles, y una celebración de John, Paul, George y Ringo, cuando en realidad es una comedia romántica.

Jack Malik (Himesh Patel) es un cantante y compositor que no ha logrado tener ese gran éxito musical, teniendo que aguantar gigs tan bajos como niños en un festival de verano en las costas inglesas, mientras su mejor amiga Ellie (Lily James) hace papel de su manager para conseguirle una que otra presentación en bares de baja muerte, aunque solo hace esto para pasar más tiempo junto a Jack, de quien ha estado enamorado desde que lo conoce.

Sin embargo, incluso el optimismo de Jack tiene sus límites. Afortunadamente, el mismo día que deja de ser músico, también se encuentra en una desagradable colisión con un autobús mientras viajaba en bicicleta. Pero para ser justos con ese conductor, la electricidad de todo el mundo se había apagado literalmente en ese momento, desde Nueva York hasta Tokio. Liverpool parece haber sido el más afectado, pues cuando Jack se despierta, descubre que nadie recuerda a los Beatles ni ha escuchado nada de su música. Incluso sus discos en su colección de viniles se han desvanecido en el aire.

Divertidamente, este es uno de los elementos básicos de la cultura pop que aprendemos a lo largo de la película que se han borrado, pero son los Beatles los que serán más útiles para Jack, ya que rápidamente se da cuenta de la idea de que puede hacer pasar sus canciones como propias. Pronto está en un ascenso fortuito a la fama, la fortuna y la amistad con personas como Ed Sheeran, incluso cuando esta popularidad lo aleja de su vida en la pequeña ciudad y de Ellie, la mujer que se da cuenta de que podría amar después de que ella decide quedarse y tener una relación con el productor de un pequeño estudio de grabación.

El énfasis de la educación es importante en Yesterday. En la superficie, hay un contraste de valores intrigante entre el mundo llamativo y codicioso del Estados Unidos corporativo al que Jack se enfrenta una vez llega a Los Ángeles. Pero el tema subraya la potencia en el toque ligero de Boyle: su película es un curso acelerado para recordar la importancia del legado de los Beatles.

Puede parecer trivial, pero la película encuentra una forma mucho más creativa y sincera de honrar un acto de estrella del pop que la miríada de biografías musicales con la cabeza vacía con las que nos hemos inundado durante décadas. A diferencia de Bohemian Rhapsody o cualquier otra versión de la historia de Dewey Cox, Boyle y Curtis descubren un camino desconocido que todavía disfruta de la musicalidad de los Beatles al estudiar el tipo de agujero que dejaría su ausencia. Por lo tanto, cuando Jack comienza a llenarlo, todavía está actuando como el buen maestro al pasar la historia de los Beatles a una nueva generación, y eso también se dirige al público que se ve obligado a reconsiderar la poesía y la potencia de las composiciones de Lennon, McCartney y Harrison.

Como conducto para transmitir eso, Patel demuestra su talento en el papel de Jack. Se revela lentamente en un giro estelar como un protagonista carismático que no solo hace justicia a los álbumes de los Beatles, una versión a la vez, pero también puede llevar la película a menudo por encima de su trama estereotípica.

Si bien es una sincera carta de amor al acto pop más trascendente de los años sesenta, como narración depende de la química de Patel y James para demostrar el romance que crece entre ellos en cada escena. Sufriendo de un conflicto bastante forzado de que Jack y Ellie solo pueden expresar sus sentimientos cuando están en diferentes continentes, James continúa siendo una artista natural, elevando el material a un lugar más cercano a su nivel, tal como lo hizo con Mamma Mia, precuela en la que Curtis también contribuyó a la historia. También se complementa bien con Patel y un dinamismo visual de Boyle que intenta evocar las etiquetas discográficas de los Beatles y los gráficos de arte pop en general de los años 60, enterrando así las convenciones bajo un exceso creativo.

Funciona principalmente, incluyendo el final que algunos considerarán fuera de lo común, pero termina siendo una gran sorpresa para el tipo de historia que esta representa, así como por el hecho de que la película ignora en gran medida cuán diferente sería la música pop si los Beatles nunca existiesen, incluyendo otros detalles que parecen desaparecer con el apagón, como los cigarrillos, la coca-cola y la banda Oasis. 

Entre la actuación secundaria de Ed Sheeran como quien "descubriría" a Jack, hasta la aparición casi fantasmagórica de un John Lennon envejecido (interpretado por Robert Carlyle), todos estos elementos apuntan la misión principal de Yesterday de rendir culto al cuarteto de Liverpool. El homenaje está bien merecido y se ejecuta con tanto entusiasmo en un paquete tan atractivo que tiene todas las marcas del éxito nocturno del verano. Para cuando Patel toma su guitarra, parece que han pasado años.

Mamma Mia: Here we go again

"Mamma Mia: Una y otra vez" nos lleva de viaje al verano donde comenzó todo. Desde su vida en el presente, los protagonistas de "Mamma mia!" nos cuentan los hechos acontecidos el mágico verano en el que comenzó esta historia de los tres posibles padres de Sophie. (FILMAFFINITY)

Otra vez, no pude resistirme...

Mamma Mia vuelve a la pantalla grande, y ya no importa saber quién es el padre de Sophie, sino cómo comenzó el romance entre cada uno de los posibles padres. La historia se narra desde dos puntos de vista: Donna joven, después de graduarse de la universidad, cuando decide irse en una aventura alrededor de Europa; Sophie, planeando la reinauguración del hotel de Donna, un año después de que su mamá falleció. Mientras se va conociendo el pasado de Donna, también se explica las razones que la llevaron a quedarse en Grecia, la relación que tenía con su madre y cómo decidió tener a Sophie sola. A pesar de que ambas historias se concentran en Donna, Sophie lleva sus propios conflictos con su esposo, quien trabaja en New York y está pensando quedarse, y con sus posibles padres Harry y Bill, quienes no podrán asistir a la reinauguración del hotel.

Un aspecto que los fanáticos de Mamma Mia notarán es la línea de tiempo que establecen en la trama de Donna, la cual no sigue en exactitud con lo que conocimos en la primera película; mientras el diario de Donna dice que Sam fue el primero, en esta versión Harry es el primero. Mientras Bill era supuestamente con quien ella vivió más experiencias en la isla, Sam es con quien ella compartió más en esta película. No obstante, sí responde al misterio de por qué Donna decidió quedarse aquí, cómo se apoderó de lo que ahora es el hotel de Donna, y el pasado con sus amigas. Lo único que queda en misterio en esta ocasión es la muerte de Donna, de la que nadie quiere hablar, aparentemente para no romperle el corazón a la audiencia.

Por otro lado, y aunque Donna es la cuestión principal de la historia, es interesante cómo cada personaje desarrolla su propia subtrama, tanto los del pasado como los del presente, sobretodo en el caso de los padres de Sophie y las mejores amigas de Donna. Cada quien tiene su momento de brillar, incluso cuando toca cantar. Y hablando de canto, un aspecto a resaltar es que esta película recupera clásicos de ABBA de su antecesora y agrega versiones que al igual enamorarán a la audiencia, por sus bailes, sus sorpresas y su tono cómico. Otro aspecto a resaltar es que dejan los mejores personajes para el final, sobretodo a Donna y la mamá de Donna (Cher). Ambos momentos son completamente sentimentales y cruciales, pues por igual revelan detalles de estos personajes y las razones que las llevaron a tomar decisiones específicas que afectan a Sophie directamente.

Como en su antecesora, la fotografía es muy específica de video musical, y se complementa con una colorida producción de diseño que destacan las bellezas de sus locaciones y cómo está fue cambiando con el tiempo y las acciones de sus personajes. Las escenas en la costa y los callejones de Grecia son las que mejor destacan la cultura de esta sociedad y cómo aún con un reparto británico se puede distinguir los locales.

Con una estructura simple y entendible, Mamma Mia: Here we go again tiene la gracia suficiente para mezclar los dos tiempos que narra y no confundir a nadie. Es divertida, nostálgica e irresistible, con mejor guion, mejores actuaciones y más ambición en un final completamente inolvidable.

Baby Driver

Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad. (FILMAFFINITY)

Las películas de persecuciones son las que le han dado sentido y verdadero éxito taquillero a Hollywood. La gran mayoría de sus filmes de acción incluyen una que otra escena maratónica de buenos contra malos, o viceversa. Y créanme cuando les digo que no soy la mejor referencia para decirle cuáles son las más sobresalientes; aunque, a veces me mata la curiosidad, la atracción a un actor o actriz, o el trailer. En el caso de Baby Driver, me atrajeron todos los aspectos anticipativos a su estreno, y lo mejor es que superó todas las expectativas que tenía.

Baby (Ansel Elgort) es un adolescente que se dedica a ser "chofer" de asaltantes. Su talento es escapar de los policías a través de sus maniobras frente al volante. Después de cada asalto, él junto al equipo se dirigen hacia donde Doc, quien es el líder y es quien decide dónde y cuándo será el siguiente. Para la mala suerte de Baby, él es el amuleto de suerte de que cada fuga sea exitosa y cada día es más difícil que pueda salirse de esta vida criminal que lleva para poder saldar una cuenta pendiente. 

Ansel Elgort se encarga de darle vida a un personaje que, después de un accidente automovilístico en donde sus padres perdieron la vida, sufre de tinnitus (percepción de ruidos en la cabeza) y vive aislado de toda la sociedad que lo rodea, a excepción de su padrastro sordomudo Joe (CJ Jones), y envuelto en lo único que lo rescata de sus zumbidos internos: la música. Esta es una de las mejores interpretaciones de Ansel, saliéndose del estereotipo de personaje que ya había establecido en The Fault in Our Stars y la saga Divergente. A parte del atractivo que le da al personaje (que seguro a todas las chicas les encantará), hace de Baby un chico simpático, divertido y auténtico. Además la química que tiene Baby con Debora (Lily James) es envidiable y sobresaliente.

El elenco es complementado por Kevin Spacey como Doc (a quien siempre le quedará bien el papel de "malo", pero con un giro interesante al final), Jon Hamm como Buddy (otro giro bastante interesante cuando la situación cambia totalmente para el personaje) y Jamie Foxx como el psicópata de Bats, que me recordó su papel en Django Unchainned, pero con una dosis adicional de locura.

Lo mejor de esta película está básicamente en la interesante coreografía creada entre la banda sonora y las acciones de cada personaje, donde cada uno tiene el rol de medir sus líneas y movimientos acorde a la música, que es en muchas ocasiones dirigida por los iPods de Baby. A su vez, cada persecusión y cada escena tiene su canción, que determinará el ritmo de las secuencias y el final de cada una. Aquí se ve el trabajo de montaje que hubo y unos juegos con la fotografía que logran mantener arriba el nivel de entretenimiento de la película. Todo estuvo muy bien pensado, incluso los diálogos más sencillos de los personajes.

Edgar Wright, su director y escritor, demuestra con este último filme, que la música forma parte fundamental de su creatividad cinematográfica, pero aún más destacable y necesaria en esta última producción, la cual es, para mi, su mejor obra hasta ahora.

El trabajo de todos los elementos de esta película, que logró crear una sinfonía interesantísima entre las acciones, los puntos de giro y la banda sonora, hace de Baby Driver un filme sumamente divertido, creativo y entretenido, donde se nota un derroche interesante de talento, tanto en sus actores como en su producción.