Crítica Cinéfila: Ant-Man and the Wasp - Quantumania

Scott Lang y Hope Van Dyne, junto con Hank Pym y Janet Van Dyne, exploran el Reino Cuántico, donde interactúan con extrañas criaturas y se embarcan en una aventura que va más allá de los límites de lo que creían posible.

Junto con la primera película de Iron Man, Capitán America: Civil War y Avengers: Endgame, las dos primeras aventuras independientes de Ant-Man siempre se sintieron como Marvel en su forma más original. ¿Por qué? Nada que ver con sus historias o efectos: todo se reducía a que ellos habían ido cuidadosamente sintonizándose con los talentos particulares de su protagonista. 

Al igual que Robert Downey Jr. tenía su suavidad de hablar y Chris Hemsworth sus habilidades cómicas fornidas, Paul Rudd era el Vengador común, afable y tambaleante: el tipo pequeño que estaría a la altura del momento, o más a menudo se encogería ante él, en tiempos de crisis. De todos modos, esa estrategia consagrada por el tiempo no se ve por ninguna parte en esta tercera entrega genérica y lujosa, en la que la mayor parte del encanto considerable de Rudd y esos ingeniosos cambios de escala del mundo real se turban: piense en la batalla del juego de trenes que rinde homenaje a Aardman del original de 2015, o la persecución de autos en San Francisco de la secuela de 2018, con sus vehículos bajando rápidamente hasta el tamaño de Hot Wheels, todo esto se borra para dar paso a otra explosión de dos horas de la inagotable manguera multicolor de Marvel.

En esta última aventura, Scott Lang de Rudd (alias Ant-Man), Hope Van Dyne de Evangeline Lilly (alias The Wasp) y la hija de Scott, Cassie (Kathryn Newton) son absorbidos por el reino cuántico: un "universo debajo de nuestro universo”, y el lugar de residencia actual del malvado Kang the Conquerer, el último supervillano de la franquicia. 

Para los fanáticos, la llegada de Kang (Jonathan Majors) marca el comienzo de las Fases Cinco y Seis del proyecto de contenido audiovisual de Marvel: 10 películas más y cinco series más de Disney+ para ayudarnos a lo largo del próximo tres años. Pero en lo que respecta a la película en cuestión, solo significa otra porción gigante de lodo digital que dobla las dimensiones, servido con la advertencia habitual del multiverso de que cada avance que la trama puede dar, probablemente será anulado o revertido en las escenas de mitad de créditos.

Así que tenemos un montón de Rudd, Lilly y Newton, junto con el regreso de Michael Douglas y Michelle Pfeiffer, teniendo conversaciones forzadas en varios paisajes de fantasía con pantalla verde, o reaccionando a cualquier monstruo o nave espacial o convulsionando lo verde y púrpura que pasa por encima.

El problema no es que las uniones entre los mundos de carne y hueso y los generados por computadora sean siempre obvios: a veces lo son; a veces no lo son. Es que el tipo de narración con el que se alinea este enfoque tecnológico es impersonal, emocionalmente vacío y, a menudo, bordea la falta de sentido. Por ejemplo, Janet van Dyne de Pfeiffer descubre el malvado plan de Kang no sacándolo hábilmente, o colándose de manera emocionante en su base, sino a través de una visión cuando toca el casco de su nave espacial psíquica. 

Estas cosas pueden empujar la trama, pero no es tan divertido cómo lo proyectan, y tiene la sensación de que la película es culpablemente consciente de ello. La falta de placer en la escritura se ve compensada, o tal vez ahogada, por las imágenes arduamente excéntricas: muchos diseños de criaturas excéntricas que trabajan muy duro para recordar Star Wars (incluso hay una escena de cantina, con el muy promocionado Bill Murray), así como una batalla culminante que se asemeja a esos nuevos juegos en los que el jugador tiene que acabar con una horda que avanza sin cesar. Para una franquicia que necesita refrescarse, es cualquier cosa menos un salto cuántico.

Temporada de premios: Ganadores de la 29na entrega de los Screen Actors Guild Awards

“Everything Everywhere All at Once”, una aventura interdimensional, ganó el domingo el premio al mejor elenco en la 29ª edición de los Screen Actors Guild Awards. También rompió récords, convirtiéndose en la mayor película ganadora en la historia del programa, arrasando en casi todas las categorías del renglón de películas.

"Abbott Elementary", una comedia de situación sobre maestros en una escuela pública con fondos insuficientes, ganó la estatuilla al mejor conjunto de comedia de televisión, mientras que "The White Lotus", una mirada mordaz a los invitados más privilegiados en un centro turístico italiano, se llevó a casa el premio al mejor elenco en una serie de drama.

“Everything Everywhere All at Once”, una de las pocas películas independientes recientes que se abrió paso a lo grande en la taquilla, dominó la velada con cuatro victorias, seguida de “The White Lotus” con dos victorias. “Everything Everywhere All at Once” ha seguido cobrando impulso durante una temporada maratónica de premios, acumulando grandes premios a medida que se acerca a los Oscar en dos semanas. Este fin de semana, obtuvo el Premio del Sindicato de Productores y el fin de semana pasado recogió el Premio del Sindicato de Directores para Daniel Kwan y Daniel Scheinert, el dúo de cineastas detrás de la absurda historia del dueño de una lavandería cuya vida se cruza con universos paralelos.

Aquí les comparto la lista completa de los ganadores:

PELÍCULAS

Actuación de un elenco en una película: “Everything Everywhere All at Once”

“Babylon”

“The Banshees of Inisherin”

“The Fabelmans”

“Women Talking”

Actuación de especialistas de doblaje en una película: “Top Gun: Maverick”

“Avatar: The Way of Water”

“The Batman”

“Black Panther: Wakanda Forever”

“The Woman King”

Actuación de una actriz en un papel principal: Michelle Yeoh (“Everything Everywhere All at Once”)

Cate Blanchett (Tár”)

Viola Davis (“The Woman King”)

Ana de Armas (“Blonde”)

Danielle Deadwyler (“Till”)

Actuación de un actor en un papel principal: Brendan Fraser (“The Whale”)

Austin Butler (“Elvis”)

Colin Farrell (“The Banshees of Inisherin”)

Bill Nighy (“Living”)

Adam Sandler (“Hustle”)

Actuación de una actriz en un papel secundario: Jamie Lee Curtis (“Everything Everywhere All at Once”)

Angela Bassett (“Black Panther: Wakanda Forever”)

Hong Chau (“The Whale”)

Kerry Condon (“The Banshees of Inisherin”)

Stephanie Hsu (“Everything Everywhere All at Once”)

Actuación de un actor en un papel secundario: Ke Huy Quan (“Everything Everywhere All at Once”)

Paul Dano (“The Fabelmans”)

Brendan Gleeson (“The Banshees of Inisherin”)

Barry Keoghan (“The Banshees of Inisherin”)

Eddie Redmayne (“The Good Nurse”)

SERIES

Actuación de un elenco en una serie dramática: “The White Lotus”

“Better Call Saul”

“The Crown”

“Ozark”

“Severance”

Actuación de un elenco en una serie de comedia: “Abbott Elementary”

“Barry”

“The Bear”

“Hacks”

“Only Murders in the Building”

Actuación de especialistas de doblaje en una serie de televisión: “Stranger Things”

“Andor”

“The Boys”

“House of the Dragon”

“The Lord of the Rings: The Rings of Power”

Actuación de una actriz en una serie dramática: Jennifer Coolidge (“The White Lotus”)

Elizabeth Debicki (“The Crown”)

Julia Garner (“Ozark”)

Laura Linney (“Ozark”)

Zendaya (“Euphoria”)

Actuación de un actor en una serie dramática: Jason Bateman (“Ozark”)

Jonathan Banks (“Better Call Saul”)

Jeff Bridges (“The Old Man”)

Bob Odenkirk (“Better Call Saul”)

Adam Scott (“Severance”)

Mejor actuación de una actriz en una serie de comedia: Jean Smart (“Hacks”)

Christina Applegate (“Dead to Me”)

Rachel Brosnahan (“The Marvelous Mrs. Maisel”)

Quinta Brunson (“Abbott Elementary”)

Jenna Ortega (“Wednesday”)

Actuación de un actor en una serie de comedia: Jeremy Allen White (“The Bear”)

Anthony Carrigan (“Barry”)

Bill Hader (“Barry”)

Steve Martin (“Only Murders in the Building”)

Martin Short (“Only Murders in the Building”)

Actuación de una actriz en una película para televisión o serie limitada: Jessica Chastain (“George and Tammy”)

Emily Blunt (“The English”)

Julia Garner (“Inventing Anna”)

Niecy Nash Betts (“Dahmer”)

Amanda Seyfried (“The Dropout”)

Actuación de un actor en una película para televisión o serie limitada: Sam Elliott (“1883”)

Steve Carrell (“The Patient”)

Taron Egerton (“Black Bird”

Paul Walter Hauser (“Black Bird”)

Evan Peters (“Dahmer”)

Crítica Cinéfila: The Whale

Un solitario profesor de inglés con obesidad severa intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

La agonía humana tanto física como emocional es un elemento básico del estilo cinematográfico de Darren Aronofsky, pero The Whale , que está impulsada por el trabajo devastador de Brendan Fraser como un maestro de 600 libras que come hasta morir, lleva ese tema a los extremos mientras se mantiene firme dentro de los límites del naturalismo. Adaptando la novela homónima de Samuel D. Hunter, el intenso drama nunca disfraza sus raíces escénicas, sino que las trasciende con la gracia y la compasión de la escritura y las capas de dolor, desesperación, amor y tenaz esperanza que se desprenden en la actuación central. Fraser nos hace ver más allá de la apariencia alarmante hacia el corazón profundamente conmovedor de este hombre destrozado.

En esta trama, el autor ha construido un mundo ordinario temático, predominantemente ambientado en Idaho, en el que las cuestiones de identidad queer, espiritualidad, soledad, tristeza existencial y la pérdida colectiva de comunidades que se desvanecen se examinan con una empatía penetrante y una excavación magistral del sentimiento reprimido. Su habilidad para iluminar vidas ordinarias lo ha convertido en una de las voces más valiosas que han surgido en la dramaturgia estadounidense en la última década.

Con un único escenario sin aire exterior y el personaje principal cuya terrible crisis de salud hace evidente el límite de tiempo en su vida desde el principio, The Whale parecía una perspectiva complicada para pasarlo a versión cinematográfica. Aronofsky lo logra no abriendo artificialmente la pieza, sino apoyándose en su teatralidad, y sumergiéndonos en la claustrofobia que se ha vuelto ineludible para el personaje de Fraser, Charlie. La estructura de la escena de un personaje central confinado en unas pocas habitaciones mientras que los personajes secundarios van y vienen, a veces superpuestos, sigue siendo muy parecida a la de una obra de teatro.

La escasez de luz que se filtra desde el exterior del apartamento de Charlie es simbólicamente torpe. Pero la cámara ágil del director de fotografía Matthew Libatique y la edición dinámica de Andrew Weisblum aportan un movimiento sorprendente a la situación estática. La única elección cuestionable significativa es la exageración de la partitura emocionalmente enfática de Rob Simonsen, en lugar de confiar en los actores para hacer ese trabajo.

Aronofsky y Hunter sorprenden a la audiencia desde el principio, no solo al exponer la obesidad severa de Charlie (una transformación física responsabilidad de Adrien Morot), sino al revelar que esta montaña de hombre todavía es capaz de deseo sexual. Charlie mantiene la cámara apagada durante el curso de escritura en línea que imparte, alegando que la cámara web de su computadora portátil está rota. Pero su componente de video funciona bien cuando momentos después está viendo porno gay.

Es interrumpido por un golpe en la puerta de Thomas (Ty Simpkins), un joven misionero aparentemente poco mundano de la iglesia New Life, que predica la aceptación de Cristo como una puerta de entrada de los últimos tiempos a un mundo mejor. La intrusión incómoda deja a Charlie luchando por respirar. Convencido de que se está muriendo, una eventualidad para la que parece haber estado ensayando durante meses, le ruega a Thomas, preso del pánico, que le lea un ensayo de un estudiante sobre Moby Dick de Melville, lo que le brinda consuelo por razones que se aclararán más adelante.

La crisis de Charlie se evita con la llegada de su amiga Liz (Hong Chau), una trabajadora de la salud que está acostumbrada a lidiar con sus emergencias. Ella le dice que su insuficiencia cardíaca congestiva y su presión arterial altísima significan que probablemente estará muerto dentro de una semana. Exasperada por su continua negativa a ir al hospital, aparentemente debido a la falta de seguro médico, Liz a menudo se muestra impaciente y enojada con Charlie. Pero su amor por él es tal que se entrega a regañadientes a su adicción a la comida rápida, llevándole cubos de pollo frito y sandwiches de albóndigas.

El mayor duelo es la dolencia que une a Charlie y a la mordaz Liz, y también la vuelve feroz con la presencia del persistente Thomas. Su padre adoptivo es un miembro principal del consejo de New Life, y ella culpa a la iglesia de la muerte de su hermano Alan, quien también era un ex alumno de Charlie que se convirtió en el amor de su vida, pero nunca pudo superar la condena de su padre y desarrolló un trastorno alimentario crónico que eventualmente lo mató.

La ordenada simetría de un compañero muriendo de hambre y la autodestrucción del otro a través de la glotonería es un poco esquemática, al igual que los elementos de Moby Dick son una alegoría que muestra la mano del escritor. Pero el guión de Hunter y la intimidad del trabajo de los actores mantienen el drama melancólico enraizado y creíble.

Además de su tormento por su papel en la muerte de Alan, Charlie se siente atormentado por la culpa de haber abandonado a su hija Ellie (Sadie Sink) a la edad de 8 años, cuando dejó a su esposa Mary (Samantha Morton) para estar con Alan. Mary obtuvo la custodia total e impidió que Charlie viera a su hija, pero él la contacta, ansioso por conocerla en el tiempo que le queda. Ellie es una misántropa llena de ira que corre el riesgo de reprobar la escuela secundaria, y su hostilidad hacia su padre se manifiesta como disgusto y crueldad. Pero cuando él gana su tiempo ofreciéndose a ayudarla con sus ensayos y prometiéndole dejarle todo el dinero que tiene, Ellie sigue regresando.

Las confrontaciones puntiagudas de la adolescente con el gentil gigante de su padre se combinan con sus intercambios punzantes con Thomas, a quien manipula de la misma manera que lo hace con Charlie y su dura madre. Sink no se detiene en una caracterización que justifica la descripción de Mary de ella como "malvada". Pero el amor residual debajo de los arrebatos de ambas mujeres y la distancia herida se revela lentamente en algunos momentos genuinamente conmovedores, especialmente cuando Charlie recuerda con Mary un viaje familiar a Oregón cuando pesaba mucho menos.

Todos los miembros del pequeño conjunto causan una gran impresión, incluso Sathya Sridharan como un amable repartidor de pizzas que nunca deja de preguntar sobre el bienestar de Charlie desde detrás de la puerta cerrada del apartamento.

La más destacada, junto a Fraser, es Chau, con un giro matizado como una mujer golpeada por la pérdida y preparándose para otro golpe devastador. Su incapacidad para intervenir la ha dejado indefensa, enfurecida, exhausta y con un dolor visible. También hay humor en la molestia de Liz con la positividad innata de Charlie, que perdura sin importar cuán malas sean sus circunstancias. En una película que trata en parte sobre el instinto humano de preocuparse por otras personas, Chau te rompe el corazón.

Sin embargo, la actuación heroica en The Whale que merecidamente dominará la atención es Fraser. Un excelente actor que pasó desapercibido durante demasiado tiempo, usa sus grandes ojos de cachorro con un efecto encantador, sin permitirnos olvidar que hay un hombre marcado por laceraciones emocionales crudas debajo del montículo de carne sudorosa y sibilante. Es angustioso presenciar su físico, que se esfuerza por navegar en espacios incómodos y maniobrar un cuerpo que requiere más fuerza de la que le queda a Charlie, al igual que sus ataques de tos, asfixia y dificultad para respirar. En las pocas ocasiones en las que lucha por mantenerse en pie en toda su altura, llena el encuadre, una figura de tremendo patetismo menos por su tamaño que por su sufrimiento. Pero en una película sobre la salvación, es la humanidad inextinguible de la actuación de Fraser lo que te deja boquiabierto.

Crítica Cinéfila: Cinco Lobitos

Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre y se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. Al ausentarse su pareja por trabajo unas semanas, decide volver a casa de sus padres, en un bonito pueblo costero del País Vasco, y así compartir la responsabilidad de cuidar a su bebé. Lo que no sabe Amaia es que, aunque ahora sea madre, no dejará de ser hija.

Es irónico, y a su vez coincidente, que todas las películas que he visto a principios de año tratan sobre la maternidad/paternidad y los sentimientos que sienten estos personajes hacia este nuevo ciclo de su vida. Lo que hace que Cinco Lobitos se destaque aún más es el contraste que logran con la gran diversidad de subtemas que entran en el concepto de la maternidad/paternidad y que ahora, más que nunca, afectan en gran nivel a muchas personas, sobre todo a las mujeres.

Su protagonista es una joven vasca llamada Amaia, quien acaba de dar a luz a su primera hija. Ella llega a la casa, adolorida por la recuperación de la cesarea que acaba de recibir, a la cual su madre (Susi Sánchez) la reprime que se deje de ñoñería, pues "a todas siempre le dan unos puntos". En un rol casi secundario, pero igual de relevante, están las respectivas parejas de estas dos mujeres: el padre de Amaia (Ramón Barea), quien de entrada se observa como un hombre sumiso y amoroso hacia su nieta, y el novio de Amaia (Mikel Bustamante), un dedicado editor de iluminación teatral, quien estaba muy emocionado de la llegada de su hija hasta que le llegaron unos nuevos contratos de trabajo.

Entre la ausencia de su pareja (quien no sabe balancear entre la paternidad y su trabajo), su desbalance emocional, y su gran interés de dedicarle el 100% a su hija aunque esto signifique perder oportunidades de trabajo que le llegan, Amaia decide volver por unas semanas a casa de sus padres para buscar el apoyo y descanso que necesita, pero allí se percata de una nueva situación que debe afrontar.

La gran belleza de Cinco Lobitos yace en distintas capas de la película. En su capa actoral convive la química indiscutible de este cuarteto de actores quienes naturalmente se entran en la piel de sus caracterizaciones y le dan vida a grandes secretos emocionales que las familias se callan de manera habitual; la sinergia más destacable es la que existe entre Costa y Sánchez, quienes mantienen esa relación madre-hija hasta el final en un continuo desarrollo de escenas emotivas y líneas que marcan el arco de cada una; entre sus grandes diferencias, pero el amor materno que ambas manifiestan a su manera, le dan una entonación a la trama, en conjunto y de manera particular.

En su capa narrativa, la historia sorprende en ámbitos que no son nuevos para el cine. Trae consigo esa temática de las grandes dificultades que afrontan las nuevas parejas cuando son padres primerizos, pero lo hace evaluando cómo cada generación lo maneja a su manera: qué priorizan, quién lo prioriza y cómo esto afecta su relación de pareja. Pero más que un enfoque en la maternidad/paternidad, se posa sobre las grandes confrontaciones que surgen entre pareja a partir de esa nueva etapa; cómo las generaciones de antes se quedaban en una relación solo por el compromiso de esa criatura que ambos han traído al mundo, mientras que esto no es un detenimiento para las parejas modernas, aunque en muchas ocasiones es una excusa para volver a retomar viejos sentimientos. Quien carga con la mayor complejidad narrativa es Amaia, que representa el gran desbalance que muchas mujeres millennials están tratando de descifrar: cómo ser madre, trabajadora, pareja e hija a la vez, y no fallar en el intento. 

En su capa técnica, Cinco Lobitos logra el balance visual perfecto entre la fotografía natural de Jon D. Domínguez (con un rejuego de tomas que buscan hacer un setup-payoff con acciones de Amaia y su madrew), la escenografía de Mónica Ausín (enfocada en hacer contraste entre lo urbano y lo rural, y tocar detalles generacionales) y el montaje de Andrés Gil (quien no abandona la naturalidad del sonido de ambiente, pero se apoya de la musicalización de Aránzazu Calleja para tocar emociones en momentos claves). 

Gracias a este apoyo técnico, Alauda Ruiz de Azúa logra una película que retoma el concepto de "cine de calidad" con un gran balance de guion y producción. Siendo "Cinco Lobitos" su debut como directora, Ruiz de Azúa establece parámetros para lo que se esperaría de ella en lo consecuente. Aunque recupera estilos de autores españoles ya establecidos, le da un toque muy propio a su forma de contar este drama. Y aunque este tipo de historias comparativas de dos generaciones confrontando un mismo conflicto, la visión de su directora y los giros que le da a la misma trama, son inesperadamente reflexivos. 

Traer un ser humano al mundo debe ser una de las decisiones más complejas que toman una pareja y hay detalles de esto que nunca van a cambiar. Lo que sí seguirá cambiando con el paso del tiempo son las complejidades que van evolucionando en la medida que avanzan las generaciones, sobre todo en el entendimiento de que ambas figuras paternas estén en la misma página que desglosa la cantidad de responsabilidades que se comparten, cómo esto puede afectar a la crianza y cómo se sigue viviendo una vida como adulto, aunque se sigan cantando las mismas canciones de cuna.

Temporada de premios: Ganadores de la 76ta entrega de los British Academy Film Awards

“All Quiet on the Western Front” dominó los Premios BAFTA en Londres el domingo por la noche con un récord de siete victorias, incluyendo Mejor Director, Mejor Película y Mejor Película No en Idioma Inglés.

El recuento significa que la epopeya de la Primera Guerra Mundial ahora tiene el récord de una película que no está en inglés. El récord anterior lo tenía la película de 1988 “Cinema Paradiso”, que ganó cinco premios BAFTA.

Mientras tanto, "The Banshees Of Inisherin", ganó la segunda mayor cantidad de premios de la noche, incluidas las dos categorías de actor de reparto con victorias para Barry Keoghan y Kerry Condon. El escritor y director Martin Mcdonagh también ganó por Guión original y Mejor película británica.

Combinado con el premio al Mejor Cortometraje de "An Irish Goodbye" de Tom Berkeley y Ross White, resultó ser una noche de celebración para la industria cinematográfica de Irlanda, con el actor de "Good Luck To You, Leo Grande", Daryl McCormack, quien fue nominado a Mejor Actor y Estrella en ascenso. bromeando, fueron los "BAFTA irlandeses" en la alfombra roja antes de la ceremonia.

Los principales premios de actuación de la noche fueron para Cate Blanchett y Austin Butler por sus respectivos papeles en "Tár" y "Elvis". Blanchett se unió a varias estrellas, incluidas Michelle Yeoh, Colin Farrell y Dolly DeLeon, luciendo una cinta azul del ACNUR en solidaridad con los refugiados. Pero fue una noche decepcionante para “Tár”, con el escritor y director Todd Field perdiendo en las categorías de Mejor Guión Original y Mejor Director. A “Elvis” le fue ligeramente mejor. Además de la victoria de Butler, la película ganó en tres categorías artesanales: Mejor Peinado y Maquillaje, Mejor Reparto y Mejor Vestuario.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores:

Mejor Película: “All Quiet On The Western Front” – Malte Grunert

“The Banshees Of Inisherin” – Graham Broadbent, Pete Czernin, Martin Mcdonagh

“Elvis” – Gail Berman, Baz Luhrmann, Catherine Martin, Patrick McCormick, Schuyler Weiss

“Everything Everywhere All at Once” – Daniel Kwan, Daniel Scheinert, Jonathan Wang

“Tár” – Todd Field, Scott Lambert, Alexandra Milchan

Mejor Película Británica: “The Banshees Of Inisherin” – Martin Mcdonagh, Graham Broadbent, Pete Czernin

“Aftersun” – Charlotte Wells, Producer(S) Tbc

“Brian And Charles” – Jim Archer, Rupert Majendie, David Earl, Chris Hayward

“Empire Of Light” – Sam Mendes, Pippa Harris

“Good Luck To You, Leo Grande” – Sophie Hyde, Debbie Gray, Adrian Politowski, Katy Brand

“Living” – Oliver Hermanus, Elizabeth Karlsen, Stephen Woolley, Kazuo Ishiguro

“Roald Dahl’s Matilda The Musical” – Matthew Warchus, Tim Bevan, Eric Fellner, Jon Finn, Luke Kelly, Dennis Kelly

“See How They Run” – Tom George, Gina Carter, Damian Jones, Mark Chappell

“The Swimmers” – Sally El Hosaini, Producer(S) Tbc, Jack Thorne

“The Wonder” – Sebastián Lelio, Ed Guiney, Juliette Howell, Andrew Lowe, Tessa Ross, Alice Birch, Emma Donoghue

Mejor Debut destacado de una escritora, directora o productora británica: “Aftersun” – Charlotte Wells (Escritora/directora)

“Blue Jean” – Georgia Oakley (Escritora/directora), Hélène Sifre (Productora)

“Electric Malady” – Marie Lidén (Directora)

“ Buena suerte para ti, Leo Grande” – Katy Brand (guionista)

“Rebellion” – Maia Kenworthy (directora)

Mejor Película de Habla No Inglesa: “All Quiet On The Western Front” – Edward Berger, Malte Grunert

“Argentina, 1985” – Santiago Mitre, Producer(S) Tbc

“Corsage” – Marie Kreutzer

“Decision To Leave” – Park Chan-wook , Ko Dae-seok

“La chica tranquila” – Colm Bairéad, Cleona Ní Chrualaoí

Mejor Documental: “Navalny” – Daniel Roher, Diane Becker, Shane Boris, Melanie Miller, Odessa Rae

“All That Breathes” – Shaunak Sen, Teddy Leifer, Aman Mann

“All The Beauty And The Bloodshed” – Laura Poitras, Howard Gertler, Nan Goldin, Yoni Golijov, John Lyons

“Fire Of Love” – Sara Dosa, Shane Boris, Ina Fichman

“Moonage Daydream” – Brett Morgan

Mejor Película Animada: “Guillermo del Toro's Pinocchio” – Guillermo Del Toro, Mark Gustafson, Gary Ungar, Alex Bulkley

“Marcel The Shell With Shoes On” – Dean Fleisher Camp, Andrew Goldman, Elisabeth Holm, Caroline Kaplan, Paul Mezey

“Puss in Boots: Last Wish” – Joel Crawford, Mark Swift

“Turning Red” – Domee Shi, Lindsey Collins

Mejor Director: “All Quiet On The Western Front” – Edward Berger

“The Banshees Of Inisherin” – Martin Mcdonagh

“Decision To Leave” – Park Chan-wook

“Everything Everywhere All At Once” – Daniel Kwan, Daniel Scheinert

“Tár” Todd Field

“ La mujer rey” – Gina Prince-bythewood

Mejor Guion Original: “The Banshees Of Inisherin” – Martin Mcdonagh

“Everything Everywhere All At Once” – Daniel Kwan, Daniel Scheinert

“The Fabelmans” – Tony Kushner, Steven Spielberg

“Tár” – Todd Field

“Triangle Of Sadness” – Ruben Östlund

Mejor Guion Adaptado: “All Quiet On The Western Front” – Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell

“Living” – Kazuo Ishiguro

“The Quiet Girl” – Colm Bairéad

“She Said” – Rebecca Lenkiewicz

“The Whale” – Samuel D. Hunter

Mejor Actriz Principal: Cate Blanchett – “Tár”

Viola Davis – “The Woman King”

Danielle Deadwyler – “Till”

Ana De Armas – “Blonde”

Emma Thompson – “Good Luck To You, Leo Grande”

Michelle Yeoh – “Everything Everywhere All At Once ”

Mejor Actor Principal: Austin Butler – “Elvis”

Colin Farrell – “The Banshees Of Inisherin”

Brendan Fraser – “The Whale”

Daryl McCormack – “Buena suerte, Leo Grande”

Paul Mescal – “Aftersun”

Bill Nighy – “Living”

Mejor Actriz de Reparto: Kerry Condon – “The Banshees Of Inisherin”

Angela Bassett – “Black Panther: Wakanda Forever”

Hong Chau – “The Whale”

Dolly De Leon – “Triangle Of Sadness”

Jamie Lee Curtis – “Everything Everywhere All At Once”

Carey Mulligan - "She said"

Mejor Actor de Reparto: Barry Keoghan – “The Banshees Of Inisherin”

Brendan Gleeson – “The Banshees Of Inisherin”

Ke Huy Quan – “Everything Everywhere All At Once”

Eddie Redmayne – “The Good Nurse”

Albrecht Schuch – “All Quiet On The Western Front”

Michael Ward - "Imperio de la luz"

Mejor Banda Sonora: “All Quiet On The Western Front” – Volker Bertelmann

“Babylon” – Justin Hurwitz

“The Banshees Of Inisherin” – Carter Burwell

“Everything Everywhere All At Once” – Son Lux

“Guillermo Del Toro's Pinocchio” – Alexandre Desplat

Mejor Casting: “Elvis” – Nikki Barrett, Denise Chamian

“Aftersun” – Lucy Pardee

“All Quiet On The Western Front” – Simone Bär

“Everything Everywhere All At Once” – Sarah Halley Finn

“Triangle Of Sadness” – Pauline Hansson

Mejor Cinematografía: “All Quiet On The Western Front” – James Friend

“The Batman” – Greig Fraser

“Elvis” – Mandy Walker

“Empire Of Light” – Roger Deakins

“Top Gun: Maverick” – Claudio Miranda

Mejor Edición: “Everything Everywhere All At Once” – Paul Rogers

“All Quiet On The Western Front” – Sven Budelmann

“The Banshees Of Inisherin” – Mikkel EG Nielsen

“Elvis” – Jonathan Redmond, Matt Villa

“Top Gun: Maverick” – Eddie Hamilton

Mejor Diseño de Producción

“All Quiet On The Western Front” – Christian M. Goldbeck, Ernestine Hipper

“Babylon” – Florencia Martin, Anthony Carlino

“The Batman” – James Chinlund, Lee Sandales

“Elvis” – Catherine Martin, Karen Murphy, Bev Dunn

“Guillermo del Toro's Pinocchio” – Curt Enderle, Guy Davis

Mejor Diseño de Vestuario: “Babylon” – Mary Zophres

“All Quiet On The Western Front” – Lisy Christl

“Amsterdam” – JR Hawbaker, Albert Wolsky

“Elvis” – Catherine Martin

“Mrs. Harris goes to París” – Jenny Beavan

Mejor Maquillaje y Peinado: “Elvis” – Jason Baird, Mark Coulier, Louise Coulston, Shane Thomas

“All Quiet On The Western Front” – Heike Merker

“The Batman” – Naomi Donne, Mike Marino, Zoe Tahir

“Roald Dahl's Matilda The Musical” – Naomi Donne, Barrie Gower, Sharon Martin

“The Whale” – Anne Marie Bradley, Judy Chin, Adrien Morot

Mejor Sonido: “All Quiet On The Western Front” – Lars Ginzsel, Frank Kruse, Viktor Prášil, Markus Stemler

“Avatar: The Way Of Water” – Christopher Boyes, Michael Hedges, Julian Howarth, Gary Summers, Gwendoyln Yates Whittle

“Elvis” – Michael Keller, David Lee, Andy Nelson, Wayne Pashley

“Tár” – Deb Adair, Stephen Griffiths, Andy Shelley, Steve Single, Roland Winke

“Top Gun: Maverick” – Chris Burdon, James H. Mather, Al Nelson, Mark Taylor, Mark Weingarten

Mejor Efectos Visuales Especiales: “Avatar: The Way Of Water” – Richard Baneham, Daniel Barrett, Joe Letteri, Eric Saindon

“All Quiet On The Western Front” – Markus Frank, Kamil Jafar, Viktor Müller, Frank Petzoid

“The Batman” – Russell Earl , Dan Lemmon, Anders Langlands, Dominic Tuohy

“Everything Everywhere all at Once”: Benjamin Brewer, Ethan Feldbau, Jonathan Kombrinck, Zak Stoltz

“Top Gun: Maverick”: Seth Hill, Scott R. Fisher, Bryan Litson, Ryan Tudhope

Mejor Cortometraje Animado Británico: “The Boy, The Mole, The Fox And The Horse” – Peter Baynton, Charlie Mackesy, Cara Speller, Hannah Minghella

“Middle Watch” – John Stevenson, Aiesha Penwarden, Giles Healy

“Your Mountain Is Waiting” – Hannah Jacobs , Zoe Muslim, Harriet Gillian

Mejor Cortometraje Británico: “An Irish Goodbye” – Tom Berkeley, Ross White

“The Ballad Of Olive Morris” – Alex Kayode-kay

“Bazigaga” – Jo Ingabire Moys, Stephanie Charmail

“Bus Girl” – Jessica Henwick, Louise Palmkvist Hansen

“A Drifting Up” – Jacob Lee

Premios Estrella en Ascenso de EE: Emma Mackey

Aimee Lou Wood

Daryl Mccormack

Naomi Ackie

Sheila Atim

Crítica Cinéfila: Modelo 77

Barcelona, 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 10 y 20 años, un castigo desproporcionado para la cuantía de su delito. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes que se está organizando para exigir una amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo.

Modelo 77 es un duro drama penitenciario español que se convierte en una desahogo de rabia en el pasado, proyectado por Alberto Rodríguez, el director y coguionista. El nativo de Sevilla también hizo el inquietante policía Marshland (2014) y hay similitudes aquí en la captura de un país que intenta dar pasos vacilantes hacia la democracia después de la muerte de Francisco Franco a finales de 1975. La historia de reclusos brutalmente abusados que se unieron a la amnistía al final de un régimen que encarceló a las personas que no le gustaban, desde comunistas hasta homosexuales, y tiraron las llaves de las celdas para nunca ser liberados, tiene un sentimiento de hambre en su representación de una horrible injusticia, aún siendo una película de cárcel convencional en otros aspectos.

Modelo 77 seguro tuvo una fuerte resonancia en España al momento de estrenarse, ya que el país continúa enfrentándose directamente a su pasado reciente. Las escenas de brutalidad y abortos espontáneos en un sistema que ha sido amañado por la élite gobernante en un miserable estado policial proporcionan tanto drama como emoción. De la mano del Director de fotografía, Alex Catalan, Rodríguez logra la hazaña inesperada de hacer que este drama enjaulado sea visualmente impresionante: la prisión Modelo de Barcelona, cerrada en 2017 y ahora un hito histórico, es un obsequio al departamento de localización que la producción está feliz de seguir utilizando.

Es un hecho que un drama de prisión eventualmente se adicionara en un par de compañeros de celda, pero Rodríguez se toma su tiempo para presentar primero a su personaje principal. El orgulloso joven contador Manuel (Miguel Herrán) ha sido encarcelado después de una acusación de fraude por parte de su jefe y no hay esperanza de un juicio inmediato. Desde el principio, Manuel se niega a inclinarse ante los "blisters", los guardias de la prisión que la dirigen como les plazca. Se aferra a su elegante traje de solapa ancha, a pesar de que le cuesta un colchón durante sus primeras dos semanas de aislamiento obligatorio de "desinhabilitación", donde es devastado por insectos, desarrolla un absceso y hace su primera queja formal, lo que lo marca para un castigo aún más brutal.

Es solo una pequeña señal de lo que está por venir, y las condiciones empeorarán a medida que los guardias intenten romper su espíritu. Con una espera de cuatro años incluso para un juicio, el único visitante de Manuel, y la única mujer de la película, es Lucía (Catalina Sopelana), la hermana de su exnovia. Es su única oferta de amistad en el mundo, pero él la rechaza con orgullo. Tampoco va a ceder a los guardias, aunque su continuo desafío será similar al autosabotaje. Manuel es finalmente entregado a su celda, a través del desafortunado El Negro (Jesús Carroza) y el cerrado gruñón  Pino (Javier Gutiérrez).

Manuel decide unirse a la naciente Asociación de Derechos de los Prisioneros, mientras que Pino mira con escepticismo desde sus libros de ciencia ficción y su posición de seguridad. Unas palizas de muerte y castigo llevadas a cabo con impunidad eventualmente llevarán a Pino a apoyar a su compañero de celda, a medida que los disturbios de las prisiones y la estructura de poder se tuercen y se encien.

Inspirado en eventos de la vida real, como ilustran los créditos posteriores a la película, Modelo 77 comienza en 1976, algunos meses después de la muerte de Franco, y termina en 1978, con la esperanza de que es difícil de llegar. El llamativo trabajo de cámara de Catalán se enriquece con todas las recreaciones de esas reclamaciones por la amnistía, como la protesta en el techo que es un punto culminante tanto narrativo como visual, y el fantástico vestuario mantiene una atención en la lucha física por la que pasan los protagonistas de esta historia, reflejando las constantes palizas en la esperanza de los prisioneros que se aplastan despiadadamente. 

Pero quienes verdaderamente se la lucen en esta historia son sus talentos, rostros experimentados en historias de reclamos por justicia, y aquí el experto parece ser Miguel Herrán. Por primera vez, después de años viéndolo como el niñato de Río (La Casa de Papel) y el chulo de Christian en Élite, Herrán interpreta a un personaje mucho más sombrío y maduro, y el clima de la cárcel le da un espacio para explotarse como un actor serio de alto calibre para una visión distinta de los personajes que ya había interpretado.

Los últimos 20 minutos de un tiempo de ejecución de casi dos horas cumplen la larga promesa de suspenso de que sí hay luz al final del túnel. La película vive anunciando que hay un futuro, pero literalmente tienen que taladrarlo por sí mismos. Sin ánimos de dar spoiler, la lucha vale la pena, el twist final es bastante inesperado, y el mensaje es dolorosamente necesario. Una imagen recurrente, vista desde la ventana de la celda, es un signo de neón brillante que insta a "saltar al color"; puede parecer un simple detalle, pero encapsula la visión de Rodríguez de una España que intenta avanzar, hacia la luz.

Crítica Cinéfila: El Castigo

Ana y Mateo buscan desesperadamente a su hijo que se les ha perdido en un frondoso bosque junto a la carretera. Mientras comienza a anochecer y aun con la ayuda de la policía siguen sin poder encontrar al pequeño Lucas que parece haber sido tragado por este hermoso pero amenazante bosque. El suspenso por la búsqueda de su hijo y la intriga de si logrará aparecer los lleva a Ana y Mateo a replantearse su amor, sus vidas y sus propios roles en la familia.

No soy madre, pero imagino lo caótico que puede ser en ocasiones, tan caótico cómo provocar que muchas mujeres se cuestionen si realmente desean serlo (personalmente, aún estoy en la lista de las que quieren independientemente del caos). Justo antes de ver esta película pasó una gran coincidencia donde una amiga y yo discutíamos sobre esa libertad de elección que debe de tener una mujer en cuanto a ser madre: si es justificable que se convierta en una solo porque su pareja es quien realmente anhela la gran fase de la paternidad, o si socialmente ya es aceptable que una mujer simplemente diga "no quiero ser madre". Se imaginarán nuestra sorpresa cuando nos dimos cuenta que ese era el gran tema del último largometraje de Matías Bize, titulado "El Castigo".

Antonia Zegers interpreta a Ana, una mujer de mediana edad que está varada en el medio de la carretera junto a su esposo Mateo (Néstor Cantillana) cuando su hijo de 7 años se desaparece en los adentros del bosque que los rodea. Lo que al principio parecería como un simple accidente va desmembrando la realidad que se oculta detrás de la preocupación pasiva de Ana y la intensidad de Mateo. Su hijo sí ha desaparecido, pero no por las razones que ellos quieren hacer creer. Por un lado, Mateo muestra un gran arrepentimiento por haber dejado a su hijo en medio de la carretera cuando, en lugar de que se viese como un castigo por el berrinche que hizo, se observa como una negligencia parental de parte de ambos. Por otro lado, Ana se muestra tranquila, buscándolo con gran calma, casi con poco interés en la situación, justificando que su hijo le guarda un gran resentimiento a pesar de sus grandes sacrificios e inversiones por dedicarle atención. 

No hay muchos personajes, pero los que sí están juegan roles muy importantes. Una vez se involucran algunos adicionales, como una agente de la policía forestal que es localizada después de haber pasado 10 minutos de la desaparición del niño, o la madre insistente de Ana quien llama para saber cuánto tiempo les falta por llegar, las demás verdades salen a la luz, las emociones de Ana explotan y muestra su verdadero sentir por la situación.

El título como tal apunta directamente a esa misma ideología de que una mujer que se convierte en madre por complacer a otros y no porque sea un anhelo personal, ve la maternidad y hasta las acciones de su propio hijo como un castigo por el amor maternal ausente dentro de ella. Sin embargo, es más que un castigo contra la madre; esta historia desglosa que no solo sale afectada esa madre renegada, sino también los hijos que crecen con recelo hacia sus padres, o la otra figura paterna que no se da cuenta de la herida que igualmente ha provocado. Asimismo, otras personas que giren directa o indirectamente en torno a la vida de esa madre son afectados por esa creencia de que "una mujer siempre debe convertirse en madre". 

Pero la belleza del desarrollo narrativo de esta película no solo yace en su potente mensaje y temática, también vive en una cinematografía ambiciosamente realizada en un único plano secuencia, donde el director de fotografía, Gabriel Díaz (fiel acompañante de Bize, pues ya este sería su 6ta película juntos), convierte a la cámara en un personaje más deambulando detrás de Ana y Mateo, pero también se percibe como las emociones de ambos, representando la calma de Ana en momentos puntuales, y la inquietud de su andar cuando se adentra al bosque en búsqueda de su hijo. Es impresionante cómo logran el balance idóneo entre la fotografía, la iluminación y un sonido natural que recoge el silencio de su escenografía realista, haciendo contraste con las fuertes miradas que se lanzan los personajes y sus discusiones que retumban en todo el alrededor abandonado.

Si las miradas mataran, esta película hubiese aniquilado a muchos dentro de ella; pero si igualmente hablaran todo lo que a veces no se debería decir, hubiese contado grandes desahogos. Algunos encuentros puntuales eran muy importantes para la historia, para así darle resiliencia y libertad a personajes como el de Ana, donde su objetivo no se plasma en la pantalla hasta que de cierto modo lo alcanza y lo hace a modo de revelar una verdad necesaria de vociferar. Pero a pesar de los silencios necesarios y las ojeadas fulminantes, las palabras cuentan realidades que no son muy fáciles de digerir pero que son necesarias de pronunciar, y sobre todo de reiterar que hay derechos que todas las mujeres deben poseer, incluyendo el de elegir no ser madre.

Crítica Cinéfila: Los Reyes del Mundo

Una historia sobre la desobediencia, la amistad y la dignidad que existe en la resistencia. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano. Cinco chicos de la calle de Medellín. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Un cuento subversivo a través de un clan salvaje y entrañable, que transita entre realidad y delirio. Un viaje hacia la nada, donde pasa todo.

La historia del héroe ha sido la más establecida por la industria, pero cuando se trata de un héroe conmocionado, involucrado y, de paso, motivado a alcanzar a su objetivo, independientemente de las barreras que surjan en el camino, la trama siempre toma giros impredecibles, porque estos son los que provocan que la película completa evolucione, que cambie de arquetipos, tropos y hasta géneros, mientras acompañamos a nuestros protagonistas, generando una empatía y una conexión entre personaje y audiencia que es muy difícil de romper aún después de que los créditos rueden hasta el final, porque nos deja pensando en esa situación y sus luchadores.

Los Reyes del Mundo trata sobre luchadores reales, con actores naturales, donde Ra (Carlos Andres Castañeda) es un joven que finalmente le han llegado la carta del Estado donde le avisan que las tierras que alguna vez pertenecieron a su abuela y se les arrebataron por las bandas paramilitares, ahora se les serán restituidas, por lo que deben viajar hacia otro pueblo donde oficialmente recibirá la tierra prometida. La historia que comienza en un Medellín complejo, donde solo se explora la cara de la pobreza y el méndigo entre edificios que se nota han pasado por todo tipo de personas, moteles de mala muerte, mercadillos callejeros informales y peleas a machete, nuestro protagonista se embarca en un viaje de carretera hacia las zonas rurales de Colombia, en compañía de sus fieles amigos, que claramente son la única familia que él mantiene. 

Laura Mora Ortega (Brotherhood, Antes del fuego, Matar a Jesús) desarrolla esta historia recurriendo una vez más a personas reales en lugar de actores metódicos, con el propósito de reflejar la crueldad y naturaleza humana que vive esta clase social colombiana. No solo se reinvindica como directora, demostrando que el talento actoral requiere primordialmente una buena guía directorial y no específicamente experiencia actoral, pero a su vez le permite a la audiencia ser testigo del brillo natural de lucha que vigorizan sus personajes, donde parecería que lo viven o lo han vivido en su mundo ordinario, y esto es más un testimonio o una recreación de hechos que han ocurrido.

Un tema que la película retrata de una manera inesperada es esa ausencia de una figura maternal y paternal, mostrando a ciertas figuras igualmente marginadas (como las prostitutas de un burdel y un nómada de las montañas) con un gran interés por proteger a estos jóvenes, aún cuando los jóvenes no lo están pidiendo. Pero en lo que más se embarca es en la lucha de un particular que parece ser el vocero del sentir del pueblo. La realidad es que la trama no se aleja de lo que parece mantenerse latente en este país que no hace mucho tiempo fue altamente guerrillero, y el uso de palabras claves y elementos simbólicos provoca a cualquiera indagar más allá de lo que la película desenmascara. Los actos de crueldad, secuestro, racismo, desmoralización y provocación son el diario vivir de nuestros personajes, y ellos parecen no temerle ni a la misma muerte, mucho menos a pelear a puños por lo que ellos saben que les pertenece.

La cinematografía glorificada de David Gallego crea el balance perfecto entre esos sonidos naturales del ambiente, y el discurso cortante y a su vez poético que clama los grandes reclamos del pueblo: las injusticias a las que han sobrevivido y las perdidas humanas de las cuales han sido testigos. Aunque la historia hace un esfuerzo por mantenerse lo más cercano a la realidad posible, tiene un toque de realismo mágico en momentos muy necesarios para comprender el estado emocional de nuestros luchadores. Esa escena del terrenal, rodeado de personas que físicamente ya no estaban allí o su conversación con una pareja que vivía en una casa donde parecía que ya nadie habitaba, solo son algunas de esas alegorías de abandono y desaparición propia de manera forzada.

Casi siempre, las películas sobre héroes movidos por sus objetivos sobrepasan sus límites. Llevan a su audiencia a estados emocionales inesperados. Provocan una reflexión humana que siempre es necesaria, aún en el siglo XXI donde se supone esto no debería seguir ocurriendo. Una vez más, Mora muestra la crudeza y crueldad del mundo que la rodea en una Colombia que parece inexistente para quienes no la conocen tan directamente, donde el surrealismo y su diálogo poético son en realidad alegorías de los gritos desesperados de toda una nación.

Crítica Cinéfila: Aftersun

Sophie reflexiona sobre la alegría compartida y la melancolía privada de unas vacaciones que hizo con su padre, 20 años atrás. Los recuerdos reales e imaginarios llenan los espacios entre las imágenes mientras intenta reconciliar al padre que conoció con el hombre que no conoció. 

Siempre hay una resaca de melancolía incluso en las vacaciones de verano más idílicas que hemos tenido. Cada día feliz que pasa es otro más cercano a su final y a la sombra de la vida normal que se reanuda, con su trabajo, escuela, obligaciones domésticas y rutina ya establecida, dejando de lado las personalidades más libres y relajadas que adoptamos fuera de casa; todo esto se cierne junto a nuestro placer como un sombrío pronóstico del tiempo. Eso se convierte en un tema enriquecido para narrativa cinematográfica, ofreciendo a los personajes un escape y aventuras en un reloj inquieto. En “Aftersun”, para un joven padre depresivo en un resort turco con su hija preadolescente, la presión de maximizar ese tiempo fuera de la realidad solo acerca la realidad. El sensual y conmovedor debut muestra que ninguna cantidad de tiempo en la piscina, bebidas afrutadas y bailes de Macarena pueden mantener a raya el pasado o el futuro.

Entre las primeras películas más nítidas y confiadas que surgieron del cine independiente británico en los últimos tiempos, "Aftersun" confirma la promesa astuta y angulosa de los cortos de Wells, que colocaron a la escocesa en el mapa en festivales, y le aseguró algunos colaboradores envidiables para su cambio a los largometrajes, con Barry Jenkins y Adele Romanski entre los productores de la película. Su participación impulsará significativamente el perfil internacional, al igual que la presencia de la estrella irlandesa Paul Mescal, ganador de un BAFTA por su papel destacado en la serie de televisión "Normal People", y aquí demostrando ser un actor convincente, probando una ansiosa e incómoda segunda cara de su encanto casual y juvenil.

No es que sea un centro de atención en solitario: "Aftersun" gira en torno a un dúo notable entre Mescal y Frankie Corio como un padre soltero y una hija que revelan nuevas y vulnerables facetas de sí mismos en el transcurso de un paquete de vacaciones de mal gusto al final del siglo XXI. Calum (Mescal), un irlandés de 30 años, suele ser tomado por el hermano mayor de su curiosa hija Sophie (Corio) y, por supuesto, hay un toque de complicidad entre hermanos en su relación, con sus chistes extraños compartidos, perdiendo la comodidad conversacional entre ellos y la resistencia mutua a la tradición patriarcal. Como vive en Londres, Calum también es un padre irregular de Sophie, que vive en Glasgow con su madre; la relación pasada de sus padres evidentemente es una historia antigua.

Eso le da una urgencia adicional al viaje que Calum ha reservado para ellos en un resort mediterráneo orientado a la familia, poblado casi en su totalidad por británicos rebuznantes y quemados por el sol: como un período poco común de tiempo sostenido entre padre e hija, es una oportunidad para que tanto Calum como Sophie se demuestren entre sí, mostrando sus responsabilidades y capacidades, respectivamente. Y en su mayor parte, se divierten, ya sea tomando el sol juntos, jugando al billar, burlándose del cursi entretenimiento interno o jugando con una videocámara que, ocasionalmente, captura accidentalmente a Calum en un reposo más melancólico. El tenso guión de Wells nos cuenta poco de su vida fuera del presente inmediato, salvo algunos momentos solitarios que inciden a algo más.

Perspicaz, si no demasiado precoz, Sophie nota algunos de los cambios de humor de su padre, pero se distrae con sus propios dolores de crecimiento. Los chicos están mostrando interés en ella por primera vez, mientras que ella está desarrollando la vacilante timidez de cualquier niño que se precipita hacia la adolescencia, dejando de lado algunas cosas infantiles pero no otras, con un efecto disonante. Con el padre y la hija enfrentándose en privado a sus propios miedos de envejecer, existe la sensación de que es posible que nunca vuelvan a compartir esta tranquilidad inocente y alegre. "Aftersun" funciona así elegantemente como una especie de estudio dual sobre la mayoría de edad, servido perfectamente por la marca distintiva de dulzura de Mescal (aquí se muestra madurando y arrugándose hacia una masculinidad más endurecida y problemática) y la vitalidad de Corio, cuya hábil y encantadora actuación entrelaza tanto la auténtica exuberancia como una feminidad que se siente más interpretada, como si fuera en beneficio de su padre. En una escena extraordinaria, sus inseguridades se filtran durante una valiente interpretación de karaoke de "Losing My Religion" de REM: tres minutos que parecen envejecerla tres años.

Es uno de varios estándares de la radio británica de los 90 que llenan la banda sonora de "Aftersun", desde el rasposo indie rock de Blur y Catatonia hasta el ritmo pop acaramelado de All Saints. Sin embargo, hay más en el ambiente cálido del verano de 1999 de esta película (inmaculadamente evocado por los lentes de colores primarios y ligeramente desteñidos  de Gregory Oke, así como por la astuta producción y el diseño de vestuario), hay un recuerdo vacío: esta nostalgia. Las fallas temporales y los flashbacks breves e inespecíficos siguen irrumpiendo en el tiempo de vacaciones, mientras Wells y el editor Blair McClendon repiten oblicuamente los procedimientos tanto de regreso a los días más despreocupados de Calum, como a la edad adulta de Sophie al borde de los 30, dibujando una línea difusa entre la angustia de padre e hija.

Nos queda colorear en las décadas intermedias, aunque es difícil no asumir que el tiempo ha traído una mayor distancia y una comprensión tardía de esta relación. De manera ambiciosa y conmovedora, "Aftersun" explora el abismo extrañamente íntimo entre padre e hija, la última siempre jugando a ponerse al día con la vida interior del primero, excepto en las breves ocasiones, como, por ejemplo, unas vacaciones de verano, cuando ambos pueden ser niños por un momento.