Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Ant-Man and the Wasp - Quantumania

Scott Lang y Hope Van Dyne, junto con Hank Pym y Janet Van Dyne, exploran el Reino Cuántico, donde interactúan con extrañas criaturas y se embarcan en una aventura que va más allá de los límites de lo que creían posible.

Junto con la primera película de Iron Man, Capitán America: Civil War y Avengers: Endgame, las dos primeras aventuras independientes de Ant-Man siempre se sintieron como Marvel en su forma más original. ¿Por qué? Nada que ver con sus historias o efectos: todo se reducía a que ellos habían ido cuidadosamente sintonizándose con los talentos particulares de su protagonista. 

Al igual que Robert Downey Jr. tenía su suavidad de hablar y Chris Hemsworth sus habilidades cómicas fornidas, Paul Rudd era el Vengador común, afable y tambaleante: el tipo pequeño que estaría a la altura del momento, o más a menudo se encogería ante él, en tiempos de crisis. De todos modos, esa estrategia consagrada por el tiempo no se ve por ninguna parte en esta tercera entrega genérica y lujosa, en la que la mayor parte del encanto considerable de Rudd y esos ingeniosos cambios de escala del mundo real se turban: piense en la batalla del juego de trenes que rinde homenaje a Aardman del original de 2015, o la persecución de autos en San Francisco de la secuela de 2018, con sus vehículos bajando rápidamente hasta el tamaño de Hot Wheels, todo esto se borra para dar paso a otra explosión de dos horas de la inagotable manguera multicolor de Marvel.

En esta última aventura, Scott Lang de Rudd (alias Ant-Man), Hope Van Dyne de Evangeline Lilly (alias The Wasp) y la hija de Scott, Cassie (Kathryn Newton) son absorbidos por el reino cuántico: un "universo debajo de nuestro universo”, y el lugar de residencia actual del malvado Kang the Conquerer, el último supervillano de la franquicia. 

Para los fanáticos, la llegada de Kang (Jonathan Majors) marca el comienzo de las Fases Cinco y Seis del proyecto de contenido audiovisual de Marvel: 10 películas más y cinco series más de Disney+ para ayudarnos a lo largo del próximo tres años. Pero en lo que respecta a la película en cuestión, solo significa otra porción gigante de lodo digital que dobla las dimensiones, servido con la advertencia habitual del multiverso de que cada avance que la trama puede dar, probablemente será anulado o revertido en las escenas de mitad de créditos.

Así que tenemos un montón de Rudd, Lilly y Newton, junto con el regreso de Michael Douglas y Michelle Pfeiffer, teniendo conversaciones forzadas en varios paisajes de fantasía con pantalla verde, o reaccionando a cualquier monstruo o nave espacial o convulsionando lo verde y púrpura que pasa por encima.

El problema no es que las uniones entre los mundos de carne y hueso y los generados por computadora sean siempre obvios: a veces lo son; a veces no lo son. Es que el tipo de narración con el que se alinea este enfoque tecnológico es impersonal, emocionalmente vacío y, a menudo, bordea la falta de sentido. Por ejemplo, Janet van Dyne de Pfeiffer descubre el malvado plan de Kang no sacándolo hábilmente, o colándose de manera emocionante en su base, sino a través de una visión cuando toca el casco de su nave espacial psíquica. 

Estas cosas pueden empujar la trama, pero no es tan divertido cómo lo proyectan, y tiene la sensación de que la película es culpablemente consciente de ello. La falta de placer en la escritura se ve compensada, o tal vez ahogada, por las imágenes arduamente excéntricas: muchos diseños de criaturas excéntricas que trabajan muy duro para recordar Star Wars (incluso hay una escena de cantina, con el muy promocionado Bill Murray), así como una batalla culminante que se asemeja a esos nuevos juegos en los que el jugador tiene que acabar con una horda que avanza sin cesar. Para una franquicia que necesita refrescarse, es cualquier cosa menos un salto cuántico.

Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Crítica Cinéfila: On the Rocks

Una madre joven (Rashida Jones) reconecta con su padre (Bill Murray), un playboy de cierta fama, a través de una serie de aventuras con la ciudad de Nueva York como escenario. 

Rashida Jones interpreta a una autora de Nueva York plagada de bloqueos narrativos y preocupaciones matrimoniales, con Bill Murray como el padre playboy que trata de ayudarla en la comedia de Sofia Coppola. Distinguida por su irónico punto de vista femenino, la inteligente y desenfadada comedia de Coppola sobre un matrimonio que puede estar en problemas y un padre entrometido que interviene para salvarlo o destruirlo se siente mucho más realista en todo lo que conlleva la palabra romance. Esta es la tercera colaboración de Coppola con Murray, después de Lost in Translation y el especial navideño A Very Murray Christmas. Hay aspectos de su trabajo en ambos proyectos en su divertida caracterización aquí como Félix, un operador irresistible que ha hecho una fortuna como curador de arte de alto nivel.

La hija de Félix, Laura (Jones), tiene una relación complicada con su padre, un bon vivant que todavía mantiene una energía y ambiente de séducteur suave con cada mujer atractiva que encuentra. En un fragmento de diálogo de la infancia de Laura que se escuchó en la apertura, él le dice: "Recuerda, no le des tu corazón a ningún chico. Eres mía hasta que te cases. Y entonces seguirás siendo mía". Él continúa tratándola como su pequeña niña, e incluso en sus treinta y tantos años, ella encuentra algo de seguridad en eso mientras al mismo tiempo frunce el ceño ante las actitudes pasadas de moda de los hombres de su generación.

Laura hace mucho tiempo que formó su propia familia, con su esposo Dean (Marlon Wayans) y sus dos adorables hijas, Maya (Liyanna Muscat) en edad de escuela primaria y el niño Theo (interpretado por las gemelas Alexandra y Anna Reimer). Pero la vida doméstica en su fabuloso apartamento de SoHo está sofocando su sentido propio y su creatividad, a juzgar por la falta de progreso en el proyecto de un libro. Cuando Dean regresa de un viaje de negocios a Londres todavía alejado del Xanax que tomó en el vuelo, Laura interpreta su distracción durante un momento romántico como una señal de que la confundió con alguien más. Sus noches en la oficina, la renuencia a comprometerse con un alquiler de vacaciones de verano y una bolsita personal de una mujer que encuentra en su equipaje, alimentan el temor de Laura de que Dean esté teniendo una aventura.

Coppola observa el malestar de Laura con una mirada divertida y hastiada por el ensimismamiento de los neoyorquinos adinerados. Su rostro es un nudo de preocupación mientras deja a Maya en la escuela y soporta la charla de las otras madres. En un momento de vulnerabilidad del que se arrepentirá, Laura confía en su padre, quien valida sus dudas sobre Dean, basándose únicamente en su conocimiento de primera mano de la aversión natural de los hombres por la monogamia. "El brazalete es un recordatorio de que las mujeres alguna vez fueron propiedad de los hombres", le dice Felix mientras valora el regalo de Dean en su muñeca.

Ésta es una de las muchas observaciones culturales que, en el discurso a la vez irónico y sincero de Murray, son aparentemente eruditas, pero flagrantemente desincronizadas con la política de género del siglo XXI. Su relato del desarrollo evolutivo de la forma femenina clásicamente deseable es una joya hilarante de misterios históricos filtrados a través de la perspectiva deformada de la mirada masculina. Coppola se divierte mucho explorando el conflicto entre el afecto padre-hija y las divisiones de actitud marcadas, ayudada inconmensurablemente por la entretenida química entre Jones y Murray.

Las opiniones irreconciliables de Félix sobre los roles masculinos y femeninos son evidentes en una escena divertida con sus abrumadas nietas, en la que Laura llega a casa y descubre que él les ha estado enseñando a barajar cartas y a fanfarronear "y que las niñas deben llevar el pelo largo y bonito, cómo a los chicos les gusta". Más tarde, en un bar, confiesa que podría estar quedando sordo: "Puedo escuchar todo bien excepto las voces de mujeres. Creo que es el tono". Félix, al hacerse cargo de su posible dilema matrimonial ignorando las objeciones de Laura, sugiere al principio movimientos de investigación estándar como revisar el teléfono de Dean. Pero cuando eso no resulta nada concluyente, él la convence de que la situación requiere un trabajo de detective.

En una escena que consolida por completo la deuda que On the Rocks tiene con los sofisticados misterios de comedia de Hollywood de las décadas de 1930 y 1940, Felix insiste en que sigan a Dean a una cena de la empresa. Su idea de permanecer de incógnito es dejar su automóvil habitual y su conductor en casa, convirtiendo la noche en una aventura al recoger a Laura en un descapotable rojo vintage con un par de binoculares y bocadillos de caviar y champán. Lo que evita que todo este alegre privilegio se vuelva desagradable, paradójicamente, es el reconocimiento guiñoso de Coppola de que se basa en una experiencia mimada, no en un materialismo codicioso. La escritora y directora equilibra la desaprobación con la admiración resignada por la propiedad de Félix de la ciudad de Nueva York, de hecho, quizás del mundo entero, como su patio de recreo personal. El retrato inevitablemente sugiere elementos del propio padre de Coppola y sus amistades. La película cambia gratamente a un modo de travesura en toda regla cuando Dean anuncia que se va de viaje de empresa a un balneario mexicano y Félix insiste en que lo sigan, lo que resulta en un descubrimiento humillante para Laura.

A lo largo del guión, Coppola agrega elegantemente preguntas sobre la capacidad de los hombres para ser fieles y los compromisos que se esperan de las mujeres para hacer que el matrimonio funcione. Estas observaciones a menudo se intercambian en los lujosos salones del Upper East Side o en los lujosos clubes de cenas, bares y restaurantes que son los lugares de reunión de Felix, donde invariablemente conoce a los camareros por su nombre y, a menudo, se encuentra con una amiga . Incluso antes de que las fotografías mostradas en el apartamento de Felix revelen tomas de él con Andy Warhol y Barack Obama, está claro que se mezcla en círculos muy influyentes.

La cámara de Philippe Le Sourd saborea los ambientes elegantes con un deleite que será elixir para cualquiera de nosotros que alguna vez anhelara la alta vida de Nueva York. Quizás aún más embriagadoras son las numerosas tomas de calles y rascacielos por la noche, brillando con una majestuosidad desafiante que parece una vida alejada del actual estado triste y medio gastado de la ciudad. El flujo sedoso de la edición de Sarah Flack se siente de manera similar exuberante. La música es siempre una parte clave de la estética de Coppola. Su toque ligero y ritmos de jazz seguro encontrarán muchos admiradores. Dirige la acción a geniales pistas electrónicas moviendo ocasionalmente estándares de jazz y pop. Un punto culminante entre ellos es Félix dando una serenata a los invitados reunidos en un bar de playa con "Mexicali Rose", un interludio tonto y dulce que desgasta nuestra paciencia tanto como la de Laura.

Hay una cualidad encantadora y no forzada en la forma en que las ansiedades de Laura sobre su matrimonio se entrecruzan con sentimientos no resueltos sobre la infidelidad de su padre hace mucho tiempo que aplastó emocionalmente a su madre y destrozó a su familia. Mientras Félix reflexiona sobre su necesidad de sentir una vez más ese brillo de atención renovada que se había desvanecido con el matrimonio y la paternidad, hay conmoción en su admisión tanto de su debilidad como de sus arrepentimientos. Murray rara vez ha estado mejor.

Wayans, un actor generalmente más conocido por sus amplios papeles de comedia, es un elenco inesperado como el esposo bajo sospecha; su manera suave como Dean nos mantiene adivinando mientras lo alentamos para que sea el bueno. Pero On the Rocks es en gran medida un padre e hija a dos manos: tierno y personal, secamente divertido e interpretado a la perfección por Jones y Murray. Su toque sin esfuerzo muestra a la consumada Coppola, que cambia de género y continúa expandiendo su rango.