domingo, 23 de enero de 2022

Crítica Cinéfila: Cyrano

Película que narra la vida de Cyrano de Bergerac, novelista y dramaturgo francés del siglo XVII.



El público inglés siempre ha preferido la historia trágica de Romeo y Julieta, pero en mi opinión, “Cyrano de Bergerac” de Edmond Rostand es la obra trágica más romántica. Para empezar, su tragedia no depende de la impaciencia y el suicidio de los adolescentes, sino de un afecto profundo y no correspondido durante mucho tiempo. Convencido de que su apariencia física no lo hace digno de su amada Roxanne, el caballeroso Cyrano no se atreve a expresar su ardor directamente y finalmente se lleva su secreto a la tumba. Y, sin embargo, la historia de Shakespeare sobre amantes desafortunados se cuenta una y otra vez infinitamente más a menudo que la de Rostand.

En aquellas ocasiones en que “Cyrano de Bergerac” se interpreta en el teatro, a menudo se le quita el verso o se interpreta para reír y hacer una farsa, mientras que la nueva y espléndida adaptación de Joe Wright presenta “Cyrano” como un musical dramático. Al reclutar a Bryce y Aaron Dessner de The National para componer las canciones, encantadoras y nostálgicas baladas pop para las cuales Matt Berninger y Carin Besser proporcionaron la letra, “Cyrano” restaura el sentido de la poesía de la obra. Al mismo tiempo, Wright, de nuevo en forma y evidentemente revitalizado por la pandemia, muestra una vez más el tipo de creatividad radical que hizo que "Pride and Prejudice" y "Atonement" fueran tan electrizantes en su época.

Con sus cámaras en picada y un diseño de producción más que deslumbrante, el estilo de Wright está más vivo que nunca, lo que le da un nuevo significado a la palabra "estilo". Pero incluso antes de que el director subiera a bordo, la escritora Erica Schmidt tuvo una epifanía: que podría reimaginar a Cyrano como un enano, y que no había actor más adecuado que su esposo, Peter Dinklage, para interpretar el papel principal (lo cual ya había hecho en una puesta en escena Off Broadway que ella dirigió). Hollywood puede haber tardado en reconocerlo, pero Dinklage realmente merece el estatus de actor principal, y aunque su voz para cantar deja mucho que desear, el guión personalizado de Schmidt aprovecha muchas de las fortalezas únicas de la estrella: es una carta de amor como la que Rostand sin duda aprobaría.

Aquí, la diminuta estatura de Dinklage cumple el mismo propósito que el schnoz de gran tamaño del personaje originalmente, otorgando a Cyrano una cualidad de extraño que debe compensar en exceso con su personalidad. Nuestro héroe ha sido llamado "fenómeno" tan a menudo que el insulto ha perdido su aguijón, y el manejo de la espada y el ingenio de Cyrano son tales que cualquier réplica seguramente resultará más cortante, como lo demuestra la película en su narración dinámica de la escena de apertura del teatro, en la que Cyrano hace su entrada extravagante. Interrumpe al actor a mitad del monólogo, luego procede a eclipsarlo con una batalla y duelo.

Como el amigo de confianza de Cyrano, Le Bret (Bashir Salahuddin), reconoce rápidamente, este tonto espectáculo ha sido en beneficio de una persona: Roxanne (Haley Bennett), que asiste con el poderoso pero desagradable Duque de Guiche (Ben Mendelsohn), rediseñado aquí como el tipo de rival que podríamos esperar encontrar en un cuento de hadas de Disney. Hay una buena razón para este cambio, que permite a Schmidt definir mejor el carácter de Roxanne desde el principio: "No soy la mascota de nadie, la esposa de nadie, la mujer de nadie", afirma desde el principio. Concedido la primera canción de la película, "Alguien para decir", Roxanne es más que el objeto abstracto del afecto de Cyrano, sino una mujer independiente que sabe lo que quiere, o al menos, cree que lo sabe, cuando se enamora de uno de los nuevos reclutas de Cyrano, Cristiano (Kelvin Harrison Jr.).

Pero Cyrano conoce el corazón de Roxanne quizás mejor que ella, y aunque se rompe cuando ella le cuenta sus sentimientos por Christian, promete proteger al joven recluta. Cyrano también se da cuenta de que sin su ayuda, el soldado inarticulado no tiene ninguna posibilidad de cortejar a Roxanne, por lo que se ofrece a escribir las cartas de amor que ella espera. El trato, como lo ve Cyrano: "Te haré elocuente, mientras tú me haces guapo". Y así comienza el cortejo más grande que jamás haya conocido el escenario, con Christian repitiendo el número anterior de "Alguien para decir", esta vez desde su perspectiva.

La trama de “Cyrano de Bergerac” es lo suficientemente conocida como para ahorrarse el relato, excepto para señalar que Wright se ha superado a sí mismo al idear formas originales e innovadoras desde el punto de vista cinematográfico para poner en escena el filme. Siempre ha habido algo un poco barroco en el estilo de Wright: un enfoque adornado y algo ostentoso además del vestuario, los escenarios y cualquier coreografía elaborada que la cámara pueda estar haciendo contribuyen al placer general que obtenemos al verlo. En “Anna Karenina”, todo se volvió demasiado molesto. Pero ahora se ha recuperado y no estaba dispuesto a dejar que el COVID se interpusiera en su camino.

Cambiando el escenario a la isla de Sicilia, donde podía crear una burbuja responsable dentro de la cual ejecutar su visión épica, Wright embelleció el diseño de producción natural de las ubicaciones. Cyrano y compañía pueden haber sido personajes de la vida real, pero incluso Rostand (famosamente meticuloso con los detalles históricos) se tomó una licencia considerable. Aquí sirven como arquetipos mientras Wright actualiza los aspectos del siglo XVII para adaptarlos a su estética, condenando a la nobleza con cintas, volantes y rostros empolvados mientras le da a Bennett un aspecto moderno más icónico como Roxanne.

Wright nunca se limita a los marcos convencionales. Al final del Acto 1, cuando Cyrano es acorralado por una multitud de matones, lleva a cabo una escena de lucha coreografiada que sigue en una sola toma, mientras Dinklage despacha hábilmente a 10 adversarios. Más tarde, cuando el personaje asume sus deberes de escribir cartas, Wright superpone ingeniosamente tomas de Roxanne y sus dos pretendientes para transmitir la complejidad de este triángulo amoroso. Y lo que es más importante, en la famosa escena del balcón, el momento en que Rostand supera claramente a "Romeo y Julieta", la película ingeniosamente diseña una forma para que su enamorado héroe se dirija directamente a Roxanne. Por brillante que pueda ser el guión de Schmidt, Cyrano sería el primero en admitir: "Las palabras solo pueden llevarme hasta cierto punto". La dirección de Wright hace el resto.


Crítica Cinéfila: Scream

Veinticinco años después de que una serie de brutales asesinatos conmocionara al tranquilo pueblo de Woodsboro, un nuevo asesino se ha puesto la máscara de Ghostface y comienza a perseguir a un grupo de adolescentes para resucitar los secretos del mortífero pasado del pueblo.



La franquicia Scream creada por el escritor Kevin Williamson y el director Wes Craven en 1996 inyectó nueva vida a la película slasher al observar las reglas del género y, al mismo tiempo, cambiarlas. Su meta travesura y el alto número de muertos generaron una nueva generación voraz de nerds del terror y recaudaron $608 millones en la taquilla mundial. Revisitando la propiedad 11 años después de Scream 4, la nueva entrega, hecha con la bendición de Williamson y dedicada al difunto Craven, se remonta al original en busca de inspiración, pero se excede seriamente en la astucia autorreferencial, hasta el punto de socavar el susto real.

Es difícil no gemir cuando los adolescentes californianos en peligro se sientan a contemplar quién podría ser el responsable de la sangrienta matanza desatada una vez más en los suburbios de Woodsboro, junto con quién podría ser el próximo en sentir el cuchillo, y uno de ellos habla al darse cuenta del asesino como una mezcla de secuela y reboot. Es posible que esté más inclinado a responder positivamente a un personaje que vuelve desde la original y que le dice a la última voz siniestra al final de una línea telefónica: "Realmente necesita material nuevo". Y en verdad, hace falta innovación.

Toda la franquicia se basó en una disección consciente de la película slasher y todos sus arquetipos, por lo que es muy posible que algunos fanáticos consuman con entusiasmo esta nueva carnicería y caos constantes - como yo misma lo hice durante las casi dos horas -, que culmina con un baño de sangre en la misma casa donde Sidney Prescott (Neve Campbell) se enfrentó al asesino original detrás de la máscara de Ghostface en el primer final. Pero los detalles de terror ya no son una novedad, neutralizados por innumerables imitaciones y parodias.

El nuevo giro en el guión de James Vanderbilt y Guy Busick es la versión que llamaré "fandom tóxico". "¡Alguien tiene que salvar la franquicia!" grita un personaje antagónico justificándose mientras se ocupa de matar parte del reparto; “Hollywood está totalmente sin ideas”, lo cual no es mentira. Ya sea que lo encuentre divertido o tan metido en su propio ego, que su humor parpadeante se vuelva irritante será una cuestión de gusto personal.

Es difícil involucrarse demasiado en el peligro de los personajes cuya vida está en juego pero que no les impide exponer las diferencias entre la vieja escuela y el terror artístico elevado. Mientras Ghostface la amenaza y la interroga en su teléfono fijo, el primer objetivo que es Tara (Jenna Ortega) ruega que no la interroguen sobre la franquicia Stab que realmente son las películas de Scream aquí. “¡Pregúntame cualquier cosa sobre It Follows o Hereditary o The Witch!” ella suplica. Otro adolescente en una discusión que sigue a tres ataques, uno de ellos con una muerte, señala: “¿Qué tiene de malo el horror elevado?". Un poco de estas cosas se alarga demasiado durante toda la película. A diferencia del primer Scream, donde las disertaciones sobre las reglas del terror eran predominantemente dominio de Randy Meeks de Jamie Kennedy, casi todos aquí ofrecen comentarios sobre algún arquetipo u otro.

Al menos, es un placer ver a Campbell nuevamente en buena forma como Sidney, regresando a Woodsboro para ocuparse de los asuntos pendientes. También regresa la reportera de noticias de televisión de Courteney Cox, Gale Weathers, ahora presentadora de un programa matutino de Nueva York, y David Arquette, bastante conmovedor como el ex alguacil Dewey Riley, quien fue expulsado de la fuerza y ​​​​ahogándose en el alcohol para calmar su dolorido corazón después de separación de Gale. El guión extrae momentos conmovedores de la relación dentro y fuera de cámara de Cox y Arquette en un par de dulces escenas de reunión. Un puñado de otros personajes (y sus actores originales) de entregas anteriores aparecen brevemente, entre ellos una figura importante cuya conexión con uno de los recién llegados es un factor importante en la trama.

Es una lástima que el grupo de caras nuevas deje tan poca impresión. Después del ataque a Tara, su hermana separada Sam (Melissa Barrera) regresa a toda prisa a la ciudad, acompañada por su novio Richie (Jack Quaid), quien dice no estar familiarizado con las películas de Stab pero se sumerge en un curso acelerado de visualización de Netflix y foros de fans. El grupo muy unido de amigos de la escuela secundaria de Tara incluye a su mejor amigo, Amber (Mikey Madison); los gemelos de Randy, Mindy (Jasmin Savoy Brown) y Chad (Mason Gooding); la novia de Chad, Liv (Sonia Ammar); y Wes Hicks (Dylan Minnette), cuya madre Judy (Marley Shelton) ha sido ascendida de ayudante a sheriff desde la salida de Dewey.

Los codirectores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett manejan el terror creciente con una habilidad razonable a medida que los miembros del conjunto comienzan a caer como moscas. El problema es que no pueden dejar de hablar sobre la mecánica de la trama de las películas slasher por lo que no dejan tiempo suficiente para dejar que se apodere de mucha tensión. Las primeras apariciones sorprendentes de Ghostface contienen una sacudida o dos. Pero a medida que avanza la acción, los cineastas comienzan a provocarnos con pistas musicales agudas y tomas preparadas para hacernos anticipar al antagonista asesino, encapuchado y enmascarado detrás de cada puerta. Eso le da a las reapariciones de Ghostface, cuando suceden, la sensación de un juego en lugar de un encuentro de vida o muerte.

El asesino siempre vuelve al pasado, se nos dice, por lo que es obvio que todos los caminos conducen a Sidney, junto con Sam. Esas conexiones se establecen hábilmente en un guión positivamente intoxicado con la tradición de Scream; las pistas sobre la identidad del asesino se presentan con un humor astuto y la desorientación suficiente para mantener el interés, y la cadena de asesinatos que se multiplica no escatima en sangre. Pero no hay mucha invención para reflejar el paso del tiempo desde los orígenes de la franquicia. Si bien los teléfonos celulares son omnipresentes, todavía son los viejos teléfonos fijos los que brindan los saltos más grandes, y una aplicación de localización familiar agrega solo un mínimo de suspenso para retrasar un cuchillo inevitable.

En un momento, Sam le dice a su novio: “¿Conoces esa parte de las películas de terror en la que quieres gritarles a los personajes que sean inteligentes y se vayan? ¡Esta es esa parte, Richie!". En cambio, es posible que desee gritarles que se callen sobre las películas de terror y que sean más inteligentes a la hora de elaborar estrategias para evitar al asesino, o a los asesinos, para ser coherentes con los episodios anteriores, en medio de ellos.

El nombre de la película incluye todo, desde The Babadook hasta Halloween, Friday the 13th y Psycho, con una escena de ducha. Claro, hay algo de diversión en todo esto. Pero también hay una jocosidad que se desgasta y se entromete en la ola de asesinatos, lo que a menudo me hace desear estar viendo alguna de las películas superiores a las que se hace referencia.


Crítica Cinéfila: The Mitchells vs. The Machines

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.



Cuando Pixar lanzó Toy Story al mundo, Disney de repente parecía dinosaurios en comparación, no solo por esos gráficos en 3D, sino por la inteligencia creativa de narración que los acompañaba. Se necesitaron más de dos décadas para que cualquier otra película animada importante se sintiera tan revolucionaria, pero Spider-Man: Into The Spider-Verse, del poderoso dúo de productores Phil Lord y Christopher Miller, en colaboración con los cineastas Peter Ramsey, Rodney Rothman y Bob Persichetti, era una película de superhéroes deslumbrante tan sofisticada que se sentía como si hubiera llegado desde otro universo por completo. Ahora, The Mitchells Vs The Machines, producido por Lord y Miller, y añadiendo los escritores y directores Michael Rianda y Jeff Rowe, demuestra que no fue casualidad. Estos caballeros realmente están años luz por delante de la competencia.

Al igual que con Spider-Verse, lo primero que te golpea son las imágenes, una combinación dinámica de texturas 2D y 3D, aquí adornadas con una capa adicional de dibujos animados que se derraman de los pensamientos y emociones de los personajes, salpicando la pantalla y la acción, resultando hipercinético e hipercinematográfico. Y al igual que con Spiderverse, su concepto central parece no estar obstaculizado por las convencionalidades, una forma elegante de decir que su trama es una locura. Los Mitchells son una familia nuclear disfuncional al estilo de Los Simpson que lucha por conectarse entre sí en el mundo de la tecnología moderna, obligados a derribar a PAL, una aparato de Inteligencia Artificial malvada similar a Alexa (una alegre Olivia Colman) que ha esclavizado a la humanidad en cubos flotantes; fue creada originalmente como una asistente de bolsillo al estilo de Siri que se vuelve rebelde tras "su" inventor de Silicon Valley (Eric André) la deja a un lado en la última presentación de producto de la compañía al estilo de Steve Jobs. De alguna manera, esta combinación de forma burbujeante y función despreocupada encaja a la perfección: piense en la metaexplosión de Scott Pilgrim absorbida por el ingenio creativo de The LEGO Movie, con una revisión visual de Spider-Verse .

Aquí, Katie, quien, en uno de los conceptos más inspirados de "The Mitchells" (y que parece un personaje inspirado en su cinéfila aquí presente), parece ser la autora de esta película de desastres a medida que avanza, se refiere a su tribu como la "peor familia de todos los tiempos". Eso es obviamente una hipérbole, pero también una representación justa de cómo se siente. Katie acaba de ingresar a la universidad en California y no puede esperar para irse de casa a un lugar donde las personas "capten" su inadaptado sentido de la creatividad, como se ve en una serie de videos caseros de baja fidelidad (la mayoría de ellos protagonizados por el perro de la familia, Monchi). A esta artista incomprendida le encanta garabatear, y su estética de arte encuadernador se filtra en la película, una mezcla entre memes de Internet, corazones y arcoíris adornados a mano.

A los guionistas de Hollywood les gusta describir a las familias impulsadas por conflictos como "disfuncionales", pero ese eufemismo general en realidad se refiere precisamente a lo que las hace dramáticas. Katie desearía que su padre la apoyara más, pero Rick no entiende YouTube, lo que lleva a una ruptura potencial en el vínculo padre-hija. En un último intento por arreglar las cosas, Rick cancela el vuelo de Katie y se compromete a llevarla a la escuela en su lugar, metiendo a todos en la destartalada camioneta naranja quemada. Esta habría sido una idea desacertada en circunstancias normales. Agregue a continuación un apocalipsis de robots y las probabilidades de salvar a esta familia, y mucho menos a toda la humanidad, se desploman bastante precipitadamente.

En medio del caos, The Mitchells Vs The Machines nunca pierde de vista su núcleo emocional: la relación fracturada entre Katie (Abbi Jacobson), que vuela del nido, y su amado padre Rick (Danny McBride). A lo largo del tiempo de ejecución, Rianda y Rowe crean espacio para escenas de padre e hija delicadamente dibujadas: sus perspectivas sobre su cambiante dinámica familiar se muestran igualmente válidas pero crucialmente desalineadas. También tiene matices su versión de la tecnología: que Rick la ve como una distracción y que Katie la ve como una herramienta para dar rienda suelta a su creatividad en un mundo que se siente mucho más real que cualquier polémica.

Y aunque muchos dirán que les faltarán detalles de identidad a Katie (les aseguro que la comunidad LGBTQ+ la clamará como queer), no le resta ni un solo detalle a este acomplejado e imperfectamente perfecto personaje, además que todo lo que presente se suma a la aventura animada más rápida, divertida y futurista en comparación a Spider-Verse. 

Por supuesto, es una broma que las máquinas estén tratando de apoderarse de la tierra, ya que la película reconoce tácitamente que los humanos hemos estado dejando que la tecnología nos convierta en zombis todo el tiempo. En una escena temprana divertida pero real, Rick intenta llamar la atención de su familia en la mesa, pero están demasiado distraídos por las pantallas brillantes como para prestarle atención.

Las películas animadas de estudio a menudo se trabajan hasta la saciedad, y uno tiene que sospechar que alguna versión de la historia imaginaba la supervivencia de los Mitchell (mientras que los robots capturan al resto del mundo) debido a una regla en la que todos acordaron desconectarse por el Duración del viaje por carretera. Pero Katie necesita su cámara para documentar los momentos más extravagantes de la película, y ni Netflix ni Sony están realmente interesados ​​​​en convencer a los consumidores de que se desconecten por completo, por lo que la advertencia sobre la tecnología se entrega entre comillas.

"The Mitchells" a menudo se basa más en un ritmo rápido que en una lógica inquebrantable para salir adelante de todos modos. Como tal, nos conformamos con una versión extremadamente comprimida de la Tercera Guerra Mundial, en la que la humanidad sucumbe rápidamente a las máquinas voladoras que disparan láser. Las similitudes están ahí en todo, desde el sentido del humor (donde lo que primero se lee como un desapego irónico resulta estar basado en un sentimiento genuino al final) hasta el estilo de animación (observa los globos oculares y cómo el ajuste más sutil de dos pupilas negras puede decir tanto). Se necesita mucho cuidado para hacer que un esfuerzo tan superficialmente tonto resuene con el público, y este talentoso equipo pone atención en todo, desde el aspecto general, que injerta los encantos retro de la animación de cel dibujada a mano en un rico mundo renderizado en 3D, hasta el ingenioso truco de sembrar detalles que dan sus frutos en el tercer acto como si fueran gags desechables en todo momento.

Después de una serie de éxitos, la fórmula de Lord y Miller comienza a mostrarse y los chistes siguen funcionando, incluso si ahora reconocemos la estrategia, ya que todos están al servicio de una base emocional sincera. Una y otra vez, desde “Spider-Man: Into the Spider-Verse” hasta “The Mitchells”, su mensaje ha sido “está bien que seas extraño/a”. O bien, "abraza a tu bicho raro interior". Tal estímulo en realidad tiene credibilidad porque los cineastas han hecho exactamente eso en la narración.



domingo, 16 de enero de 2022

Temporada de Premios: Nominados a los Screen Actors Guild Awards 2022


Una temporada de premios salvaje e impredecible produjo una lista de nominados a los Premios del Sindicato de Actores de la Pantalla el miércoles pasado que se desbordó con desaires, sorpresas y opciones desvalidas.

"House of Gucci" de Ridley Scott, una mirada a la riqueza, el asesinato y la alta costura, y "Power of the Dog" de Jane Campion, un western revisionista sobre la masculinidad tóxica, lideraron todas las películas con tres nominaciones. Sin embargo, “Power of the Dog”, que se ha beneficiado de un gran impulso de premios de Netflix, no logró obtener una nominación a mejor reparto. Los nominados para ese premio, considerado el más prestigioso otorgado por el gremio, incluyeron "House of Gucci", así como "Belfast", "CODA", "Don't Look Up" y "King Richard".

En el frente televisivo, "Succession", un drama de sala de juntas sobre la familia detrás de un conglomerado de medios, y "Ted Lasso", una comedia de fútbol para sentirse bien, obtuvieron cinco nominaciones principales. "Mare of Easttown", "The Morning Show" y el fenómeno del agua fría "Squid Game" obtuvieron cuatro nominaciones cada una.

Aquí les comparto la lista completa de nominados:

Outstanding Performance by a Cast in a Motion Picture
Belfast
CODA
Don’t Look Up
House of Gucci
King Richard

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role
Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye
Olivia Colman, The Lost Daughter
Lady Gaga, House of Gucci
Jennifer Hudson, Respect
Nicole Kidman, Being the Ricardos

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role
Javier Bardem, Being the Ricardos
Benedict Cumberbatch, The Power of the Dog
Andrew Garfield, Tick, Tick … Boom!
Will Smith, King Richard
Denzel Washington, The Tragedy of Macbeth

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role
Caitríona Balfe, Belfast
Cate Blanchett, Nightmare Alley
Ariana DeBose, West Side Story
Kirsten Dunst, The Power of the Dog
Ruth Negga, Passing

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role
Ben Affleck, The Tender Bar
Bradley Cooper, Licorice Pizza
Troy Kotsur, CODA
Jared Leto, House of Gucci
Kodi Smit-McPhee, The Power of the Dog


Outstanding Performance by an Ensemble in a Drama Series
The Handmaid’s Tale
The Morning Show
Squid Game
Succession
Yellowstone

Outstanding Performance by a Female Actor in a Drama Series
Jennifer Aniston, The Morning Show
Jung Ho-yeon, Squid Game
Elizabeth Moss, The Handmaid’s Tale
Sarah Snook, Succession
Reese Witherspoon, The Morning Show

Outstanding Performance by a Male Actor in a Drama Series
Brian Cox, Succession
Billy Crudup, The Morning Show
Kieran Culkin, Succession
Lee Jung-Jae, Squid Game
Jeremy Strong, Succession

Outstanding Performance by an Ensemble in a Comedy Series
The Great
Hacks
The Kominsky Method
Only Murders in the Building
Ted Lasso

Outstanding Performance by a Female Actor in a Comedy Series
Elle Fanning, The Great
Sandra Oh, The Chair
Jean Smart, Hacks
Juno Temple, Ted Lasso
Hannah Waddingham, Ted Lasso

Outstanding Performance by a Male Actor in a Comedy Series
Michael Douglas, The Kominsky Method
Brett Goldstein, Ted Lasso
Steve Martin, Only Murders in the Building
Martin Short, Only Murders in the Building
Jason Sudeikis, Ted Lasso

Outstanding Performance by a Female Actor in a Television Movie or Limited Series
Jennifer Coolidge, The White Lotus
Cynthia Erivo, Genius: Aretha
Margaret Qualley, Maid
Jean Smart, Mare of Easttown
Kate Winslet, Mare of Easttown

Outstanding Performance by a Male Actor in a Television Movie or Limited Series
Murray Bartlett, The White Lotus
Oscar Isaac, Scenes From a Marriage
Michael Keaton, Dopesick
Ewan McGregor, Halston
Evan Peters, Mare of Easttown

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Motion Picture
Black Widow
Dune
The Matrix Resurrections
No Time to Die
Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Television Series
Cobra Kai
The Falcon and the Winter Soldier
Loki
Mare of Easttown
Squid Game

martes, 11 de enero de 2022

Temporada de Premios: Ganadores de la 79va entrega de los Golden Globe Awards


Sin mucha fanfarria, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood anunció a los ganadores de los Globos de Oro 2022 a través de Twitter el domingo por la noche, sin la presencia de medios ni celebridades caminando por la alfombra roja, como en años anteriores.

“The Power of the Dog” (Netflix) ganó como mejor drama y “West Side Story” (20th Century/Disney) como mejor musical o comedia. Jane Campion recogió el trofeo al mejor director por dirigir "The Power of the Dog", y Kodi Smit-McPhee ganó el premio al mejor actor de reparto por el western. La estrella de "West Side Story" Rachel Zegler fue nombrada mejor actriz en un musical o comedia, y su coprotagonista Ariana DeBose se llevó a casa el premio a la actriz de reparto.

Nicole Kidman ("Being the Ricardos") ganó el premio a la mejor actriz en un drama, mientras que Will Smith ("King Richard") se llevó el premio al actor. Andrew Garfield (“Tick, Tick… ​​Boom!”) se llevó a casa el premio al mejor actor en un musical o una comedia.

Para TV, “Succession” ganó como mejor serie dramática y “Hacks” como mejor serie musical o de comedia, ambas de HBO. La estrella de “Succession”, Jeremy Strong, fue nombrada mejor actor en un drama y la coprotagonista Sarah Snook se llevó el premio a la mejor actriz de reparto. La estrella de "Hacks", Jean Smart, obtuvo el premio a la mejor actriz en un musical o comedia. Michaela Jaé Rodríguez (“Pose”) ganó como mejor actriz en un drama, y ​​Jason Sudeikis (“Ted Lasso”) se llevó a casa el premio a mejor actor en un musical o una comedia.

La HFPA se ha visto envuelta en escándalos desde el programa de 2021, cuando se reveló que no tenía miembros negros y participaba en prácticas comerciales cuestionables. NBC se retiró de la transmisión por televisión para la ceremonia de este año y, desde entonces, la HFPA ha diversificado su membresía y renovado sus estatutos en un intento por salvar las apariencias en Hollywood. La presidenta de la HFPA, Helen Hoehne, anunció los nominados de este año en un evento reducido en diciembre, donde Snoop Dogg se unió a ella para leer las nominaciones.

En los comentarios de apertura durante la escasa ceremonia del domingo, Hoehne dijo: “Vamos a hablar abiertamente sobre lo que estamos aprendiendo y desafiar a otros a unirse a nosotros con miembros de más de 50 países. Tenemos un lugar único en el universo de los premios”. Además de anunciar los ganadores de cine y televisión, la HFPA mostró sus esfuerzos filantrópicos y destacó organizaciones como St. Elmo Village, que brinda un lugar para que las personas exploren su creatividad, y Get Lit, que utiliza la poesía para aumentar la alfabetización de los adolescentes.

En marcado contraste con los años típicos, solo hubo unas pocas apariciones de celebridades, incluidos videos promocionales de Jamie Lee Curtis y Arnold Schwarzenegger en la cuenta de Twitter de los Globos de Oro. Solo algunos de los ganadores de la noche reconocieron sus premios en las redes sociales, incluidos Zegler, Rodríguez y la película animada “Encanto”.

Aquí está la lista completa de ganadores:

PELICULAS

Best Motion Picture, Drama: The Power of the Dog
Belfast
CODA
Dune
King Richard

Best Picture, Musical or Comedy: West Side Story
Cyrano
Don’t Look Up
Licorice Pizza
Tick, Tick … Boom!

Best Performance by an Actor in a Motion Picture, Drama: Will Smith, King Richard
Mahershala Ali, Swan Song
Javier Bardem, Being the Ricardos
Benedict Cumberbatch, The Power of the Dog
Denzel Washington, The Tragedy of Macbeth

Best Performance by an Actress in a Motion Picture, Drama: Nicole Kidman, Being the Ricardos
Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye
Olivia Colman, The Lost Daughter
Lady Gaga, House of Gucci
Kristen Stewart, Spencer

Best Performance by an Actor in a Motion Picture, Musical or Comedy: Andrew Garfield, Tick, Tick … Boom!
Leonardo DiCaprio, Don’t Look Up
Peter Dinklage, Cyrano
Cooper Hoffman, Licorice Pizza
Anthony Ramos, In the Heights

Best Performance by an Actress in a Motion Picture, Musical or Comedy: Rachel Zegler, West Side Story
Marion Cotillard, Annette
Alana Haim, Licorice Pizza
Jennifer Lawrence, Don’t Look Up
Emma Stone, Cruella

Best Director, Motion Picture: Jane Campion, The Power of the Dog
Kenneth Branagh, Belfast
Maggie Gyllenhaal, The Lost Daughter
Steven Spielberg, West Side Story
Denis Villeneuve, Dune

Best Supporting Actor – Motion Picture: Kodi Smit-McPhee, The Power of the Dog
Ben Affleck, The Tender Bar
Jamie Dornan, Belfast
Ciarán Hinds, Belfast
Troy Kotsur, CODA

Best Supporting Actress, Motion Picture: Ariana DeBose, West Side Story
Caitríona Balfe, Belfast
Kirsten Dunst, The Power of the Dog
Aunjanue Ellis, King Richard
Ruth Negga, Passing

SERIES

Best Television Series, Drama: Succession
Lupin
The Morning Show
Pose
Squid Game

Best Television Series, Musical or Comedy: Hacks
The Great
Only Murders in the Building
Reservation Dogs
Ted Lasso

Best Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture made for Television: The Underground Railroad
Dopesick
Impeachment: American Crime Story
Maid
Mare of Easttown

Best Performance by an Actor in a Television Series, Drama: Jeremy Strong, Succession
Brian Cox, Succession
Lee Jung-jae, Squid Game
Billy Porter, Pose
Omar Sy, Lupin

Best Performance by an Actress in a Television Series, Drama: Michaela Jaé Rodriguez, Pose
Uzo Aduba, In Treatment
Jennifer Aniston, The Morning Show
Christine Baranski, The Good Fight
Elisabeth MossThe Handmaid’s Tale

Best Performance by an Actor in a TV Series, Musical or Comedy: Jason Sudeikis, Ted Lasso
Anthony Anderson, Black-ish
Nicholas Hoult, The Great
Steve Martin, Only Murders in the Building
Martin Short, Only Murders in the Building

Best Performance by an Actress in a TV Series, Musical or Comedy: Jean Smart, Hacks
Hannah Einbinder, Hacks
Elle Fanning, The Great
Issa Rae, Insecure
Tracee Ellis Ross, Black-ish

Best Performance by an Actor, Limited Series, Anthology Series or Motion Picture made for Television: Michael Keaton, Dopesick
Paul Bettany, WandaVision
Oscar Isaac, Scenes From a Marriage
Ewan McGregor, Halston
Tahar Rahim, The Serpent

Best Performance by an Actress, Limited Series, Anthology Series or a Motion Picture made for Television: Kate Winslet, Mare of Easttown
Jessica Chastain, Scenes From a Marriage
Cynthia Erivo, Genius: Aretha
Elizabeth Olsen, WandaVision
Margaret Qualley, Maid

Best Supporting Actor, Television: O Yeong-su, Squid Game
Billy Crudup, The Morning Show
Kieran Culkin, Succession
Mark Duplass, The Morning Show
Brett Goldstein, Ted Lasso

Best Supporting Actress, Television: Sarah Snook, Succession
Jennifer Coolidge, White Lotus
Kaitlyn Dever, Dopesick
Andie MacDowell, Maid
Hannah Waddingham, Ted Lasso

Best Original Score, Motion Picture: “Dune” — Hans Zimmer
“The French Dispatch” — Alexandre Desplat
“Encanto” — Germaine Franco
“The Power of the Dog” — Jonny Greenwood
“Parallel Mothers” — Alberto Iglesias

Best Picture, Foreign Language: Drive My Car, Japan
Compartment No. 6, Finland, Russia, Germany
The Hand of God, Italy
A Hero, France, Iran
Parallel Mothers, Spain

Best Screenplay, Motion Picture: Kenneth Branagh, Belfast
Paul Thomas Anderson, Licorice Pizza
Jane Campion, The Power of the Dog
Adam McKay, Don’t Look Up
Aaron Sorkin, Being the Ricardos

Best Original Song, Motion Picture: “No Time to Die” from No Time to Die — Billie Eilish, Finneas O’Connell
“Be Alive” from King Richard— Beyoncé Knowles-Carter, Dixson
“Dos Oruguitas” from Encanto — Lin-Manuel Miranda
“Down to Joy” from Belfast — Van Morrison
“Here I Am (Singing My Way Home)” from Respect — Jamie Hartman, Jennifer Hudson, Carole King


Best Motion Picture, Animated: “Encanto”
Flee
Luca
My Sunny Maad
Raya and the Last Dragon

Crítica Cinéfila: The King's Man

Cuando un grupo formado por los tiranos y las mentes criminales más malvadas de la historia se une para desencadenar una guerra que matará a millones de personas, un hombre tendrá que luchar a contrarreloj para detenerlos. 



Es difícil abandonar la serie "Kingsman", aunque aparentemente eso es lo que quieren.

La primera película de 2015, "El servicio secreto", fue una comedia de acción casi perfecta que revitalizó el género de la parodia de espías. Divertido, lleno de suspenso y sexy, convirtió a Taron Egerton en una estrella, quien luego, de manera inesperada, pasó a cantar "Tiny Dancer" como Elton John en "Rocketman". Luego vino la segunda entrada mediocre, "El círculo dorado", que se apoderó del humor y lo amplificó hasta un nivel ridículo. Un ejemplo de la locura sin límites: Julianne Moore interpretó a una narcotraficante internacional llamada Poppy, quien, casualmente, tomó a Elton John como su prisionero. Y ahora aquí hay una precuela aburrida, "The King's Man", que carece totalmente de humor, de un protagonista carismático y está inundada en la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial.

El guionista y director Matthew Vaughn, que ha dirigido las tres, necesita dejarlo todo o pasarle las riendas a alguien con cierto autocontrol. Y aunque el formidable talento de Ralph Fiennes pudiese mejorar un poco su película, no se puede hacer magia con un pésimo guión.

La premisa de la precuela fue establecida por Colin Firth en la primera película, cuando describió a Kingsman como una agencia de espionaje independiente creada por aristócratas durante la guerra que desconfiaban del liderazgo del Reino Unido. 

Así que "The King's Man" funciona tanto como la historia de cómo se construyó la organización falsa como la historia revisionista sobre cómo comenzó la Primera Guerra Mundial. El duque de Oxford (Fiennes) y su hijo Conrad (Harris Dickinson) están sentados en el carruaje de Sarajevo del archiduque Franz Ferdinand cuando le disparan, lo que desencadena el conflicto. 

El tirador, Gavrilo Princip (Joel Basman), es parte de un grupo de figuras sombrías que se sientan alrededor de una mesa larga en la cima de una montaña como Spectre en James Bond y planean la destrucción global. También incluyen a Rasputín (Rhys Ifans) y Vladimir Lenin (August Diehl). 

¿Por qué su jefe, un malvado escocés anónimo (la revelación final es floja), quiere incitar una calamidad internacional? Para vengarse de la monarquía británica por lo que le han hecho a Escocia durante siglos. Ese es un motivo difícil de aceptar en una comedia, y su risa malévola con sus las maquinaciones recorren una línea extraña entre Monty Python y la seriedad legítima. 

Mientras Oxford, su sirviente Shola (Djimon Hounsou) y el tutor de Conrad, Polly (Gemma Arterton), intentan evitar que la Primera Guerra Mundial se salga de control, Conrad se va a las trincheras. Esas secciones del campo de batalla son la cara B de “1917”.

La escena más divertida es con Rasputín, a quien Ifans interpreta como repugnante y mágico, y también un hábil bailarín y espadachín que disfruta de la compañía de hombres más jóvenes. En un momento profundamente incómodo, lame febrilmente la herida de bala de Oxford para curarla. Muy extraño, sin embargo, es la parte más animada de una película demasiado larga y fúnebre.

Al final, estás absolutamente seguro: la salsa secreta de "Kingsman" es Egerton.


Crítica Cinéfila: CODA

En Gloucester, Massachusetts, una familia culturalmente sorda dirige un negocio de pesca. Ruby, que tiene 17 años y es el único miembro oyente de la familia, ayuda a sus padres y a su hermano, todos sordos, en el negocio. En el instituto, se une al club del coro, donde se siente atraída por su compañero de dúo y descubre su pasión por el canto. Su director de coro la anima a considerar la posibilidad de estudiar música, y ella tiene que decidir entre ayudar a su familia y perseguir su objetivo.



A pesar de que CODA se abre camino fielmente a través de una lista de arquetipos de comedias como la escuela secundaria, dramas de discapacidad, prodigios musicales y narraciones de maestros inspiradores, cuentos sobre la mayoría de edad sobre jóvenes que luchan por declarar su independencia de familias autoritarias y crónicas independientes de la América obrera... la película se puede llegar a sentir como un territorio desconocido. CODA es un audiovisual reconfortante, profundo y satisfactorio que abarca más que fórmulas; localiza el placer y la pureza en él, recordándonos las gratificaciones reconfortantes, incluso catárticas, de una historia para sentirse bien contada.

Que tenga arquetipos explorados previamente no quiere decir que la película no ofrezca nada nuevo. El enfoque de CODA en los lazos tensos entre las comunidades de sordos y oyentes le da una base de frescura. Pero una de las hazañas más impresionantes de la guionista y directora Sian Heder es la astucia con la que maneja los elementos más familiares. Aunque todos los puntos esperados de la trama están presentes y representados (el concierto de la escuela y la audición en el conservatorio, el primer beso, las peleas y las conversaciones sinceras), la cineasta los presenta con una delicadeza poco común, haciendo alarde de un sentido finamente afinado de cuándo empujar, y cuánto y cuándo retroceder. 

Girando en torno a Ruby (Emilia Jones), de 17 años, y las tensiones que surgen cuando su pasión por la música la aleja de sus padres y hermano sordos, CODA a veces se tambalea hacia la dificultad de manejo. Hay mucha trama y tonos que, en teoría, deberían chocar, y las actuaciones y la dirección deben vencer incluso la resistencia más acérrima. CODA es honesta y complaciente con la multitud, uno que encanta suavemente su camino debajo de tu piel. Se merece cada lágrima feliz que exprime.

Ruby Rossi vive con su mamá Jackie (Marlee Matlin), su papá Frank (Troy Kotsur) y su hermano mayor Leo (Daniel Durant) —los tres sordos— en Gloucester, Massachusetts, donde alterna incansablemente entre la escuela y su trabajo como ayudante de cubierta en el barco de pesca de la familia. Aunque su capacidad para oír la diferencia de sus padres y hermanos, los cuatro funcionan como una unidad; Ruby se ha estado comunicando en lenguaje de señas desde antes de que pudiera hablar y actúa como intérprete para los otros Rossis, convirtiéndose ella en su enlace con el mundo oyente.

Trabajando a partir de su propio guión adaptado, Heder establece la dinámica entre Ruby y su familia, el tira y afloja del afecto y la exasperación, la línea borrosa entre la cercanía y la codependencia, en unas pocas escenas tempranas y atractivas. CODA centra la experiencia de Ruby: la vemos estremecerse ante la cacofonía casual de un hogar sordo: las ollas y sartenes que hacen ruido, el sonido constante de un teléfono inteligente sin silenciar y, de manera divertida para aquellos que aprecian un poco de humor, una instancia de flatulencia sin control. Sin embargo, Heder deja un amplio espacio en sus cuadros para Jackie, Frank y Leo también, capturando sus reacciones y sus personalidades. Ella trae este cuarteto loco pero amoroso, con su entrecruzamiento vibrante de señas, burlas e irritabilidad, a una vida vívidamente atractiva.

Un día en la escuela, Ruby ve a su enamorado, el popular Miles (Ferdia Walsh-Peelo), inscribiéndose en el coro. A Ruby también le gusta cantar: la escena de apertura la encuentra cantando "Something's Got a Hold on Me" de Etta James mientras trabaja en el barco, así que en poco tiempo, está allí junto a Miles, floreciendo bajo la tutela del exigente director Mr. V ( Eugenio Derbez). Ruby es tan buena, de hecho, que el Sr. V la insta a postularse para el selecto Berklee College of Music de Boston.

Con sus momentos de diva y bromas de amor duro, el Sr. V es una caricatura descarada, y Derbez, un experimentado amante de los paisajes, a veces parece estar actuando en una película diferente, más abiertamente comedia de situación. Pero Heder mantiene las escenas del coro cortas, ágiles y refrescantemente libres de histrionismo vocal estilo Glee; las voces de los niños son encantadoras en un estilo cotidiano, no tan estridente como el de Broadway.

El interés principal de la película es la dolorosa distancia que se abre entre Ruby y su familia mientras nutre su talento y contempla un futuro más allá de su hogar. El conflicto es en parte logístico: como persona oyente, Ruby es un componente clave del negocio de venta de pescado recién lanzado de los Rossi; es posible que, literalmente, no puedan permitirse el lujo de que ella se vaya a la universidad. También, por supuesto, es más profundo que eso. La música es algo que la familia de Ruby no puede apreciar por completo, y Jackie, en particular, siente esa exclusión de manera aguda.

Con un toque ligero y una sensibilidad vivida, Heder y su elenco evocan la tormenta de emociones encontradas que desencadena el canto de Ruby: la devoción incondicional de Ruby por su familia, pero también su resentimiento por no haber sido capaz de ponerse a sí misma en primer lugar, y su culpa por hacerlo por primera vez; el dolor de sus padres mezclado con el orgullo por su hija y el anhelo de su felicidad; la hirviente frustración de Leo, su sensación de que se le considera menos importante para el bienestar de la familia que su hermana.

Heder tiene un estilo visual discreto, pero sabe cómo aumentar la presión. Los argumentos de los Rossis están coreografiados e interpretados por expertos, las expresiones y los gestos del cuarteto están vivos con ansiedades reprimidas durante mucho tiempo y un amor feroz y protector. De manera crucial, la cineasta también mantiene las cosas en movimiento, sin detenerse nunca en escenas dramáticas ni animarlas con sentimientos inmerecidos. Esta cuidadosa subestimación de los momentos principales se extiende tanto al incipiente romance de Ruby con Miles, que se desarrolla con dulzura contenida, como al gran concierto del coro de primavera. En lugar de brindar el clímax habitual de derribar la casa, Heder considera la experiencia desde la perspectiva de cada miembro de la familia, cambiando sin problemas entre ellos para crear una mini montaña rusa de aprensión, incomodidad, alivio y deleite.

Aunque no puedo juzgar la autenticidad de la representación de la película de familias mayoritariamente sordas, la vitalidad y la convicción de los giros principales son innegables. Jones actúa y canta con una franqueza cautivadora que se siente apta para una adolescente que ha asumido durante mucho tiempo las responsabilidades de la edad adulta. Pero también es sutil, sugiriendo toda una paleta de estados de ánimo en un personaje que nunca se ha dado el lujo de complacerlos. Es una potencia intuitiva y poco llamativa de una actuación.

Los otros protagonistas son igualmente magníficos en papeles económicos pero hábilmente dibujados. Con su cara alargada, su cuerpo desgarbado y sus ojos burlones, Frank de Kotsur es el payaso de la familia. Pero hay más que una pizca de arrepentimiento en sus tonterías, y el actor tiene un momento de sinceridad impresionante hacia el final de la película. Está bien emparejado con Matlin, convocando su chispa, sensualidad y matiz habituales como una ex modelo que tiene que trabajar para conectarse con su hija sin lujos. Y Durant aporta una emoción a fuego lento y conmovedora al inquieto Leo.

La partitura de Marius De Vries es discreta y se desarrolla con moderación, sin eclipsar nunca el canto de Ruby, Miles y el coro. Y si una película va a presentar varias escenas de ensayo, "You're All I Need to Get By" de Marvin Gaye y Tammi Terrell y "Both Sides Now" de Joni Mitchell son opciones de canciones bastante invencibles. No es un pequeño cumplido decir que CODA es digno de ellos.


lunes, 10 de enero de 2022

Crítica Cinéfila: The Eyes of Tammy Faye

Biopic del extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker.



En “The Eyes of Tammy Faye”, Andrew Garfield y Jessica Chastain interpretan a Jim y Tammy Faye Bakker, las personalidades cristianas de televisión con un estilo muy propio que hicieron mucho más que cualquier otro predicador para moldear el teleevangelismo en un cambio de juego, que sacudió la cultura, y las tarjetas de crédito. La película, que es una fascinante saga de ascenso y caída, fue dirigida por Michael Showalter, quien casi siempre hace comedias, por lo que es de esperar esta película como una deliciosa rebanada de arte satírico.

Hay un poco de eso, pero Showalter está tramando algo más astuto y tal vez más profundo. En "The Eyes of Tammy Faye”, les da a Jim y Tammy Faye Bakker toda la dignidad y el escándalo de su humanidad. Él sabe que mucha gente piensa en los Bakker como caricaturas ambulantes, y que en el caso de Tammy Faye, con su infame maquillaje de mapache de los años 60, estuvo al borde de la autoparodia. La historia de los Bakkers ya es exagerada. Así que Showalter, quien basó la película en el documental del mismo nombre de Fenton Bailey y Randy Barbato de 2000, tomó la astuta decisión de jugar todo en orden. Los Bakkers, más de tres décadas después de su calumniosa caída en desgracia, no necesitan que se burlen de ellos, necesitan ser entendidos. Chastain y Garfield ofrecen actuaciones que son descaradamente entretenidas pero también astutas y en capas, ya que los personajes quedan atrapados en algo mucho más grande que ellos mismos. Los Bakkers eran vendedores ambulantes de gran envergadura, y la película usa su espectacular telenovela codiciosa para contar la historia estadounidense más amplia de cómo el cristianismo acaparó el mundo del espectáculo.

La película se pone en marcha en 1960, cuando Jim y Tammy Faye se encuentran en una universidad bíblica de Minneapolis donde Jim ya es un showman. Con su peinado para atrás y su sonrisa fácil, parece uno de los primeros rockeros de la época. Solo tiene 20 años, pero conoce las Escrituras, y cuando está en el escenario durante un seminario de estudiantes predicadores, mirando hacia los bancos con un par de docenas de otros estudiantes en ellos, quiere ser más que un mensajero aburrido para Dios. Jim quiere atrapar a la gente, hacer que lo escuchen. Por supuesto, eso significa hacer todo lo que los demás no hacen.

Jim les pregunta a los estudiantes por qué el cristianismo siempre tiene que ser tan sombrío y castigador. ¿Por qué no puede tratarse de ser recompensado aquí y ahora? Se está burlando de la piedad desaliñada de la universidad, razón por la cual Tammy Faye, sentada en los bancos, se ríe. Pero al escuchar las palabras de Jim, ya podemos escuchar una versión temprana del evangelio según personas como Joel Osteen (el último heredero de los Bakker), quien predica con un enorme globo dorado girando detrás de él, diciéndole a su rebaño de millones que ser cristiano puede significar tener una vida que brilla con éxito. Jim ya está vendiendo el mensaje de que la fe paga, un mensaje que predicará hasta el banco.

Mientras tanto, Tammy Faye es una creyente vivaz que se enamora de Jim y está feliz de unirse al tren de su fe de espectáculo. Ella también es una artista nata; ella toma un gorro de baño de burbujas de Porky Pig y le da forma a Susie Moppet, un títere que le permite hablar con una voz de niña pequeña, que es a la vez linda y espeluznante, ya que es la forma divertida de Tammy Faye de acercarse a los niños (quienes son algunas de las primeras personas a las que los Bakkers se ganan), pero también porque Tammy Faye es una personalidad cautivadora que nunca es más ella misma que cuando es la voz de un títere.

Los dos se convierten en evangelistas de carretera sin dinero y con un coche de lujo. Pero cuando salen de un motel en Virginia, el destino los pone en contacto con Christian Broadcasting Network, una operación local dirigida por Pat Robertson (Gabriel Olds), quien los contrata para hacer un programa para niños, algo así como " Mister Rogers' Neighborhood” con historias bíblicas. En CBN, Jim se convierte en uno de los presentadores de "The 700 Club", el programa de entrevistas nocturno insignia de la estación. El programa había surgido originalmente como un teletón (en 1962, 700 miembros donaron $10 cada uno para mantener la estación a flote), pero Jim, con su voz aterciopelada y su rápido sentido del humor, tiene lo que se necesita para convertir en “The 700 Club” en una suave versión cristiana de “The Tonight Show”. No es solo el anfitrión, es la estrella. Y se vuelve adicto a él mismo.

También Tammy Faye. Ella insiste en ser una parte integral del imperio de la televisión (la primera de muchas demandas que la revelan como su propia mujer), y cuando a los Bakker se les da su propio programa, son pioneros en la nueva metafísica del teleevangelismo. El cristianismo se convierte en un espectáculo de variedades para sentirse bien. La horda piadosa se convierte en fan hipnotizada (y con sentimientos de culpa) para llamar a esas líneas telefónicas y prometer su dinero ganado con tanto esfuerzo. El paso del plato de colecta se convierte en un ritual de "Hagamos un trato", haciendo que los que están en casa se sientan parte del espectáculo.

Sin embargo, con los Bakkers, se vuelve más trastornado que eso. El gancho de su personaje de dos cabezas es lo identificables que son, por lo que los altibajos de su matrimonio se entrelazan con el espectáculo y parte de la recaudación de fondos. Tammy Faye, en un acto de agresión pasiva, primero le dice a Jim que está embarazada ante la cámara.

Garfield interpreta a Jim con modales de caballero pero, debajo de ellos, un brillo voraz que quiere la fama y la casa grande, como la que tiene su jefe, Pat Robertson. Funda PTL Satellite Network y se convierte en el síndico de la sala de televisión, engañando a su audiencia y usando su nuevo poder para representar sus deseos, que incluyen su atracción por los hombres. Cuando Tammy Faye ve a Jim luchando en el suelo, de una manera demasiado amistosa, con su asistente, se horroriza, no porque sus sentimientos sean homofóbicos, sino porque se da cuenta, con sorpresa, de que ella no conoce al hombre con el que se casó. Y eso se duplica cuando comienza a enterarse de los delitos financieros de Jim.

¿Por qué ver “The Eyes of Tammy Faye” en lugar del documental original, que es magnífico? Porque esta versión, al aumentar nuestra conexión con los personajes, arroja nueva luz sobre quiénes eran y por qué hicieron lo que hicieron. Es Tammy Faye quien viene a ocupar el centro espiritual de la película, y Chastain, aprovechando una extravagancia que nunca antes había abordado, la convierte en una fascinante diva-víctima que sigue evolucionando.

Primero, es una inocente radiante de los años 50 con un remolino de cabello de Donna Reed. Pasa de ser maestra de títeres con voz de bebé a ama de casa aburrida que se da cuenta de que le encanta ser el centro de atención; luego a feminista cristiana instintiva que, en una fiesta en casa, exige un asiento en la mesa de Jerry Falwell (él piensa que las mujeres deben ser vistas pero no escuchadas) y finalmente vocera de las minorías, como su invitación de Steve Pieters (Randy Havens), un hombre con SIDA, al programa, y ​​ya sea que sus lágrimas por él sean o no reales (con Tammy Faye, es una especie de ambas cosas), ella toma una posición de compasión.

Vincent D'Onofrio interpreta a Falwell como un brusco corredor de poder que considera que los homosexuales son depravaciones diabólicas, y vemos, a través de él, cómo el nuevo cristianismo se comercializará a sí mismo, compitiendo con la América secular en sus propios términos corruptos. Tammy Faye, por el contrario, es una exhibicionista alegre, pero al ofrecer el abrazo de Dios a las personas con SIDA, muestra lo que es el verdadero cristianismo y, por implicación, en qué se está convirtiendo el cristianismo que la rodea. Luego, un día se despierta y se da cuenta de que su esposo no solo es un mujeriego, sino un sociópata ladrón que vende acciones falsas para financiar el parque temático Heritage USA, usando promesas para Dios como una alcancía apalancada.

Jim, por supuesto, recibe la caída que se merece. Mientras tanto, Tammy Faye canta “El himno de batalla de la República” entre lágrimas. Chastain te muestra que Tammy Faye era bien influenciable y demasiado involucrada en el asunto para no ser parte del problema, pero también una especie de inocente. En cierto sentido, "The Eyes of Tammy Faye" es una excelente película. Retiene en cada paso del camino, y aunque es un poco larga, estos dos actores nunca se dan por vencidos. Garfield convierte a Jim en un estafador posmoderno que mira hacia nuestra propia era, y Chastain encuentra el corazón complejo de una mujer que tenía un amor genuino dentro de ella, pero amaba demasiado la fama. A su manera, crearon una patología que vivía más allá de ellos, todo construido alrededor de la pregunta: si la acción menos cristiana que uno puede hacer es vender su alma, ¿es de alguna manera más cristiano salvarla dando una apuesta más alta?


jueves, 6 de enero de 2022

Crítica Cinéfila: C'mon C'mon

Johnny (Joaquin Phoenix) es un periodista radiofónico que se embarca en un viaje a través del país con su pequeño sobrino (Woody Norman).



Si la cineasta Miranda July no hubiera llegado primero, "The Future" habría sido un buen título para el último largometraje de su compañero director (y esposo) Mike Mills, "C'mon C'mon", una película pequeña y de voz suave. Este drama familiar casualmente profundo en el que un tenue, "post-Joker” Joaquin Phoenix interpreta a un periodista de radio de mediana edad que viaja por el país entrevistando a niños, preguntándoles qué piensan sobre sus vidas y hacia dónde se dirige el mundo, hace que uno mismo se cuestione muchas acciones propias hacia la vida.

Realmente no debería sorprender que los dos creativos, artistas consumados por derecho propio, tengan intereses superpuestos, que incluyen, entre otros, la convicción de que los adultos pueden aprender una o dos cosas de la forma en que los jóvenes las ven. Mientras que las películas de July se inclinan hacia el absurdo y lo surrealista, Mills, más serio, mantiene las cosas firmemente arraigadas a la vida real de modo que, incluso la decisión estilística de filmar en blanco y negro se siente como una extensión de su sencillo compromiso con la autenticidad.

"C'mon C'mon" viene inmediatamente después de un par de películas intensamente personales pero fácilmente identificables que Mills escribió y dirigió sobre su relación con su madre (encarnada por Annette Bening en "20th Century Women") y su padre (Christopher Plummer en "Beginners"). Este también trata sobre la paternidad, aunque desde el otro lado de la ecuación: el protagonista aquí es el personaje de Phoenix, Johnny, que acepta ayudar a su hermana Viv (Gaby Hoffmann) a cuidar de su hijo de 9 años, Jesse (Woody Norman). Es una experiencia transformadora para ambos, pero no de la manera tan sencilla e inspiradora que pudiese imaginarse.

Johnny es soltero y no tiene hijos, lo que le da el lujo de dedicar toda su atención a su trabajo. Viv desearía tener esa misma libertad, pero la paternidad le impone importantes exigencias, agravadas por el hecho de que su exmarido (Scoot McNairy) está al borde de otra crisis nerviosa. Sin esperar a que se lo pidan, Johnny se ofrece como voluntario para vigilar a Jesse, para que Viv pueda lidiar con el padre del niño durante este tramo difícil.

Mills ofrece destellos humanizadores de este drama de salud mental, pero no permite que supere a la película, que se centra principalmente en el tiempo que pasaron juntos Johnny y Jesse, eso y el trabajo de reparación que se está realizando en la relación de los hermanos, que ha sido delicada desde la muerte de su madre unos años antes. Después de unos días de "cuidar niños", Johnny encuentra trabajo llamando de nuevo y le sugiere a Jesse, antes de dirigirlo a su madre, que el niño lo acompañe a Nueva York. Viv no está encantada con la idea, pero cede, y así comienza una oportunidad única para que Jesse siga a su tío en el trabajo.

Johnny intenta ponerle el micrófono a Jesse, haciéndole las preguntas habituales sobre la vida y el futuro, pero Jesse lo aplaza. Pero primero, Johnny tiene que ganarse su confianza. Jesse es un niño de voluntad fuerte cuya madre le ha enseñado a expresarse, a veces con demasiada franqueza, y que espera una comunicación abierta a cambio. “Es una personita. Sé honesto con él”, aconseja Viv por teléfono, admitiendo que ella también puede sentirse frustrada por su propia creación.

Los seres humanos han estado criando niños durante milenios y, sin embargo, nadie parece haber perfeccionado la fórmula, lo que hace que sea siempre fascinante ver cómo se desarrollan las diferentes estrategias para los demás. Aquí, parece que Viv ha sido quizás demasiado indulgente con el niño, a quien le gusta jugar a un extraño juego en el que finge ser un huérfano, maltratado y con falta de refugio. En manos de otro director, este comportamiento curioso podría leerse como extravagante, pero la forma en que Mills lo presenta, la "extraña excentricidad" de Jesse se siente genuina, del tipo de cosas que se quedan contigo mucho después de que el resto de la película se haya borrado de la memoria.

La película está cargada de magníficos detalles como este. Las películas de Mills siempre lo son, y esta le permite usar la dinámica ficticia entre Johnny y Jesse para explorar las propias inseguridades de Johnny como padre. Pero también deja espacio para notas de gracia, dándole un alivio cómico de vez en cuando.

Es perfecto que Johnny trabaje en la radio. Para empezar, el público realmente no sabe cómo son los reporteros que producen historias para NPR, qué implican sus vidas. Espantosamente delgado en "The Joker", Phoenix ha vuelto a engordar para este papel, luciendo como alguien que subsiste con comida para llevar y servicio a la habitación, pero que nunca se molesta en ir al gimnasio del hotel. Sus hombros son holgados y su lenguaje corporal descuidado, pero el personaje tiene buen corazón. Es un buen oyente, lo cual es clave, y esa paciencia le servirá bien con Jesse.

Este trabajo inusual también le da a Mills una forma de mirar dentro de la cabeza del personaje, ya que Johnny graba las entradas de su diario personal tanto para nuestro beneficio como para el suyo. La película también incluye entrevistas reales con jóvenes en las distintas ciudades que visitan (Detroit, Nueva York, Nueva Orleans), incluida una con Devante Bryant, un niño de 9 años que en 2020 recibió el disparo de una supuesta bala perdida y murió, y a quién está dedicada la película.

"C'mon C'mon" resulta bastante conmovedor, pero es muy distinta a todas las películas anteriores de A24 en su tono y filosofía. Esta es una que te hace sonreír por dentro, pero que se detiene a pensar justo antes que uno pueda reírse con lo que ocurre.


Crítica Cinéfila: The Lost Daughter

Las vacaciones en la playa de una mujer madura toman un giro oscuro cuando comienza a obsesionarse con otra mujer y su hija, lo que la obligará a tener que enfrentarse a problemas de su pasado y de su primera maternidad.



No sería una sorpresa que Olivia Colman vuelva a recibir nominaciones y galardones en múltiples premiaciones por su rol en The Lost Daughter, su más reciente proyecto dirigido por Maggie Gyllenhaal; lo que sí es una grata sorpresa es el trabajo de Gyllenhaal aquí. Los fanáticos de The Deuce, la serie dramática de HBO sobre el comercio de carne en la ciudad de Nueva York antes de Giuliani, recordarán la determinación con la que el personaje de Gyllenhaal pasó de trabajadora sexual a directora de películas para adultos y luego a autora de arte. Una confianza paralela distingue su debut como directora con esta adaptación sensible aunque aguda de la novela de 2006 de Elena Ferrante. Los temas familiares de la solitaria autora italiana sobre las relaciones femeninas, la sexualidad, la maternidad y la lucha de las mujeres por hacerse un espacio profesional fuera de ser madres se sirven maravillosamente en esta película de carácter intransigente, iluminado por las actuaciones brillantes de Olivia Colman y Jessie Buckley como su yo más joven.

Podando parte de la historia de fondo de la novela para sumergirse directamente en la rocosa vida interior de su personaje central, la película comienza con la llegada de Leda (Colman), una profesora británica divorciada de literatura italiana, a una isla griega. Parece tentada y desanimada por la alegre familiaridad de Lyle (Ed Harris), el cuidador estadounidense de su espaciosa casa de vacaciones. Al principio de la temporada, tiene la playa prácticamente para ella sola, lo que parece adaptarse a ella.

Cualquier apariencia de tranquilidad se evapora en un instante con la llegada de una familia estadounidense grande, ruidosa y vulgar. La atención de Leda se centra en una mujer joven, Nina (Dakota Johnson), que no parece del todo cómoda en su papel de madre. Mientras observa atentamente a la extraña y a su hija, Elena, Leda se emociona y su mente viaja de regreso a su propia experiencia temprana de la maternidad, hace más de 20 años. Buckley entra en esas escenas de recuerdos, con los espinosos intentos de Leda de concentrarse en su trabajo mientras se ocupa de las demandas de atención de dos niñas, rápidamente transmitiendo la ambivalencia de una mujer que ama a sus hijas pero está ansiosa porque la alejen así ella puede tener su propio lugar en el mundo.

En la isla, Leda tiene un comienzo poco amistoso con la familia cuando se niega a mover su sombrilla y silla de playa para dejar espacio para ellos. Pero la cuñada embarazada de Nina, Callie (Dagmara Dominczyk), viene con una ofrenda pacífica de pastel de cumpleaños. Cuando menciona al hijo que está esperando, Leda responde con frágil finalidad: "Los niños son una responsabilidad abrumadora".

Esa hostilidad límite hacia las expectativas tradicionales de la maternidad resuena a través de las escenas del pasado y el presente, particularmente cuando la joven Leda intenta negociar el avance profesional sin descuidar a sus hijos. Buckley es excelente para rastrear esos sentimientos bifurcados: el terrible miedo al confinamiento doméstico que bloquea todo su potencial, chocan contra la vergüenza por no cumplir con sus obligaciones maternas. Ese conflicto se profundiza cuando un encantador profesor de literatura mayor (Peter Sarsgaard) expresa admiración por su trabajo, abriendo una ventana a una escapada romántica.

Gyllenhaal y el exitoso editor Affonso Gonçalves sostienen un fluir de ida y vuelta entre el pasado y el presente de Leda, donde sus momentos de sensualidad liberada chocan con sentimientos que pueden ser remordimiento o culpa, pero que rara vez son tan cortados y secos en la enigmática actuación de Colman.

Cuando Elena se aleja de la playa para jugar cerca, la familia entra en pánico y Leda se hace querer por ellos al encontrar a la niña desaparecida. Pero ella roba algo precioso que pertenece a la niña, dejando a Elena inconsolable y manteniendo a su familia atrapada en modo de búsqueda. El impulso detrás del acto de Leda sigue siendo ambiguo, quizás desconcertante incluso para ella misma, aunque fragmentos del pasado y sugerencias de la distancia emocional que la separa de sus hijas adultas insinúan las razones de su comportamiento desordenado.

Los coquetos encuentros de Leda con Lyle y el trabajador temporal irlandés Will (Paul Mescal) la devuelven al presente. Pero la conexión más fuerte que se forma es con Nina. Johnson hace uno de sus mejores trabajos en la pantalla hasta la fecha como una mujer que parece hacerse preguntas similares a las que se hacía Leda 20 años antes: ¿se contentará con tener su vida definida por la maternidad, interpretando a la esposa recatada para el desagradable marido (Oliver Jackson-Cohen)?

Desde su primer encuentro, ella parece hechizada por Leda, como si instintivamente la identificara como un alma gemela. Nina la convierte en una confidente cuando planea una transgresión fuera de su matrimonio, y la busca para pedirle a Leda respuestas que ella misma no tiene. Y Leda claramente siente una ternura por Nina que parece arraigada en el reconocimiento.

Eso hace que su continuo engaño sea aún más inquietante, como una especie de sabotaje que apunta a la culpa, el disgusto y el autocastigo por sus acciones de hace mucho tiempo, pero también posiblemente al desafío en la caracterización atrevida de Colman, que se niega a suavizar el desapego de Leda. Incluso su rabia cuando un grupo de jóvenes alborotadores interrumpen la proyección de una película parece desproporcionada, lo que indica un estado de ira que se filtra tanto hacia ella como hacia cualquier otra persona. Cuando ella suelta "¡Soy una madre antinatural!" en medio de una acalorada confrontación, la admisión parece a la vez impactante y extrañamente liberadora.

Rodeándose de colaboradores independientes de primer nivel, Gyllenhaal modula el estado de ánimo con gran habilidad, manteniendo al espectador adivinando hacia dónde se dirige la historia y creando un suspenso genuino a partir del robo de Leda y la constante amenaza de descubrimiento. La directora de fotografía francesa Hélène Louvart se vuelve aún más íntima con sus primeros planos de prueba aquí. También hay ecos del color exuberante y casi violento que trajo a la vida invisible criminalmente oculta de Karim Aïnouz.

Como primer largometraje, The Lost Daughter es ciertamente ambiciosa, con una protagonista definida por su interioridad turbia y naturaleza extraña, a menudo ilegible, de las relaciones que establece con todos los que encuentra. Pero Gyllenhaal y su elenco impecablemente elegido lo convierten en un drama psicológico fascinante.


lunes, 3 de enero de 2022

Crítica Cinéfila: Harry Potter 20th Anniversary - Return to Hogwarts

Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se unen al cineasta Chris Columbus y a otros queridos miembros del reparto de las ocho películas de Harry Potter en su viaje de regreso a Hogwarts por primera vez para celebrar el aniversario de la primera película de la franquicia, Harry Potter y la piedra filosofal, que se estrenó hace 20 años.



20 años: para los que no son tan fanáticos dirán que ya ha pasado mucho tiempo, pero para los que todavía escuchamos el tema de Hedwig y se nos encoge la piel de nostalgia se siente como que fue ayer. Es tan solo una reiteración nostálgica de la aventura increíble que comenzó con el logo de Warner Bros en un cielo nublado y la curiosidad de un niño huérfano que sobrevivió lo imposible y creció para convertirse en un héroe inigualable. ¿Cómo es posible que ya ha pasado 20 años del nacimiento de una de las sagas más populares del mundo del cine, la cual recaudó 1,405 millones de dólares en taquillas y ocupa el 3er lugar de series cinematográficas con las mayores recaudaciones del mundo? Pero dejando a un lado la parte mercadológica, ¿cómo es cierto que ya ha pasado todo ese tiempo desde la primera vez que escuchamos por primera vez el nombre Harry Potter en la pantalla grande?

La reunión del cast de Harry Potter por Vigésimo aniversario desde el estreno de La Piedra Filosofal, titulado "Harry Potter 20th Anniversary - Return to Hogwarts" es esto mismo: un retorno a estar en contacto con la magia, desde la mirada de aquellos que la hicieron posible para los que seguimos esta franquicia con tanta devoción. 

La reunión inicia con una pequeña secuencia donde los actores y actrices que le dieron vida a los personajes de J.K. Rowling se encuentran en el Britain's Leavesden Studios, ahora convertido en un museo donde los fanáticos visitan los sets originales donde se grabaron las películas de Harry Potter. Y aunque supuestamente no existe la magia, ver a estas estrellas reunirse otra vez después de tantos años sin verlos juntos frente a una cámara, se acerca bastante a ser un momento mágico. En un espíritu navideño, se observan estos rostros conocidos abrazarse con regocijo mientras una secuencia de baile inspirada en el ball de El Caliz de Fuego ocurre a su alrededor.

De ahí, la reunión se convirtió en puro llanto, provocadas por entrevistas individuales a todos los actores, conversaciones entre los directores y las estrellas, encuentros "íntimos" entre nuestros mejores amigos favoritos y más momentos que solo reiteran que tan especial es esta saga.

Obviamente, no puede llamarse una reunión de Harry Potter sin la presencia de Emma Watson (Hermione Granger), Rupert Grint (Ron Weasley) y Daniel Radcliffe (Harry Potter), el trío principal de esta saga, y quienes relatan cómo fue su primera lectura de química, cómo fue su crecimiento entre cada película, interactuar con actores considerados ya de alto calibre, como Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange) y Gary Oldman (Sirius Black), y cómo, a pesar de que sabían que eso venía, el cierre estuvo cargado de lágrimas por ser la despedida a 10 años de familia en un set.

Warner Bros y la productora ejecutiva Casey Patterson realizan este documental dividiendo el camino a través de las ocho películas de la saga por capítulos, dónde de una manera inteligente relacionan las producciones a las particularidades emocionales que fueron viviendo los actores y actrices mientras crecían junto a la franquicia. Uno de los detalles más enriquecedores de la reunión fueron las entrevistas a cada director que formó parte de esta aventura, y cómo fueron seleccionados para cada determinada película de acuerdo al estilo tan específico que cada uno ya había llevado al set en proyectos anteriores. Otro aún más enriquecedor fue escuchar los secretos detrás de escena, como el hecho de que Richard Harris (quien interpretó a Dumbledore en las dos primeras películas) creyó que el ave Fénix de su oficina era un ave real entrenada, que en realidad sí se utilizaron velas reales en la secuencia de entrada de los estudiantes de nuevo ingreso en el Gran Comedor (La Piedra Filosofal) o que el beso de Hermione y Ron fue una de las escenas más complicadas de grabar.

Todos los involucrados en Harry Potter se interesaron en ser parte de la misma manera: ese primer acercamiento con los libros; y aunque J.K. Rowling (por razones obvias) solo tuvo participación con imágenes de archivo de una entrevista realizada para el tour de Warner Bros Inglaterra, es importante recalcar que ella es la responsable de que todos hayan podido experimentar un poco de magia en las cuatro paredes de nuestro hogar, gracias al universo tan complejo y completo que creó a través de sus libros de Harry Potter. Y así como ella, algunos otros queridos actores no estuvieron presentes, mientras que a otros que fallecieron hace poco se les hizo un homenaje, entre ellos destacándose Alan Rickman, quien falleció de cancer de pancreas en el 2016. "Se sintió como haber perdido a un familiar", dijo Emma Watson en un momento, y es que la saga de Harry Potter se siente tal cual: cómo esa familia de seres especiales donde todos aquellos que socialmente hablando parecen no tener un lugar, aquí son recibidos.

Volver a revisar los detalles cinematográficos de esta franquicia y acercarse otra vez al final de las Reliquias de la Muerte parte 2 se sintió cómo abrir nuevamente aquella herida que cerramos hace años. Fue cerrar una vez más una etapa que marcó la vida de tantas personas de una generación, y sin duda, una despedida en llanto para aquellos que iniciaron sus carreras profesionales bajo nombres que se han convertido en parte de su esencia como personas. 

Todos los amantes del cine tienen una película que es la que los marca de por vida y le da introducción a esa gran pasión que llamamos cinefilia. En mi caso, mi obsesión por el cine, tanto por verlo como por ser parte de este, inició con Harry Potter y la Piedra Filosofal. Tenía apenas 7 años cuando ya había reconocido a lo que me quería dedicar toda mi vida. Y a partir de ese momento, Harry Potter fue una compañía inigualable, desde los libros y las películas hasta las mercancías coleccionables, y en la cual todavía puedo confiar que al proyectar una de sus películas, sus personajes y su universo me podrán seguir dando ese toque de magia, como lo logró en aquel entonces cuando tuve mi primera cita en el cine con mi mago favorito. El documental solo fue un dulce recordatorio, repleto de lágrimas, confirmaciones de datos curiosos y reencuentros nostálgicos que reiteran mi devoción a la saga.