Crítica Cinéfila: The Good Nurse

Charlie Cullen es un enfermero considerado uno de los asesinos en serie más prolíficos de la historia. Bajo el apodo "Ángel de la Muerte", Cullen era un padre y marido que se ganaba la vida como cuidador. Su secreta afición de arrebatar vidas le llevó a estar implicado en la muerte de hasta 300 personas, repartidas entre nueve hospitales de las ciudades de Nueva Jersey y Pensilvania a lo largo de 16 años. 

Tuve la suerte de ver The Good Nurse sin saber absolutamente nada al respecto de su fuente de inspiración, solo sabía que era una película de Netflix protagonizada por Jessica Chastain y Eddie Redmayne. No tenía ni idea de cuál era siquiera "la buena enfermera" del título, no estaba familiarizada con el libro en el que se basa, ni siquiera con el hecho de que en realidad es una historia real. Por lo que sabía, era como una versión femenina de Freddie Highmore en The Good Doctor. Me senté solo durante dos horas aturdida por lo que estaba viendo que ocurría lentamente, un giro de eventos que no veía venir cuando me di cuenta de que tenía la misma experiencia de alguna manera como espectador que el personaje de Chastain, Amy Loughren, tuvo en la vida real. Es imposible escribir una crítica sensata de The Good Nurse y no revelar de qué se trata y ni siquiera a qué género pertenece. Así que esta es mi ALERTA DE SPOILER. Proceda con precaución.

Basado en un libro ampliamente investigado por Charles Graeber, The Good Nurse es una historia de crimen real sobre un notorio pero inusual asesino en serie llamado Charlie Cullen, que logró ir de hospital a hospital a conseguir trabajos como enfermero sin ser descubierto. Finalmente, en uno de ellos, los administradores del hospital llamaron a la policía cuando varios pacientes estaban muriendo misteriosamente. Era un patrón que desbloqueaba el misterio de lo que estaba sucediendo, y en realidad lo que había sucedido en muchos otros hospitales, todos con un empleado en común.

Adaptando este libro, que apuntaba fuertemente en la dirección de ser principalmente sobre las malas acciones de Charlie, que puso dosis letales a pacientes desconocidos que se encontraban en la Unidad de Cuidados Intensivos para llevar a cabo sus acciones sádicas; la escritora nominada al Oscar, Kristy Wilson-Cairns cambió el enfoque al de Loughren (Chastain), una enfermera sobrecargada pero dedicada, y quien fue fundamental para poner fin a la juerga de asesinatos de Cullen, pero lo que se vuelve igualmente importante aquí en la versión cinematográfica, ya que el énfasis está en una palabra que la define: "humanidad". Ella realmente es una buena enfermera, y en gran parte es una muy buena amiga de Charlie, que viene a trabajar al hospital y él le da el tipo de alivio que necesitaba desesperadamente para trabajar de noche para estar con sus hijos durante el día. Se acercan; para ella, él es un regalo del cielo, incluso cuidando a sus hijas, cocinando para ella y otras cosas que los amigos hacen el uno por el otro.

Así que se convierte en una conmoción cuando, después de una serie de muertes extrañas e inexplicables, algunos dedos apuntan a Charlie. Ella no lo cree, y no lo creerá, pero pronto no puede evitar la verdad una vez que un par de policías (Nnamdi Asomugha y Noah Emmerich) son llamados y tienen que lidiar con administradores de hospitales que básicamente están más interesados en salvar su reputación y la de la institución que en hacer lo correcto. Finalmente, reclutan a Amy bajo discreción, quien finalmente acepta a regañadientes se pone un micrófono oculto e intenta atrapar a Charlie en una confesión.

Esta sería una situación aterradora para cualquiera, pero Amy es bastante extraordinaria, ya que en su lugar utiliza la amabilidad y un enfoque humano hacia Charlie, una contradicción de muchos que podrían recurrir a la violencia para luchar contra la violencia. Se convierte en su historia: una mujer y una madre que puede estar muriendo por sí misma, trayendo cada fibra de su ser para hacer lo correcto, pero para hacerlo a su manera, sin duda un enfoque que la policía y los administradores del hospital han fallado en hacer.

Tobias Lindholm, un director danés de películas como A Hijacking y A War, hace un sensacional debut cinematográfico en inglés aquí guiando cuidadosamente la historia que, como he descubierto desde entonces, ha aparecido en 60 Minutes y en un documental (este último debutará en Netflix dos semanas después de la apertura de la película, otra buena estrategia de la página de streaming para seguir contando historias de Asesinos en serie). Emplea el estilo más sutil de un thriller, donde descubrimos la horrible verdad justo cuando Amy comienza a hacerlo. Es enormemente efectivo, al igual que el meticuloso guión de Wilson-Cairns, la edición precisa de Adam Nielsen junto con la cinematografía silenciada de Jody Lee Lipes.

Chastain, saliendo de una victoria en el Oscar interpretando otro papel de la vida real como Tammy Faye Baker, captura la compasión y el cordialidad de Loughren, junto con la convicción de que de alguna manera dependerá de ella terminar finalmente con esto, una persona común llamada a hacer algo que nunca podría haber imaginado. Ella es genial en el papel, y Redmayne interpretando el tipo de personaje oscuro que nunca lo hemos visto hacer antes es simplemente asombroso trayendo un tono vocal espeluznante y una fisicalidad tan particular al papel que causará escalofríos. Es un retrato de combustión lento, pero complejo porque Cullen nunca da una pista de por qué se ha convertido en este asesino sin pretensiones, no en el tipo normal de asesino en serie que a menudo vemos en las películas y en la vida real. Como se presenta aquí, hay una gran construcción para el personaje, ya que realmente está apoyando a Loughren durante la primera mitad de la película, pero el punto de inflexión es realmente genial.

El resto del reparto es excelente, incluyendo Asomugha, Emmerich y especialmente Kim Dickens, que interpreta el tipo de gerente para el hospital que da la misma cantidad de escalofríos a su manera que Cullen, pues es igualmente criminal por estar ocultando los crímenes que ocurren internamente para simplemente proteger la institución. En el verdadero caso, obtuvo un ascenso. "The Good Nurse" en ese sentido obtiene más gravedad en la forma en que también retrata el fracaso del sistema, en este caso los hospitales buscan su propio interés en lugar de los pacientes que cuentan con ellos. 

De esa manera, "The Good Nurse" tiene mucho en común con el ganador del Oscar "Spotlight", que se enfrentó a la Iglesia Católica, o incluso la excelente película protagonizada por Paul Newman "The Verdict" de Sidney Lumet en 1982, que también se centró en una persona que se levantaba contra todo pronóstico por el bien común. Pero lo bueno es que siempre habrán personas de buen corazón que tratarán de hacer el bien como ente individual y separado del sistema.

Crítica Cinéfila: The Eyes of Tammy Faye

Biopic del extraordinario ascenso, caída y redención de la telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker.

En “The Eyes of Tammy Faye”, Andrew Garfield y Jessica Chastain interpretan a Jim y Tammy Faye Bakker, las personalidades cristianas de televisión con un estilo muy propio que hicieron mucho más que cualquier otro predicador para moldear el teleevangelismo en un cambio de juego, que sacudió la cultura, y las tarjetas de crédito. La película, que es una fascinante saga de ascenso y caída, fue dirigida por Michael Showalter, quien casi siempre hace comedias, por lo que es de esperar esta película como una deliciosa rebanada de arte satírico.

Hay un poco de eso, pero Showalter está tramando algo más astuto y tal vez más profundo. En "The Eyes of Tammy Faye”, les da a Jim y Tammy Faye Bakker toda la dignidad y el escándalo de su humanidad. Él sabe que mucha gente piensa en los Bakker como caricaturas ambulantes, y que en el caso de Tammy Faye, con su infame maquillaje de mapache de los años 60, estuvo al borde de la autoparodia. La historia de los Bakkers ya es exagerada. Así que Showalter, quien basó la película en el documental del mismo nombre de Fenton Bailey y Randy Barbato de 2000, tomó la astuta decisión de jugar todo en orden. Los Bakkers, más de tres décadas después de su calumniosa caída en desgracia, no necesitan que se burlen de ellos, necesitan ser entendidos. Chastain y Garfield ofrecen actuaciones que son descaradamente entretenidas pero también astutas y en capas, ya que los personajes quedan atrapados en algo mucho más grande que ellos mismos. Los Bakkers eran vendedores ambulantes de gran envergadura, y la película usa su espectacular telenovela codiciosa para contar la historia estadounidense más amplia de cómo el cristianismo acaparó el mundo del espectáculo.

La película se pone en marcha en 1960, cuando Jim y Tammy Faye se encuentran en una universidad bíblica de Minneapolis donde Jim ya es un showman. Con su peinado para atrás y su sonrisa fácil, parece uno de los primeros rockeros de la época. Solo tiene 20 años, pero conoce las Escrituras, y cuando está en el escenario durante un seminario de estudiantes predicadores, mirando hacia los bancos con un par de docenas de otros estudiantes en ellos, quiere ser más que un mensajero aburrido para Dios. Jim quiere atrapar a la gente, hacer que lo escuchen. Por supuesto, eso significa hacer todo lo que los demás no hacen.

Jim les pregunta a los estudiantes por qué el cristianismo siempre tiene que ser tan sombrío y castigador. ¿Por qué no puede tratarse de ser recompensado aquí y ahora? Se está burlando de la piedad desaliñada de la universidad, razón por la cual Tammy Faye, sentada en los bancos, se ríe. Pero al escuchar las palabras de Jim, ya podemos escuchar una versión temprana del evangelio según personas como Joel Osteen (el último heredero de los Bakker), quien predica con un enorme globo dorado girando detrás de él, diciéndole a su rebaño de millones que ser cristiano puede significar tener una vida que brilla con éxito. Jim ya está vendiendo el mensaje de que la fe paga, un mensaje que predicará hasta el banco.

Mientras tanto, Tammy Faye es una creyente vivaz que se enamora de Jim y está feliz de unirse al tren de su fe de espectáculo. Ella también es una artista nata; ella toma un gorro de baño de burbujas de Porky Pig y le da forma a Susie Moppet, un títere que le permite hablar con una voz de niña pequeña, que es a la vez linda y espeluznante, ya que es la forma divertida de Tammy Faye de acercarse a los niños (quienes son algunas de las primeras personas a las que los Bakkers se ganan), pero también porque Tammy Faye es una personalidad cautivadora que nunca es más ella misma que cuando es la voz de un títere.

Los dos se convierten en evangelistas de carretera sin dinero y con un coche de lujo. Pero cuando salen de un motel en Virginia, el destino los pone en contacto con Christian Broadcasting Network, una operación local dirigida por Pat Robertson (Gabriel Olds), quien los contrata para hacer un programa para niños, algo así como " Mister Rogers' Neighborhood” con historias bíblicas. En CBN, Jim se convierte en uno de los presentadores de "The 700 Club", el programa de entrevistas nocturno insignia de la estación. El programa había surgido originalmente como un teletón (en 1962, 700 miembros donaron $10 cada uno para mantener la estación a flote), pero Jim, con su voz aterciopelada y su rápido sentido del humor, tiene lo que se necesita para convertir en “The 700 Club” en una suave versión cristiana de “The Tonight Show”. No es solo el anfitrión, es la estrella. Y se vuelve adicto a él mismo.

También Tammy Faye. Ella insiste en ser una parte integral del imperio de la televisión (la primera de muchas demandas que la revelan como su propia mujer), y cuando a los Bakker se les da su propio programa, son pioneros en la nueva metafísica del teleevangelismo. El cristianismo se convierte en un espectáculo de variedades para sentirse bien. La horda piadosa se convierte en fan hipnotizada (y con sentimientos de culpa) para llamar a esas líneas telefónicas y prometer su dinero ganado con tanto esfuerzo. El paso del plato de colecta se convierte en un ritual de "Hagamos un trato", haciendo que los que están en casa se sientan parte del espectáculo.

Sin embargo, con los Bakkers, se vuelve más trastornado que eso. El gancho de su personaje de dos cabezas es lo identificables que son, por lo que los altibajos de su matrimonio se entrelazan con el espectáculo y parte de la recaudación de fondos. Tammy Faye, en un acto de agresión pasiva, primero le dice a Jim que está embarazada ante la cámara.

Garfield interpreta a Jim con modales de caballero pero, debajo de ellos, un brillo voraz que quiere la fama y la casa grande, como la que tiene su jefe, Pat Robertson. Funda PTL Satellite Network y se convierte en el síndico de la sala de televisión, engañando a su audiencia y usando su nuevo poder para representar sus deseos, que incluyen su atracción por los hombres. Cuando Tammy Faye ve a Jim luchando en el suelo, de una manera demasiado amistosa, con su asistente, se horroriza, no porque sus sentimientos sean homofóbicos, sino porque se da cuenta, con sorpresa, de que ella no conoce al hombre con el que se casó. Y eso se duplica cuando comienza a enterarse de los delitos financieros de Jim.

¿Por qué ver “The Eyes of Tammy Faye” en lugar del documental original, que es magnífico? Porque esta versión, al aumentar nuestra conexión con los personajes, arroja nueva luz sobre quiénes eran y por qué hicieron lo que hicieron. Es Tammy Faye quien viene a ocupar el centro espiritual de la película, y Chastain, aprovechando una extravagancia que nunca antes había abordado, la convierte en una fascinante diva-víctima que sigue evolucionando.

Primero, es una inocente radiante de los años 50 con un remolino de cabello de Donna Reed. Pasa de ser maestra de títeres con voz de bebé a ama de casa aburrida que se da cuenta de que le encanta ser el centro de atención; luego a feminista cristiana instintiva que, en una fiesta en casa, exige un asiento en la mesa de Jerry Falwell (él piensa que las mujeres deben ser vistas pero no escuchadas) y finalmente vocera de las minorías, como su invitación de Steve Pieters (Randy Havens), un hombre con SIDA, al programa, y ​​ya sea que sus lágrimas por él sean o no reales (con Tammy Faye, es una especie de ambas cosas), ella toma una posición de compasión.

Vincent D'Onofrio interpreta a Falwell como un brusco corredor de poder que considera que los homosexuales son depravaciones diabólicas, y vemos, a través de él, cómo el nuevo cristianismo se comercializará a sí mismo, compitiendo con la América secular en sus propios términos corruptos. Tammy Faye, por el contrario, es una exhibicionista alegre, pero al ofrecer el abrazo de Dios a las personas con SIDA, muestra lo que es el verdadero cristianismo y, por implicación, en qué se está convirtiendo el cristianismo que la rodea. Luego, un día se despierta y se da cuenta de que su esposo no solo es un mujeriego, sino un sociópata ladrón que vende acciones falsas para financiar el parque temático Heritage USA, usando promesas para Dios como una alcancía apalancada.

Jim, por supuesto, recibe la caída que se merece. Mientras tanto, Tammy Faye canta “El himno de batalla de la República” entre lágrimas. Chastain te muestra que Tammy Faye era bien influenciable y demasiado involucrada en el asunto para no ser parte del problema, pero también una especie de inocente. En cierto sentido, "The Eyes of Tammy Faye" es una excelente película. Retiene en cada paso del camino, y aunque es un poco larga, estos dos actores nunca se dan por vencidos. Garfield convierte a Jim en un estafador posmoderno que mira hacia nuestra propia era, y Chastain encuentra el corazón complejo de una mujer que tenía un amor genuino dentro de ella, pero amaba demasiado la fama. A su manera, crearon una patología que vivía más allá de ellos, todo construido alrededor de la pregunta: si la acción menos cristiana que uno puede hacer es vender su alma, ¿es de alguna manera más cristiano salvarla dando una apuesta más alta?

Crítica Cinéfila: It Chapter Two

Esta secuela nos sitúa 27 años después de los acontecimientos del primer filme, cuando los integrantes del llamado "club de los Perdedores" se ven obligados a cumplir con aquella promesa que hicieron al final de la misma.

Pennywise está de regreso. Y junto con él, trajo a los que soñó, ansió y extraño por 27 años. La maldición de Derry se rompe cuando ellos regresan y recuerdan todos aquellos traumas de su niñez, causados por un payaso que ahora viene con sed de venganza.

Año 2016. Han pasado casi 30 años desde que el Club de los Perdedores formado por Bill, Beverly, Richie, Ben, Eddie, Mike y Stanley se enfrentaran al macabro y despiadado Pennywise. En cuanto tuvieron oportunidad abandonaron el pueblo de Derry, en el estado de Maine, que tantos problemas les había ocasionado. Sin embargo, ahora de adultos parece que no pueden escapar de su pasado debido al pacto que se prometieron. En medio del festival de verano, ellos deberán enfrentarse de nuevo al temible payaso y descubrir si de verdad están preparados para superar sus traumas de la infancia, o agregar nuevas pesadillas a su lista.

Desde revisitar sentimientos viejos, hasta aclarar algunos momentos que nunca se contaron en la primera película, It vuelve como una película y media, para responder todas las preguntas que la versión anterior pudo haber dejado atrás. 169 minutos de largo parecería una exageración, pero cuando se trata de cerrar capítulos, mientras más largo, mejor se admira la trama. Aquí, la historia se ha inspirado en la estructura de aquella It de 1990, donde los flashbacks son un elemento importante para aclarar las situaciones que los llevaron a donde están en ese momento, pero también es un componente necesario para demostrar que las tortuosas escenas que vimos en el primer capítulo no fueron todos los enfrentamientos que Pennywise tuvo contra los niños durante el verano de 1988.

Sin embargo, el diseño de producción de los flashbacks deja interrogantes, como posters de películas que no concuerdan con el año en que realmente la película toma lugar, videojuegos, tipos de tecnologías y demás. Lo que parecía inspirarse de populares series como Stranger Things, no termina siendo completamente correcto con el año en que se supone se desarrolla. No obstante, los flashbacks no resultan del todo negativo, también se continúan explorando algunas temáticas sobre la juventud que en la primera historia se omitieron, como la homosexualidad, el miedo a los cambios, las inseguridades y los traumas físicos, esto siendo utilizado por el famoso payaso para tener bajo su control a los niños de Derry. Lamentablemente para él, esto pronto será utilizado en contra suya.

El cast se multiplica, presentando como lo mucho que el Club de los Perdedores ha cambiado, demostrando como algunos han arrastrado tras de sí mismos los mismos problemas que enfrentaban cuando eran niños, mientras que otros han logrado tratar de superarse a pesar de las adversidades de su pasado. Lo aún más interesante son las decisiones de personajes, aclarando que aquí todos son protagonistas de sus propias tramas y confrontando sus propios conflictos que han sido traídos desde la primera película y que aquí regresan para darle punto final. Los mejores desarrollados son Beverly y Eddy, quienes no solo continúan con los mismos traumas, sino también que logran superarlo a pesar de las consecuencias que esto trae al final.

Uno de los aspectos característicos del libro de Stephen King son las diferentes formas como Pennywise se presenta a sus atacantes: va desde sus peores pesadillas hasta criaturas fuera de este mundo. Pero algo que estuvo aún más presente en esta historia fue el uso de cuerpos ambulantes, personas que ya no son parte del universo de Derry pero que alguna vez sí lo fueron. Sin embargo, este parece ser el mayor atractivo, dejando a un lado el uso terrorífico de objetos inanimados como estatuas asesinas y escondites que se encogen (lo cual resulta aún más interesante) que unas docenas de zombies sin una razón específica más que revivir a los muertos de su pasado. Mientras más referencia hacia la primera película con un par de muertos deambulantes que eran personas de aquel entonces, más interrogantes deja la lógica del guión a nivel general, sobretodo por la doble trama que desarrolla.

Por supuesto, Pennywise es la atracción principal, y lo hace a su altura en cada uno de sus ataques. Aquí resulta aún más específico cómo se enfoca hacia los más débiles, aquellos que andan inocentes sin imaginarse que serán mutilados en cualquier momento. Cada niño/adolescente víctima de esta película estaba destinado a morir por razones lógicas. Es solo cuando el club de los Perdedores se une y dejan atrás estos miedos cuando realmente se puede apreciar la verdadera cara de Pennywise. Pero a propósito del famoso payaso, un increíble e no tan inesperado cameo fue el de Stephen King, el que al igual que al inolvidable Stan Lee, siempre lo convierte en un momento memorable de la película, independientemente si se relaciona al género.

Algunos dirán que no da miedo, otros dirán que los jumpscares están casi al mismo nivel que las risas, pero nadie podrá negarle la capacidad de hacernos retorcer en el asiento que It Chapter two logra en cada segundo de la película. La ciudad de Derry resulta la perfecta escenografía para este antagonista, sobretodo con todas las referencias a payasos que le rodean y sin dejar de mencionar el aclamado festival temático que esta vez tuvo como uno de los principales sets.

It Chapter two es entretenida, siniestra por momentos y nostálgica, dándonos motivaciones suficientes para leer el libro o recordar a aquellos con los que ya no compartimos. Sin importar la edad de los perdedores, Muschietti entiende y captura inherentemente lo que King hace en cada página no importan las cabezas cortadas con patas de araña, los gigantes demoníacos o el malvado Pennywise, lo que importa es el poder de la fe y la amistad. 

Molly's Game

Se centra en la vida de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que llegó a ser millonaria antes de los 21. Tras perderse los Juegos Olímpicos, Molly se fue a vivir a Los Ángeles donde incluso trabajó de camarera. Gracias a sus dotes empresariales, la joven acabó ganando millones de dólares con el mundo del póker antes de que el FBI la investigara. (FILMAFFINITY)

Siempre quise aprender a jugar poker. Es un juego de estrategias que demuestra no solo quién es más audaz con las cartas, sino también quién sabe engañar más a su competencia. O por lo menos así es que Molly lo plantea.

Molly Bloom es una mujer de tácticas, quien desde muy joven aprendió a planear sus propias estrategias de vida. Así logró independizarse de sus padres (sin remordimientos), conseguir dos trabajos en Los Angeles y trabajar como secretaria en un juego de póker anónimo, donde solo asistían famosos. De ahí, pasó a crear su propia mesa de póker e invitar a empresarios, actores y demás personajes que convertirían su negocio en algo más peligroso, involucrando mafiosos rusos y falsos empresarios.

La voz narradora de Jessica Chastain le cuenta a la audiencia la difícil vida de este personaje: su relación complicada con su padre; cómo su personalidad fue construyéndose hacia una actitud impositora por las distintas circunstancias de su vida; cómo trabajar en un bar le consiguió otro como secretaria de un hombre que casualmente organizaba juego de pókers ilegales; cómo estar en esos juegos la motivó a crear su propio juego de póker; cómo una "mala jugada" de ella lo convirtió en algo verdaderamente ilegal. 

El desarrollo e interesante arco del personaje de Molly es complementado por la actuación de Chastain, quien hizo a la protagonista lo suficientemente interesante para mantener a su audiencia interesada durante los 144 minutos de duración de la historia; sin embargo, esta misma fuerza actoral faltó en otros personajes que, para la sorpresa de muchos fanáticos, no fueron tan impactantes como suelen ser, y esto se debió fortalecer más desde la dirección.

Por otro lado, el guión es narrado de una manera dinámica y entretenida, donde se logra enfocar la atención en dos aspectos importantes de la vida de Molly: su crecimiento como empresaria y administradora de un juego de póker, y el proceso judicial que tuvo que vivir cuando fue expuesta por el FBI, dos años después de que ya había cerrado su "negocio". El estilo narrativo en que se ha desarrollado la historia logra mantener el tono que se establece desde un principio y la velocidad en la que sucederán las escenas. Así mismo, el montaje se motiva a no solo ser un elemento estructural, sino también a dar lecciones de póker, enseñar las estrategias y destacar los mejores detalles de la trama.

Molly's Game es una película que motiva a ser emprendedor, pero a la vez saber los peligros que se pueden enfrentar en el camino. Es entretenida, es divertida y tiene un paso que mantiene a su audiencia atento a las situaciones.

La casa de la Esperanza (The Zookeeper's Wife)

Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, ayudaron a salvar a cientos de personas (y también a muchos animales del Zoo) de los nazis tras la invasión de Polonia por las tropas alemanas en septiembre de 1939. (FILMAFFINITY)

El Holocausto es uno de los hechos que ha marcado más la humanidad y que siempre tendrá nuevas historias para ser explotadas en el cine. Se han publicado novelas y aperturado museos en honor a personajes que fueron los encargados de salvar cientos de vidas cuando todo se creía perdido. La historia de Jan y Antonina no era solo para ser narrada a través de las páginas de un libro... ni tampoco para mostrarla con una sutileza que ninguna trama sobre esta época ha podido plasmar.

The Zookeeper's Wife nos traslada a Varsovia, una de las principales ciudades que fue atacada por el ejército alemán en pleno Gueto. El principal escenario de los bombardeos es el Zoológico de Varsovia, donde los esposos Jan y Antonina tienen una villa y conviven junto a sus animales. Ambos son testigos de las primeras explosiones de la guerra dentro de la ciudad, viendo como sus animales más preciados eran víctimas de este hecho. Después de tratar de ayudar a unos amigos, deciden convertir su zoológico en un refugio de judíos: un zoológico humano.

El cine de Niki Caro se ha caracterizado por presentar personajes con personalidades fuertes y complejas, lo cual logra captar la atención del público sin necesidad de tener una trama muy llamativa, como en Mulán, Whale Rider y North Country; sin embargo, y a pesar de los grandes esfuerzos de preparación de Jessica Chastain, a Antonina le faltó fuerza, empoderamiento y sentimientos más pronunciados, para hacernos creer cómo estaba afectando todo este acontecimiento en su vida y la de su familia. Por momentos se ve forzada por el acento que maneja y en otros se le ve muy debilitada ante las situaciones que afrontaba. Después del segundo acto, en vez de reflejar cómo pudo salir adelante a pesar de que desconocía el paradero de su esposo, hundieron aún más a su personaje y lo disminuyeron al punto de que pudo haberse eliminado y la película hubiese salido adelante sin ella. Esto no es culpa de Jessica, sino de la guionista que no supo darle fuerza al tratamiento de su personaje.

Los aspectos técnicos no decepcionan. La fotografía y la colorización recrean una tonalidad que da la sensación de estar viendo un filme viejo, complementado por la dirección de arte, el vestuario y el peinado de cada personaje. Por igual, los efectos especiales del bombardeo, los enfrentamientos y la cremación fueron los que visualmente resaltaron, tratando de ocultar algunos errores de continuidad en muchas de las escenas a lo largo de la película.

Este filme tiene todas las buenas intenciones que su guionista y su directora se propusieron, pero no golpearon al público con la crudeza y mal sabor de esta situación y el simple hecho de tener que trasladarnos al Holocausto.