Temporada de premios 2026: Ganadores a la 98va entrega de los Premios de la Academia

"One Battle After Another" fue nombrada mejor película en la 98ª edición de los Premios Óscar, que se entregaron el domingo.

La dramedia de PTA se llevó seis premios Óscar en total. Paul Thomas Anderson también ganó el premio a mejor director y mejor guion adaptado, siendo estas sus primeras victorias en la Academia. Sean Penn, quien no estuvo presente en la ceremonia, ganó el premio a mejor actor de reparto, estableciendo un récord con su victoria en la historia de los Óscar. 

Este año, los Óscar añadieron una nueva categoría, la primera desde que se introdujo el premio a la mejor película de animación en 2002,  que reconoce el mejor reparto. Cassandra Kulukundis ganó el Óscar por "One Battle After Another".

Por otra parte, Sinners se llevó cuatro estatuillas. Michael B. Jordan fue nombrado mejor actor , mientras que Ryan Coogler ganó el premio al mejor guion original por su película, que también se alzó con el premio a la mejor banda sonora original para Ludwig Goransson y a la mejor fotografía para Autumn Durald Arkapaw, quien se convirtió en la primera mujer en ganar este galardón.

Las películas One Battle y Sinners impulsaron a Warner Bros. a una noche de éxito récord.

Jessie Buckley fue nombrada mejor actriz por "Hamnet". Amy Madigan ganó el premio a mejor actriz de reparto por su papel en Weapons .

La película KPop Demon Hunters ganó el Oscar a la mejor película de animación , mientras que la canción "Golden" de la película se convirtió en la primera canción de K-pop en ganar un Oscar, en la categoría de mejor canción original.

Frankenstein se alzó con tres premios: a mejor diseño de vestuario, mejor maquillaje y peluquería, y mejor diseño de producción.

Este año, la Academia también ha decidido incluir solo dos interpretaciones en vivo de dos canciones nominadas:  «Golden» de  KPop Demon Hunters  y «I Lied to You» de  Sinners , con el fin de agilizar la ceremonia y que termine a tiempo. El programa también incluyó homenajes a varias estrellas que fallecieron durante el último año, entre ellas Rob Reiner, Robert Redford, Diane Keaton y Catherine O'Hara .

La 98.ª edición de los premios,  presentada por Conan O'Brien por segundo año consecutivo, se transmitió en vivo por ABC y Hulu desde el Dolby Theatre en Los Ángeles. 

A continuación, la lista completa de ganadores:

Best Picture: One Battle After Another (Warner Bros.); Adam Somner, Sara Murphy and Paul Thomas Anderson, Producers

Bugonia (Focus Features); Ed Guiney & Andrew Lowe, Yorgos Lanthimos, Emma Stone and Lars Knudsen, Producers

F1 (Apple); Chad Oman, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Joseph Kosinski and Jerry Bruckheimer, Producers

Frankenstein (Netflix); Guillermo del Toro, J. Miles Dale and Scott Stuber, Producers

Hamnet (Focus Features); Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Steven Spielberg and Sam Mendes, Producers

Marty Supreme (A24); Eli Bush, Ronald Bronstein, Josh Safdie, Anthony Katagas and Timothée Chalamet, Producers

The Secret Agent (Neon); Emilie Lesclaux, Producer

Sentimental Value (Neon); Maria Ekerhovd and Andrea Berentsen Ottmar, Producers

Sinners (Warner Bros.); Zinzi Coogler, Sev Ohanian and Ryan Coogler, Producers

Train Dreams (Netflix); Marissa McMahon, Teddy Schwarzman, Will Janowitz, Ashley Schlaifer and Michael Heimler, Producers

Best Director: One Battle After Another (Warner Bros.), Paul Thomas Anderson 

Hamnet (Focus Features), Chloé Zhao

Marty Supreme (A24), Josh Safdie

Sentimental Value (Neon), Joachim Trier

Sinners (Warner Bros.), Ryan Coogler

Best Actress: Jessie Buckley in Hamnet (Focus Features) 

Rose Byrne in If I Had Legs I’d Kick You (A24)

Kate Hudson in Song Sung Blue (Focus Features)

Renate Reinsve in Sentimental Value (Neon)

Emma Stone in Bugonia (Focus Features)

Best Actor: Michael B. Jordan in Sinners (Warner Bros.)

Timothée Chalamet in Marty Supreme (A24)

Leonardo DiCaprio in One Battle After Another (Warner Bros.)

Ethan Hawke in Blue Moon (Sony Pictures Classics)

Wagner Moura in The Secret Agent (Neon)

Best Supporting Actress: Amy Madigan in Weapons (Warner Bros.)

Elle Fanning in Sentimental Value (Neon)

Inga Ibsdotter Lilleaas in Sentimental Value (Neon)

Wunmi Mosaku in Sinners (Warner Bros.)

Teyana Taylor in One Battle After Another (Warner Bros.)

Best Supporting Actor: Sean Penn in One Battle After Another (Warner Bros.)

Benicio Del Toro in One Battle After Another (Warner Bros.)

Jacob Elordi in Frankenstein (Netflix)

Delroy Lindo in Sinners (Warner Bros.)

Stellan Skarsgard in Sentimental Value (Neon)

Best Original Screenplay: Sinners (Warner Bros.); Written by Ryan Coogler (WINNER)

Blue Moon (Sony Pictures Classics); Written by Robert Kaplow

It Was Just an Accident (Neon); Written by Jafar Panahi; Script collaborators Nader Saïvar, Shadmehr Rastin, Mehdi Mahmoudian

Marty Supreme (A24); Written by Ronald Bronstein & Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Written by Eskil Vogt, Joachim Trier

Best Adapted Screenplay: One Battle After Another (Warner Bros.); Written by Paul Thomas Anderson

Bugonia (Focus Features); Screenplay by Will Tracy

Frankenstein (Netflix); Written for the Screen by Guillermo del Toro

Hamnet (Focus Features); Screenplay by Chloé Zhao & Maggie O’Farrell

Train Dreams (Netflix); Screenplay by Clint Bentley & Greg Kwedar

Best Animated Feature: KPop Demon Hunters (Netflix); Maggie Kang, Chris Appelhans and Michelle L.M. Wong

Arco (Neon); Ugo Bienvenu, Félix de Givry, Sophie Mas and Natalie Portman

Elio (Walt Disney); Madeline Sharafian, Domee Shi, Adrian Molina and Mary Alice Drumm

Little Amélie or the Character of Rain (GKIDS); Maïlys Vallade, Liane-Cho Han, Nidia Santiago and Henri Magalon

Zootopia 2 (Walt Disney); Jared Bush, Byron Howard and Yvett Merino

Best International Feature: Norway, Sentimental Value

Brazil, The Secret Agent

France, It Was Just an Accident

Spain, Sirat

Tunisia, The Voice of Hind Rajab

Best Documentary Feature: Mr. Nobody Against Putin (PINK); David Borenstein, Pavel Talankin, Helle Faber and Alžběta Karásková

The Alabama Solution (HBO Documentary Films); Andrew Jarecki and Charlotte Kaufman

Come See Me in the Good Light (Apple); Ryan White, Jessica Hargrave, Tig Notaro and Stef Willen

Cutting Through Rocks; Sara Khaki and Mohammadreza Eyni

The Perfect Neighbor (Netflix); Geeta Gandbhir, Alisa Payne, Nikon Kwantu and Sam Bisbee

Best Casting: One Battle After Another (Warner Bros.); Cassandra Kulukundis 

Hamnet (Focus Features); Nina Gold

Marty Supreme (A24); Jennifer Venditti

The Secret Agent (Neon); Gabriel Domingues

Sinners (Warner Bros.); Francine Maisler

Best Cinematography: Sinners (Warner Bros.), Autumn Durald Arkapaw

Frankenstein (Netflix), Dan Laustsen

Marty Supreme (A24), Darius Khondji

One Battle After Another (Warner Bros.), Michael Bauman

Train Dreams (Netflix), Adolpho Veloso

Best Costume Design: Frankenstein (Netflix); Kate Hawley

Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Deborah L. Scott

Hamnet (Focus Features); Malgosia Turzanska

Marty Supreme (A24); Miyako Bellizzi

Sinners (Warner Bros.); Ruth E. Carter

Best Makeup and Hairstyling: Frankenstein (Netflix); Mike Hill, Jordan Samuel and Cliona Furey

Kokuho (GKIDS); Kyoko Toyokawa, Naomi Hibino and Tadashi Nishimatsu

Sinners (Warner Bros.); Ken Diaz, Mike Fontaine and Shunika Terry

The Smashing Machine (A24); Kazu Hiro, Glen Griffin and Bjoern Rehbein

The Ugly Stepsister (Independent Film Company/Shudder); Thomas Foldberg and Anne Cathrine Sauerberg

Best Production Design: Frankenstein (Netflix); Production Design: Tamara Deverell; Set Decoration: Shane Vieau

Hamnet (Focus Features); Production Design: Fiona Crombie; Set Decoration: Alice Felton

Marty Supreme (A24); Production Design: Jack Fisk; Set Decoration: Adam Willis

One Battle After Another (Warner Bros.); Production Design: Florencia Martin; Set Decoration: Anthony Carlino

Sinners (Warner Bros.); Production Design: Hannah Beachler; Set Decoration: Monique Champagne

Best Film Editing: One Battle After Another (Warner Bros.); Andy Jurgensen

F1 (Apple); Stephen Mirrione

Marty Supreme (A24); Ronald Bronstein and Josh Safdie

Sentimental Value (Neon); Olivier Bugge Coutté

Sinners (Warner Bros.); Michael P. Shawver

Best Visual Effects: Avatar: Fire and Ash (Walt Disney); Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon and Daniel Barrett

F1 (Apple); Ryan Tudhope, Nicolas Chevallier, Robert Harrington and Keith Dawson

Jurassic World Rebirth (Universal); David Vickery, Stephen Aplin, Charmaine Chan and Neil Corbould

The Lost Bus (Apple); Charlie Noble, David Zaretti, Russell Bowen and Brandon K. McLaughlin

Sinners (Warner Bros.) Michael Ralla, Espen Nordahl, Guido Wolter and Donnie Dean

Best Sound: F1 (Apple) Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo and Juan Peralta

Frankenstein (Netflix) Greg Chapman, Nathan Robitaille, Nelson Ferreira, Christian Cooke and Brad Zoern

One Battle After Another (Warner Bros.); José Antonio García, Christopher Scarabosio and Tony Villaflor

Sinners (Warner Bros.); Chris Welcker, Benjamin A. Burtt, Felipe Pacheco, Brandon Proctor and Steve Boeddeker

Sirat (Neon); Amanda Vil

Best Original Song: “Golden” from KPop Demon Hunters (Netflix); Music and Lyric by EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seon and Teddy Park

“Dear Me” from Diane Warren: Relentless (MasterClass/Greenwich Entertainment); Music and Lyric by Diane Warren

“I Lied to You” from Sinners (Warner Bros.); Music and Lyric by Raphael Saadiq and Ludwig Göransson

“Sweet Dreams of Joy” from Viva Verdi! (Viva Verdi!); Music and Lyric by Nicholas Pike

“Train Dreams” from Train Dreams (Netflix); Music by Nick Cave and Bryce Dessner, Lyric by Nick Cave

Best Original Score: Sinners (Warner Bros.); Ludwig Goransson

Bugonia (Focus Features); Jerskin Fendrix

Frankenstein (Netflix); Alexandre Desplat

Hamnet (Focus Features); Max Richter

One Battle After Another (Warner Bros.); Jonny Greenwood

Best Live-Action Short:

The Singers (Netflix); Sam A. Davis and Jack Piatt (EMPATE)

Two People Exchanging Saliva (Canal+/The New Yorker); Alexandre Singh and Natalie Musteata (EMPATE)

Butcher’s Stain (Tel Aviv University Steve Tisch School of Film and Television); Meyer Levinson-Blount and Oron Caspi

A Friend of Dorothy; Lee Knight and James Dean

Jane Austen’s Period Drama; Julia Aks and Steve Pinder

Best Animated Short: The Girl Who Cried Pearls (National Film Board of Canada); Chris Lavis and Maciek Szczerbowski

Butterfly (Sacrebleu Productions); Florence Miailhe and Ron Dyens

Forevergreen; Nathan Engelhardt and Jeremy Spears

Retirement Plan; John Kelly and Andrew Freedman

The Three Sisters (Polydont Films/Rymanco Ventures); Konstantin Bronzit

Best Documentary Short: All the Empty Rooms (Netflix); Joshua Seftel and Conall Jones

Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud (HBO); Craig Renaud and Juan Arredondo

Children No More: “Were and Are Gone” (Sky); Hilla Medalia and Sheila Nevins

The Devil Is Busy (HBO); Christalyn Hampton and Geeta Gandbhir

Perfectly a Strangeness (Second Sight Pictures); Alison McAlpine

Crítica Cinéfila: Bridgerton, 4ta temporada

La cuarta temporada de Los Bridgerton se centra en el bohemio segundo hijo, Benedict (Luke Thompson). A pesar de que sus hermanos mayor y menor están felizmente casados, Benedict se resiste a sentar la cabeza... hasta que conoce a una cautivadora Dama Plateada en el baile de máscaras de su madre.

No es la pregunta más atractiva, pero es vital: ¿Cuánto ha aprendido nuestro querido Benedict Bridgerton sobre dinámicas de poder desde el inicio de la cuarta temporada de "Bridgerton" ? Afortunadamente: ¡muchísimo!

Cuando vimos a Benedict (Luke Thompson) a la mitad de la última temporada de la popularísima adaptación de Netflix de la querida serie romántica de la época de la Regencia de Julia Quinn, el segundo hijo de la noble familia que da título a la serie le había hecho una propuesta terrible a su amada. (El libro de Quinn centrado en Benedict se titula "Una oferta de un caballero" y, seguramente, pretende ser gracioso). Si bien entendíamos por qué Benedict pensaría que pedirle a la doncella Sophie Baek (la maravillosa Yerin Ha) que fuera su amante le resultaría atractivo (como miembro de la clase alta británica, no hay manera de que pueda casarse con alguien de una posición inferior; su descubrimiento de que un amigo caballero había convertido recientemente a su amada en amante con gran éxito había resultado ser una gran inspiración), también sabíamos por qué el concepto era tan ofensivo para la propia Sophie.

A lo largo de los cuatro episodios de la primera mitad, la showrunner Jess Brownell y su equipo de guionistas dejaron claro el turbulento pasado de Sophie. Hija de un caballero y una criada, Sophie quedó huérfana a temprana edad y fue obligada a servir a la amargada y mezquina Lady Araminta Gun (Katie Leung). Así que no, que le pidan ser la amante de un hombre rico (aunque sea un hombre rico al que ama) es prácticamente lo peor que le podrían pedir a nuestra heroína. Pero incluso sin que Benedict conozca la verdad sobre la ascendencia de Sophie, gran parte de la cuarta temporada se centra en que él aprenda los entresijos de las dinámicas de poder.

No es tan aburrido ni monótono como parece, porque, a medida que Benedict descubre más sobre el mundo que lo rodea (es decir, todo y todos los que no se rigen por las reglas y costumbres de la alta sociedad), también lo hace "Bridgerton". Y si bien la primera mitad de esta temporada parecía sobrecargada de subtramas, la segunda las desarrolla de forma más equilibrada, incluyendo las penas y los romances tanto de la élite londinense como de las clases más bajas. Al enseñarle a Benedict la riqueza de la vida, "Bridgerton" también empieza a solucionar sus propios problemas con la complejidad de las subtramas.

Sin embargo, nada de eso le quita a la serie su atractivo perdurable: historias de amor apasionadas e intensas. ¡Romance tormentoso! ¡Anhelo! ¡Malentendidos resueltos con un beso (y tal vez incluso una propuesta de matrimonio realmente buena )! Todo eso está disponible en la segunda mitad de la temporada 4, y la combinación de un romance apasionado y una trama mejor equilibrada para todos los que rodean a Bridgerton crea una combinación poderosa. Los fans de los libros de Quinn probablemente no se sentirán decepcionados por la inclusión de algunos de los momentos más memorables de Benedict y Sophie, y si bien la novela sobre su romance está plagada de elementos más desagradables, en la pantalla Benedict y Sophie han sido ligeramente modificados para potenciar su conexión genuina y el respeto mutuo.

Los otros grandes temas de la temporada —en particular el valor del chisme (un clásico en una serie parcialmente construida en torno al popularísimo boletín informativo de Penelope, Lady Whistledown) y el precio de las convenciones (un tema que se ve reforzado por la situación particular de Benedict y Sophie)— son cuestiones importantes y profundas para reflexionar, y "Bridgerton" las aborda con acierto. Y aunque pueda parecer que nuestros amantes dedican muchísimo tiempo a darle vueltas a estos temas (sobre todo Benedict, cuyo amor por Sophie ha transformado su desenfrenada vida en un estado de preocupación constante), esa decisión, en definitiva, hace que el final de la cuarta temporada resulte mucho más merecido.

Pero, antes de todo eso, los últimos cuatro episodios se toman el tiempo para ver qué pasa con todos los demás en el entorno de la pareja, todos igualmente asediados por preguntas sobre chismes, convenciones, romance y su significado. A pesar de haber criticado duramente el mundo del matrimonio (y las convenciones del matrimonio en general), Eloise (Claudia Jessie) vuelve a estar soltera y en el centro de la acción. ¿Es esto un adelanto de lo que (y quién) vendrá en la quinta temporada?

Mientras tanto, Francesca (Hannah Dodd) lucha con su propio matrimonio con el encantador Lord John Stirling (Victor Alli). Si bien la reservada pareja es feliz, la constatación de Francesca de que su vínculo físico podría no ser suficiente la sigue atormentando, afectando su estado emocional, que se ve constantemente perturbado por la vivaz prima de John, Michaela (Masali Baduza). Pero los fans de la serie saben que Francesca y Michaela están a punto de forjar una conexión más profunda, aunque solo sea posible gracias a una profunda tragedia, una de las más desgarradoras que la familia Bridgerton ha tenido que soportar (y esta es una serie que comenzó con la muerte de su querido patriarca).

Una breve visita de Anthony (Jonathan Bailey) y Kate (Simone Ashley) nos recuerda gratamente cómo puede ser un matrimonio amoroso, íntimo y apasionado, incluso dentro de los estrictos límites de la alta sociedad. Su regreso, aunque fugaz, es muy bienvenido, y esperamos que la serie continúe entrelazando historias nuevas con las de sus antiguos compañeros en las próximas temporadas. Al fin y al cabo, la serie se llama "Bridgerton", y echamos de menos a la familia cuando desaparecen. 

Sin embargo, el romance no es el único motor de la historia. Por otro lado, Penelope (Nicola Coughlan) reflexiona sobre su futuro como Lady Whistledown, al igual que Alice Mondrich (Emma Naomi) y Lady Danbury (la siempre majestuosa Adjoa Andoh), quienes también meditan sobre cómo emplear sus días. Un baile de color rosa saca a la luz estas cuestiones (¡y muchas más!) con el estilo suntuoso que solo "Bridgerton" podría ofrecer.

Eso no es todo lo que sucede en los últimos cuatro episodios de la cuarta temporada, pero el verdadero placer de esta entrega reside en ver cómo todo se desarrolla de forma fluida y consecutiva. "Bridgerton" siempre ha tenido dificultades para mantener el foco en su pareja protagonista y, al mismo tiempo, dar cabida a multitud de otras tramas (por no hablar de la inevitable necesidad de preparar al próximo hermano o hermana que tomará el protagonismo), pero la cuarta temporada demuestra que sí es posible, incluso poderoso.

Y, como a Netflix le encanta ofrecer una lista detallada de spoilers que no se revelarán de sus series más populares, lo único que podemos decirles, queridos lectores, es esto: esta temporada y toda su diversión no terminan hasta que aparezcan los créditos finales del último episodio. No se lo pierdan, creemos que es el evento de la temporada.

Crítica Cinéfila: Reality Check, Inside America's Next Top Model

Modelos, jueces y figuras clave de 'America's Next Top Model' analizan el controvertido legado del programa.

¿En qué momento se considera que un programa es un éxito rotundo? ¿Son los índices de audiencia? ¿Son los momentos de conversación informal? ¿Se las arregla de alguna manera para obtener acrónimos en el diccionario Collins? Sea cual sea la métrica que quieras usar, America's Next Top Model fue un fenómeno. Pero también fue un producto de su tiempo, una perpetuación de la invasiva y naciente telerrealidad y de los estándares de belleza que desde entonces, con razón, han caído en desgracia. En "Reality Check: Inside America's Next Top Model", nadie está "sonriendo". La docuserie de tres partes de Netflix es un maratón pandémico con cierta apariencia de autenticidad. Representa a Tyra Banks como un monstruo y a la cultura que permitió que el programa floreciera como profunda problemática.

Basta con una solo volver a verlo hoy en día para darnos cuenta de que probablemente vimos America's Next Top Model en la década equivocada, así que, por una vez, abordo este proyecto con la misma incredulidad de la Generación Z que ha definido el sentimiento retroactivo que ahora lo rodea. Pero, aun así, me quedé realmente impactada. Casi cuesta creer que, no hace mucho, algo así se considerara aceptable. Pero su arraigado sentido de juicio y crueldad es abrumador. Es el tipo de cosas que te hacen darte cuenta de lo necesario que era, y sigue siendo, desafiar las ideas culturales incisivas sobre cuán delgadas deben ser las personas, cómo deben verse sus dientes y piel, y cómo deben pararse, caminar y vestirse para ser consideradas "bellas".

Lo obvio de esta verdad hace que la propia Banks, quien aparece extensamente junto al entrenador de pasarela J Alexander, el director creativo Jay Manuel, el fotógrafo Nigel Barke y el productor ejecutivo Ken Mok, parezca una lunática. Constantemente hace declaraciones grandilocuentes sobre cómo su lucha por conseguir el posicionamiento en el desfile y por conseguir varios modelos atípicos en el elenco fue una especie de esfuerzo pionero para diversificar una industria asfixiantemente restrictiva, pero luego, de todos modos, todos los que participaron en el desfile fueron tratados como basura. Pero igualmente, cómo eso se fue viendo reflejado en el trato al mismo equipo de Tyra, como los J y Nigel, quienes fueron despedidos en un punto en que ellos eran parte de la imagen de ANTM.

Dada la vibra subyacente de TikTok, está editada como un reel de tres horas, alternando entre diferentes entrevistas a sus talentos, clips de archivo del programa y mosaicos de influencers agraviados. Esta sensación frenética puede ser cansona y claramente está destinada a alargar la duración, pero ocasionalmente las cosas se calman y se enfocan de manera más coherente en miniarcos específicos de controversia más abierta, algunos de los cuales son alarmantes. A los concursantes se les pesó en el programa y se les dijo si se veían gorditos, incluso al borde de la muerte, a pesar de que muchos tenían trastornos alimenticios ampliamente conocidos. Una concursante fue inequívocamente presionada para que se sometiera a una cirugía dental para cerrar un hueco en sus dientes; en una temporada posterior, a otra concursante se le aconsejó que se ensanchara el espacio. Una mujer cuya madre había recibido un disparo y quedado paralizada por un exnovio fue obligada a posar en una sesión de fotos celebrando la violencia armada. Un intercambio racial apareció en un episodio; en otro, una de las modelos engañó a su novio de toda la vida, fue filmada haciéndolo y luego tuvo que llamarlo para confesar, lo cual también fue filmado. Se me ocurrió que su postura, sollozando en el suelo, no tiene nada que ver con el modelaje, ni con ser top ni con nada. 

Reality Check establece constantemente paralelismos entre el trato que recibieron las modelos durante su tiempo en el programa y cómo ese trato aún las afecta hoy, en su percepción de sí mismas, de sus relaciones o de sus carreras, y luego aparece Banks para desviar la atención, cómplice de su tormento, alegando que los detalles más sutiles de la producción y la narrativa no eran realmente su territorio.

Es fácil descartar America's Next Top Model como un producto audiovisual para la audiencia moderna, y de manera similar es tentador descartar cualquier crítica contemporánea como intentos de revisionismo quejumbroso. Pero un hilo recurrente en Reality Check es que incluso en ese momento, varios concursantes y miembros de la producción sabían que lo que estaba sucediendo estaba mal, y lo aceptaron de todos modos, generalmente por miedo y otros porque consideraban que eso les garantizaría más audiencia. Esa es una propuesta muy diferente a un programa que simplemente está fuera de contacto. La forma deliberada en que estas mujeres fueron atormentadas y explotadas en nombre del entretenimiento fue macabra incluso en ese momento , y de alguna manera es menos defendible sabiendo que no fue la ignorancia lo que mantuvo a todos en marcha, sino la avaricia común y corriente. "Para bien o para mal", dice Mok en un momento sobre el brutal incidente de engaño, "ese fue uno de los momentos más memorables de Top Model ". Y eso es todo lo que importaba.

Crítica Cinéfila: It was just an accident

Vahid, un modesto mecánico iraní, se ve repentinamente forzado a rememorar su tiempo entre rejas a raíz de un encuentro casual con Eghbal, quien le recuerda a su sádico carcelero. Alarmado, Vahid reúne a sus antiguos compañeros de prisión para verificar la identidad de Eghbal. Pero... ¿Qué harán si resulta ser él?

Jafar Panahi ya no es el cineasta que una vez fue, transformándose de un humanista discreto (en películas como "The White Balloon" y "Offside") a un crítico abierto del régimen iraní, como se revela en su nuevo y contundente thriller político, "It Was Just an Accident". La mayor ironía de ese cambio es que Panahi tal vez nunca se habría vuelto tan explícitamente desafiante con sus perseguidores si el propio sistema no hubiera intentado reprimirlo con tanta dureza. Arrestado varias veces por supuesta propaganda y encarcelado en dos ocasiones (liberado solo después de iniciar una huelga de hambre), Panahi no puede evitar hacer arte, emergiendo entusiasmado y listo para contraatacar.

Lo mismo ocurre con los cinco personajes de "It was just an accident", que se han reunido casi como los ladrones de diamantes de "Reservoir Dogs" tras el atraco para señalar culpables e impartir justicia. Por extraño que parezca (para un drama de ritmo lento con interminables escenas de conducción y un desvío por la sala de maternidad), su mordaz y divertida tarea cruza del absurdo de Samuel Beckett con una de las películas de venganza más furiosas de Tarantino. Cada uno de estos supervivientes jura reconocer al fiscal cojo que los torturó en prisión, aunque ninguno de ellos vio con sus propios ojos al hombre al que llamaban "Peg Leg" y "the Gimp".

A Vahid (Vahid Mobasseri) le vendaban los ojos cada vez que lo golpeaban, pero dice reconocer el sonido de los pasos de pata de palo cuando entra cojeando al taller donde trabaja. Para Shiva (Maryam Afshari), quien se niega a usar velo en su trabajo como fotógrafa de bodas, el olor del hombre lo delata: su apestoso olor a sudor. Mientras tanto, el impulsivo Hamid (Mohamad Ali Elyasmehr) insiste en que es la voz del hombre la que lo transporta a esos días traumáticos, cuando lo interrogaron y amenazaron, y lo dejaron de pie durante horas con una soga al cuello.

¿Y qué si ninguno de estos supervivientes logra una identificación visual positiva? Juntos, seguramente podrán determinar si el hombre atado en el maletero de Vahid es en realidad Eqbal, el opresor que tienen en común. ¿Cómo llegó a ser prisionero de Vahid? Ese es el desenlace del desconcertante primer acto de la película, que comienza con un hombre barbudo (Ebrahim Azizi) conduciendo a casa con su familia. Su esposa embarazada (Afssaneh Najmabadi) y su hija (Delmaz Najafi) bailan al ritmo de la radio cuando oye un cachorro, el sonido de un perro salvaje al ser atropellado por su coche. «Sin duda, Dios lo puso en nuestro camino por algo», razona su esposa, incapaz de comprender cuánto cambiará sus vidas este pequeño accidente.

Según la lógica narrativa tradicional, el público debería estar predispuesto a identificarse con esta familia, que parecen ciudadanos iraníes decentes. En un taller mecánico cercano, Panahi presenta a Vahid, pero no hace nada para despertar nuestra simpatía hacia él. En todo caso, este hombre da la impresión de ser un desaliñado, escondido entre las vigas del edificio como un niño asustado. Algo en la llegada de este extraño ha perturbado a Vahid, y no es hasta el día siguiente, cuando el hombre está solo, que sus motivos cobran protagonismo, ya que acecha y finalmente secuestra al señor con su furgoneta.

Vahid cava una tumba y se dispone a enterrar a su cautivo en un desierto desolado (desierto salvo por un árbol raquítico que parece sacado de una producción western). Sin embargo, su cautivo, presa del pánico, genera la duda justa para que Vahid busque otros testigos. "No hay necesidad de cavar sus tumbas. Ya lo hicieron por sí mismos", dice su amigo Salar (Georges Hashemzadeh), iniciando un diálogo que Panahi parece mantener consigo mismo en la película.

A estas alturas, las víctimas del régimen iraní superan con creces a sus opresores, cuyas medidas draconianas están creando, sin querer, la misma resistencia que intentan reprimir. Cuando la situación llegue a un punto crítico —y llegará—, Panahi se pregunta si la venganza ciudadana debería ser igualmente cruel o si deberían mostrar compasión. ¿Hasta qué punto puede estar lejos la revolución? Es revelador que Panahi ya no cuestione políticas específicas de forma indirecta (como "The Circle" retrató la desigualdad de género y "This Is Not a Film" refutó los límites a la expresión personal), sino que amenace abiertamente a sus amos con una venganza.

Al igual que su compatriota iraní Mohammad Rasoulof ("The Seed of the Sacred Fig"), Panahi sigue trabajando con las manos atadas a la espalda. Salvo Azizi, que interpreta a Eqbal, todos sus actores son aficionados, y gran parte de la producción de bajo presupuesto no se desarrolla en decorados tradicionales, sino a pocos metros de la furgoneta blanca de Vahid, o bien en la parte trasera, donde Shiva ha traído a la novia (Hadis Pakbaten) y al novio (el sobrino del director, Majid Panahi) de una reciente sesión fotográfica.

Su historia es la más desgarradora que escuchamos en una película que rebosa de ira, pero que aun así tarda en desarrollarse. La ira del director no sorprende, aunque el humor puede pillar desprevenido al público, como en una toma de la pareja empujando la furgoneta con su vestido de novia y esmoquin. Mientras la furiosa futura novia le dice al hombre con el que se supone que se casará: «Todo empezó antes que tú, y algún día tiene que acabar». Esa es la moraleja de una película que casi con seguridad volverá a poner en aprietos a Panahi.

Aunque la premisa simple recuerda a ciertos dramas posteriores a la Segunda Guerra Mundial en los que los sobrevivientes reconocen a los culpables nazis que una vez los aterrorizaron, la escalofriante escena final de la película se siente como un llamado a la acción. Durante la mayor parte de su metraje, "It Was Just an Accident" deja sin respuesta si Vahid y compañía tienen al hombre de una sola pierna correcto. En cierto sentido, no importa. La película muestra que aquellos que han sido agraviados, por protestar por condiciones laborales injustas o aparecer vestidos de manera inmodesta en público, ahora están unidos por su maltrato. Las historias de fondo de los personajes se inspiraron directamente en cosas que Panahi escuchó mientras estaba encarcelado, lo que sugiere que no podría haber escrito esta película sin conocer a personas de ideas afines en prisión. Eso significa que incluso si las autoridades toman medidas enérgicas contra Panahi, no está solo.

Crítica Cinéfila: El Agente Secreto

En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.

Los créditos iniciales de "El agente secreto", del director Kleber Mendonça Filho, sitúan la escena en Brasil, en 1977, y añaden: "un período de grandes travesuras". Y esa podría ser una descripción breve y apropiada de la película en sí: una travesía traviesa que incluye identidades secretas, policías corruptos, intrigas intrincadas, frivolidades carnavalescas, una pierna amputada en el estómago de un tiburón, acción brutal y sangrienta, un estilo cinematográfico de los años 70 deliberadamente estridente y un toque de reflexión y emoción a lo largo de casi dos horas y media.

¿Tiene todo sentido? No. "El agente secreto" es un caos —no literalmente, ya que, como casi todas las películas de Filho, se desarrolla en Recife, su ciudad natal, en Brasil— y la cohesión y la coherencia no son una prioridad. Pero su desorden forma parte de su encanto y de su esencia; una película que se tomara a sí misma más en serio que esta no permitiría que un tiroteo culminante se convirtiera en una salpicadura de gran guiño casi caricaturesca.

El director se inspira en sus recuerdos de Recife a finales de los 70, en el trabajo de su madre como historiadora oral y en el estilo de cierto cine de la época, con colores vívidos y sobresaturados. No hay nada sutil en la forma en que está filmada "El Agente Secreto", con una película brillante que grita "años 70" antes de que uno siquiera sepa de qué trata.  

De lo que se trata, sin embargo, es de Marcelo (Wagner Moura), un investigador tecnológico que llega a Recife durante la agitada semana de Carnaval. Marcelo huye de algo, pero no sabemos qué, mientras se aloja en un edificio anodino lleno de personajes pintorescos (incluido un gato con dos caras) y supervisado por una anciana que parece albergar muchos secretos. Pero, sobre todo al principio, la historia de Marcelo es solo una de varias líneas narrativas que se mantienen tercamente independientes entre sí: los policías corruptos, sus jefes aún más corruptos, la pierna humana encontrada en el estómago de un tiburón, los dos tipos que parecen ser muy buenos deshaciéndose de otros cuerpos...

Todo empieza a complicarse cuando esos expertos en eliminación son contratados por un poderoso empresario, al que Marcelo se había opuesto cuando intentó cerrar un instituto de investigación años antes. Pero Recife, durante el Carnaval, no es el lugar más fácil para encontrar a alguien, y la vibrante banda sonora brasileña intensifica el ambiente festivo, excepto cuando la música de Tomaz Alves Souza y Mateus Alves aparece para dotar a la película de un siniestro presentimiento.

Pero apenas se instala en el ambiente de thriller de los 70, aparecen un par de jóvenes con iPhones y computadoras Apple para escuchar grabaciones de Marcelo y otros en su época. Es un cambio discordante que parece ocurrir aproximadamente una hora después de comenzar la película, y luego las mujeres desaparecen durante otro largo rato; si bien parecen adiciones extrañas y superfluas a la narrativa, con el tiempo demuestran no ser del todo ajenas.

Por cierto, no hay verdaderos agentes secretos en "El agente secreto". A Marcelo, si ese es su verdadero nombre (no lo es), le dan un trabajo en una oficina que finge ser una estación de policía pero no lo es, mientras que un Udo Kier masticador de escenario aparece para mostrar todas sus cicatrices y la gente murmura conspirativamente a Marcelo, "es juego sucio al más alto nivel" mientras la banda sonora se vuelve más melodramática.

Hay flashbacks, una extraña secuencia de fantasía que involucra a esa pierna amputada corriendo desenfrenada en un parque lleno de gente teniendo sexo, y un tiroteo frenético que se deleita con alegría en mostrar exactamente lo que las balas hacen en la carne, al menos en un estilo propio de una película de acción y un sueño febril. Para un director que se dio a conocer con la intrincada y brillantemente discreta "Neighboring Sounds" en 2012, "The Secret Agent" es inesperadamente salvaje y florida; aunque, para ser justos, Filho iba en esa dirección con su última película narrativa, el febril western de 2019 "Bacurau". (Su última película en Cannes, sin embargo, fue el documental de 2023 "Pictures of Ghosts", un homenaje mucho más comedido a los cines de su barrio natal, uno de los cuales sirve como escenario crucial en "The Secret Agent").

El final trae de vuelta a uno de los investigadores modernos y le da a Moura algo nuevo que hacer. Pretende ser una coda más reflexiva y emotiva, y casi lo consigue. Pero, al llegar solo media hora después de una masacre desenfrenada y un lío sexual en un parque con una pierna amputada, es difícil encontrar el camino hacia la reflexión y la emoción. 1977 fue, al parecer, una época de demasiadas travesuras como para lograr ese cambio de tono.