sábado, 29 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: An Easy Girl
jueves, 27 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: Sputnik
El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.
Alien de Ridley Scott dejó un gran impacto en el horror ambientado en el espacio. Es difícil no incumplir y ceder ante Alien cada vez que hay un extraterrestre particularmente desagradable en el horror, especialmente si hay una escena de entrada. Aunque tan solo un 5% de la película toma lugar en el espacio, "Sputnik" intenta contrarrestar las constantes comparaciones con una presentación de personajes en el planeta Tierra y proyectado en la monótona sombra de la Guerra Fría. Y aunque la criatura y su monstruoso monstruo devorador de hombres es uno de los mejores sazones de la trama, el verdadero grosor de Sputnik se apoya en un drama interno entre los personajes.
Tatiana Yurievna (Oksana Akinshina) es una joven doctora apasionada, pero su voluntad de ir más allá de los límites de la práctica médica ética provocó una investigación que probablemente resultará en la revocación de su licencia. La controversia llama la atención del oficial militar Semiradov (Fedor Bondarchuk), quien recluta a Tatiana para evaluar un caso único en un centro de investigación secreto fuera de Rusia. Ese caso se centra en el cosmonauta Konstantin Sergeyevich (Pyotr Fyodorov), el único superviviente de un misterioso incidente espacial que, sin saberlo, lo dejó con un parásito extraterrestre que vive dentro de él y deja su cuerpo cada noche mientras está inconsciente.
En esta ocasión es Tatiana quien cuestiona si las decisiones que están tomando los oficiales son las correctas, donde será expuesta a la preferencia de poder controlar a la criatura y poder separarla definitivamente de Konstantin con el fin de entrenarla como arma letal, sin importar que esto podría ser letal no solo para la raza humana a nivel general, sino también para la misma criatura que lo más probable no pueda sobrevivir sin su portador. En medio de esto, Tatiana crea un vínculo con Konstantin que no solo le ayudará a comprender el pensamiento del parásito sino también cómo poder hacerlo no letal.
El guión de Oleg Malovichko y Andrei Zolotarev está mucho más interesado en conocer a Tatiana, sus métodos poco ortodoxos y su impulso, y su conexión lenta con Konstantin que en ver al extraterrestre en acción. Lo que significa que el tiempo en pantalla del extraterrestre es mínimo en comparación con la búsqueda mesurada de Tatiana por la verdad. Es una pena porque la película cobra vida cada vez que la criatura sale de la boca de Konstantin, ya sea destripando una presa o sintiendo curiosidad por su nuevo hábitat.Una vez que Tatiana recupera el enfoque, la película vuelve a la meditación silenciosa durante largos períodos. Sin embargo, y al ser un ritmo relativamente diferente al que la audiencia de ciencia ficción está acostumbrado, la trama exige una paciencia mayor. No se trata de la típica historia sobre un ser extraterrestre que ataca humanos, sino de la supervivencia y adaptación a los cambios. Y esto no solo se explora desde el punto de vista del parásito, sino desde la misma Tatiana teniendo que asumir este caso especial, y desde los mismos oficiales quienes tienen que adaptarse a los métodos impulsivos de ella para poder obtener algunas respuestas.
De manera muy particular, es importante distinguir las escenas del extraterrestre, el cual a pesar de haber sido completamente en CGI, la sutileza de sus efectos visuales son reconocibles y no se esfuerza por ir más allá para evitar caer en lo increíble. Se ve aplausible, al igual que todos sus ataques sangrientos, y aunque soy muy fanática del gore y la mutilación en el cine, las pocas escenas mostradas son suficientes gracias a su calidad visual.
Dirigida por Egor Abramenko, "Sputnik" está impresionantemente filmada, incluso con su ambientación simplista de los 80. El hecho de que los humanos sean personajes reservados que mantienen sus emociones ocultas en el fondo del ceño fruncido solo mejora el estado de ánimo frío y distante de la película. Ese es el punto. Por muy estimulantes que sean los momentos de las criaturas, esta película existe más como un comentario sobre la época y cómo da forma al descubrimiento de un extraterrestre que se apega a una figura pública.
La misión espacial de Konstantin que dejó a su compañero muerto nunca se explica al igual que lo que luego ocurre con el caso por el cual Tatiana está siendo juzgada, pero su país natal necesita tanto héroes para levantar la moral que esto no importa. Para no robarle a Rusia un héroe, se muda a una instalación fuera del país con la intención de evitar que la entidad parasitaria empañe un ícono de esperanza. Gran parte de "Sputnik" se trata de lo que no se dice y de leer entre líneas, como los pasados individuales de Tatiana y Semiradov, y su relación más allá de lo que parece a simple vista, pero la película espera su momento para quitar sus capas. Ese distanciamiento hace que vuelva tenso encontrar el punto principal de la película. Tatiana es el centro de la base, pero hay algunos hilos de la trama e ideas en el drama que nos obligan asumir a otro como el protagonista de la historia. Es una estructura oriental, particular y con un enfoque más allá de lo considerado tradicional.
Las expectativas al entrar jugarán un papel fundamental en la recepción. Aquellos que entren sabiendo que es un estudio de carácter meditativo a través de una pieza sutil, puntuada por momentos claves de violencia empapada de sangre, podrán adaptarse mucho más fácil a este mundo pausado. En última instancia, Sputnik fusiona una película de monstruos con un drama hermoso e imparcial, y la primera es mucho más exitosa de las dos. Abramenko no separa su película de su influencia alienígena, pero hay suficiente para mantenerte intrigado y anhelando más caos monstruosos.
viernes, 21 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: The Stranger (Miniseries)
Una joven que gana algo de dinero como taxi personalizado descubre su peor pesadilla cuando un misterioso pasajero se sube con ella en Hollywood Hills, y resulta ser un psicópata asesino.
jueves, 20 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: Project Power
En las calles de Nueva Orleans, se empieza a correr la voz sobre una misteriosa nueva píldora que desbloquea superpoderes únicos para cada usuario. La trampa: no sabes cómo te afectará hasta que la tomes.
Crítica Cinéfila: La Llorona
Treinta años después de un conflicto armado en Guatemala, se abre una causa penal contra Enrique, un general retirado que estuvo al frente del genocidio. Pero el juicio es declarado nulo y él es absuelto, y el espíritu de La Llorona se libera para vagar por el mundo como un alma perdida entre los vivos.
Todos los países de Latinoamérica tienen su propia leyenda de la Llorona muy particular a su propia historia, pero la idea es la misma, pero ¿qué ocurre cuando se toma la idea de la Llorona, atacando a quien literalmente mató a sus hijos? El director Jayro Bustamante revive la vieja leyenda con un toque más enfocado a una situación social. El resultado no es del todo satisfactorio, pero el concepto es creativo.
El general retirado Enrique finalmente enfrenta un juicio por el genocidio de indígenas mayas hace tres décadas. Aunque sostiene que estaba cumpliendo con su deber de acabar con las guerrillas, su comportamiento cada vez más senil pone en riesgo la casa. Eso es antes de las devastadoras confesiones en la sala de audiencias de las víctimas sobrevivientes de los crímenes pasados de Enrique que lo encuentran culpable. Hordas de manifestantes enojados amenazan con invadir, lo que hace que la familia de Enrique se atrinchere dentro de su lujosa casa. Cuando su personal huye, solo queda un ama de llaves leal. A medida que el horrible pasado de Enrique provoca una creciente ira del mundo exterior, la llegada de una nueva y misteriosa sirvienta coincide con una fuerza sobrenatural que tiene como objetivo deshacer por completo a la familia.
La Llorona, o la mujer que llora, es una de las figuras más conocidas del folclore latinoamericano. Los detalles de sus orígenes pueden diferir, pero la presunción general de su tradición habla de una mujer cuyo marido la deja por otra. En su dolor, la mujer ahoga a sus dos hijos en un río, y luego a ella misma cuando se da cuenta de lo que ha hecho. El acto la condena a vagar en el limbo, llorando por sus hijos perdidos y ahogando a los niños desafortunados que se cruzan en su camino. Con La Llorona, el cineasta guatemalteco Jayro Bustamante reinterpreta la leyenda y la aplica a una película de "terror" estratificada y políticamente cargada que evita lo sobrenatural en favor del realismo trágico.
Enrique y su pasado se basan en el pasado no muy lejano de Guatemala, fusionando la ficción con duras verdades históricas. El director Bustamante y su coguionista Lisandro Sanchez mantienen los horrores del reinado político de Enrique al frente de esta narrativa lenta. Hay una atmósfera espeluznante y algunos momentos sutiles de horror sobrenatural, pero no hay sustos que se puedan encontrar. Tampoco es esta la historia de Enrique; sufre de Alzheimer y se acerca al final de su larga vida. Escucha los gritos de La Llorona y tendrá que considerar su pasado antes de que termine la película, pero el enfoque narrativo está en las mujeres de su vida, la hija adulta y exitosa que cuestiona la verdad en las versiones de los hechos de su padre; la orgullosa esposa que se aferra con fuerza a su marido, a pesar de la ira que sus formas lujuriosas traen a la superficie; y la nieta inocente que es ajena a la historia familiar y que le ha tomado un gran cariño a la extraña nueva criada. La sorpresa más agradable de la película es la actuación de María Mercedes Coroy como Alma/la Llorona, quien sin una pizca de maquillaje extravagante y la simpleza de sus aspectos indígenas mayas son los que le dan ese toque espeluznante y de sospecha hacia lo que podría causar.Si bien muchas de las imágenes son poderosas y el contexto histórico agrega potencia al mensaje de Bustamante, el ritmo lento a menudo puede hacer que el tiempo de ejecución parezca más largo de lo que es. La historia carece de cierre para ciertos personajes a los que nunca se les dio el espacio para desarrollarse en primer lugar. El tercer acto tampoco ofrece sorpresas reales y termina con demasiada prolijidad. Además que los elementos del género son mínimos, por lo que es más un drama político de terror que un horror real.
En un momento determinado al principio de la película, la tensión crece y se establece la tonalidad que debió mantener durante toda la historia; a pesar de no venderse como una trama de terror, esas escenas nocturnas, donde Enrique (interpretado por Julio Diaz) toma su pistola con el plan de acribillar a la intrusa que llora en los pasillos de su casa, no solo habla de la interpretación muy propia que cada quien tiene a reaccionar a sonidos particularmente alarmantes en situaciones horroríficas. Sin embargo, esta tensión se pierde cuando el drama del pasado envuelve el presente y los pocos momentos terroríficos son mayormente psicológicos y emocionales, justificando el morbo de los asesinatos para salvar a un grupo. Muy al final se rescata ese mismo momento, creando la gran interrogante de cuál es el verdadero género que quería lograr Bustamante con esta historia.
Bustamante evoca por la justicia, y en el caso de La Llorona, es de la mano de un buscador de venganza folclórico. Ciertos aspectos de la historia son emocionalmente poderosos, mientras que otros hilos se sienten subdesarrollados. La previsibilidad de la dirección general significa que el ritmo lento puede arrastrarse y los elementos de terror son mínimos. Si esperas algo más relevante históricamente y un género adyacente, es más fácil encontrar una entrada a una narrativa que no siempre es de fácil acceso.
martes, 18 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: An American Pickle
Herschel es un inmigrante que se muda a Estados Unidos en 1920 con la esperanza de iniciar una vida mejor con su familia. Un día cae accidentalmente en una cuba de pepinillo y se queda en salmuera durante 100 años, despertando luego en perfectas condiciones en la moderna Brooklyn. La cosa se complica cuando descubre que el único miembro de su familia con vida es su bisnieto, con el que tiene muy poco en común.
viernes, 14 de agosto de 2020
Crítica Cinéfila: She Dies Tomorrow
Amy piensa que morirá al día siguiente... y es contagioso.
Es totalmente apropiado decir que "She Dies Tomorrow" es definitivamente una película para este momento particular, extraño y aterrador. Seimetz no lo sabía cuando hizo la película, por supuesto, pero una película basada en un sentido omnipresente agonizante que abarca cada esquina del planteta y que se transmite de persona a persona está en sintonía con el estado de ánimo desesperante del 2020.
Es una película sobre el pánico existencial que surge en un momento donde lo único que queda es protegerse de aquellos que lo transmiten. Eso podría convertirlo en lo último que algunas personas quieran ver en este momento, o podría convertirlo en un inquietante viaje indie a través de un mundo disfuncional que no es realmente nuestro, pero que parece que lo es.
El personaje principal llamado Amy (Kate Lyn Sheil), quien podría ser mejor conocida por la serie de televisión "House of Cards" y "The Girlfriend Experience" de Seimetz, pero es una verdadera reina del indie a través de películas como "Kate Plays Christine" y "Silver Bullets". La primera vez que la vemos es en un primer plano de su ojo mientras una lágrima sale. En poco tiempo, nos enteramos de que compró una casa nueva, tuvo una pelea con su novio y está desconsolada por una razón no especificada.
Caminando por su nueva casa, que todavía está llena de cajas sin empacar, Amy se pone un vestido de lentejuelas y se resiste a las súplicas de calmarse. Cuando su amiga Jane (Jane Adams) sugiere por teléfono que Amy se relaje y vea una película, ella responde con desdén, prefiriendo escuchar el Réquiem de Mozart, aunque, para ser justos, parece que nunca pasa de "Lacrimosa", cuatro minutos de grandiosidad maldita y depresiva.
Preocupada por su amiga, Jane va a visitarla y encuentra a Amy en el patio, en la oscuridad, con su vestido de noche, una copa de vino y un soplador de hojas. Amy explica que sabe que va a morir mañana, lo que asusta tanto a Jane que se va. Poco después, Jane se despierta con un sudor frío, convencida de que ella también va a morir al día siguiente.
Más rápido de lo que puedes decir "Coronavirus", la paranoia se propaga de un personaje a otro, atravesando un elenco de apoyo que incluye a Chris Messina, Katie Aselton, Josh Lucas, Tunde Adebimpe y otros. Jane llega a una velada de cumpleaños organizada por su hermano y su cuñada, y en poco tiempo ellos y sus invitados a la fiesta se sienten presos del mismo miedo. La historia se desarrolla en paradas y comienzos, en flashbacks (no siempre tan útiles como deberían ser) y en imágenes de ensueño; todos tienen sus momentos de revelación fatal, a menudo mientras están iluminados por una luz azul o roja intermitente.
Seimetz, quien anteriormente dirigió la película de 2011 "Sun Don't Shine" y "The Girlfriend Experience", no está interesado en deletrear las cosas. Las cosas suceden en destellos rápidos o se vislumbran a través de una puerta desde la habitación contigua; especialmente en el tramo inicial de la película, donde las escenas terminan abruptamente y se sienten cortadas, como si hubiera más que decir pero el tiempo no da para decirlo. Y Amy también se siente así, porque resulta que está convencida de que va a morir al día siguiente. Puede que no sepa cómo ni por qué, pero está segura de que sucederá, hasta el punto de que está investigando la logística de que la desollen y la conviertan en una chaqueta de cuero después de su muerte.Por supuesto, este plan no tiene sentido, pero "She Dies Tomorrow" no tiene sentido en general (en el buen sentido de la palabra). Deliciosamente desarticulado y alucinante, evita la solución fácil y confía en la extraña belleza de sus imágenes. Al principio, uno se pregunta cómo podría uno mismo en este estado mental abordar una película sobre la depresión, pero al final del día el trayecto se vuelve inquietante y absorbente. No nos despegamos hasta que llegue mañana.
Lo que comenzó como un psicodrama espeluznante sobre la depresión no puede evitar transformarse en una comedia negra fatalista, y de ahí en una especie de película de terror, o tal vez en todas a la vez, un acto de equilibrio perturbador con una mirada y narración intencionalmente desorientadoras pero escalofriantemente evocadora.
La mayor parte de la película tiene lugar durante la larga noche que precede al "mañana" que todos los personajes temen. La película en sí, que nos confronta y se deleita con su vaguedad, no está tratando de dejar un mensaje, particularmente uno sobre una pandemia viral específica que estamos enfrentando. Pero su exploración de un pánico que se extiende y el miedo a la muerte no puede dejar de hablar de la sensación de malestar y temor que nunca está lejos de la superficie en estos días.