Crítica Cinéfila: Anatomía de una Caída

Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tumultuosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira.

La última prueba de que las películas francesas más interesantes de hoy están dirigidas por mujeres, "Anatomía de una caída" (Anatomie d'une chute), de Justine Triet, marca un emocionante paso adelante para una cineasta que parece preparada para un mayor reconocimiento internacional.

Protagonizada por una sensacional Sandra Hüller como una novelista alemana juzgada por el asesinato de su esposo, esta segunda película de Triet a la competición de Cannes (después de "Sibyl" de 2019) es un drama apasionante y gratificante: en parte en el proceso legal, en parte como retrato de una mujer complicada por un matrimonio al borde. "Anatomía de una caída" trata, sobre todo, de la incognoscibilidad esencial de una persona, de una relación, y de la peligrosa imposibilidad de tratar de comprender lo que ha ocurrido, ya sea desde el punto de vista de un niño que se pregunta sobre sus padres o desde un tribunal que se esfuerza por encontrarle sentido a un sospechoso inescrutable. En otras palabras, es una película que se ocupa de la narración: las historias que contamos a los demás sobre nosotros mismos y las que nosotros, como individuos y sociedad, nos contamos sobre los demás.

Si el más mínimo cuestionante surgiese de "¿por qué esta película, ahora, de este director?" al principio, "Anatomía de una Caída" sirve en última instancia como un correctivo tonificante para el sensacionalismo y la simplismo de tanto contenido con temas criminales en estos días. Este es un trabajo matizado, que se resiste a la calidad burlona que caracteriza incluso esfuerzos de “prestigio” como el reciente "The Staircase" de HBO (basado en un caso de la vida real que comparte líneas generales y algunos detalles específicos con el caso ficticio de esta trama). La película también presenta una reprimenda sutil pero directa a cierto conservadurismo cultural arraigado (y quizás para algunos sorprendente) en Francia, particularmente en lo que respecta al género y la familia.

Es una flexión discreta de Triet. Tanto "Sibyl" (en la que Hüller desempeñó un divertido papel secundario) como "Anatomía de una Caída" giran en torno a escritoras cuyo instintivo rechazo a quedar encasilladas en las convenciones las mete en problemas. Pero la película anterior mezclaba farsa de dormitorio, melodrama, cine negro y thriller erótico con un abandono garabateado que era más divertido en teoría que en la práctica. "Anatomía de una caída" es una visión mucho más placentera, un poco paradójica, dado el tema grave de la película, el control sensato de la directora y el compromiso con la plausibilidad. Aunque hace que la historia sea claramente suya, Triet no intenta nada salvaje aquí, lo que resulta sabio; ¿Por qué jugar con un material tan jugoso o eclipsar a una actriz principal tan formidable?

Coescrita por Triet y Arthur Harari, la película comienza en un chalet en un suburbio nevado de Grenoble, en los Alpes franceses. Sandra (Hüller), una escritora alemana de unos 40 años que vive allí con su esposo francés Samuel (Samuel Theis) y su hijo de 11 años, Daniel (Milo Machado Graner), está siendo entrevistada por una estudiante de posgrado (Camille Rutherford). De repente, la música (una versión instrumental de “PIMP” de 50 Cent, para ser exactos) comienza a sonar a todo volumen desde la oficina de Samuel en el ático, lo que hace imposible continuar la entrevista. Es un gesto inequívocamente provocativo, que sugiere un matrimonio sumido en mezquinos antagonismos, y el enfado de Sandra es palpable bajo sus esfuerzos por ignorarlo. Ella se despide de la estudiante y sube las escaleras, mientras Daniel, cuya visión está afectada debido a un accidente años antes, saca a pasear a su perro. Cuando el niño regresa, su padre está muerto en el suelo afuera de la casa, con la sangre acumulándose debajo de su cabeza (y 50 Cent todavía sonando a todo volumen).

¿Samuel saltó desde la ventana del ático? ¿O Sandra lo empujó? Esas preguntas impulsan la tensión latente de la película; aunque Triet está menos interesada en las respuestas que en la falta de ellas, el efecto de la incertidumbre (de no saber cómo o por qué murió Samuel) queda en el destrozado joven Daniel, quien se convierte en los ojos del espectador a partir de este suceso. Mientras dice, con la voz llena de lágrimas: “Tengo que entender”.

"Anatomía de una caída" es incisiva en su descripción de la tendencia de un sistema legal a llenar los espacios en blanco de un caso con suposiciones y fantasías, aquí a menudo de naturaleza sexista. Pero lo que atormenta más a la película, dándole su carga de escalofriante obsesión, es la cuestión de cómo percibir a Sandra. Ella insiste en su inocencia, aunque no tiene una coartada ni marca las casillas del típico héroe acusado injustamente. Y, lo que es más importante, la cineasta no nos da ninguna garantía, o ningún acceso privilegiado a la información que nos permita formarnos una opinión verdaderamente segura.

Huller es una intérprete tan vívida y precisa que entendemos a Sandra, una intelectual que ha negociado los términos de la vida doméstica para que funcione para ella. Pero Richard Kimble no lo es. No podemos estar seguros de lo que hizo o no hizo Sandra, y Triet nos desafía a aceptarlo sin renunciar a ella. En la mayoría de las películas que se basan en el suspenso sobre si un personaje principal es culpable o inocente (desde "Suspicion", de Hitchcock, hasta "In a Lonely Place", de Nicholas Ray, pasando por Jagged Edge y "Basic Instinct"), hay una especie de colchón de consuelo, un coprotagonista en el que podemos refugiarnos. Aquí no.

La sensación de ambigüedad predominante se extiende a la relación de Sandra con su abogado, Vincent (Swann Arlaud), un viejo amigo que acude en su ayuda pero que puede tener motivos ocultos, o al menos sentimientos propios no expresados. Al contarle su versión de los hechos, Sandra parece protectora con Samuel, un escritor frustrado y profesor a tiempo parcial, y sostiene que él no se habría suicidado. Pero con una autopsia no concluyente (su muerte podría haber sido causada por la colisión con el suelo o por un golpe en la cabeza antes de la caída), Vincent señala que la hipótesis del suicidio es su defensa más segura.

Las grietas en el caso de Sandra se multiplican, algunas de las cuales indican que no ha sido del todo comunicativa: hematomas en el brazo compatibles con una lucha, un análisis de salpicaduras de sangre que infiere violencia, discrepancias en el relato de los acontecimientos que hace Daniel, y el descubrimiento de una grabación de audio de Sandra y Samuel peleando el día antes de su muerte. También hay peculiaridades logísticas. Dado que Daniel está subiendo al estrado pero vive bajo el cuidado del acusado, se envía a una acompañante designada por el estado, Marge (Jehnny Beth), básicamente para cuidarlo, asegurándose de que Sandra no influya en su testimonio. El vínculo de confianza que Daniel y Marge construyen gradualmente en el fondo contrasta silenciosamente con la distancia cada vez mayor entre el niño y su madre.

Las escenas del juicio se desarrollan con una autenticidad fascinante. Aunque Triet asiente astutamente ante los arquetipos del género: fiscal intimidante (Antoine Reinartz, excelente), juez acosadora (Anne Rotger), testigos expertos demasiado entusiastas, y revelación de última hora, nada está amplificado o subrayado artificialmente. Ausentes están las trampas y los crescendos de justa indignación que provocan asombro y que son característicos de los clásicos de los tribunales estadounidenses como "Anatomía de un asesinato", "El veredicto" y "Testigo de la acusación".

Más bien, Anatomía se centra en la resbaladiza interacción entre el personaje y el proceso legal: las formas en que este último oscurece y distorsiona al primero, así como las formas en que el primero se adapta al segundo. Hüller exuda una inteligencia punzante, pero te hace preguntarte, a través de pequeñas variaciones en el tono y la expresión, si Sandra está suavizando ligeramente su personalidad dentro y fuera de la cancha, jugando el juego que necesita jugar una vez que se da cuenta de lo que está en juego. La actriz también localiza el núcleo de verdadera vulnerabilidad de Sandra: aunque habla inglés y francés con fluidez, sigue siendo (como ella misma comenta) una forastera en Francia, incapaz de explicarse en su lengua materna.

Los sentimientos de Sandra de haber sido incomprendida llegan a un punto crítico cuando el tribunal analiza su matrimonio, una conexión que alguna vez fue eléctrica y corroída por la rivalidad profesional, los celos sexuales y los factores estresantes tanto cotidianos como existenciales. El único flashback que tenemos de la pareja (una disputa en la que resentimientos largamente mantenidos alcanzan un punto de ebullición furiosa) es una de las escenas de conflicto conyugal más persuasivas y poderosamente inquietantes que se pueden haber visto en pantalla. Theis interpreta a Samuel con una angustia terriblemente cruda, mientras que Hüller nos muestra a una mujer oscilando entre la desesperación por salvar su relación y la ira ante la perspectiva de frenar su ambición de acomodar el ego herido de su esposo.

Trabajando con el director de fotografía Simon Beaufils, Triet filma con un estilo de realismo dinámico que es un acto de equilibrio en la cuerda floja: la película no manipula nuestras simpatías, ni se siente clínica o distante gracias a los fluidos cambios de perspectiva que nos acercan al personajes atrapados en la terrible experiencia, particularmente Daniel. En una escena, la cámara hace ping-pong de un lado a otro con Daniel en el medio mientras los abogados discuten sobre su testimonio; en otro, mientras el niño escucha a un investigador teorizar que Samuel fue asesinado, la pantalla muestra imágenes de Sandra golpeándolo.

Estos momentos intensos posicionan a Daniel como la brújula emocional emergente de la película, y Graner se encuentra desgarrado como un niño en una encrucijada agonizantemente adulta. Sin hacer gestos ni fanfarronadas, Triet señala la incómoda necesidad de poder vivir en y con la zona gris, tanto para sus personajes como para los espectadores. Guiándonos a través del pantano de recuerdos esquivos, relatos en constante evolución y narradores poco confiables en esta película fascinante y profundamente inteligente, logra la hazaña más complicada de todas: ganarse nuestra total y completa confianza.

Crítica Cinéfila: Cuties

Amy tiene 11 años y se queda alucinada con un grupo de baile de chicas. Para unirse a ellas, empieza a explorar su feminidad, desafiando las tradiciones de su familia musulmana.

Las niñas de 11 años en Cuties, una película francesa de Netflix que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance a principios de año, tienen una comprensión tentativa del concepto de sexo. Teorizan sobre el sexo oral, el cuerpo de un hombre y saben que los condones tienen algo que ver con el SIDA, pero no están muy seguras de qué exactamente. Lo que sí saben con certeza es que la sexualidad es la clave de la atención y el poder de atracción femenina. Y saben que el poder es algo que quieren.

De la escritora y directora francesa Maïmouna Doucouré, cuyo cortometraje, Maman(s), fue nombrado mejor cortometraje en Sundance, Toronto y en los Césars en 2017, Cuties (titulado Mignonnes en francés) es una película sobre la fantasiosa adultez temprana que muchas niñas anhelan y creen tener cuando no son ni siquiera adolescentes. Sin embargo, al mismo tiempo, esta historia se siente mucho más específica y personal. La temática parece revista, pero la manera en que Doucouré la presenta aquí es muy particular y angustiosa.

Nuestra protagonista es Amy (Fathia Youssouf), una niña de 11 años que vive con su madre (Maïmouna Gueye) y sus dos hermanos menores en un pequeño apartamento en París. La familia está esperando que el padre de Amy regrese de Senegal, donde se ha comprometido con otra mujer. Tomar una segunda (o tercera o cuarta) esposa es una práctica matrimonial musulmana tradicional, sin embargo, los movimientos por los derechos de las mujeres han presionado para que se restrinjan la poligamia y algunos países, incluyendo Estados Unidos, la han prohibido. La madre de Amy insiste en que está feliz por su marido, pero Amy es testigo en secreto de que su madre llora y hasta se autolesiona en un momento privado.

Para distraerse de los problemas de su familia, Amy conoce a Angelica (Médina El Aidi-Azouni). Angélica y Amy tienen la misma edad y son compañeras de clase, pero Angélica usa pantalones de cuero, blusas cortas y se peina el cabello con una plancha. Ella es una chica "genial" desde el punto de vista de Amy. Angélica es "amable" con Amy, en el sentido de que cuando su pandilla acosa a Amy en el patio de la escuela, ella les dice que se detengan. A pesar de su crueldad, Amy quiere desesperadamente unirse a su grupo, que se hace llamar "Cuties". La clave, ella sabe, es a través de la rutina de baile sensual que las chicas están practicando para una próxima competencia de baile. Desafortunadamente, sus blusas y sus sensuales movimientos de baile van en contra de todo lo que representa la familia religiosa musulmana de Amy.

Pero Amy encuentra formas. Toma prestada la camisa de su hermano menor para hacerla lucir como un top corto. Roba el teléfono de su vecino y dinero del monedero de su madre para comprar ropa, y en secreto se da lecciones de baile a través de videos musicales de YouTube. Cuando una de las Cuties es expulsada del grupo por traicionar a Angélica, Amy los impresiona con una audición. Ella tiene un arma secreta: un movimiento de baile particularmente atrevido que implica "twerkear" en la pista. Ni siquiera las Cuties se habían atrevido a ser tan sexual antes.

Para el público estadounidense, Cuties es una historia internacional sobre un subconjunto específico de París que rara vez se ve en la pantalla: una familia de clase trabajadora, musulmana y senegalesa. Pero también es una historia universal sobre la niñez. El guión de Doucouré captura a la perfección esa desesperación preadolescente por encajar, que muchas chicas entienden lo visualizan como "ser sexy". Con la cantidad acumulada y constante de mujeres hipersexualizadas en los medios, ¿cómo se les puede culpar? El objetivo de Amy no es tener relaciones sexuales con hombres; de nuevo, apenas comprende la mecánica del sexo. Lo único que realmente quiere es ganarse la aprobación de sus compañeros de clase, aunque esto signifique fotos de sus partes subida a las redes, cambio totalmente de look y bailar mordiéndose el labio o el dedo. A esto hay que agregarle la incomodidad creciente que genera cada una de las decisiones que toman estas niñas, no solo desde un punto de vista paterno y protector, sino también cuestionando nuestras propias decisiones pasadas cuando uno pasó por esa misma edad, con la clara promesa de evitar que una hiaj propia cometa las atrocidades que se ven en las diferentes escenas.

Gueye es la maravillosa madre cálida y sorprendentemente indulgente de Amy, y Youssouf es fenomenal como la propia Amy. Todas las emociones de Amy brotan de sus ojos, y es claramente una estrella en ascenso. Los otros niños actores no están del todo a su nivel, pero en realidad no necesitan estarlo pues denotan esa ingenuidad que la misma historia resalta. La lección desgarradora que Amy finalmente aprende es que existe una línea invisible entre "sexy" y "puta". Una palabra te permitirá sentarte con los niños geniales, la otra te persiguirá para toda la vida. Es una lección que la mayoría de las mujeres aprenden, y para cada generación que pasa, es una lección que parece llegar cada vez más pronto.

Crítica Cinéfila: An Easy Girl

Naima (Mina Farid) tiene 16 años y vive en Cannes. Mientras se da a sí misma el verano como plazo para elegir lo que quiere hacer con su vida, su prima Sofia (Zahia Dehar), de 22 años y con un estilo de vida tan desenfadado como atrayente, viene a pasar las vacaciones con ella. Juntas vivirán un verano inolvidable.

La escritora y directora francesa Rebecca Zlotowski ofrece un atractivo increíble en An Easy Girl (Une fille facile): un drama relajado y cálidamente sensual sobre la madurez en el sur de Francia - sol, mar, mucha piel y un poco de brillo natural en cada roce de piel desnuda.

El tono y el trasfondo de la película florecen en detalles del arte europeo: Naima (Mina Farid), una joven de 16 años, pasa el verano jugando al "wingman" de su prima sexualmente aventurera, Sofía (Zahia Dehar). Mientras An Easy Girl hace alarde de una despreocupación clásica cuando se trata de sexo, su cualidad más sorprendente es una tierna compasión: la capacidad de cuestionar delicadamente las elecciones de estos personajes sin mover un dedo o repartir castigos.

Naima, que vive con su madre (Loubna Abidar), una limpiadora en un elegante hotel local, pasará sus vacaciones con su mejor amiga Dodo (el petardo cómico “Riley” Lakdhar Dridi). Pero se necesita poco más que un bolso Chanel que le regaló Sofía, una iniciación simbólica a un estilo de vida de ocio y languidez, para que Dodo sea relegado a un segundo plano. Con sus ropas que abrazan las curvas, su voz entrecortada y una mirada que parece vacía hasta que se percibe un vago aire de tristeza por la reciente muerte de su madre, Sofía invita a ciertas suposiciones, no todas halagadoras. Sin embargo, también es de carácter dulce y cariñoso como una hermana mayor: una figura con un buen corazón. Entiendes por qué Naima la ama y la admira.

Zlotowski demostró con sus dos primeras películas (Dear Prudence y Grand Central), ser una conjuradora de estados de ánimo muy hábil, pero una narradora menos segura. En An Easy Girl (que coescribió con Teddy Lussi-Modeste), la cineasta aporta su talento estilístico a una narrativa mucho más sólida; la trama es ajustada, el ritmo flota y los personajes se desarrollan con cuidado y paciencia. El resultado es, con mucho, su mejor película, enérgica, juguetona y atmosférica, pero con una resaca emocional: una sabiduría luminosa y una nostalgia que te pilla desprevenido. La película se basa firmemente en las experiencias de sus protagonistas femeninas: la estudiante de secundaria Naima y su prima Sofia, que se desliza desde París y revuelve el mundo de Naima - y la película - con su insaciable apetito por el placer y dos superpoderes de seducción y provocación.

Los realizadores también le dan a Sofía la oportunidad de articular su visión del mundo. Como le declara a su prima, no le interesa el amor, sino que busca sensaciones y aventuras. Muy pronto los encuentra con el suave marchante de arte brasileño Andrés (Nuno Lopes), quien la invita a su yate y a su cama. Naima los acompaña, uniéndose con el mejor amigo de Andrés, Philippe (Benoit Magimel), mientras el cuarteto pasa varias semanas visitando secciones VIP de clubes nocturnos, cenando en los mejores restaurantes y descansando en el barco de Andrés.

Curiosamente, An Easy Girl no es la historia de la corrupción de un inocente. Naima es más observadora que participante, y algunos primeros planos de su espera mientras los gemidos de Sofía y Andrés emanan de otra habitación capturan indicios de arrepentimiento y culpa. Además, la fascinación de Naima por Sofía no está teñida por la ilusión; tiene los ojos claros sobre quién es su prima y cómo opera, así como sobre sus propios límites. El hecho es que Sofía es divertida pero no es tonta. Aunque se presenta en gran medida con ojos perdidos en la que los hombres pueden proyectar sus fantasías, la película sugiere que hay una especie de poder de autoprotección y economía en la historia de Sofia. Ella está tratando de aprovechar al máximo el juego de la vida sin tener que mostrar sus cartas. 

Y de hecho hay cartas para mostrar. Cuando una rica amiga de Andrés (Clotilde Courau) intenta humillarla casualmente, Sofía la pone en su lugar sin sudar ni hundirse a su nivel. Zlowtowski señala nuestras propias suposiciones sobre la exclusividad mutua de la belleza y la inteligencia, así como nuestras concepciones obstinadas, aunque a veces inconscientes, sobre la forma "aceptable" de que las mujeres ejerzan y disfruten su sexualidad.

An Easy Girl insiste en la humanidad y autonomía de Sofia, pero no la glorifica. Si bien rara vez parece esquemático, el guión utiliza el escepticismo de personajes secundarios como Dodo y la madre de Naima para desafiar las nociones de libertad de Sofía. Una mirada de decepción fulminante dirigida a Naima por un chef para quien se suponía que debía ser pasante cuando la ve comiendo en su restaurante con sus nuevos amigos ricos también dice mucho. Zlotowski establece sutilmente, en lugar de imponer, un marco moral para su historia.

Más allá de su ligereza, An Easy Girl ya tiene mucho en mente, incluido el materialismo, la misoginia, la adquisición de autoconocimiento y lo que significa aceptar realmente a otra persona. 

Crítica Cinéfila: Radioactive

Historia de la relación profesional y sentimental entre Marie Curie y Pierre Curie.

El descubrimiento científico va de la mano con la tragedia. Cada salto monumental hacia adelante en el progreso se encuentra con una consecuencia no deseada tarde o temprano; Cada innovación importante tiene un costo, ya sea personal, profesional o global. Pero, ¿debería ese costo desconocido evitar la experimentación y la innovación en nombre de la mejora? ¿Y cómo se mide el beneficio de un descubrimiento científico frente a un costo que solo se puede conocer con el tiempo?

Estas son preguntas embriagadoras sin respuestas fáciles, pero son aquellas con las que la reconocida científica Marie Curie tuvo que luchar una y otra vez a lo largo de su vida, como se describe en la nueva película Radioactive. Mientras que la historia recorre un territorio familiar para cualquiera que haya visto una película biográfica sobre un famoso "Great Man", la directora Marjane Satrapi considera elegantemente el costo en el corazón de los descubrimientos de Curie, y Rosamund Pike ofrece una actuación realmente emocionante como la científica detrás del campo pionero de radiactividad, y la valiente mujer detrás de tantas "primicias" para profesionales femeninas.

Para ser honesta, Radioactive comienza un poco duro. La película comienza con Curie siendo llevada de urgencia al hospital, aparentemente en su lecho de muerte, mientras su vida pasa ante sus ojos. Apunta a la película biográfica tediosa, aburrida y por números que Radioactive coquetea aquí y allá, pero afortunadamente nunca se cierne en ese aspecto por completo. Una vez que la película se pone en marcha y Pike tiene la oportunidad de brillar, la historia de Curie encuentra su lugar en la dedicación de los científicos a su trabajo.

Radioactive cubre todas las bases principales de la vida de Curie, desde su lucha por encontrar fondos y respeto como científica femenina hasta su asociación con el científico Pierre Curie (Sam Riley), con quien luego se casaría. Combinando su conocimiento e investigación, los Curies descubrieron dos elementos nuevos (radio y polonio) y desarrollaron la teoría de la radiactividad, que cambió por completo la forma en que los científicos pensaban sobre el átomo. Ganaron un Premio Nobel por su investigación (Marie ganó dos en su vida), pero decidieron no solicitar una patente para que otros científicos pudieran investigar más sobre la radiactividad, y comenzaron a surgir nuevas aplicaciones.

Satrapi le permite al público agradecer el impacto del trabajo de Curie intercalando intermitentemente escenas cortas que representan aplicaciones del descubrimiento de Curie décadas después. Estos van desde lo positivo, como el uso de radioterapia para reducir un tumor canceroso en un niño pequeño, hasta lo negativo, como el lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima. Es un dispositivo sorprendente que por sí solo puede parecer una distracción, pero en el contexto de la incomodidad de Curie profundiza en los temas de la película sobre el costo del progreso científico.

Curie y su esposo se enfermaron por la radiación, y una vez que otros que experimentaron con el radio enfermaron en París y sus alrededores, la ciudad se puso en contra de Madame Curie y comenzó a mirar con desprecio a la científica que alguna vez fue elogiada. Curie nunca podría haber predicho los efectos secundarios de su descubrimiento, del mismo modo que nunca podría haber predicho que podría convertirse en un tratamiento esencial para el cáncer o una clave para desbloquear un arma de destrucción masiva. Pero aunque ella considera las grandes pérdidas en su vida, vinculándolas a su investigación, sigue adelante en nombre de la ciencia, sin inmutarse. Esta es la vida que ella eligió llevar, y ella la llevará lo mejor que pueda, a un costo personal. De hecho, más adelante en la película, Curie le confiesa a su hija que su vida científica, con todos sus éxitos y fracasos, le ha traído poca alegría.

Este sacrificio es una distinción clave para Curie, y una que Pike juega maravillosamente. La científica nunca aparece como trágica o melodramática, y sin embargo, puedes sentir el peso de la culpa y el arrepentimiento en sus hombros atravesando la pantalla, incluso cuando está salvando innumerables vidas. Pike es matizada y, sin embargo, sorprendentemente humana, lo que le da complejidad a un papel que, en las manos equivocadas, puede parecer fría, pero la actriz no es así, y Curie tampoco. Ella era un ser humano, y es refrescante ver una película biográfica sin miedo a profundizar en las complejidades y contradicciones que conforman una persona real y viva. Especialmente uno tan importante no solo para el mundo de la ciencia, sino también para el progreso de las mujeres en todo el mundo.

Eso no quiere decir que Radioactive no esté exento de familiaridad. El guión de Jack Thorne realmente hace un buen trabajo al sombrear a Curie, pero sigue un ritmo similar a la mayoría de las biopics: ascenso meteórico, caída trágica, regreso, etc. Ciertos aspectos clave de la vida de Curie, como su aventura con Paul Langevin o su relación con sus hijas, se siente un poco subdesarrollada, mientras que la estructura familiar de la película puede volverse tediosa. Pero la química entre Pike y Riley conlleva las muchas escenas destinadas a representar el amor que la pareja de científicos sentían el uno por el otro, y la partitura electrificada y vibrante de Evgueni Galperine y Sacha Galperine mantiene la película pulsando.

Si estamos acostumbrados a innumerables biografías olvidables sobre los Grandes Hombres de la Historia, es refrescante que Radioactive, al menos, intente ofrecer interrupciones significativas de esa fórmula en la crónica de la vida de una Gran Mujer de la Historia, incluso si no tiene éxito por completo. Pike ofrece posiblemente su mejor actuación desde Gone Girl y A Private War, y la película sirve como un recordatorio sorprendente de que su talento todavía está de alguna manera subutilizado. Satrapi, mientras tanto, amplía ambiciosamente el lenguaje visual de una película biográfica para subrayar el legado de Curie, al tiempo que considera que todo gran descubrimiento científico abre una gran cantidad de posibilidades, tanto para bien como para mal.

Esto es cierto para cada decisión importante en la vida. Radioactive es un buen recordatorio de que una mujer ardiente y brillante fue responsable de tanto bien en el mundo, con un legado que abarca décadas, pero también tuvo un costo serio.

Crónica Cinéfila: La programación de Cannes 2020

El mensaje del Festival de Cine de Cannes es: Coronavirus o no, el espectáculo debe continuar. El icónico festival francés, que estaba programado para realizarse del 12 al 23 de mayo, pero se vio obligado a cancelar su evento físico debido a la pandemia del coronavirus, presentó hoy su programación para Cannes 2020, una selección de películas que llevarán la marca de Cannes a la pantalla en otros eventos alrededor del mundo.

El programa Cannes 2020 incluye muchos de los títulos indie y art house más anticipados del año, entre ellos "The French Dispatch" de Wes Anderson, "True Mothers" de Naomi Kawase , "Summer of '85" de François Ozon, "ADN aka DNA" dirigida y protagonizada por el cineasta francés Maïwenn y "Another Round" de Thomas Vinterberg.

"Soul", el largometraje animado del director de Inside Out, Pete Docter, que fue ampliamente recomendado para tener su estreno mundial en Cannes, también logró el corte para la selección de Cannes 2020. Jamie Foxx, Tina Fey y Quest Love se encuentran entre los talentos de voz en la imagen, cuyo lanzamiento Disney ha retrasado hasta noviembre de este año.

El director británico Steve McQueen, que comenzó su carrera cinematográfica en Cannes ganando el primer premio al mejor largometraje por su debut en 2008, Hunger, regresa con dos películas: "Lover's Rock" y "Mangrove".

"Falling", el debut como director de Viggo Mortensen, que se estrenó en el festival Sundance de este año, también obtuvo un lugar en Cannes 2020. El director de God's Own Country, Francis Lee, hará su debut en Cannes con su nueva película, Ammonite , un drama de época protagonizado por Kate Winslet, Saoirse Ronan y Fiona Shaw.

Las películas seleccionadas también llevarán la marca Cannes 2020, que pueden usar con fines de marketing y promoción a medida que se estrenan en los cines. El Festival del año pasado reafirmó la fuerza de la marca Cannes. Parasite de Bong Joon Ho usó su victoria en la Palma de Oro para saltar al Oscar a la mejor película y a una taquilla mundial de más de US$250 millones, mientras que la programación de 2019 también entregó títulos cruzados como "The Portrait of a Lady on Fire" de Celine Sciamma y "Dolor y Gloria" de Pedro Almodóvar.

Cannes también publicó estadísticas que mostraban que 16 (28.5%) de las películas en la Selección Oficial fueron dirigidas por mujeres, en comparación con 14 títulos (23.7%) del año pasado. Un total de 532 directoras presentaron su película a la Selección Oficial, el 25.7% en total, en comparación con 575 directoras registradas en 2019.

Las películas francesas y en francés están particularmente bien representadas en la programación, con 21 títulos franceses en Cannes 2020, en comparación con 13 el año pasado.

Desde el principio, Frémaux rechazó la opción de tomar Cannes en línea, como lo han hecho algunos festivales de cine, incluido SXSW. Frémaux es un firme defensor de la primacía del estreno teatral. Cannes prohibió las películas de Netflix de su línea de competencia. También se negó a cancelar Cannes. "La cancelación nunca ha sido una opción", dijo Frémaux en su discurso de presentación de la programación. "Como probablemente sepan, el Festival se canceló solo una vez, en 1939. Y otra edición no se completó, que fue en 1968".

A continuación, la programación completa del festival:

Wes Anderson — The French Dispatch

Pete Docter — Soul

Francois Ozon — Summer Of 85

Naomi Kawase — True Mothers

Steve McQueen — Lover’s Rock

Steve McQueen — Mangrove

Thomas Vinterberg — Another Round

Maïwenn – ADN

Viggo Mortensen— Falling

Francis Lee – Ammonite

Magnus von Horn — Sweat

Pascal Plante — Nadia, Butterfly

Jonathan Nossiter — Last Words

Im Sang-Soo — Heaven: To The Land of Happiness

Fernando Trueba — Forgotten We'll Be

Yeon Sang-Ho — Peninsula

Sharunas Bartas — In the Dusk

Lucas Belvaux — Home Front

Koji Fukada — The Real Thing

Marie Castille Mention-Schaar — A Good Man

Danielle Arbid — Passion Simple

Emmanuel Mouret — Les Choses Qu'on Dit, Les Choses Qu'on Fait

Ayten Amin — Souad

Ben Sharrock — Limbo

Farid Bentoumi — Red Soil

Ludovic and Zoran Boukherma — Teddy

Kamen Kalev — February

Elie Wajeman — Un Medecin du Nuit

Oskar Roehler — Enfant Terrible

Nir Bergman — Here We Are

Ninja Thyberg — Pleasure

Charlène Favier — Slalom

Joao Paulo Miranda Maria — Memory House

Jimmy Keyrouz — Broken Keys

Samir Guesmi — Ibrahim

Déa Kulumbegashvili — Beginning

Fanny Liatard, Jérémy Trouilh — Gagarine

Suzanne Lindon — 16 Printemps

Peter Dourountzis — Vaurien

Nicolas Maury — Garcon Chiffon

Nora Martirosyan — Should the Wind Fall

Pascual Sisto —John and the Hole

Wei Shujun — Striding Into The Wind

Dani Rosenberg —The Death of Cinema and My Father Too

Dieudo Hamadi— The Billion Road

Michael Dweck and Gregory Kershaw — The Truffle Hunters

Xavier de Lauzanne —9 Jours a Raqqa

Ann Hui, Johnnie To, Tsui Hark, Sammo Hung, Yuen Woo-Ping and Patrick Tam — Septet: The Story of Hong Kong

Caroline Vignal — Antoinette Dans Les Cévenènnes

Bruno Podalydès — Les Deux Alfred

Emmanuel Courcol — The Big Hit

Laurent Lafitte — L'Origine du Monde

Laurent Lafitte — Le Discours

Goro Miyazaki — Earwig and the Witch

Jonas Poher Rasmussen — Flee

Aurel — Josep

Crítica Cinéfila: Portrait of a Lady on Fire

Marianne, una pintora, recibe un encargo que consiste en realizar el retrato de bodas de Héloïse, una joven que acaba de dejar el convento y que tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario.

El título del último trabajo de la escritora y directora Céline Sciamma (Tomboy, Girlhood), Portrait of a Lady on Fire (Retrato de la jeune fille en feu), obviamente tiene múltiples significados. En primer lugar, se refiere a un retrato real que pinta la protagonista principal, Marianne (Noemie Merlant). Pero también denota la película en sí misma como un estudio cinematográfico de la dama en cuestión, Heloise (Adele Haenel), cuyo vestido fluido literalmente se incendia en un punto, como si el amor y el deseo que siente por Marianne han hecho que su vestido se queme espontáneamente.

Toda esa exuberante sobredeterminación es apta para una película tan intrincadamente codificada y realizada por una cineasta que está activa en sus proyectos. Al analizar su primera película de época, una historia de amor exquisitamente ejecutada que es a la vez formalmente aventurera y emocionalmente devastadora, demuestra como la audiencia puede envolverse tan intensamente en sus personajes. 

Esta última historia, atribuida únicamente a Sciamma, evoca arte y literatura romántica, tanto en el género como en el período que comenzó a florecer un poco después de 1770, el año en que se establece la acción. Sin embargo, la descripción franca pero no especialmente explícita del despertar sexual lésbico es completamente moderno.

Como sucede, no hay títulos en pantalla que anclen el lugar o la hora, y solo los espectadores muy conocedores de la época podrían adivinar el marco de tiempo basado en la decoración, vestidos con corsés de colores sólidos y peinados modestos y sin ostentación a la vista. Eso no quiere decir que Sciamma, el escenógrafo Thomas Grezaud y la diseñadora de vestuario Dorothee Guiraud no hayan hecho su tarea, sino todo lo contrario. Aclaran los detalles, por ejemplo, el hecho de que en esta era preindustrializada, cada uno de los personajes femeninos tiene solo uno o dos vestidos cada uno, con excepción de Heloise, quien tiene más sin contar el vestido de seda verde esmeralda que usa para su retrato.

Lo más importante de todo es que Sciamma y sus colaboradores han recorrido la sección de historia del arte de la biblioteca y han utilizado investigaciones sobre pintoras históricas de la época (más abundantes de lo que serían unas pocas generaciones más tarde) para crear las bases creíbles para el personaje de Marianne. Financieramente semi-independiente porque es la aprendiz de su padre pintor más aclamado y conocido (un personaje que nunca conocemos), Marianne es una retratista experta por derecho propio, que viaja a las casas para pintar sujetos por encargo.

Cuando comienza la película, llega a la casa de una condesa viuda (Valeria Golino), que quiere que Marianne pinte la imagen de su hija Heloise para que pueda enviársela al hombre milanés al que se ha comprometido sin siquiera presentarles primero, como era la costumbre de aquel entonces. La condesa recuerda que su propio retrato, pintado por el padre de Marianne, llegó al castillo antes que ella cuando era una mujer joven. Otro pintor intentó pintar a Heloise y no lo logró porque ella simplemente se negó a sentarse por él, y se deduce que su desafío se debe en parte al dolor por una hermana mayor que recientemente murió en circunstancias misteriosas. Por lo tanto, la condesa ha contratado a Marianne para que finja ser una compañera de caminata para su hija, que recientemente llegó a casa de un convento.

Decir mucho más sobre la trama, aparte del hecho de que las dos mujeres se enamoran gradualmente, estropearía la experiencia de ver cómo Sciamma retira cada velo emocional con mucha delicadeza a través de una serie de caminatas, conversaciones y miradas de largo tiempo entre las mujeres, en las que la pintura se convierte prácticamente en otro personaje de la historia, parte de un trío emocional. Hay solo algunos otros personajes aquí, como la criada Sophie (Luana Bajrami), una artista por derecho propio en lo que respecta al bordado, que gradualmente se introduce en el círculo de confianza y, a su vez, les presenta a una comunidad acogedora de mujeres sabias que enseñan las técnicas de medicina casera que existían en la época.

Con esta trama secundaria, algunos pueden sentir que Sciamma se desvía hacia el anacronismo con solo un toque, creando una visión de una utopía matriarcal idealizada y sin clases que es más una ilusión que una narración realista. Pero sigue siendo un sueño hermoso, especialmente la secuencia en la que Heloise toma la delantera en la creación de arte, convirtiéndose en colaboradora de Marianne en lugar de ser solo el objeto de su mirada. En otro lugar, el diálogo ni siquiera intenta imitar las locuciones del discurso del siglo XVIII, sino que simplemente desvía las cosas a simples expresiones y afectos, dejando el trabajo pesado a las imágenes.

Dicho esto, el sonido juega un papel crucial aquí, con solo dos piezas musicales diferentes que se muestran estratégicamente para intensificar un paisaje sonoro que consiste de otra manera completamente en ruido natural, silencio y suspiros de amantes. Una es una extraña ronda cappella cantada por las mujeres, una obra coral intensamente intensa compuesta para la película por Jean-Baptiste de Laubier y Arthur Simonini.

La otra es una explosión de Four Seasons de Vivaldi , que Marianne interpreta una vez a mitad de la película para deleite de Heloise en un clavecín, y al final se repite, combinándose con un largo disparo de seguimiento que atrae a Haenel mientras experimenta una tempestad de emociones que sigue la tormenta musical que está escuchando. 

Las contribuciones del elenco, especialmente Merlant y Haenel, son factores importantes en su éxito. Las dos tienen una química combustible, prácticamente visible, que se siente no solo en las escenas de amor, sino desde el dramático momento en que se ven por primera vez hasta las caras al final de un larga toma de seguimiento.

No se desperdicia ningún momento en Portrait of a Lady on Fire.

Revenge

Tres hombres casados ricos se reúnen anualmente para ir de caza. Pero esta vez uno de ellos viene acompañado de su amante, una joven que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican dramáticamente para ella... Dada por muerta en medio de la nada, el juego de caza se convierte en una venganza implacable. (FILMAFFINITY)

Si el movimiento #MeToo cree que solo anda en las redes y en las calles, deberían ver Revenge, porque la mujer que hizo esta película no cree que el hombre es el sexo fuerte... y ustedes tampoco lo creerán después de verla.

Jen está en una escapada romántica con Richard, su novio (quien está casado y tiene hijos). Todo parece ser diversión y placer hasta que llegan dos compañeros de Richard. Los otros dos hombres comienzan a interesarse por Jen, al punto de pasarse de la raya. Jen trata de huir, pero en una serie de misaventuras, termina siendo lanzada desde un precipicio y aterriza apuñalada en la rama de un tronco. No obstante, y a pesar de toda la sangre que ha perdido, Jen sigue con vida, y con ánimos de vengarse de todos estos hombres, sobretodo de su novio, quien en vez de protegerla, decidió deshacerse de ella de una vez por todas.

Esta historia tiene tan solo 4 personajes y cada uno con un objetivo y una necesidad bien establecida: Jen quiere vengarse, pero también sobrevivir; Richard quiere encontrarla antes de que ella llegue a las autoridades y lo delate; los otros dos hombres la desean y luego tienen miedo de ella. A pesar de que la película está narrada en dos idiomas simultaneamente (inglés y francés), las intenciones son muy claras: para que uno pueda lograr lo que tiene propuesto, el resto debe morir.

El personaje de Jen es el más poderoso de todos, obviamente, porque tiene un arco completo en el que se va notando el cambio durante toda la película: comienza como una chica materialista y provocativa, y va cambiando al nivel de convertirse en una mujer fuerte y capaz de resolver las cosas con sus propias manos. Pero además, los giros son completamente inesperados, porque no sabes cómo va a reaccionar a una determinada situación, y termina convenciendo al público de que ella es tan badass como todos los hombres de la película.

Cada detalle es importante: por más gore, grotesco y violento que parezca, es una metáfora de la realidad que vivimos en estos días y de cómo hay que ensuciarse las manos para poder lograr lo que uno quiere. No obstante a que es poco creíble que Jen tiene un hueco en el estómago, ha perdido gran parte de su sangre, y todavía puede matar a tres hombres, es notoria la intención de la cineasta de decir: "no importa cuanto me hieran, voy detrás de ustedes". Rescata elementos de películas de venganza como I Spit on your Grave (2010) y Confessions (2010), en el que la resurección es parte importante para delimitar el cambio de mentalidad tan drástico que sufre la protagonista para llegar al level de venganza que pasa por su mente.

Así mismo, los detalles son retratados con una fotografía tan específica de esta película, que pretende parecer un videojuego, en el que la audiencia quiere darle órdenes a Jen, pero resulta que está moviéndose en modo piloto y no hay más nada que hacer más que esperar por sus venganzas y ver que tanta sangre derrama en cada una. El director de fotografía fue muy preciso en presentar lo grotesco y alucinante de la trama, mezclado con una colorización que resalta la carne abierta y la sangre dispersa en la habitación, y complementada con una musicalización que hace contraste con las desgarradoras imágenes de cada escena.

Uno de los puntos fuertes es el montaje, porque reune cada uno de los elementos de esta historia, y los convierte en una película violenta pero a la vez divertida en la que todos saben cuál será el final, pero nadie quiere perdérselo o cualquier otra escena, por la forma tan creativa en que se desarrolla cada una.

Revenge es una fantasía purgante en la que la mujer finalmente decide desbordar toda su ira de la mano de un rifle de largo calibre, en aquellos hombres que abusaron de ella y pensaron que se quedaría de brazos cruzados, o mejor dicho, guindando de un árbol. A pesar de sus inconsistencias y exageraciones, es una película potente, donde no te importa más nada que ver cuál es la siguiente muerte, y gritar a todo pulmón: ¡la mujer es el sexo fuerte!

La Odisea (L'Odyssée)

El legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, que mantienen una relación distante, se embarcan en su mayor aventura. A bordo del Calypso, se reencontrarán el uno al otro, antes de que la tragedia les golpee. (FILMAFFINITY)

Mientras veía La Odisea, no quería que se acabara, porque no me había dado motivos suficientes para desear su final. Tiene la combinación perfecta entre la delicadeza en la fotografía de detalle con la intensidad de un drama basado en hechos reales. De principio a fin es el producto de una respetable obra.

En vez de actos, la trama está dividida por géneros, donde da saltos y regresadas entre el drama, la aventura y el biopic, todo esto para conocer a Jacques-Yves Cousteau (Lambert Wilson), el capitán del Calypso y una de las personas más importantes del siglo XX. Ahí nos da un acercamiento al explorador, creador, marinero, cineasta, padre, esposo y todas las demás etiquetas que se le fueron sumando con el paso de los años; sus éxitos en la carrera cinematográfica con sus documentales marítimos, sus infidelidades mientras estaba casado con Simone (Audrey Tautou), su indiferencia hacia su hijo mayor Jean-Michel (Benjamin Lavernhe), y lo más importante, su relación con su hijo menor Philippe (Pierre Niney), el otro protagonista de la película y el lado opuesto de su padre. Mientras Jacques era observador, paciente y calculador, Philippe era el arriesgado y lanzado de la familia. Pero lo que los unió fue esa pasión por mostrar y contar lo que iban descubriendo mientras atravesaban el Mediterraneo, Sudáfrica y Antártida. 

Uno de los mejores aspectos de la película fueron sus personajes, porque cada uno tiene una personalidad muy bien definida que complementa los demás. Por supuesto, los que más resaltan son Lambert Wilson y Pierre Niney, pero no solo por el hecho de ser los protagonistas, sino también por la química que ambos actores desarrollaron en cada una de sus escenas.

A pesar de no haber sido tan sobresaliente (por enfocarse principalmente en contar la historia del personaje), la película tiene una fotografía visualmente artística, atractiva gracias a sus detalles tanto en los escenarios que rodeaban a los personajes, como en las ambientaciones bajo el mar, con una tonalidad caliente adaptada a la época en que se narra. Del mismo modo, otro de sus grandes atractivos es la banda sonora, la cual transmite los sentimientos que la trama buscaba en sí. Creo que si esta película hubiese sido muda y utilizara la misma música, la hubiese entendido tal cual la capté con sus diálogos y narraciones de fondo.

Al final de la película (por cierto, muy adecuado el final, pues engloba la esencia de la historia), La Odisea solo busca destacar dos aspectos: el sufrimiento ante la contaminación que está afectando a nuestro planeta, específicamente el medio ambiente marino, y la relación entre padre e hijo y lo que los une aún en sus diferencias más rotundas.

¿Que le haya hecho el honor suficiente o no a Cousteau? Realmente no es lo que más me importa, sino el simple hecho de presentar la historia de este personaje que quizás mucho desconocíamos; el punto clave de esta película fue en dar a conocer sus acciones, creaciones, frustraciones y decisión de mostrarle al ser humano las profundidades de un mundo con una belleza digna de apreciar.

Personal Shopper

Maureen, una joven estadounidense en París, se hace cargo del guardarropa de una celebridad. Aunque no le gusta su trabajo, es lo único que encontró para su pagar su estancia mientras espera una manifestación del espíritu de Lewis, su hermano gemelo desaparecido hace poco. Maureen comienza entonces a recibir en su móvil extraños mensajes anónimos. (FILMAFFINITY)

Al momento de terminar de ver esta película, lo primero que me dije fue "qué carajo acabo de ver".

Este filme, perteneciente tanto geográfica como estéticamente al cine europeo, narra distintos conflictos en base a un solo hecho: Maureen es una compradora personal de una "celebridad" muy conocida del mundo de la moda (nunca supe en realidad que era Kyra, si modelo o fashion blogger). Pero lo que en realidad la ata a estar en Francia, y el verdadero objetivo de la protagonista, es que está en espera de que su hermano gemelo Lewis le envíe alguna señal del "más allá", pues fue una promesa que se hicieron mutuamente si alguno de los dos fallecía primero (tampoco entiendo por qué tiene que estar por obligación ahí si las señales del más allá no tienen lugar en específico). Mientras esto sucede, se enfrenta a una serie de mensajes que nunca sabemos de quién o qué son, al asesinato de su jefa, a ser medium de otras personas y a sus propios complejos de no pertenecer a ningún lugar.

A pesar de lo confuso que puede resultar toda la trama por los giros repentinos de conflictos, la película engancha y obliga a quedarse hasta el último momento para poder saber lo que de verdad es importante: si Maureen recibe la señal de su hermano o no. Lo triste es que el final no se explica lo suficiente para saber si esto sucede o es una puya de que habrá una segunda parte (espero que no).

Kristen Stewart no es de las mejores actrices que Hollywood tiene; incluso, debe estar catalogada en la categoría "inexpresividad extrema" por sus tantos papeles sosos que solo se salvan si la historia es buena. No obstante, en esta ocasión, el ritmo y tonalidad de la trama se adaptan a su forma de ser y se presenta de una manera tan natural, que parece estar contando su historia de vida (tampoco digo que hizo el papelazo, sigue siendo sosa).

A parte de todo esto, la naturalidad con la que se hizo cada movimiento de cámara y cada transición en el montaje hacen que los pocos efectos especiales no pasen a lo "inutil", aunque tampoco es lo principal ni más sorprendente en la trama.

Personal Shopper es una trama enredada pero curiosa que busca mezclar el suspenso clásico con el terror de culto e hipnotiza con cada uno de sus detalles; se sale de lo convencional en el género fantasmagórico, con un toque sutil de morbosidad, adrenalina y tensión que obliga a llegar hasta la última escena, sin la más mínima idea de cómo terminará esta película.

¿Por qué tantas películas sobre demonios?

Tantos personajes de terror, pero el demonio sigue siendo el preferido

"Bonito día para un exorcismo..."

Desde hace 42 años, esta frase sigue siendo célebre y sigue motivando a cientos de directores de cine a incursionar por el cine "demoníaco". Pero... ¿por qué?

Tres razones: realidad, body horror y el efecto de la pantalla grande.

Escena de El Exorcismo de Emily Rose (2005)

Realidad, porque estas películas hacen énfasis en las creencias religiosas: no importa la religión, existen demonios en todas. Por lo que, aunque no hayamos tenido una cercanía con algún demonio, las religiones siempre le recuerdan al ser humano que "si tu Dios existe, también existe un Diablo". Otro detalle: la frase "basado en hechos reales" no solo hacen que te creas más lo que sucedió, sino también a alucinar de que lo estás viviendo. ¿Te levantas a las 3:00am todos los días después de ver El exorcismo de Emily Rose? O tu mente juega contigo, o ya tienes un demonio dentro.  

Body Horror, porque el poseído se transforma, causando más asco y terror al espectador. Si no has visto El Exorcista, La Posesión, El Conjuro o Posesión Infernal no entenderás a que me refiero. Los rasguños, el vómito nauseabundo y los ojos del personaje provocan la sensación de que, simplemente, no está pasando nada normal en él. Un dato sobre esto es que la mayoría de las películas enfocan que el poseído es una mujer. ¿Cuántas películas demoníacas has visto de que el demonio está dentro de un hombre? 

Escena de Posesión Infernal (2013)

Premiere de Paranormal Activity (2007)

La pantalla grande siempre da un sabor distinto a la pantalla de un computador, pero en el caso de este tipo de cine (al igual que el cine de acción) es una sensación del cielo a la tierra: el efecto de sonido más el hecho de que cada detalle se puede visualizar mejor. Las escenas de 'salto' son más inesperadas y terroríficas. Uno de los casos más célebres es el de la saga Paranormal Activity (2007-2015) que grabó el momento en que la audiencia presente quedaba impactada por las escenas de la primera película.  

Día a día, las razones de 'por qué mejor una película de demonios' aumentan. En el año 2015, se estrenaron 31 películas de terror y 16 de ellas eran sobre demonios o refiriéndose a la existencia y/o presencia de seres paranormales. 

La primera película sobre demoníos se tituló "La semilla del diablo" (1968), mejor conocida como Rosemary's Baby y trata sobre una pareja neoyorquina que se muda a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Cuando la esposa, Rosemary, queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el tiempo Rosemary se da cuenta que su hijo es también el hijo del diablo.

Entre las películas sobre demonios más esperadas de este año es importante mencionar:

Lazarus Effect

 Un grupo de estudiantes realizan un experimento para intentar devolver la vida a un perro tras su muerte, logrando resucitarlo. Pero cuando Zoe muere en un accidente, Frank decidirá traerla de vuelta. Pero sin embargo, con la resurrección viene el terror, el fuego y la muerte.

Insidious 3

Elise Rainier acepta a regañadientes utilizar su capacidad de ponerse en contacto con los muertos a fin de ayudar a una adolescente que se ha convertido en el blanco de una peligrosa entidad sobrenatural.

The Vatican Tapes

Angela Holmes, una joven de 27 años, accidentalmente se corta su dedo y acaba en un hospital el día de su cumpleaños. Cuando la herida se le infecta, comienza a tener un extraño comportamiento con cualquiera que esté cerca suyo, causándole graves heridas e incluso la muerte. Un grupo de sacedortes examinan a Angela y llegan a la conclusión de que está poseída. Pero cuando El Vaticano decide realizar un exorcismos, ven como se enfrentan a una antigua fuerza satánica más poderosa de lo que pueden imaginar. 

Amityville, The Awakening

Joan se muda con sus tres hijos a su nueva casa en Amityville. Pronto descubrirán la oscura y terrorífica historia que esconde la casa.

Poltergeist

Cuenta la historia de una familia que, tras mudarse a una nueva casa, se ve azotada por los espíritus de los que la habitaron en el pasado. El foco del ataque sobrenatural se centra en la hija más pequeña del matrimonio.

Paranormal Activity: Dimensión fantasma

La familia Fleege acaba de mudarse de casa. Entre las cosas que dejaron los anteriores inquilinos, encuentran una cámara de vídeo y unos viejos vídeos. El contenido de las cintas muestran imágenes extrañas, de dos niñas que habitaban la casa antiguamente: Kristi y Katie (Actividad paranormal 3). Muy pronto se darán cuenta que los antiguos dueños del local dejaron abandonada una cámara de vídeo HD que tiene la predicción de ver fantasmas por medio del lente de la cámara, cosa que ningún humano puede ver.

Sinister 2

Después de que Ashley Oswalt descuartizara a su familia y desapareciera con Mr. Boggie, una madre y sus hijos mellizos se mudan a la casa donde unos niños poseídos cometieron los asesinatos. Mr. Boogie ha vuelto y acecha a uno de ellos. 

Cine que inspira: Historias de la Segunda Guerra Mundial

Hace unos días se conmemoró el 70 aniversario de la finalización de la Segunda Guerra Mundial, hecho que marcó a la humanidad que la vivió y a sus descendientes. Con un aproximado de 14 millones de militares y civiles fallecidos, Hiroshima y Nagasaki destruidas y Japón rendida a la Unión Soviética, la guerra había terminado; pero, además de los desastres ambientales y demográficos que dejó este acontecimiento histórico a su paso, su impacto fue notorio para la industria del entreteminiento. 

La sociedad comenzaba a recuperarse de lo que había ocurrido días atrás; no obstante, los artistas observaban lo acontecido como un medio de inspiración para nuevas historias, principalmente en el ámbito cinematográfico.

Rodaje de “Muerte en Venecia”, de L. Visconti (1971).

Los creativos eran recolectores de historias, contando tragicomedias de las distintas experiencias que ocultaron los muros caídos y las bombas explotadas de la Segunda Guerra Mundial.

Los avances tecnológicos permitieron que la industria fílmica avanzara, tanto en ideología como en los aspectos económicos y sociales. 

Por otro lado, y gracias a las facilidades de las nuevas tecnologías de la época, los cineastas no se salieron de la realidad, y utilizaron los escenarios destruidos para recrear los guiones producidos, logrando contar temas de la transformación social de ese tiempo, con su propio toque natural.

Una idea cinematográfica que continúa

Años después de la guerra, el cine seguía inspirándose de estas historias. Parecía que aún existían historias tras las cenizas sin contar. 

Los cineastas de hoy en día demuestran que no es necesario haber estado allí para poder contar una buena historia sobre la Guerra que dividió naciones y territorios.

Todavía en el siglo XXI, se tratan temas que reviven aquellos sentimientos de aquella época. Actualmente se pudo observar The Imitation Game (2014), pero también ya hace unos años se pudo apreciar esta realidad en películas como Diario de una pasión (2004), El niño del Pijama de Rayas  (2008) y Malditos Bastardos (2009).

Cada país lo asimila a su manera

Lo más interesante en el cine no es tanto la tecnología empleada o los actores involucrados (aunque influye), es la forma en que se cuentan cada historia. Grandes potencias se vieron afectadas, positiva o negativamente, de este suceso. He aquí cinco historias de la época en base a la visión de cinco países protagonistas del acontecimiento.

La tumba de las luciérnagas - 1988 (Japón)

Dirigida y escrita por Isao Takahata, cuenta la historia de Seita y Setsuko, hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia.

La vida es bella - 1997 (Italia)

En 1939, a punto de estallar la Segunda Guerra Mundial, Guido llega a Toscana con la intención de abrir una librería. Allí conoce a Dora y, a pesar de que es la prometida de Ferruccio, se casa con ella y tiene un hijo. Al estallar la guerra, los tres son internados en un campo de exterminio, donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que está padeciendo es sólo un juego. Dirigida y escrita por Roberto Benigni.

El pianista - 2002 (Inglaterra)

Dirigida por Roman Polanski. Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros.

La Caída - 2004 (Alemania)

En las calles de Berlín se libra una encarnizada batalla. Hitler y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre ellos se encuentra Traudl Junge, la secretaria personal del Führer. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, Hitler se niega a abandonar la ciudad y, acompañado de Eva Braun, prepara su despedida. Dirigida por Oliver Hirschbiegel.

La ladrona de libros - 2013 (Estados Unidos)

Narra la historia de una animosa y valerosa jovencita llamada Liesel, que transforma las vidas de todas las personas de su entorno cuando la envían a vivir con una familia de acogida en la Alemania de la II Guerra Mundial. Para Liesel, el poder de las palabras y de la imaginación se convierte en una forma de escapar de los tumultuosos eventos que la rodean, tanto a ella como a toda la gente que conoce y quiere. Dirigida por Brian Percival.

Hay muchas más películas, desde Ladrones de Bicicleta a Memorias de una Geisha, que aunque no hagan mención de la guerra, reflejan la realidad de la época en sus personajes, los sentimientos y el escenario adaptado u original.