Crítica Cinéfila: Saltburn

Mientras lucha por encontrar su lugar en la Universidad de Oxford, el estudiante Oliver Quick se ve arrastrado al mundo del encantador y aristocrático Felix Catton, que le invita a Saltburn, la extensa finca de su excéntrica familia, para pasar un verano inolvidable. 

La descarada sátira en un golpe de clase de Emerald Fennell, "Saltburn", huele a una variedad de erotismo literario. Pero si recuerda algo visualmente, es ese retrato icónico de David LaChapelle de Alexander McQueen e Isabella Blow afuera de un castillo de Hedingham que ha sido incendiado: Fennell está en esa especie de modo de explosión, y el resultado es un viaje narrativamente entretenido y ruidoso protagonizado por un formidable Barry Keoghan en modo despreocupado.

No es tanto la historia lo que te dejará boquiabierto sino su audacia. Su primera película, "Promising Young Woman", no tenía miedo, era perversa y emocionante, y lo mismo ocurre con "Saltburn". Algunos han dicho que es Brideshead envuelta en maldad, con vibraciones de Tom Ripley, y es eso, pero Fennell es más atrevida que incluso Waugh o Highsmith. Al ver esta película probablemente quedará sin aliento en ciertos momentos. Es intrépido y embriagador.

Keoghan interpreta a un estudiante de primer año de Oxford, Oliver Quick; estamos en 2006. Los colores del director de fotografía Linus Sandgren están ricamente saturados y la música de apertura entona los Himnos de la Coronación ('Zadoc The Priest') sobre créditos que utilizan fuentes medievales y gritan 'diversión por venir'. En adición a representar la época desde los primeros planos, Fennell ahora utiliza el término 'cine pop' para definir su trabajo, y esta es una película oscuramente divertida que debería captar la atención de los premios por la actuación de Keoghan, sin mencionar el giro ricamente cómico de Rosamund Pike. Es posible que algunos matices sociales británicos no se transmitan tan bien si no entiende la cultura, pero hasta el más desconectado de la cultura se llevará algunas indirectas.

Fennell tiene en mente trasladar "Brideshead" a tiempos más modernos a través de su estudiante de Merseyside, Oliver, quien llega a Oxford y se da cuenta de que el orden social allí ha sido inamovible desde la escuela preparatoria, y él no está incluido. Comparte tutor con el lacónico Farleigh (Archie Madekwe), quien es el primo del magnético personaje de Felix Catton (el actor australiano Jacob Elordi), y con quien eventualmente se cruza en su auxilio por una bicicleta rota en lugar de por un exceso de alcohol. La historia de Oliver sobre padres drogadictos y una infancia bajo cuidado finalmente se gana la simpatía de Félix, quien invita a su nuevo amigo a pasar el verano en su casa familiar en Saltburn.

Fennell comienza a deshacerse de Waugh una vez que la producción llega a esta casa señorial, y hay una sección central donde la película es completamente divertida gracias a los anfitriones de Saltburn, Lady Elspeth Catton (la maravillosa Rosamund Pike) y Sir James (Richard E. Grant). Este es puramente el mundo del escritor que nos dio "Promising Young Woman", con sus mordaces observaciones y su asombrosa franqueza. Su propia experiencia personal en este entorno sin duda ayuda, mientras examina a los parásitos y dependientes de Saltburn, en particular a la siempre rehabilitada 'poor dear Pamela' (Carey Mulligan). Dan la bienvenida cautelosamente a Oliver a su redil como su último proyecto favorito. El clan también incluye al primo empobrecido Farliegh y a la hermana 'sexualmente inconstante' de Félix, Venetia (Alison Oliver), que también sufre de bulimia.

Después de una cena particularmente barroca en la que los ricos prueban el karaoke, Fennell enciende la iluminación en modo homoerótico y comienza a quitarse los guantes. De repente, Oliver está trabajando en la habitación, en más de un sentido, sin mencionar lamiendo la bañera hasta dejarla limpia. Su obsesión por Félix no está consumada, por lo que se acerca a Farleigh y también a Venetia. "Saltburn" no es corta, pero es siempre entretenido. Fennell toma algunas decisiones audaces en esas dos horas sobre dónde pasa su tiempo: en particular, un rápido corte narrativo al final parece cruel pero, cuando el sacrificio conduce a la secuencia final más entretenida que verás este año, todo puede ser perdonado. La clave del éxito de la película es la elasticidad de Keoghan: su rostro y sus ojos pueden cambiar con una sombra, y es imposible concebir que otro actor joven tenga la ventaja peligrosa para lograrlo todo. Es posible que parte de la lucha de clases no se traduzca tan bien en los mercados extranjeros, pero aquellos que lo entienden, lo sabrán.

Los espectadores que buscan porno de Oxford o de casas de campo pueden estar menos satisfechos: la producción de Fennell lo toma como leído, en lugar de insistir en los detalles visuales. Felix puede señalar a Rembrandt y Holstein, y así es como se ilumina gran parte de la película, pero la cámara está más interesada en Keoghan y Pike e incluso en el agua del baño de Felix que en los jardines o los picnics. La ubicación de la finca en la que saltó Saltburn se mantiene oculta a petición de sus propietarios, y no está claro si el laberinto en forma de Shining, en el que empiezan a aparecer alas y cuernos de ángel, está adjunto a ella. Quizás nunca lo sepamos. "Saltburn" no es imprescindible en la pantalla grande por las localizaciones o las tomas en la hora dorada, sino porque es oscura y divertida, y el tipo de película que el público más joven debería ver. De esa manera, debería continuar para siempre.

Crítica Cinéfila: I Care a Lot

Marla Grayson no tiene escrúpulos a la hora de beneficiarse de los demás. Después de haberse aprovechado de docenas de jubilados como tutora legal, ella y su compañera Fran ven a Jennifer Peterson como la nueva víctima: una gallina de los huevos de oro a la que pueden desplumar fácilmente. Pero mientras intentan llevar a cabo su plan, Marla y Fran descubren que la señora Peterson no es lo que creían, y que sus actos han entorpecido la labor de un importante criminal. 

Los criminales vienen en diferentes formas en I Care A Lot, un thriller que se vuelve ridículo y didáctico por sus elecciones narrativas nerviosas y un giro vigorosamente amoral de Rosamund Pike. El guionista/director J. Blakeson nos presenta a una tutora legal conspiradora que arrebata los activos de sus clientes mayores, hasta que su último objetivo demuestra tener algunos amigos bien conectados (y muy peligrosos). El creciente juego del gato y el ratón entre la intrigante Pike y el mafioso ruso de Peter Dinklage tiene sus placeres, pero la supuesta astucia del guión y el mensaje sobre la corrupción del sueño americano hacen que sea difícil preocuparnos tanto como deberíamos por los protagonistas.

Once años después de su debut cinematográfico The Disappearance Of Alice Creed, Blakeson regresa al festival, impulsado por el poder de Pike y Dinklage. La realidad poco conocida pero horrible de los guardianes depredadores le da actualidad a I Care A Lot, pero es más probable que el público sintonice la batalla de ingenio entre los dos combatientes de la película y se le olvide encontrar a un héroe. La realidad es que no hay ninguno en esta ocasión.

Pike interpreta a Marla, una tutora legal que se hace cargo de los activos y la capacidad de toma de decisiones de los clientes mayores que no tienen a nadie más en su vida. Idealmente, el sistema está configurado para proteger a los vulnerables, pero Marla lo explota para su propio beneficio, ejecutando una estafa en la que ella y su compañera Fran (Eiza González) se aprovechan de las personas mayores ricas, convenciendo a un juez de que su cliente no es apto mentalmente. Pronto, Marla está enviando sus pupilos a hogares de ancianos y vendiendo todas sus posesiones, embolsando las ganancias para ella. Y todo es completamente legal.

Todo "cambia" cuando Marla posa su ojo ojo en Jennifer (Dianne Wiest), una mujer adinerada sin familia; en otras palabras, la marca perfecta. Pero después de vaciar las cuentas de Jennifer, atrae la atención de Roman (Dinklage), un gángster que asegura que Jennifer es su madre. Quiere que Marla la libere de la casa de retiro, pero Marla, que no se asusta fácilmente, se niega.

El guión de Blakeson tiene algunas ideas ambiciosas, pero la más intrigante es su decisión de jugar con nuestras lealtades. Después de una secuencia de apertura que ilustra la monstruosidad de Marla, defraudando a los indefensos y esencialmente encerrándolos contra su voluntad, parece un alivio cuando Roman aparece para rescatar a la pobre Jennifer. Pero complica mucho nuestros sentimientos sobre los dos personajes al posicionar a Marla como una mujer ingeniosa que ha tenido que luchar contra el sexismo para tener éxito, mientras que Roman es un narcotraficante que ha hecho y hace cosas terribles (incluso hay un hint de mulas y tráfico de mujeres). Aunque sus antecedentes no podrían ser más diferentes, estos dos tienen mucho en común cuando se trata de vivir fuera de la ley.

De paso, la arrogancia tímida de la película se ve afectada desde el principio. I Care A Lot trabaja para vendernos su ambiente moderno y sardónico, incluidos pequeños asuntos cursis, como que el temible mafioso de Dinklage sea un gran fanático de los pasteles. Del mismo modo, el diálogo ocasional sobre cómo, en Estados Unidos, todo el mundo tiene un ajetreo probablemente sería más efectivo si no fuera tan descarado y autocomplaciente. Y mientras que las apuestas crecen en la películ, la cinematografía de Doug Emmett enfatiza la naturaleza elegante y sin alma de estos personajes y su entorno, haciendo que los inventos de la trama causen frustración a la audiencia (o por lo menos a mí) en todo momento.

Dinklage no puede elevar su papel unidimensional, pero lo que nos llama la atención es Pike, quien opera de manera similar a su papel nominado al Oscar en Gone Girl. En ambas películas, cuanto más diabólicos se vuelven sus personajes, más nos fascina lo incompresibles que son. Marla es un riff astuto de la villana estereotipada al estilo de la bruja de Narnia, y Pike nunca suaviza a esta intrigante para que se vuelva más "agradable". En verdad, Marla resulta tan despiadada como Roman. Aunque los ejecutores de Roman pusieron su vida en peligro, ella permanece imperturbable, maniobrando alrededor de estos asesinos con la misma confianza tranquila que utilizó para burlar al sistema legal. Una materialista despiadada, Marla se impone a nuestro respeto y nuestra empatía al demostrar la profundidad de sus bien afinados instintos de supervivencia. Y a medida que llegamos al final, todo parece muy fácil de lograr para ella, o mejor dicho, demasiado asequible.

Lamentablemente, a medida que la película avanza hacia su enfrentamiento final, I Care A Lot se vuelve cada vez más sermoneador sobre la codicia y el capitalismo, reduciendo a los personajes a portavoces de temas no terriblemente interesantes de Blakeson. Al final, Roman no puede cortarle las alas a Marla, pero la pseudo-profundidad del cineasta finalmente lo hace. Al final, el twist de sacrificio es lo mejor logrado de toda la historia.

Crítica Cinéfila: Radioactive

Historia de la relación profesional y sentimental entre Marie Curie y Pierre Curie.

El descubrimiento científico va de la mano con la tragedia. Cada salto monumental hacia adelante en el progreso se encuentra con una consecuencia no deseada tarde o temprano; Cada innovación importante tiene un costo, ya sea personal, profesional o global. Pero, ¿debería ese costo desconocido evitar la experimentación y la innovación en nombre de la mejora? ¿Y cómo se mide el beneficio de un descubrimiento científico frente a un costo que solo se puede conocer con el tiempo?

Estas son preguntas embriagadoras sin respuestas fáciles, pero son aquellas con las que la reconocida científica Marie Curie tuvo que luchar una y otra vez a lo largo de su vida, como se describe en la nueva película Radioactive. Mientras que la historia recorre un territorio familiar para cualquiera que haya visto una película biográfica sobre un famoso "Great Man", la directora Marjane Satrapi considera elegantemente el costo en el corazón de los descubrimientos de Curie, y Rosamund Pike ofrece una actuación realmente emocionante como la científica detrás del campo pionero de radiactividad, y la valiente mujer detrás de tantas "primicias" para profesionales femeninas.

Para ser honesta, Radioactive comienza un poco duro. La película comienza con Curie siendo llevada de urgencia al hospital, aparentemente en su lecho de muerte, mientras su vida pasa ante sus ojos. Apunta a la película biográfica tediosa, aburrida y por números que Radioactive coquetea aquí y allá, pero afortunadamente nunca se cierne en ese aspecto por completo. Una vez que la película se pone en marcha y Pike tiene la oportunidad de brillar, la historia de Curie encuentra su lugar en la dedicación de los científicos a su trabajo.

Radioactive cubre todas las bases principales de la vida de Curie, desde su lucha por encontrar fondos y respeto como científica femenina hasta su asociación con el científico Pierre Curie (Sam Riley), con quien luego se casaría. Combinando su conocimiento e investigación, los Curies descubrieron dos elementos nuevos (radio y polonio) y desarrollaron la teoría de la radiactividad, que cambió por completo la forma en que los científicos pensaban sobre el átomo. Ganaron un Premio Nobel por su investigación (Marie ganó dos en su vida), pero decidieron no solicitar una patente para que otros científicos pudieran investigar más sobre la radiactividad, y comenzaron a surgir nuevas aplicaciones.

Satrapi le permite al público agradecer el impacto del trabajo de Curie intercalando intermitentemente escenas cortas que representan aplicaciones del descubrimiento de Curie décadas después. Estos van desde lo positivo, como el uso de radioterapia para reducir un tumor canceroso en un niño pequeño, hasta lo negativo, como el lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima. Es un dispositivo sorprendente que por sí solo puede parecer una distracción, pero en el contexto de la incomodidad de Curie profundiza en los temas de la película sobre el costo del progreso científico.

Curie y su esposo se enfermaron por la radiación, y una vez que otros que experimentaron con el radio enfermaron en París y sus alrededores, la ciudad se puso en contra de Madame Curie y comenzó a mirar con desprecio a la científica que alguna vez fue elogiada. Curie nunca podría haber predicho los efectos secundarios de su descubrimiento, del mismo modo que nunca podría haber predicho que podría convertirse en un tratamiento esencial para el cáncer o una clave para desbloquear un arma de destrucción masiva. Pero aunque ella considera las grandes pérdidas en su vida, vinculándolas a su investigación, sigue adelante en nombre de la ciencia, sin inmutarse. Esta es la vida que ella eligió llevar, y ella la llevará lo mejor que pueda, a un costo personal. De hecho, más adelante en la película, Curie le confiesa a su hija que su vida científica, con todos sus éxitos y fracasos, le ha traído poca alegría.

Este sacrificio es una distinción clave para Curie, y una que Pike juega maravillosamente. La científica nunca aparece como trágica o melodramática, y sin embargo, puedes sentir el peso de la culpa y el arrepentimiento en sus hombros atravesando la pantalla, incluso cuando está salvando innumerables vidas. Pike es matizada y, sin embargo, sorprendentemente humana, lo que le da complejidad a un papel que, en las manos equivocadas, puede parecer fría, pero la actriz no es así, y Curie tampoco. Ella era un ser humano, y es refrescante ver una película biográfica sin miedo a profundizar en las complejidades y contradicciones que conforman una persona real y viva. Especialmente uno tan importante no solo para el mundo de la ciencia, sino también para el progreso de las mujeres en todo el mundo.

Eso no quiere decir que Radioactive no esté exento de familiaridad. El guión de Jack Thorne realmente hace un buen trabajo al sombrear a Curie, pero sigue un ritmo similar a la mayoría de las biopics: ascenso meteórico, caída trágica, regreso, etc. Ciertos aspectos clave de la vida de Curie, como su aventura con Paul Langevin o su relación con sus hijas, se siente un poco subdesarrollada, mientras que la estructura familiar de la película puede volverse tediosa. Pero la química entre Pike y Riley conlleva las muchas escenas destinadas a representar el amor que la pareja de científicos sentían el uno por el otro, y la partitura electrificada y vibrante de Evgueni Galperine y Sacha Galperine mantiene la película pulsando.

Si estamos acostumbrados a innumerables biografías olvidables sobre los Grandes Hombres de la Historia, es refrescante que Radioactive, al menos, intente ofrecer interrupciones significativas de esa fórmula en la crónica de la vida de una Gran Mujer de la Historia, incluso si no tiene éxito por completo. Pike ofrece posiblemente su mejor actuación desde Gone Girl y A Private War, y la película sirve como un recordatorio sorprendente de que su talento todavía está de alguna manera subutilizado. Satrapi, mientras tanto, amplía ambiciosamente el lenguaje visual de una película biográfica para subrayar el legado de Curie, al tiempo que considera que todo gran descubrimiento científico abre una gran cantidad de posibilidades, tanto para bien como para mal.

Esto es cierto para cada decisión importante en la vida. Radioactive es un buen recordatorio de que una mujer ardiente y brillante fue responsable de tanto bien en el mundo, con un legado que abarca décadas, pero también tuvo un costo serio.

Crítica Cinéfila: A Private War

La historia de la periodista de guerra Marie Colvin, quien consiguió adentrarse el invierno de 2012 en Siria para cubrir la guerra civil. Colvin y el fotógrafo Rémi Ochlik fueron asesinados por un artefacto explosivo improvisado, mientras los medios de comunicación oficiales huían ante el bombardeo del ejército sirio.

Así como cubrir noticias o eventos sobre guerras y batallas puede ser difícil para el periodista, así mismo realizar este tipo de películas puede ser brutal para su director y/o guionista. Debe estar de acuerdo con sumergirse en una historia donde la sangre y el sufrimiento es constante, y la paz humana es escasa. Por suerte, Matthew Heineman junto al guionista Arash Amel lograron entender esto, dándose la tarea de contar la historia de Marie Colvin, una de las periodistas más importantes de estos últimas décadas, y con esto no solo logran retratar sus trabajos más destacados, sino también presentar el lado amargo de la humanidad, y cómo muchos le dan la espalda a esto, mientras que la minoría (los que verdaderamente están interesados) arriesgan sus vidas con tal de dar una pizca de esperanza y/o ayuda.

En 1986, Marie Colvin comenzó una carrera como corresponsal de guerra, teniendo que vivirlos desde el punto de batalla, y en casi cada uno de los conflictos desde la guerra de Iraq hasta Afganistan y Siria. Ella fue una reconocida periodista del diario The Sunday Times, quién cubría las historias de guerras de países tercermundistas. Ganó diversos premios de periodismo por su dedicación a la hora de hacer eco de las situaciones que ocurrían en diversos países del mundo, perdió la visión y movilidad de su ojo derecho al ser blanco de los enemigos mientras cubría la pobreza extrema que aún se vive en Sri Lanka en medio de una guerrilla indocumentada, enfrentó a Gaddafi durante una entrevista exclusiva que le hizo momentos antes de que este fuese asesinado, y no se puede dejar de mencionar ser la única periodista que se atrevió a transmitir en vivo en medio del “campo de batalla” que acontecía en Homs, Siria. Falleció en el año 2012, junto al fotógrafo Remi Ochlik, mientras los medios de comunicación oficiales huían ante el bombardeo del ejército sirio. Y aún así, en sus últimos reportajes, ella se preguntaba si estaba logrando algún tipo de referencia mientras cubría las guerras.

Una vez más, la actriz Rosamund Pike deja a la audiencia sin aliento con su increíble interpretación de Marie Colvin. No solo supo encarnar las características físicas del personaje, donde a la vez debe reconocerse el trabajo de maquillaje, peinado y vestuario, pero también en cuanto a su actitud determinada y arriesgada, donde el miedo era mayor cuando no se veía a sí misma en ese tipo de situaciones. Pike asume la personalidad tan específica de Colvin, y se apodera de la atención de cualquiera con tan solo sus lentas narraciones mientras escribía sus artículos, con sus decisiones tan determinadas pero a la vez peligrosas, e incluso cuando finalmente encontraba algo de placer en un nuevo hombre. 

Se puede decir con seguridad que la actriz se enfocó en establecer los miedos de Colvin de una manera casi indirecta, pero en realidad este mérito se lleva el guionista Arash Amel, quien además de describir al detalle cada uno de los escenarios bélicos donde Colvin estuvo, también se enfocó en sus guerras internas, haciéndole honor al nombre de la película, y especificando que, a pesar de ver tantas muertes, la verdadera guerra que vive constantemente es el miedo de no ser capaz de hacer más de lo que ya hace. Por esa misma razón, las historias de Colvin se enfocaban en las personas y no en la situación, buscando siempre un protagonista de sus coberturas, y no una víctima.

Del mismo modo, hay que reconocer el diseño de producción de las diferentes escenografías, que retrataban a la perfección esas ciudades del tercer mundo donde ella cubrió guerras, casi cuestionando si estos fueron construídos en su totalidad, o si son imágenes de archivo utilizadas para complementar la película. Pero sin importar cual de los dos, logra dejar la impresión que estos hechos lograron causar en miles de personas que leían y veían estas noticias a través de los distintos medios, e incluso de aquellos que estuvieron cerca de esos sucesos. Así mismo, se complementa por una banda sonora que deja la piel de gallina a cualquiera, compuesta por Scott Salinas quien además de hacer honor a la sensibilidad del tema, crea himnos de luchas para esas sociedades que fueron afectadas mientras hechos acontecían.

Es una decepción que A Private War no ha recibido mayor reconocimiento cinematográfico, pues el equipo detrás de cámara y el elenco hacen un increíble trabajo técnico y narrativo para lograr transmitir esos sentimientos de decepción humana y tristeza que la misma historia de la humanidad ha marcado a través de los años.