Crítica Cinéfila: The Marvelous Mrs. Maisel, 4ta Temporada

Es 1960 y el cambio está en el aire. Buscando pulir su actuación, Midge encuentra un bolo con libertad creativa total. Pero su compromiso a su arte y los lugares que la llevan, crea una grieta entre ella y sus familiares y amigos.

Hay muchas maneras en que un personaje ficticio puede crecer, y Amy Sherman-Palladino siempre ha parecido estar a favor de The Really Big Mistake. A ella le gusta que sus protagonistas se despierten en la cama con el hombre equivocado o rompan alguna ley semi-menor o hablen en voz alta algo que nunca se puede retractar, preparando a los personajes y al público por igual para que se cuestionen durante mucho tiempo y se enfrenten a las consecuencias.

A primera vista, The Marvelous Mrs. Maisel es un espectáculo sobre el ascenso al estrellato de Midge (Rachel Brosnahan), pero hasta ahora, la serie se ha centrado en la amenaza de que Midge podría terminar renunciando a sus sueños y volver a lo que ella siempre ha encontrado lo más cómodo. Aunque claramente le encanta ser el centro de atención en el escenario (y ha creado una gran base de admiradores en The Gaslight), la nueva vida de Midge aparte de su ex esposo Joel (Michael Zegen) ha sido difícil. No solo tiene que lidiar con el estigma social y las realidades económicas de su nueva vida como mujer soltera, sino que también tiene que lidiar con el hecho de que todavía está cautivada por los atavíos de su vida anterior, desde viajes amados al Catskills con sus padres hasta el hermoso departamento que ella y Joel compartieron una vez con sirvienta incluida. El deseo de recuperar las partes de su antigua vida que ama y encajarlas en una identidad nueva y más ambiciosa está en el corazón de la cuarta temporada, cuando Midge comienza a aceptar lentamente ser ella misma, en lugar de tratar de complacer a otras personas.

Cuando dejamos a Midge (Rachel Brosnahan) al final de la tercera temporada de The Marvelous Mrs. Maisel  a fines de 2019, parecía posicionada para algunos problemas y consecuencias. Midge acababa de perder su mayor oportunidad profesional, siendo despedida de la gira europea de Shy Baldwin después de un juego improvisado en el Apollo que llegó peligrosamente cerca de revelar la sexualidad del popular cantante. El error se sintió como el clímax de una temporada en la que Midge se movía lentamente fuera de su burbuja insular de riqueza de la década de 1950, preparándola a ella y a la historia para crecer en la tumultuosa década de 1960. 

Ya sea por la resistencia al cambio por parte de Midge o por parte de Sherman-Palladino, o por la determinación de volver a aclimatar a los espectadores lentamente en respuesta al largo descanso, los primeros episodios de la cuarta temporada son un paso atrás, o al menos un reinicio. Esa regresión no es necesariamente de mala calidad. Los dos primeros episodios de la muy esperada cuarta temporada de The Marvelous Mrs. Maisel recuerdan a los espectadores que el principal placer de ver la serie es que es extraordinariamente divertida. Cada entrada no es solo un espejo de delicias visuales antiguas, que incluyen ropa vintage y paisajes vibrantes, sino un flujo casi constante de bromas ingeniosas y diálogos rápidos, especialmente entre Midge y Susie (Alex Borstein). Cada episodio de 53 minutos parece pasar en un abrir y cerrar de ojos, incluso si queremos detenernos en cada hermoso paisaje de la ciudad de Nueva York por un momento más.

En la medida que avanzan, se convierten en un grito feminista de alto calibre, desde la misma voz chillona de Midge hasta la de sus demás personajes femeninos que, como bien lo resalta la misma protagonista en uno de sus actos, quizás las mujeres realmente fueron las que tuvieron el poder todo este tiempo.

Si bien la atención al detalle del programa es impresionante por su pura belleza, The Marvelous Mrs. Maisel también presenta una visión romántica de la identidad judía de mediados del siglo XX que, a veces, parece ser tanto un disfraz como el cabello vintage de Midge. En una mordaza de esta temporada, toda la familia grita y gesticula entre sí mientras están sentados en una rueda de la fortuna. Moishe (Kevin Pollak) grita cuando se entera de que Midge perdió su trabajo de comedia, mientras su esposa grita cuánto disfruta el pastel de embudo de Coney Island mientras Abe se queja de sus acompañantes del carro.

Esta confianza en la caricatura se produce cada vez más a expensas de una representación auténtica de la identidad judía. En una escena reveladora, algunos miembros de la familia de Midge la animan alegremente a fingir ser cristiana cuando creen que está viajando por Europa del Este, sin siquiera una pizca de tristeza o pérdida. Si bien la serie es demasiado esponjosa para una mirada más seria a los efectos del Holocausto, podría ofrecer una mirada mucho más matizada y compleja a la experiencia judía que no solo se basa en la comida gourmet de Nueva York.

The Marvelous Mrs. Maisel también continúa luchando por lograr el equilibrio adecuado entre centrarse en el viaje de Midge y seguir las vidas y experiencias de su familia extendida. Si bien la actuación siempre es impresionante y cada escena está filmada de manera impecable, pasar tanto tiempo enfocándose en la vida de los padres de Midge y sus ex suegros también es una distracción del arco central de Midge. En temporadas anteriores, los viajes a París y Catskills han sido diversiones deliciosas, pero la gran cantidad de tiempo de pantalla dedicado a este tipo de "misiones secundarias" también terminó por quitarle la oportunidad de ver a Midge crecer y cambiar a medida que construye su carrera de comedia.

La cuarta temporada tiene el potencial de brindar un mayor sentido de enfoque y propósito al centrarse en las formas en que los personajes están cambiando activamente, en lugar de repetir viejos patrones, desde la relación de Joel con la maravillosamente aguda y divertida Mei Lin (Stephanie Hsu) hasta la relación de Midge con Lenny Bruce, y su aumento de la sensación de confianza en ella misma. “Quiero ser yo cada vez que subo a ese escenario”, le dice Midge a Susie mientras se sientan juntas en la misma querida tienda de delicatessen donde Midge había expresado previamente una tímida emoción cuando comenzó a considerar una vida en el escenario. Midge ha crecido mucho desde su primera rutina de comedia de Yom Kippur, tanto que los espectadores podrían comenzar a preguntarse si la Sra. Maisel que los espectadores conocen y aman podría sentirse lista para usar un nombre artístico diferente.

Crítica Cinéfila: Cinderella

Cenicienta es una joven ambiciosa cuyos sueños son más grandes de lo que el mundo le permite, pero que será capaz de perseverar y conseguir sus objetivos con la ayuda de su Fab G.

Cenicienta sufre de una serie de problemas, pero su verdadera maldición es el terrible momento social en que ocurre. Si con su mensaje feminista de mano dura se hubiera lanzado hace unas décadas, podría haber tenido la oportunidad de ser subversivo. Pero estamos en 2021, y las adiciones al abarrotado y el decepcionante campo de las narrativas de #girlboss requieren un poco más de estilo y profundidad para mantener a las audiencias más jóvenes comprometidas.

Escrita y creada por Kay Cannon (Pitch Perfect), esta nueva Cenicienta no tan mejorada, trae a la heroína (Camila Cabello) como una mujer impulsada por su carrera. En los raros momentos en que su exigente madrastra (Idina Menzel) y sus apenas miserables hermanastras (Maddie Baillio como Anastasia y Charlotte Spencer como Drisella) no la llaman, Cenicienta se esconde en su sótano, dibujando vestidos. Quiere ser diseñadora y, por el aspecto de las páginas esparcidas por su escritorio de trabajo y clavadas en las paredes de su sótano inundado por el sol, parece estar cerca de realizar ese sueño. Esta Cenicienta, ambiciosa e ingeniosa, no tiene tiempo para un príncipe.

Tan prometedora como suena esa premisa, Cenicienta cede bajo el peso de sus intenciones, y ni siquiera su formidable elenco pueden salvarla: carece de magia y elegancia. Con su guión torpe y su producción poco inspirada, la nueva Cenicienta cae como una medicina de mal sabor.

La película musical comienza con la gente del pueblo cantando "Rhythm Nation" de Janet Jackson y la propia Cenicienta cantando el clásico "You Gotta Be" de Des'ree. El enérgico popurrí, uno de los muchos a lo largo de la película, todo arreglado por Keith Harrison, es un atajo oportuno que empuja a los espectadores en la dirección emocional correcta. Aquí debes sentirte optimista e inspirado, allí triste pero esperanzado. A pesar de las talentosas interpretaciones (estoy seguro de que el álbum de la banda sonora será un éxito), la música no ayuda a dar sentido a las reglas que gobiernan este universo ficticio.

En este mundo, donde la crueldad de la madrastra y las hermanastras se suaviza considerablemente, el guión funciona como una publicación motivacional extendida. "Creo que te ves tan bonita, pero honestamente, a quién le importa lo que yo piense, a quién le importa lo que piensen los demás", le dice con amor Cenicienta a una hermanastra mientras miran sus reflejos en el espejo. "Lo que importa es cómo te sientes cuando te miras en el espejo". Cuando el príncipe Robert (Nicholas Galitzine) y Cenicienta se encuentran por primera vez en la plaza del pueblo, él, disfrazado de plebeyo, le pregunta por qué las mujeres deberían poder tener negocios. Una Cenicienta irritada le corta los ojos antes de exclamar triunfalmente: “Las mujeres damos a luz, dirigimos hogares enteros. Seguramente podemos administrar un negocio, ¡no puede ser tan difícil!" Cenicienta posee suficiente conciencia de sí misma como para registrar su propia ridiculez, y declaraciones como estas se salpican a lo largo de la película con un guiño y una sonrisa. Pero sin la base de una narrativa confiable (después de todo, los niños no son estúpidos), los chistes no aterrizan.

Donde Cenicienta podría haber causado sensación, pero no es en sus elementos de diseño. Es difícil ver la visión general de los decorados y el vestuario, que se sienten como si hubieran sido seleccionados al azar y ensamblados sin pensar en cómo funcionaría todo esto dentro del mundo de la historia. Nada desafía las expectativas y todo parece hecho a bajo precio. Sin embargo, hay indicios de lo que podría haber sido, como cuando el hada padrino de Cenicienta (interpretado por Porter) se aparece en una pieza naranja estructurada con diamantes que solo se compara con la presencia vibrante del actor (a la cual no le supieron sacar más provecho que esa única escena).

Como una película de gran presupuesto con un elenco repleto de estrellas, Cenicienta cumple con el listón relativamente bajo establecido por la mayoría de los remakes contemporáneos, pero eso no la hace menos decepcionante. El cuento de hadas clásico y sus lecciones sencillas pero poderosas sobre la confianza en uno mismo, la perseverancia y el poder de la imaginación proporcionan una base atractiva para una narración ambiciosa y visualmente impresionante. Es triste que, viendo esta versión, no puedas saberlo.

Crítica Cinéfila: The Underground Railroad

Cora es una joven esclava de una plantación de algodón en Georgia. Abandonada por su madre, vive sometida a la crueldad de sus amos. Cuando César, un joven de Virginia, le habla del ferrocarril subterráneo, ambos deciden iniciar una arriesgada huida hacia el Norte para conseguir la libertad. 

Ha habido varios dramas recientes que describen la experiencia de la esclavitud. Pero esta hermosa y ardiente adaptación de la novela de Colson Whitehead se destaca. Lo visible y lo invisible, el realismo y la fantasía se encuentran en esta hermosa y ardiente serie del director Barry Jenkins. El verdadero ferrocarril subterráneo, la red histórica de personas y casas seguras del siglo XIX que ayudó a los esclavos a escapar, se convierte en una línea de tren física y literal que lleva a la gente a un lugar seguro. Jenkins enfatiza tanto el duro realismo físico del libro como sus inventos, dándoles forma en su estilo distintivo. 

Como en Moonlight (ganadora del Oscar), y If Beale Street Could Talk (nominada a Mejor Guión adaptado), cada imagen está elegantemente compuesta, brillando con imaginación y compasión. El personaje principal, Cora, hace varias paradas en la ruta del ferrocarril mientras huye de la esclavitud en una plantación de Georgia, perseguida obsesivamente por un cazador de esclavos llamado Ridgeway. Mientras lo hace, un flujo de imágenes poéticas (un árbol arde con fuego o permanece desnudo en el paisaje) convive con representaciones ocasionales de esclavos azotados y torturados.

En el primer episodio, esa descripción inquebrantable de la vida en una plantación podría traer a la mente los 12 años de esclavitud de Steve McQueen, pero McQueen y Jenkins son artistas muy diferentes. Aquí Jenkins establece el mundo de Cora antes de moverse en una dirección más fantástica. Al principio, Cora, interpretada con gran seguridad por la actriz sudafricana Thuso Mbedu, está rodeada de brutalidad pero acepta su destino. A lo largo de la serie, las escenas de esclavos azotados, ahorcados y quemados son tanto más efectivas por ser utilizadas con tanta prudencia.

Finalmente, Cora huye de la plantación con su amigo Caesar (Aaron Pierre). Es uno de los muchos personajes que muestran la variedad de actitudes entre los esclavizados, diciendo "no seré criado como ganado". Ridgeway (Joel Edgerton, en otra de sus actuaciones silenciosamente intensas) está decidido a encontrar a Cora porque no ha logrado capturar a su madre, quien desapareció de la plantación cuando Cora era una niña, un abandono que la dejó tan angustiada y enojada con la que sueña constantemente.

Leer acerca de un ferrocarril subterráneo literal es una cosa, pero verlo en la pantalla acerca la metáfora un paso más a la realidad. Jenkins encuentra un equilibrio al hacer que el ferrocarril sea físicamente creíble pero a veces fantástico. Una de las estaciones no es más que un túnel oscuro y un vagón de mano. Pero en un sueño, Cora entra en una estación grande y reluciente llena de gente, donde el personal uniformado espera detrás de un mostrador de boletos.

Su primera parada al salir del ferrocarril es una ciudad brillante y urbana en Carolina del Sur, donde un grupo de personas blancas educa y patrocina el futuro de la gente negra. Cora lleva un vestido amarillo a medida y un sombrero, toma lecciones en un salón de clases y baila un vals con César bajo linternas encendidas en un baile en la plaza del pueblo. Pero también trabaja en un museo que escenifica escenas de la vida esclava. En exhibición detrás de un vidrio, interpreta el papel que vivió como esclava, recogiendo algodón. La ciudad, con sus rascacielos intencionalmente anacrónicos, puede parecer apuntar a un futuro mejor, pero ese mundo benéfico no es lo que parece.

Cada uno de los pasos de Cora hacia la libertad conduce a un cambio cruel, y Mbedu revela ferozmente su creciente determinación de seguir avanzando hacia el futuro. Las imágenes de Jenkins reflejan tanto el mundo que rodea a Cora como su estado mental, mientras viaja a través de un paisaje chamuscado en Tennessee hasta una exuberante granja verde en Indiana. Como el paisaje, los elementos fantásticos reflejan sus esperanzas y temores. Ella cae por un agujero, flotando como Alicia en el país de las maravillas, solo para llegar a un túnel húmedo y con piso de tierra. Entre los toques poéticos más efectivos, Jenkins muestra con frecuencia personajes parados frente a la cámara, mirándonos. Muchos están muertos pero no son imágenes fantasmales traslúcidas. Son presencias físicas, llenas de significado, incluso si ya no viven en el mundo de Cora.

Con Ridgeway persiguiéndolo sin cesar, Cora es capturada y escapa más de una vez. Pero Jenkins ocasionalmente rompe la forma típica de miniserie basada en la trama. La mayoría de los episodios aquí duran una hora, pero una entrega de flashback a Ridgeway cuando era joven (Fred Hechinger) dura solo 40 minutos y revela la crueldad que siempre estuvo en él. Edgerton hace que Ridgeway sea complejo y vicioso, nunca comprensivo pero siempre más que un villano cliché. No es un dueño de esclavos, pero comparte y expresa su certeza sobre la superioridad del hombre blanco, una idea que él llama escalofriantemente "el imperativo estadounidense". La figura más enigmática e inquietante de la serie es el compañero de Ridgeway, Homer (Chase W Dillon), un pequeño niño negro vestido como un adulto con un traje y un bombín. El niño es devoto de Ridgeway.

La serie es lo suficientemente amplia como para incluir la intrincada cultura anterior a la guerra que describe la novela de Whitehead. Algunos personajes blancos recitan la Biblia, usando la religión para justificar la esclavitud. En una secuencia, Cora llega a una granja en una comunidad de negros libres, donde no se ponen de acuerdo sobre cuánto comprometerse con los habitantes blancos. Nada se simplifica.

Jenkins dirigió los 10 episodios y escribió o coescribió varios. Trajo consigo a dos colaboradores esenciales, el director de fotografía James Laxton y el compositor Nicholas Britell, quienes trabajaron en Moonlight y Beale Street. La fotografía de Laxton abarca desde la luz del sol brillante hasta el interior teñido de amarillo de un espacio de acceso del ático donde se esconde Cora. Está demasiado apegado a la luz de fondo que brilla a través de las puertas, pero la belleza de sus imágenes no mitiga el horror de la historia. La elegante partitura de Britell es completamente fresca, a veces sinfónica, pero siempre conmovedora. El paisaje sonoro incluye un aullido constante como si un viento feroz estuviera soplando en la vida de Cora.

Jenkins ha dicho que, cuando era niño, las palabras ferrocarril subterráneo le evocaban imágenes de "gente negra construyendo y trabajando y prosperando en embarcaciones de su propia creación muy por debajo del suelo". Esa es una de las muchas razones por las que era la persona ideal para adaptar una novela construida sobre el poder de la metáfora y la imaginación. La esclavitud a menudo se llama "el pecado original de Estados Unidos", su legado de injusticia y división racial persiste hasta el día de hoy, una idea que esta serie transmite elocuentemente. Como dice un personaje: "No podemos escapar de la esclavitud. Sus cicatrices nunca desaparecerán".

Y con estos 10 episodios hechos piezas de arte excepcionales, Jenkins nos regala otra lección cinematográfica inolvidable. Gracias.

Crítica Cinéfila: Herself

Sandra (Clare Dunne) es una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo ex marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Su idea consiste en construir su propia casa, un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos hijas pequeñas. Para ello contará con una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla. En el proceso, además, no sólo reconstruye su vida, sino que también se descubre a ella misma.

En 2008, el debut en la pantalla grande de la directora de ópera Phyllida Lloyd, "Mamma Mia!", ganó con creces su signo de exclamación, recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo. Tres años más tarde, su continuación más seria, "The Iron Lady", le valió a Meryl Streep un Oscar. La mayoría de la gente estaría de acuerdo en que no fue un comienzo nada lamentable para una directora de cualquier género. Pero en lugar de hacer otra película, Lloyd volvió al escenario y dirigió un trío de producciones femeninas de Shakespeare que hicieron declaraciones.

Aún así, uno se pregunta si el año sabático de Lloyd en el cine fue por su propia elección o por fuerzas que no parecen estar muy interesadas en privilegiar las historias de mujeres. Ahora está de regreso con una película llamada "Herself", que es una de las películas más emotivas que he visto sobre violencia de género. Es pequeña y no está protagonizada por nadie que Hollywood consideraría "rentable", pero estoy convencida de que este inspirador drama ambientado en Dublín llega como lo que es: una historia oportuna y empoderadora sobre una esposa maltratada que construye (literal) su propia casa junto a gente decente que acude en su ayuda por ese empeño. Lloyd podría ser la sexta mujer en romper el techo de cristal machista de los Oscars, asumiendo que reconozcan lo brillante que es esta película y su mente maestra.

La configuración de la película no podría ser más simple: Sandra (Clare Dunne) tiene dos hijas radiantes (Molly McCann y Ruby Rose O'Hara) y un esposo controlador, Gary (Ian Lloyd Anderson), que confunde posesión con afecto, forzando por mantener unida a su familia. Los hombres como Gary son un cliché, lo cual no es un desaire contra el guión (Dunne coescribió con Malcolm Campbell), sino un reconocimiento de que las personalidades abusivas son predecibles. Lloyd no tiene que mostrar cada golpe que Gary le da a su esposa para que nos hagamos una idea, porque muchos de nosotros hemos conocido a personas como él.

En cambio, revela su ataque en fragmentos, recordatorios entretejidos a través de su retirada y recuperación, ahorrando una pieza crucial de información para los flashbacks. Resulta que no somos el único testigo de la brutalidad de Gary, ya que pisotea la mano de Sandra después de descubrir el dinero que había estado ahorrando para alejarse de él. Mucho más adelante en la película, se le preguntará a Sandra en la corte por qué no lo dejó antes. Su respuesta, que comienza, "Haga mejores preguntas", que rápidamente se convierte en un monólogo entusiasta, desafía a una sociedad donde la inercia que actúa contra las mujeres atrapadas en malos matrimonios puede ser increíblemente cruel.

La fuga de Sandra, con sus niñas de 6 y 8 años a cuestas, recuerda un par de películas excepcionales sobre el mismo tema o similares, aunque Lloyd tiene un estilo más accesible que las demás dejándolo ocurrir en un pueblo bien recurrido por la indsutria de cine independiente británico. Lo que es exclusivo de Irlanda, pero sigue siendo interesante para los forasteros, es cómo el sistema trata estos casos. Se llama a la policía y Sandra está alojada temporalmente en un hotel de aeropuerto al que está obligada a entrar por la parte trasera, ya que la gerencia cree que sus huéspedes que pagan podrían ser desanimados por gente de clase baja como ella. Es humillante, pero la mejor opción mientras Sandra se aferra a las viviendas sociales de Irlanda para ayudarla a encontrar algo más permanente: un programa con una lista de espera de tres años.

Mientras tanto, la amenaza de que Gary pueda tomar represalias o hacer algo para poner en peligro a sus hijas es intensa, pero aún más aterradora es el control emocional que estos hombres tienen sobre sus parejas. Su temperamento puede ser mortal, pero su contrición de ojos afilados no es menos peligrosa. Las disculpas siguen a los arrebatos cuando encienden el encanto, y cuando uno ama a una pareja con la capacidad de oscilar entre esos extremos, puede ser casi imposible liberarse, especialmente en una economía donde una mujer como Sandra baila entre dos trabajos para sobrevivir: limpiando mesas en un bar de Dublín y ayudando a una doctora de voluntad fuerte (Harriet Walter) que se recupera de una fractura de cadera.

Algunos de los detalles pueden ser un poco torpes o demasiado convenientes para aquellos que buscan sutileza, pero la situación de Sandra comienza a cambiar cuando el personaje de Walter, Peggy, se topa con un video instructivo que Sandra había estado viendo en su computadora portátil, instruyendo a los aficionados al bricolaje sobre cómo construir su propia casa modesta por solo 35.000 euros. Por supuesto, primero necesitan encontrar una pequeña parcela de tierra, que Peggy tiene disponible detrás de su propia casa.

Prácticamente no hace falta decir que no todos en la posición de Sandra tienen la suerte de tener una amiga que ofrezca esa alternativa. La madre de Sandra trabajó para Peggy anteriormente, por lo que su lealtad se remonta a años atrás, resistiendo incluso el escepticismo de su hija (Rebecca O'Mara). Pero "ella misma" cree en la bondad humana fundamental. Muchos cineastas piensan erróneamente que explotar la tragedia es la forma de arrancar las lágrimas de su audiencia, cuando de hecho, los gestos de bondad espontánea mostrados por casi extraños pueden ser muy conmovedores, algo que Lloyd entiende, aumentando la energía positiva con himnos como "Chandelier".

El título de la película puede sugerir que Sandra lo hace sola, pero en verdad, no podría tener éxito sin el apoyo de otros: un contratista escéptico pero de mente abierta llamado Aido (Conleth Hill); su servicial hijo Francis (Daniel Ryan), que tiene síndrome de Down; Rosa, madre soltera (Anita Petry) de la escuela de sus hijas; y un carpintero semental (Dmitry Vinokurov) a quien la película es lo suficientemente inteligente como para no tratarlo como un interés amoroso, incluso si su presencia demuestra que no todos los hombres son como Gary.

Lo que Sandra está tratando de hacer no es fácil y, a veces, tiene problemas para manejar el estrés. Los obstáculos a veces pueden parecer tan enormes que cada aliento que recibe envía olas de positividad (bien ganada) a través de la audiencia. Si la historia suena pequeña, piénselo en cambio como una especie de metáfora de todas las mujeres solteras que luchan contra un sistema que se inclina en su contra, que es tan cierto hoy en Irlanda como en la industria cinematográfica y en el mundo en general. Cuando el patriarcado fracasa, a veces una mujer tiene que tomar el asunto en sus propias manos.

Crítica Cinéfila: Sound of Metal

Narra la historia de un joven batería de una banda de música que comienza a perder la audición.

Riz Ahmed es el tipo de actor que siempre parece sobresalir del encuadre, y en "Sound of Metal", está atrapado. Como Ruben, el baterista de heavy metal que se queda sordo, Ahmed transmite las complejas frustraciones de perder el contacto con el mundo que lo rodea, sin importar cuánto luche por aferrarse a él. Este enigma devastador se basa en el mejor uso del diseño de sonido en la memoria reciente, ya que su director y guionista Darius Marder sumerge a los espectadores dentro de los límites de la relación en deterioro de Ruben con el mundo que lo rodea, y clasifica lo demás para construir uno nuevo. La brillante actuación de Ahmed se asienta en un complejo paisaje sonoro que resuena incluso en un silencio total.

Desde el momento en que Ruben aparece en pantalla, Marder sube el volumen. Golpeando su batería en el calor de un espectáculo a todo volumen, Ruben parece tener la rutina ideal para adaptarse a sus talentos. Viviendo en una casa rodante destartalada con su novia y compañera de banda Lou (Olivia Cooke), está inmerso en una gira y ha encontrado una partner-in-crime para mantener su vida en equilibrio. Mientras la pareja deambula por su casa móvil al ritmo del jazz clásico, su nerviosismo insinúa la historia de la adicción que se manifiesta más adelante; al mismo tiempo, está claro que han pasado de ese capítulo a una unión poderosa.

Ruben está sorprendido cuando, sin previo aviso, la música se amortigua en un zumbido sordo una noche, enviándolo en una búsqueda desesperada de un médico. El rostro de Ahmed encarna el puro horror de la situación cuando se da cuenta de que casi no escucha, dejándolo incapaz de comprender la mayoría de las palabras a su alrededor. Los profesionales médicos no se detienen a pensar por qué le sucedió (podría ser el ruido de la batería, podría ser una afección autoinmune) porque la conclusión es la misma: no regresa y necesita preservar la audición que le queda. En cambio, sigue sus instintos de regreso al escenario, hasta que casi lo destruye.

El primer acto desorientador de la película es la historia de un músico mugriento comprometido con el costo físico de su arte hasta el punto de la ignorancia voluntaria. Pero Lou, a quien Cooke interpreta con una convincente mezcla de empatía e ira, no quiere nada de eso. Marder nos da fragmentos de la condición en declive de Ruben mientras la pareja discute sobre la situación, haciendo malabares con las llamadas unilaterales con su gerente hasta que recibe ayuda de mala gana.

Esa decisión coloca la película en una sección intermedia fascinante, ya que Ruben se alista en una comunidad de sordos remota para adictos en recuperación y gradualmente se sumerge en su ecosistema único. Supervisada por el lector de labios Joe (Paul Raci), la casa le brinda a Ruben la oportunidad de aceptar su sordera en lugar de apresurarse a reunir fondos para un impacto coclear. El supervisor ve potencial en la actitud luchadora de Ruben, empujándolo a través de una vida dura para hacer las paces con su condición. A medida que Ruben comienza a aprender el lenguaje de señas, deambula por la propiedad e incluso se une a los niños sordos en una escuela primaria vecina/

Pero la vida tiende a seguir caminos irregulares, y la relación de Ruben con su vida anterior lo lleva a realizar una serie de actos desesperados que amenazan con arruinar su progreso. Marder, quien escribió la película con su hermano Abraham, deja caer pequeños detalles que apuntan al complejo conflicto interno de Ruben mientras lucha por clasificar sus prioridades. Incluso los momentos más cálidos y equilibrados de la película vienen teñidos de la inquietud de que todo podría desmoronarse en cualquier momento. 

Pero ese delicado equilibrio no funcionaría sin la encarnación de Ahmed del desafío en cuestión: el actor muestra un comportamiento furioso y conmocionado durante la mayor parte de la película, y siempre es una demostración convincente. Ahmed es tan creíble que mantiene el suspenso del drama en juego incluso cuando se empuja a circunstancias artificiales durante el prolongado acto final, y finalmente da un salto melodramático. La adicción tardía de la historia de fondo familiar, con un cameo glorificado de Mathieu Amalric como el padre perspicaz de Lou, tiene una cualidad de calzado que se siente como si estuviera sacada de una película menor. Por mucho que Marder sobresalga en la construcción de estas circunstancias, no puede conseguir el paquete completo.

Afortunadamente, la película llega en un momento solitario que lleva su poesía a un final satisfactorio. Tras una escena en la que los aplausos se desdibujan hasta convertirse en un siseo ensordecedor, Marder nos devuelve al silencio, poniendo en primer plano la forma en que Ruben debe desvincularse de una vida que ya no es sostenible. Gran parte del crédito de esta película se lo lleva el departamento de sonido, supervisado por el editor de sonido Nicolas Becker, quien tuvo créditos más pequeños en películas como "Gravity" y "Arrival". 

Durante gran parte de la película, Ruben exuda la desesperación de un hombre dispuesto a restaurar su audición a cualquier costo; el peso emocional de este drama conmovedor proviene de su capacidad para llegar a una nueva revelación. “Sound of Metal” trata, en última instancia, de lo que significa marchar al ritmo de un tambor diferente cuando la música familiar se detiene para siempre.

Crítica Cinéfila: One Night in Miami

A raíz de la victoria de Cassius Clay frente a Sonny Liston en 1964, el boxeador se reúne con el líder activista Malcolm X, el cantante Sam Cooke y el deportista Jim Brown en la habitación de un motel. Allí intercambiarán opiniones sobre la segregación de la población negra en el sur del país.

Después de lograr varios años de créditos como directora de televisión, Regina King aborda su primer largometraje en One Night in Miami, como era de esperar, persuadiendo las actuaciones de sangre de sus carismáticos protagonistas. Si bien la película no enmascara por completo los orígenes teatrales de su núcleo de un solo escenario, esta es una hábil adaptación del drama de Kemp Powers de 2013 sobre una reunión en la habitación de un hotel de cuatro amigos famosos en la noche de 1964 justo después de que Cassius Clay se llevara el título mundial de boxeo. Entretenida e iluminadora, la producción de Amazon traza una línea entre un momento crucial en el movimiento de derechos civiles y el ajuste de cuentas raciales de Estados Unidos.

La mayor parte del drama aún se desarrolla, como sucedió en la obra, en una habitación del Hampton House Motel & Villas ocupada por Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), donde se une después de la pelea el triunfante Clay (Eli Goree), el popular músico Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) y el jugador estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Pero King y el escritor evitan que la conversación se vuelva estática tomando decisiones inteligentes, que van más allá de simplemente llevar la acción al techo del motel, por ejemplo. El guión de Powers abre hábilmente el material, comenzando con una escena reveladora de cada protagonista que sugiere dónde se encuentra cada uno de los hombres en su experiencia personal de la lucha negra.

Clay se presenta en una pelea sin título en 1963 contra Henry Cooper en Londres, donde su auto-adulación se muestra gloriosa. No obstante, tiene mucho que demostrar para cuando se enfrente a Sonny Liston (Aaron D. Alexander) al año siguiente en un enfrentamiento que pocos esperaban que ganara. En escenas en su hotel antes de la pelea con su entrenador (Michael Imperioli) y su esquinero (Lawrence Gillard Jr.), Cassius hace caso omiso de las advertencias que objetan que su dinero se canalice a causas de la Nación del Islam, el resultado de su estrecha asociación con el mentor político y espiritual Malcolm X.

Las primeras escenas con Malcolm muestran su desilusión con la Nación del Islam y la ética de su líder, Elijah Muhammad (Jerome Wilson), mientras Malcolm y su esposa Betty Shabazz (Joaquina Kalukango) planean su deserción del movimiento religioso incluso mientras él se prepara para marcar el comienzo para Cassius.

Cooke ha logrado un éxito cruzado con éxitos como "You Send Me". Pero un concierto humillante en Copacabana muestra los límites de aceptación de los artistas negros cuando a su banda se le prohíbe tocar en el escenario y el público blanco ni le hace caso durante su acto, incluso mientras él complace con la canción "Tammy". Sam, sin embargo, se niega a ser excluido de los lujosos establecimientos blancos, eligiendo quedarse con su esposa Barbara (Nicolette Robinson) en el lujoso Fontainebleau en Miami en lugar de reunirse con sus amigos en alojamientos más modestos para los negros.

Brown es visto por primera vez conduciendo su Cadillac para visitar la casa del Sr. Carlton (Beau Bridges) en su lugar de nacimiento en Georgia, la isla St. Simons. Después de un afectuoso saludo, efusivas felicitaciones por sus glorias futbolísticas, un hospitalario vaso de limonada en el porche y la garantía de que los lazos entre sus respectivas familias se remontan a mucho tiempo atrás, lo que significa que ningún favor es demasiado grande para pedir, Jim recibe un rudo despertar cuando el hombre blanco deja caer casualmente la palabra Nigger para recordarle que no es bienvenido dentro de la casa. La sonrisa cordial en el rostro de Bridges martilla la galleta a dos manos de tales actitudes.

Todo este trabajo preliminar transmite rápidamente la mentalidad conflictiva de cada uno de los hombres mientras se reúnen para lo que tres de ellos creen que será una noche de fiesta después de la victoria de Clay. Pero Malcolm tiene la intención de aprovechar la ocasión para dar la noticia de la aceptación del Islam por parte del boxeador, una transición que eventualmente lo vería cambiar su nombre a Muhammad Ali, mientras que también se apoya en Cooke y Brown para poner su fama detrás del movimiento.

Es discutible si estos cuatro tipos de personalidades contrastantes realmente pasaron la noche discutiendo sus puntos de vista sobre política y raza. Pero Powers presenta un caso convincente a favor de un debate orgánico en el que lo que está en juego es personal para cada uno de los participantes y los temas no menos relevantes hoy.

De los cuatro, Clay es el que más se arriesga, pero la actuación eufórica de Goree está flotando en una nube, tanto por su victoria como por las oportunidades futuras que sabe que le corresponden. Como el verdadero Ali, el inmenso encanto de Goree hace que la auto-adoración de este magnífico hombre sea completamente contagiosa, nunca desagradable, y las incertidumbres que surgen cuando Cassius comienza a revelar dudas sobre su conversión religiosa le dan una conmovedora vulnerabilidad al papel.

Brown no es menos imponente físicamente que Clay, pero es un hombre mucho más reflexivo, un pensador más maduro. Inicialmente, está descontento por la falta de mujeres y alcohol. Pero gradualmente se involucra en el diálogo de Malcolm, especialmente una vez que se afloja con unos tragos del frasco de licor que Sam guarda en su estuche de guitarra. Hodge, que mostró un dominio tan inquietante como el prisionero en Clemency, vuelve a comunicar profundidades simplemente con sus ojos y su fuerza enroscada. A pesar de hacer su parte invirtiendo dinero en negocios negros, Jim no es ajeno a las acusaciones de Malcolm de que deberían estar haciendo más por la causa. Habiendo filmado su primer papel en una película, considera a Hollywood como un camino para salir de la fecha de vencimiento de la carrera de la NFL, y argumenta que Sam es el más libre de ellos.

Es sobre Sam que Malcolm cae más duro. En su mejor papel desde que se abrió paso como Aaron Burr en el elenco original de Hamilton, el magnético Odom clava las cristalinas voces gospel-soul de Cooke, con sus suaves vuelos de dulce falsete. Pero también golpea el estómago de un hombre que ha encontrado una manera sin remordimientos de coexistir con prejuicios arraigados a través del talento, la determinación y el impulso emprendedor. Sam cree que la política es mala para los negocios, pero su revelación de que está trabajando en algo nuevo y más significativo florece en una de las escenas de recapitulación que nuevamente amplían el alcance de la obra, donde estrena el himno de los derechos civiles "Change is Gonna Come "en el programa de Carson (Odom también co-escribió e interpreta la hermosa canción original de créditos finales "Speak Now").

Haciendo vívidas impresiones en papeles secundarios, Lance Reddick y Christian Magby representan a la rigurosa línea dura y al joven acólito deslumbrado, respectivamente, como guardaespaldas de la hermandad musulmana de Malcolm. Y Jeremy Pope tiene un cameo extendido fabulosamente extravagante como Jackie Wilson en un flashback de un concierto en Boston donde abre para Sam.

Sin embargo, la actuación imponente que centra el trabajo del conjunto es el Malcolm silenciosamente apasionado y enfocado del actor británico Ben-Adir. Si bien no es reacio a hablar mal con sus amigos desde una elevada tribuna, nunca hay un momento en el que no estés convencido de que este es un hombre íntegro que está 100 por ciento detrás de sus palabras. Él cree que la situación es demasiado grave para que nadie se mantenga a salvo en la valla mientras expresa un sentimiento urgente que conectará demasiado dolorosamente con muchos afroamericanos de hoy. 

Las miradas de aprensión que Malcolm lanza a los hombres blancos sospechosos que acechan en el estacionamiento del hotel, así como una breve escena que luego muestra la casa de su familia siendo bombardeada, sugieren un pavor fatalista que se ha convertido en su compañero constante. Esa conciencia resuena con fuerza dado el conocimiento de que sería asesinado solo un año después.

Uno podría señalar que el diseño de la producción de época es demasiado elegante y poco habitado; cuando Sam dice de la habitación del hotel Hampton es un maldito basurero, su desdén se ve levemente socavado por el hecho de que casi podría pasar por un diseño moderno de mediados de siglo. Pero este es un esfuerzo de aspecto elegante, con una cinematografía de pantalla ancha de Tami Reiker y una edición contundente de Tariq Anwar que ayuda a mantener el interés visual. King también hace un uso juicioso de la fresca y llamativa partitura para piano de Terence Blanchard.

Hasta cierto punto, One Night in Miami sigue siendo un teatro filmado de alta calidad. Pero la convicción y el sentimiento conmovedor que le aportan elevan el material, convirtiéndolo en un debut prometedor. Espero que King, una de las actrices de pantalla más consistentemente excelentes, continúe extendiendo sus alas en esta dirección.

Crítica Cinéfila: Silvie's Love

Años después de que su romance de verano llega a su fin, un aspirante a productor de televisión y un músico talentoso se cruzan, solo para descubrir que sus sentimientos mutuos nunca han cambiado. Dado que sus carreras los llevan en diferentes direcciones, deben elegir lo que más les importa.

El deseo y los sueños se encuentran maravillosamente en "Sylvie's Love", un romance a la antigua para los corazones del siglo XXI. Modestamente escalado pero emocionalmente expansivo, rastrea a un par de jóvenes amantes durante años de felicidad y arrepentimiento, desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de los 60. A medida que el mundo gira, se encuentran, caen con fuerza, vacilan y se separan. Entre besos y suspiros, Nancy Wilson canta, y la pantalla se inunda de colores atrevidos y pasiones. Abandona esa fortaleza en la que te escondes, dice esta película. Deja entrar los sentimientos, deja fluir las lágrimas: para eso están hechas las películas.

Nuestra heroína, Sylvie (Tessa Thompson) vive con sus padres en Harlem. Ella trabaja en la tienda de discos de su padre (Sonny Rollins) y obedientemente modela cuando su madre enseña etiqueta a las niñas. Sylvie, con su corte de pelo de duendecillo y su cuello de tortuga perfectamente ajustado, sus ojos de cierva y su rostro suavemente expresivo, parece que debería estar esperando un papel de reparto de una próxima película. Pero ella es una mujer negra en los Estados Unidos de 1957 y ese tipo de adoración cinematográfica no se le permitirá a personajes como el suyo hasta que se puedan hacer películas como esta, películas que le muestren lo que las películas pudieron y deberían haber sido.

Cuando un saxofonista prometedor, Robert (Nnamdi Asomugha, un productor de la película), entra en la tienda de discos, la historia se adapta rápidamente a su ritmo. Vuelan chispas, aunque Sylvie tarda un poco más que Robert en darse cuenta (o admitir) lo que está sucediendo. Tiene un prometido, hijo de un médico adinerado, a quien espera pacientemente para casarse. Pero Robert es lindo y coqueto, y pronto él y Sylvie intercambian inquietas miradas significativas. Cuando finalmente se besan, el momento es tan trémulo y cuidadosamente organizado como un romance de estudio clásico: es de noche, la iluminación es perfecta y ellos también. Se siente como la versión negra de The Notebook.

"Sylvie's Love" es sólo el segundo largometraje de Eugene Ashe, que sabe cómo mover la cámara pero también cómo actuar dentro del marco. Ashe está usando un género cinematográfico familiar y ridiculizado desde hace mucho tiempo, tanto afectuosamente como críticamente, para explorar las superficies relucientes de la vida y la angustia que yace debajo. Debido a que Ashe se toma el melodrama en serio, se compromete con su exuberante sinceridad. Él no te guiña el ojo, solicitando risitas sabias sobre la desnudez de las emociones. En cambio, te pide que vayas con todo, que te enamores de Sylvie y Robert como se caen el uno por el otro, que te preocupes y los apoyes. Eso es fácil de hacer porque ambos actores son muy atractivos. La capacidad de Thompson para exteriorizar las emociones es particularmente importante por lo que está haciendo Ashe y porque la sostiene en la cara cuando escucha por primera vez a Robert jugar en un club. Mientras escucha, su rostro se abre y los sentimientos se apresuran, animándolo, calentándolo, y está claro que ahora realmente lo ve.

Ashe se apoya en Thompson, dejándola hacer gran parte del trabajo cuando Sylvie y Robert están juntos. Asomugha es un buen reactor y agradable de ver, pero no tiene el rango emotivo de Thompson. El resto del elenco es de primer nivel e incluye varias caras de bienvenida, entre ellas Eva Longoria, Lance Reddick, Erica Gimpel y Aja Naomi King. Un emblema más convincente de cómo el paternalismo blanco viene enfundado en patrocinio podría haber sido bueno, pero entonces, como la mayoría de los personajes blancos, la condesa es bastante irrelevante.

Ese es el punto de la película. "Sylvie's Love" hace un trabajo en gran parte convincente al recrear un melodrama de Hollywood de la década de 1950, si no en todos sus detalles, ciertamente en su énfasis en las emociones y sentimientos apasionados. Los personajes no suenan como si hubieran pasado tiempo en el sofá; hablan y, a veces, resuelven las cosas, pero no explican demasiado con ideas de autoayuda. 

El movimiento más radical de Ashe es cómo organiza el melodrama clásico para contar una historia de amor negro que nunca se habría contado en el viejo Hollywood. Particularmente instructivo es su enfoque insistente en la vida interior de sus personajes, en lo que Sylvie y Robert anhelan y sueñan como seres humanos, más que como emblemas de raza o avatares de ideales. El mundo en general presiona, como debe hacerlo, y hay referencias al movimiento de derechos civiles aquí y allá. Sin embargo, son igualmente importantes todas las caras blancas de los programas de televisión que Sylvie ve, imágenes que estudia y espera cambiar algún día.

Ashe quiere que consideres las vidas de sus amantes, pero también quiere que te desmayes, quiere que des el salto empático para que sientas y pienses en otras vidas en lo profundo de tu cuerpo. Los críticos solían burlarse de los melodramas, descartándolos como llorones de tres pañuelos. Deberías agarrar pañuelos para ver "Sylvie's Love", pero lo digo de manera alentadora. Este año nos ha dado muchas cosas por las que llorar, pero aquí hay una historia en la que perderse y con la que llorar con placer y gratitud.

Crítica Cinéfila: I'm Your Woman

Jean es un mujer casada que lleva una vida cómoda dedicada a su marido Eddie y a su pequeño bebé. Hasta el día que su marido, un criminal, decide traicionar a sus socios y entonces Jean se ve obligada a huir con su bebé a cuestas.

Estaremos por la mitad de “I'm your Woman” antes de que se aclare su premisa, pero el misterio es tan apasionante como su recompensa. El cuarto largometraje de la directora Julia Hart combina un apasionante giro de Rachel Brosnahan como actriz con un tenso guión ambientado en los años 70 construido como una especie de rompecabezas. La imagen completa puede equivaler a una historia de gángster artificial, pero Hart (que escribió el guión con su compañero Jordan Horowitz) aborda esa fórmula de adentro hacia afuera. Para cuando te das cuenta del tipo de película que estás viendo, ya ha pasado mucho tiempo para poder dar pasos hacia atrás.

"I'm Your Woman" le debe mucho a la evolución de la interpretación de Brosnahan mientras pasa de ama de casa aterrorizada a sobreviviente mordaz a lo largo de la película, y la película consolida las fortalezas del trabajo anterior de Hart. Al igual que su guión de la Guerra Civil, “The Keeping Room”, encuentra a mujeres atrapadas en un mundo de hombres y obligadas a recurrir a la violencia como medio de escape. Y al igual que el drama de superhéroes de baja fidelidad "Fast Color", su heroína se fugó antes de que ella realmente entendiera lo que la persigue y por qué es mejor enfrentarlo de frente. "I'm your woman" es una serie de crímenes a fuego lento empapada de intriga, compensando un primer acto chirriante.

Los primeros minutos sugieren una experiencia muy diferente: un melodrama inquietante con toques de "Rosemary's Baby" más que el esfuerzo de género feminista por venir. Cuando Eddie (Bill Heck) aparece de repente en su casa con un bebé y se lo da a su esposa Jean (Brosnahan), ella lo acepta sin dudarlo. Sin contexto para el intercambio, la película flota en la incertidumbre de su dinámica y luego se dobla hacia atrás para explicarla.

Cuando Eddie, cuya oscura carrera sigue siendo un secreto para su esposa, desaparece, un pistolero frenético llamado Cal (Arinzé Kene) aparece para explicar por qué ella y su bebé adoptado deben huir. Lo hace, atravesando una serie de casas francas y evadiendo a varios matones asesinos que intentan usarla para localizar a su esposo.

A estas alturas, debería quedar claro que esta película tiene mucho más que ver con la esposa de Eddy, y los detalles desconocidos de su vida. La mayoría de los villanos son caricaturas abstractas, matones que sirven para muy poco más allá de aumentar el cociente de peligro en momentos clave, pero son distracciones momentáneas en una película arraigada en la naturaleza peculiar de la crisis de identidad de Jean.

Mientras insinúa un mundo mucho más grande, la película se desarrolla en fragmentos de pequeños intercambios y Brosnahan está en cada escena. Al principio, la película parece encaminada a un tipo de híbrido de romance verdadero: mientras Jean se une a Cal en un restaurante nocturno, parece que su protector contratado podría reemplazar al hombre que la dejó atrás. Pero esta historia tiene intenciones más sofisticadas. Jean se encuentra acurrucada en el bosque junto a la familia de Cal, incluida su esposa Teri (Marsha Stephanie Blake), cuyos vínculos con el esposo de Jean aportan claridad adicional a su enigma. Jean solo quiere una vida pacífica, pero a través de la trama se da cuenta de que metas tan elevadas requieren más que esperar a que se cumplan.

La película pasa del suspenso suburbano a una supervivencia boscosa, uniéndolo con una atmósfera resbaladiza de pavor. El período de tiempo es irrelevante, aparte de las influencias cinematográficas que recuerdan a “The Parallax View” y otros thrillers de la era de los 70. Hart y el director de fotografía Bryce Fortner se destacan por mezclar imágenes de estilo noir con repentinos estallidos de acción frenética, desde un primer plano que perdura en una cabina telefónica en medio de un tiroteo a la imagen en tonos neón de los autos volcados en una calle abandonada. La sutil partitura para piano de Aska Matsumiya oscila entre siniestro y búsqueda, apuntando hacia un enigma que requiere que el arco completo de la historia se asiente.

Hay mucho estilo en "I'm Your Woman", y la sustancia lo respalda en gran medida. Justo cuando la situación de Jean comienza a volverse repetitiva, la nueva información complica su nueva rutina y Brosnahan, en un personaje muy diferente al de “The Marvelous Mrs. Maisel”, exhibe una confianza creciente que se convierte en la verdadera estrella del espectáculo.

Para Hart, la película avanza el potencial de "Fast Color" para fusionar el escapismo con temas más profundos y socialmente relevantes. La trayectoria de Jean adquiere una resonancia moderna cuando se enfrenta a la naturaleza de una existencia previamente definida por personas que intentan excluirla. Hay una cualidad empoderadora en verla ir más allá de eso y una satisfacción fundamental en cómo la película utiliza elementos confiables para hacer el trabajo. Es casi demasiado fácil recordar la cita de Jean-Luc Godard de que cada película necesita una chica y una pistola, pero "I'm Your Woman" toma esa frase y le da un nuevo propósito.

Crónica Cinéfila: ¿por qué dejé de ver trailers?

Hace unos años, un amigo comentó que a él no le gustaba ver trailers de películas. Me lo encontré muy extraño porque uno de los mejores elementos de mercadeo de una película es el mismísimo trailer, pero él explicaba que simplemente ya no le llamaba la atención verlos porque siempre delataban la película.

De repente me encontré en una situación similar, donde yo saqué un twist muy específico del final debido a lo que el trailer mostró. Para sorpresa de muchos tenía razón: el personaje estaba muerto y la chica alucinaba con él (no diré el título por si hay personas que no la han visto). Tres de mis amigas no entendían cómo llegué ahí con solo mirar el trailer, hasta que les hice un breakdown de este y se dieron cuenta también. Quizás es porque lo vi tanto que me di cuenta o simplemente estaba ahí mismo y no había que deducir mucho. Pero simplemente llegué a la misma conclusión que mi amigo: dejé de ver trailers. 

Mis razones son más puntuales, aunque creo que todo cinéfilo que llega a esta decisión lo hace casi por lo mismo. 

Lo primero es el hecho de que un trailer ahora le quita el elemento sorpresa de la temática o el conflicto de la historia. Antes las películas de terror se abstenían de mostrar aspectos del antagonista que atacará en pantalla, por el mismo hecho de que al revelarlo ya están avisándole a la audiencia que eso es lo que deben encontrar. Pero no solo ocurre con este género; hasta los dramas más indies en los que su temática es su elemento más fuerte son víctimas de la exposición en un trailer mal estructurado.

Después está el tema de contar la historia completa en 2 minutos. Se supone que un trailer es la recopilación de un límite de escenas con el fin de venderle visualmente el producto a una audiencia meta. Pero vender el trailer no debe ser vender la película en 2 minutos (o más... porque ahora también está la popularidad de tener trailers larguísimos lo cual NO debería ser así). Hay algunos que una vez los ves no solo sabes lo que ocurrirá al final, sino que también sabes todo lo que ocurrirá en el centro. Uno de los mejores trailers que he visto es el de la película Roma por la sencilla razón de que nunca se llega a tocar el enfoque de la película. Pero eso se debe a que Alfonso Cuarón es un genio y cuida mucho su material.

Con esto no digo que los trailers deben ser completamente abstractos, pero la prudencia de elegir escenas específicas y que con esto no se sienta que se delata los momentos más esenciales es muy importante. Recordemos que también se quieren vender taquillas del cine o que se subscriban a la página de streaming a verlo.

Mi última razón es muy crítica y personal. Se trata de vender la idea erronea a la audiencia. No se imaginan la cantidad de veces que veía un trailer y decía "esta película de terror estará buenísima", y resultaba que no era terror, o que me indicaba que la historia se enfocaría más en un personaje o un tipo de historia, y al final no era así. La decepción era tan grande que en más de una ocasión sentí la necesidad de salir de la sala de cine. Quiero creer que los publicistas utilizan esta técnica para llamar a más personas de otro tipo de público a ver la película; pero y ¿qué nos dejan a quienes somos de ese público, que somos engañados y después acribillamos la película con palabras crueles por la gran decepción que nos han dejado? No piensen que seré bondadosa porque ustedes inocentemente quisieron vendérmela con lo que a mi me gusta ver para luego no ser así. No lo seré.

Ver trailers es uno de los trabajos más importantes de todo cinéfilo. Se hace para poder predecir qué tan interesante o desastrosa será una película o serie. Pero definitivamente se ha salido de mi sistema de trabajo. Con la simple lectura de una sinopsis o el poster, ya es suficiente para mí. Y con esto no les digo que no vean trailers, pero tengan cuidado con ellos. No vaya a ser que un día por una simple mala estructura, les digan el twist del final.

Pero si ya los dejaste de ver, ¿por qué lo hiciste?

Crítica Cinéfila: Radioactive

Historia de la relación profesional y sentimental entre Marie Curie y Pierre Curie.

El descubrimiento científico va de la mano con la tragedia. Cada salto monumental hacia adelante en el progreso se encuentra con una consecuencia no deseada tarde o temprano; Cada innovación importante tiene un costo, ya sea personal, profesional o global. Pero, ¿debería ese costo desconocido evitar la experimentación y la innovación en nombre de la mejora? ¿Y cómo se mide el beneficio de un descubrimiento científico frente a un costo que solo se puede conocer con el tiempo?

Estas son preguntas embriagadoras sin respuestas fáciles, pero son aquellas con las que la reconocida científica Marie Curie tuvo que luchar una y otra vez a lo largo de su vida, como se describe en la nueva película Radioactive. Mientras que la historia recorre un territorio familiar para cualquiera que haya visto una película biográfica sobre un famoso "Great Man", la directora Marjane Satrapi considera elegantemente el costo en el corazón de los descubrimientos de Curie, y Rosamund Pike ofrece una actuación realmente emocionante como la científica detrás del campo pionero de radiactividad, y la valiente mujer detrás de tantas "primicias" para profesionales femeninas.

Para ser honesta, Radioactive comienza un poco duro. La película comienza con Curie siendo llevada de urgencia al hospital, aparentemente en su lecho de muerte, mientras su vida pasa ante sus ojos. Apunta a la película biográfica tediosa, aburrida y por números que Radioactive coquetea aquí y allá, pero afortunadamente nunca se cierne en ese aspecto por completo. Una vez que la película se pone en marcha y Pike tiene la oportunidad de brillar, la historia de Curie encuentra su lugar en la dedicación de los científicos a su trabajo.

Radioactive cubre todas las bases principales de la vida de Curie, desde su lucha por encontrar fondos y respeto como científica femenina hasta su asociación con el científico Pierre Curie (Sam Riley), con quien luego se casaría. Combinando su conocimiento e investigación, los Curies descubrieron dos elementos nuevos (radio y polonio) y desarrollaron la teoría de la radiactividad, que cambió por completo la forma en que los científicos pensaban sobre el átomo. Ganaron un Premio Nobel por su investigación (Marie ganó dos en su vida), pero decidieron no solicitar una patente para que otros científicos pudieran investigar más sobre la radiactividad, y comenzaron a surgir nuevas aplicaciones.

Satrapi le permite al público agradecer el impacto del trabajo de Curie intercalando intermitentemente escenas cortas que representan aplicaciones del descubrimiento de Curie décadas después. Estos van desde lo positivo, como el uso de radioterapia para reducir un tumor canceroso en un niño pequeño, hasta lo negativo, como el lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima. Es un dispositivo sorprendente que por sí solo puede parecer una distracción, pero en el contexto de la incomodidad de Curie profundiza en los temas de la película sobre el costo del progreso científico.

Curie y su esposo se enfermaron por la radiación, y una vez que otros que experimentaron con el radio enfermaron en París y sus alrededores, la ciudad se puso en contra de Madame Curie y comenzó a mirar con desprecio a la científica que alguna vez fue elogiada. Curie nunca podría haber predicho los efectos secundarios de su descubrimiento, del mismo modo que nunca podría haber predicho que podría convertirse en un tratamiento esencial para el cáncer o una clave para desbloquear un arma de destrucción masiva. Pero aunque ella considera las grandes pérdidas en su vida, vinculándolas a su investigación, sigue adelante en nombre de la ciencia, sin inmutarse. Esta es la vida que ella eligió llevar, y ella la llevará lo mejor que pueda, a un costo personal. De hecho, más adelante en la película, Curie le confiesa a su hija que su vida científica, con todos sus éxitos y fracasos, le ha traído poca alegría.

Este sacrificio es una distinción clave para Curie, y una que Pike juega maravillosamente. La científica nunca aparece como trágica o melodramática, y sin embargo, puedes sentir el peso de la culpa y el arrepentimiento en sus hombros atravesando la pantalla, incluso cuando está salvando innumerables vidas. Pike es matizada y, sin embargo, sorprendentemente humana, lo que le da complejidad a un papel que, en las manos equivocadas, puede parecer fría, pero la actriz no es así, y Curie tampoco. Ella era un ser humano, y es refrescante ver una película biográfica sin miedo a profundizar en las complejidades y contradicciones que conforman una persona real y viva. Especialmente uno tan importante no solo para el mundo de la ciencia, sino también para el progreso de las mujeres en todo el mundo.

Eso no quiere decir que Radioactive no esté exento de familiaridad. El guión de Jack Thorne realmente hace un buen trabajo al sombrear a Curie, pero sigue un ritmo similar a la mayoría de las biopics: ascenso meteórico, caída trágica, regreso, etc. Ciertos aspectos clave de la vida de Curie, como su aventura con Paul Langevin o su relación con sus hijas, se siente un poco subdesarrollada, mientras que la estructura familiar de la película puede volverse tediosa. Pero la química entre Pike y Riley conlleva las muchas escenas destinadas a representar el amor que la pareja de científicos sentían el uno por el otro, y la partitura electrificada y vibrante de Evgueni Galperine y Sacha Galperine mantiene la película pulsando.

Si estamos acostumbrados a innumerables biografías olvidables sobre los Grandes Hombres de la Historia, es refrescante que Radioactive, al menos, intente ofrecer interrupciones significativas de esa fórmula en la crónica de la vida de una Gran Mujer de la Historia, incluso si no tiene éxito por completo. Pike ofrece posiblemente su mejor actuación desde Gone Girl y A Private War, y la película sirve como un recordatorio sorprendente de que su talento todavía está de alguna manera subutilizado. Satrapi, mientras tanto, amplía ambiciosamente el lenguaje visual de una película biográfica para subrayar el legado de Curie, al tiempo que considera que todo gran descubrimiento científico abre una gran cantidad de posibilidades, tanto para bien como para mal.

Esto es cierto para cada decisión importante en la vida. Radioactive es un buen recordatorio de que una mujer ardiente y brillante fue responsable de tanto bien en el mundo, con un legado que abarca décadas, pero también tuvo un costo serio.

Crítica Cinéfila: The Vast of Night

Años 50. Nuevo México, Estados Unidos. Dos jóvenes, un locutor y una teleoperadora, descubren una frecuencia que podría cambiar su vida y la de toda la humanidad para siempre. 

En los años 50, ¿qué se sabía de las abducciones extraterrestres? ¿Creían en los alienígenas y en la vida interestelar? Quizás estos pensamientos eran ajenos a la sociedad de aquel entonces, mientras estaban ocupados con otros temas banales y hasta insignificantes en comparación a los verdaderos problemas que afectaban a la minoría del grupo. En The Vast of Night, la opera prima del director Andrew Patterson, la audiencia es trasladada a ese sentimiento desesperante sobre la confrontación de realidades que la sociedad se niega a aceptar aún cuando está frente a sus propios ojos.

Durante una noche de verano, el pequeño pueblo de Cayuga se prepara para un partido importante de baloncesto que convoca a casi toda la población. Mientras el equipo de transmisión concluye los preparativos para el torneo, los jóvenes Fay (Sierra McCormick) y Everett (Jake Horowitz) caminan fuera de la cancha mientras prueban una nueva grabadora de cassette de Fay. En el camino, las luces parpadean producto de alguna frecuencia atravesando la zona, pero ambos están tan distraídos en sus conversaciones sobre gadgets del futuro, como el GPS, los smartphones y trenes tan veloces como el Amtrak que parecen imposibles de creer para la época en que ellos están.

De repente, mientras están en sus respectivos trabajos, la frecuencia vuelve a interferir, y al Fay darse cuenta, ella rápidamente se lo menciona a Everett para que lo transmita en vivo y encontrar a alguien que posiblemente sepa de donde proviene. Sus trabajos se vuelven irrelevantes cuando la investigación los obliga a salir de las cabinas de radio y telecomunicación para encontrar mayores respuestas a un sonido que, aunque solo sonará como una simple onda frecuencial, se convertirá en un mensaje intergaláctico de seres más allá de los límites psicológicos de la población, confrontando no solo el misterioso secreto detrás del sonido, sino también ideologías sociales que obligaron a los que sabían de este a quedarse callados y sufrir con su silencio.

A principios, the Vast of Night parece un episodio de The Twilight Zone, ocasionalmente cambiando su formato de cinematografía a uno retro para dar esa sensación del cambio de época. La fotografía de M. I. Littin-Menz era variante: de momentos saltaba de un viaje en dron alrededor de la ciudad a un aspecto granulado de antigüedad, con la perspectiva de un viejo televisor con la sensación de estar viendo un episodio de misterio de nuestro programa favorito de aquellos tiempos. Es una aventura de colores, oscuridad y luces para resaltar un viaje ficticio sin necesidad de efectos visuales sorprendentes.

Pero esto no solo afectó positivamente el estilo cinematográfico, sino que ocasionó un cambio en lo tradicional cómo se aprecia el cine: es una exposición a lo clásico manteniendo una serie de sonidos y conversaciones grabadas como los verdaderos protagonistas de la historia, mientras que McCormick y Horowitz acompañaban la película con sus conflictos tanto emocionales como su interés por encontrarle un significado y origen a la misteriosa frecuencia que parece aparecer de la nada a lo largo de la noche. En un mundo típico dentro de las apreciaciones cinéfilas de misterio, esto significaría que los aspectos técnicos hubiesen sido primordiales sobre la misma trama. Sin embargo, este no es el caso.

Así como los sonidos tuvieron un valor narrativo que eran parte importante del enfoque de la historia, Fay y Everett jugaron un rol muy importante en darle vida e atracción emocional al misterio. Eran los ojos curiosos de un sinnúmero de personas en la audiencia que solo quieren creer lo que nadie se atreve a decir que es real. Pero separándonos un poco de los detalles de suspenso que tuvieron que confrontar las actuaciones de McCormick y Horowitz, su verdadero talento se resalta con la representación del comportamiento de los jóvenes en esta época, no solo para llamar la atención con sus palabras peculiares, el acento adquirido y sus formas de actuar en la sociedad, sino por el constante llamado de superioridad de un grupo social y los problemas que afrontaban aún la nueva generación, como el machismo y el racismo. 

La transformación de McCormick y Horowitz también es gracias al excelente trabajo de maquillaje y vestuario de Jamie Reed, quienes le dieron un cambio radical de generación y los teletransportaron a un tiempo diferente con la vestimenta adecuada. Así mismo se resalta todo el trabajo de diseño de producción que se enfocaron en los detalles que verdaderamente trasladan a la audiencia a una determinada época en la sociedad, desde el uso de los audífonos en las telecomunicadoras hasta las grabadoras más "modernas" de ese año.

Pero dejando a un lado todos estos aspectos, el verdadero llamativo de la historia es su trama y cómo su género es elevado de una manera tal que crea ansiedad con tan solo unos segundo de silencio. La simpleza de su conflicto hace de la aventura más emocionante y dolorosa, con un final que solo le cabe a un capítulo prime de The Twilight Zone. Si se aleja de la temática de ciencia ficción, la calidez y frialdad humana así como los traumas de cada uno de los personajes son los que recrean con facilidad ese suspenso y miedo a lo inevitable. Allí Patterson (quien usa el pseudónimo de James Montague) destaca su talento como guionista, aprovechando los tiempos pasivos para traer a la luz otros temas que igualmente se tratan de resaltar en esta historia, como los misterios de los casos militares y el escepticismo a la vida alienígena.

The Vast of Night es una opera prima asombrosa y sin desperdicios de principio a final.  Es rara e intrigante, con un material simple de producción excelente y con estilo. Consigue ser inquietante e interesante a pesar de desarrollarse a través de una serie de conversaciones y diálogos, pero es esa convencionalidad lo que le otorga corazón y sinceridad, y esa honestidad lo que hace que sea tan atractiva. 

The Vast of Night

Ficha técnica

Dirección: Andrew Patterson

Producción: James Montague, Melissa Kirkendall, Adam Dietrich

Guión: James Montague, Craig W. Sanger

Música: Erick Alexander, Jared Bulmer

Cinematografía: M.I. Littin-Menz

Montaje: Junius Tully

Protagonistas: Sierra McCormick, Jake Horowitz