Crítica Cinéfila: Shirley

El retrato de Shirley Chisholm, un icono político pionero que se convirtió en la primera congresista negra y la primera mujer negra que se presentó a las elecciones presidenciales de EE. UU., y del coste que estos logros tuvieron para ella.

"Shirley" de Netflix es, en muchos sentidos, una pieza complementaria de la reciente "Rustin" de la misma plataforma, tanto así que las dos películas podrían ser entradas a una serie de antología. Ambos arrojan luz sobre influyentes figuras políticas negras infravaloradas durante demasiado tiempo en los relatos históricos de su época. Ambos están impulsados ​​por actuaciones imponentes de actores de primer nivel en los papeles principales. Ambos se centran en capítulos específicos de las vidas que reflejan, evitando en su mayoría los clichés de las películas biográficas que van de la cuna a la tumba. Pero ambos también luchan por enmarcar sus temas en los contundentes términos dramáticos que merecen, quedando atrapados en charlas expositivas y, en ocasiones, empujando la recuperación hacia la hagiografía.

Hay un momento al final de la película, en el que después de resistirse durante mucho tiempo a la idea de hacer campaña en California como una pérdida de tiempo y recursos en su candidatura a la nominación presidencial demócrata de 1972, la congresista Shirley Chisholm (Regina King) finalmente acepta hacerlo y se dirige al oeste. Se organiza una reunión en terreno neutral en la casa de la actriz Diahann Carroll (Amirah Vann) entre Chisholm y el líder radical Huey P. Newton (Brad James) en un intento por asegurar el respaldo de los Panteras Negras. "Es como casar truenos y relámpagos", dice Carroll sobre el encuentro.

Truenos y relámpagos son precisamente las cualidades que el drama histórico bellamente montado pero obediente del escritor y director John Ridley podría utilizar más. Lo cual no quiere decir que la película sea un fracaso. Puede que sea convencional, pero nunca deja de ser interesante, gracias a King y a un sólido reparto en los papeles clave. Y nadie podría discutir su valor para llamar la atención de las generaciones más jóvenes sobre los logros de Chisholm, quizás no familiarizadas con su legado.

Si bien el guión de Ridley en general parece un poco flojo en cuanto al contexto social y la ejecución de su hisotira, comienza con algunos datos reveladores sobre la composición de la Cámara del Congreso en 1968: de los 435 representantes electos, 11 eran mujeres y ninguna era negra. Eso hace que Shirley destaque en el mar de rostros masculinos blancos en las escaleras del Capitolio de Estados Unidos en la fotografía de primer año del 91º Congreso del año siguiente.

La maestra de escuela cuyas raíces estaban divididas entre Brooklyn y Barbados rompió el techo de cristal y permaneció en el cargo durante siete mandatos, representando al distrito 12 del Congreso de Nueva York hasta 1983. Establecida como luchadora y no fácil de intimidar desde el principio, como en su corta y directa discusión con un congresista quien está molesto porque ganan el mismo salario, forja una lealtad con el congresista negro de California Ron Dellums (Dorian Crossmond Missick) e ignora su consejo cuando él le aconseja permanecer en la fila y esperar su turno. En cambio, se enreda con el presidente de la Cámara de Representantes, McCormack (Ken Strunk), por su asignación al comité de agricultura, un área de beneficio insignificante para sus electores en la zona urbana de bajos ingresos de Bedford-Stuyvesant.

Apenas dos años después, cuando las mujeres de Florida muestran su apoyo financiero para incluir a Chisholm en la boleta primaria, Shirley decide postularse para la presidencia, desestimando las dudas de su mentor, “Mac” Holder (Lance Reddick). Al razonar que los candidatos a la nominación demócrata son predominantemente hombres blancos de mediana edad, cree firmemente en la necesidad de alguien en la carrera que represente a los negros, las mujeres, los latinos, los jóvenes y a la clase trabajadora. Nombra a Mac como su asesor de campaña, pone a Arthur Hardwick Jr. (Terrence Howard) a cargo de la recaudación de fondos y nombra a su marido Conrad (Michael Cherrie) jefe de seguridad.

Otros nombramientos clave incluyen a Stanley Townsend (Brian Stokes Mitchell) como director de campaña con quien chocaría constantemente, y al estudiante de derecho de Cornell, Robert Gottlieb (Lucas Hedges), su admirado ex pasante, como coordinador juvenil, una parte estratégica de la campaña dado que en las elecciones presidenciales de 1972 fueron las primeras después de que la edad para votar se redujera a 18 años. También es significativo el encuentro de Shirley con Barbara Lee (Christina Jackson), una madre soltera de 25 años que cree que registrarse para votar es inútil dado que la política no existe para las mujeres negras. Contratada para trabajar en la campaña, Barbara se convierte en la protegida de Shirley y es conducida por un camino que la convertiría en una fuerza duradera en el Partido Demócrata. Barbara es una de las primeras defensoras de perseguir a California.

Prometiendo “devolver la política al pueblo” y promocionándose a sí misma como catalizadora del cambio, Shirley se convierte en una oradora persuasiva, ganándose a los escépticos pero también topándose con un desagradable racismo. Eso incluye un intento de asesinato que la deja muy conmocionada y tal vez impulse su impopular decisión de visitar al gobernador segregacionista de Alabama y candidato rival, George Wallace (W. Earl Brown), después de que éste quedara paralizado por heridas de bala en un atentado contra su vida durante su campaña.

Los prácticos esfuerzos de campaña de elaborar estrategias, recaudar fondos, cortejar a los delegados y resistir el impulso de abandonar a otros políticos negros como el resbaladizo delegado de DC Walter Fauntroy (André Holland) son bastante absorbentes, bordados aquí y allá con imágenes de noticias de archivo. Pero películas como "The Ides of March" y "Game Change", así como series de televisión como "The West Wing" y "House of Cards", han seguido ese proceso de manera más dinámica.

Ridley ocasionalmente cae en el didactismo; tiene problemas para generar conflictos e impulso, incluso cuando el tiempo corre hasta las primarias. Esto quizás se deba en gran medida a que muchas personas conocerán el resultado de la campaña de Chisholm (o lo verán venir incluso si no lo saben) y el doloroso fracaso de una elección que se suponía cambiaría las reglas del juego y terminaría con un aplastante segundo mandato de Nixon.

Uno de los obstáculos más impactantes en el camino de Chisholm son los esfuerzos de las cadenas por impedirle participar en debates televisados ​​y su demanda resultante calificando su obstrucción como una violación de un mandato de la FCC. Eso le da a Gottlieb de Hedges la oportunidad de demostrar su valía, presagiando el poder en juicios y abogado de apelaciones en el que se convertiría.

Pero incluso la propia Shirley parece consciente relativamente pronto de que está invirtiendo su energía en lo que probablemente sea una pelea imposible de ganar, lo que le permite a King inyectar una incertidumbre persistente en su caracterización. Sin embargo, en su mayor parte, es tenaz y persistente, cualidades muy familiares para el realista Mac. Tiene la poco envidiable tarea de tratar de guiar a una mujer cuya pura fuerza de voluntad significa que con frecuencia se resiste a recibir orientación. Reddick, a quien está dedicada la película, aporta una voz aterciopelada y una autoridad férrea que convierte a Mac en una figura convincente en uno de los últimos papeles del actor.

King puede agregar diferentes matices a su actuación en escenas con Conrad, desde discusiones tranquilas hasta enfrentamientos amargos. Su matrimonio es de apoyo mutuo, aunque no exento de fricciones, lo que presagia diferencias irreconciliables en el futuro. Y el cálido afecto entre Shirley y el carismático y sereno Arthur hace que no sea del todo sorprendente que él terminara siendo su segundo marido.

También hay momentos tiernos con su hermana Muriel (Reina King), quien considera que las ambiciones políticas de Shirley son el resultado directo de que su padre le hizo creer que era especial. Hacer que las hermanas superen esta prueba y la máxima resistencia de los vínculos fraternales le da a sus escenas juntas una carga emocional conmovedora.

El director de fotografía Ramsey Nickell (que trabajó con Regina King en la serie antológica de ABC "American Crime" de Ridley) le da a Shirley un brillo pulido al tiempo que evoca las texturas visuales de las películas de principios de los 70. El diseño de producción y el vestuario de Dina Goldman y Megan “Bijou” Coates, respectivamente, capturan el período con un eufemismo refrescante, y la delicada partitura de Tamar-kali es igualmente sutil (casualmente, el músico de Brooklyn compuso la partitura del largometraje de Josephine Decker de 2020, también llamado "Shirley").

Si la película de Ridley hubiera necesitado una o dos tomas adicionales de poder puro, no obstante es una descripción vibrante de un político que abrió la puerta para que personas de todos los orígenes, particularmente mujeres negras, reclamaran un asiento en la mesa. King la retrata con la dignidad, el valor y la pasión de un pionero que marcó la diferencia, aunque la actuación es rigurosamente discreta. La película ha sido un proyecto apasionante de 15 años para la estrella y su hermana, quienes son las productoras principales. Dado el éxito de King al insuflar dramatismo a la larga dialéctica de su fascinante debut cinematográfico de 2020 detrás de la cámara, "One Night in Miami", parece legítimo preguntarse cómo habría resultado Shirley si lo hubiera dirigido ella misma. Quizás hubiese dado justo donde debía de dar, en la llaga dolorosamente decepcionante de la historia estadounidense.

Crítica Cinéfila: One Night in Miami

A raíz de la victoria de Cassius Clay frente a Sonny Liston en 1964, el boxeador se reúne con el líder activista Malcolm X, el cantante Sam Cooke y el deportista Jim Brown en la habitación de un motel. Allí intercambiarán opiniones sobre la segregación de la población negra en el sur del país.

Después de lograr varios años de créditos como directora de televisión, Regina King aborda su primer largometraje en One Night in Miami, como era de esperar, persuadiendo las actuaciones de sangre de sus carismáticos protagonistas. Si bien la película no enmascara por completo los orígenes teatrales de su núcleo de un solo escenario, esta es una hábil adaptación del drama de Kemp Powers de 2013 sobre una reunión en la habitación de un hotel de cuatro amigos famosos en la noche de 1964 justo después de que Cassius Clay se llevara el título mundial de boxeo. Entretenida e iluminadora, la producción de Amazon traza una línea entre un momento crucial en el movimiento de derechos civiles y el ajuste de cuentas raciales de Estados Unidos.

La mayor parte del drama aún se desarrolla, como sucedió en la obra, en una habitación del Hampton House Motel & Villas ocupada por Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), donde se une después de la pelea el triunfante Clay (Eli Goree), el popular músico Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) y el jugador estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Pero King y el escritor evitan que la conversación se vuelva estática tomando decisiones inteligentes, que van más allá de simplemente llevar la acción al techo del motel, por ejemplo. El guión de Powers abre hábilmente el material, comenzando con una escena reveladora de cada protagonista que sugiere dónde se encuentra cada uno de los hombres en su experiencia personal de la lucha negra.

Clay se presenta en una pelea sin título en 1963 contra Henry Cooper en Londres, donde su auto-adulación se muestra gloriosa. No obstante, tiene mucho que demostrar para cuando se enfrente a Sonny Liston (Aaron D. Alexander) al año siguiente en un enfrentamiento que pocos esperaban que ganara. En escenas en su hotel antes de la pelea con su entrenador (Michael Imperioli) y su esquinero (Lawrence Gillard Jr.), Cassius hace caso omiso de las advertencias que objetan que su dinero se canalice a causas de la Nación del Islam, el resultado de su estrecha asociación con el mentor político y espiritual Malcolm X.

Las primeras escenas con Malcolm muestran su desilusión con la Nación del Islam y la ética de su líder, Elijah Muhammad (Jerome Wilson), mientras Malcolm y su esposa Betty Shabazz (Joaquina Kalukango) planean su deserción del movimiento religioso incluso mientras él se prepara para marcar el comienzo para Cassius.

Cooke ha logrado un éxito cruzado con éxitos como "You Send Me". Pero un concierto humillante en Copacabana muestra los límites de aceptación de los artistas negros cuando a su banda se le prohíbe tocar en el escenario y el público blanco ni le hace caso durante su acto, incluso mientras él complace con la canción "Tammy". Sam, sin embargo, se niega a ser excluido de los lujosos establecimientos blancos, eligiendo quedarse con su esposa Barbara (Nicolette Robinson) en el lujoso Fontainebleau en Miami en lugar de reunirse con sus amigos en alojamientos más modestos para los negros.

Brown es visto por primera vez conduciendo su Cadillac para visitar la casa del Sr. Carlton (Beau Bridges) en su lugar de nacimiento en Georgia, la isla St. Simons. Después de un afectuoso saludo, efusivas felicitaciones por sus glorias futbolísticas, un hospitalario vaso de limonada en el porche y la garantía de que los lazos entre sus respectivas familias se remontan a mucho tiempo atrás, lo que significa que ningún favor es demasiado grande para pedir, Jim recibe un rudo despertar cuando el hombre blanco deja caer casualmente la palabra Nigger para recordarle que no es bienvenido dentro de la casa. La sonrisa cordial en el rostro de Bridges martilla la galleta a dos manos de tales actitudes.

Todo este trabajo preliminar transmite rápidamente la mentalidad conflictiva de cada uno de los hombres mientras se reúnen para lo que tres de ellos creen que será una noche de fiesta después de la victoria de Clay. Pero Malcolm tiene la intención de aprovechar la ocasión para dar la noticia de la aceptación del Islam por parte del boxeador, una transición que eventualmente lo vería cambiar su nombre a Muhammad Ali, mientras que también se apoya en Cooke y Brown para poner su fama detrás del movimiento.

Es discutible si estos cuatro tipos de personalidades contrastantes realmente pasaron la noche discutiendo sus puntos de vista sobre política y raza. Pero Powers presenta un caso convincente a favor de un debate orgánico en el que lo que está en juego es personal para cada uno de los participantes y los temas no menos relevantes hoy.

De los cuatro, Clay es el que más se arriesga, pero la actuación eufórica de Goree está flotando en una nube, tanto por su victoria como por las oportunidades futuras que sabe que le corresponden. Como el verdadero Ali, el inmenso encanto de Goree hace que la auto-adoración de este magnífico hombre sea completamente contagiosa, nunca desagradable, y las incertidumbres que surgen cuando Cassius comienza a revelar dudas sobre su conversión religiosa le dan una conmovedora vulnerabilidad al papel.

Brown no es menos imponente físicamente que Clay, pero es un hombre mucho más reflexivo, un pensador más maduro. Inicialmente, está descontento por la falta de mujeres y alcohol. Pero gradualmente se involucra en el diálogo de Malcolm, especialmente una vez que se afloja con unos tragos del frasco de licor que Sam guarda en su estuche de guitarra. Hodge, que mostró un dominio tan inquietante como el prisionero en Clemency, vuelve a comunicar profundidades simplemente con sus ojos y su fuerza enroscada. A pesar de hacer su parte invirtiendo dinero en negocios negros, Jim no es ajeno a las acusaciones de Malcolm de que deberían estar haciendo más por la causa. Habiendo filmado su primer papel en una película, considera a Hollywood como un camino para salir de la fecha de vencimiento de la carrera de la NFL, y argumenta que Sam es el más libre de ellos.

Es sobre Sam que Malcolm cae más duro. En su mejor papel desde que se abrió paso como Aaron Burr en el elenco original de Hamilton, el magnético Odom clava las cristalinas voces gospel-soul de Cooke, con sus suaves vuelos de dulce falsete. Pero también golpea el estómago de un hombre que ha encontrado una manera sin remordimientos de coexistir con prejuicios arraigados a través del talento, la determinación y el impulso emprendedor. Sam cree que la política es mala para los negocios, pero su revelación de que está trabajando en algo nuevo y más significativo florece en una de las escenas de recapitulación que nuevamente amplían el alcance de la obra, donde estrena el himno de los derechos civiles "Change is Gonna Come "en el programa de Carson (Odom también co-escribió e interpreta la hermosa canción original de créditos finales "Speak Now").

Haciendo vívidas impresiones en papeles secundarios, Lance Reddick y Christian Magby representan a la rigurosa línea dura y al joven acólito deslumbrado, respectivamente, como guardaespaldas de la hermandad musulmana de Malcolm. Y Jeremy Pope tiene un cameo extendido fabulosamente extravagante como Jackie Wilson en un flashback de un concierto en Boston donde abre para Sam.

Sin embargo, la actuación imponente que centra el trabajo del conjunto es el Malcolm silenciosamente apasionado y enfocado del actor británico Ben-Adir. Si bien no es reacio a hablar mal con sus amigos desde una elevada tribuna, nunca hay un momento en el que no estés convencido de que este es un hombre íntegro que está 100 por ciento detrás de sus palabras. Él cree que la situación es demasiado grave para que nadie se mantenga a salvo en la valla mientras expresa un sentimiento urgente que conectará demasiado dolorosamente con muchos afroamericanos de hoy. 

Las miradas de aprensión que Malcolm lanza a los hombres blancos sospechosos que acechan en el estacionamiento del hotel, así como una breve escena que luego muestra la casa de su familia siendo bombardeada, sugieren un pavor fatalista que se ha convertido en su compañero constante. Esa conciencia resuena con fuerza dado el conocimiento de que sería asesinado solo un año después.

Uno podría señalar que el diseño de la producción de época es demasiado elegante y poco habitado; cuando Sam dice de la habitación del hotel Hampton es un maldito basurero, su desdén se ve levemente socavado por el hecho de que casi podría pasar por un diseño moderno de mediados de siglo. Pero este es un esfuerzo de aspecto elegante, con una cinematografía de pantalla ancha de Tami Reiker y una edición contundente de Tariq Anwar que ayuda a mantener el interés visual. King también hace un uso juicioso de la fresca y llamativa partitura para piano de Terence Blanchard.

Hasta cierto punto, One Night in Miami sigue siendo un teatro filmado de alta calidad. Pero la convicción y el sentimiento conmovedor que le aportan elevan el material, convirtiéndolo en un debut prometedor. Espero que King, una de las actrices de pantalla más consistentemente excelentes, continúe extendiendo sus alas en esta dirección.

Crítica Cinéfila: If Beale Street could talk

Basada en la novela de James Baldwin, sigue a Tish, una mujer de Harlem embarazada y recién comprometida, que lucha contrarreloj para demostrar la inocencia de su pareja.

Barry Jenkins tiene un estilo cinematográfico muy particular: es fácil darse cuenta que una película ha pasado por sus manos, pues la obra en su totalidad se comporta de una manera armoniosa que provocaría hasta celos en aquellos que han intentado lograr algo similar. El ha encontrado la forma de mezclar cine y poesía en un solo lugar, y congeniarlos con una naturalidad que es imposible no llorar con las emociones que transmiten sus personajes. 

If Beale Street Could Talk es una adaptación del libro de James Baldwin, un novelista y crítico social, amigo cercano de Malcolm X y Martin Luther King Jr., y por tratarse de un luchador por los derechos civiles de las personas de color, esta historia se enfoca en esa temática, pero más enfocada en los adentros de una familia de color y cómo una fuerza racista externa crea un gran conflicto que casi no tiene solución. 

Fonny y Tish están enamorados, y esto los protege de sus respectivas familias y del mundo exterior hasta que Fonny es falsamente acusado de violación. Es encarcelado y recluido antes del juicio. Tish descubre que está embarazada y su familia, a pesar de que les preocupa que sea muy joven para tener un hijo, le brinda apoyo. Así todos comienzan a ayudarle, consiguiendo un abogado para defender a Fonny, con la esperanza de encontrar pruebas y un testigo que le permita ser liberado antes de que nazca el bebé.

Jenkins utiliza esta novela de Baldwin (que les aseguro es tan profunda y emocionante como la película) y fue pasando verso tras verso con una calma y delicadeza que casi gritaba todo lo contrario. A pesar de la forma tan dramática y puntualizada en que cada línea era pronunciada, a su vez se sentía el contraste y la fuerza de esa actitud que cada personaje escondía tras su participación en pantalla. El diálogo está construído para que se asimile a un discurso de los años 60, enfocándose en cómo el racismo era casi inevitable, y cómo la gente blanca siempre encontraba la manera de hacerle la vida imposible a las personas de color.

A nivel general, el guión ha sido desarrollado para ir explicando la historia de una manera fuera de lo tradicional: en vez de contar todo de forma lineal, se enfoca más en la relación de Tish y Fonny y a partir de ahí van saliendo los problemas que los rodean, las intenciones de muchos para separarlos, y cómo ellos lograron seguir amándose a pesar de las distancias y dificultades de por medio. Y a pesar de que reconozco que el guión es lo más cerca a una obra maestra de calidad increíble, quienes se roban el estrellato son los actores que encarnan cada uno de los personajes: Regina King como la madre que lucha por ayudar a su hija y hace hasta lo imposible para que se haga justicia; Kiki Layne hace su debut como actriz principal encarnando a la novia que debe mantenerse fuerte por su pareja, y seguir con los procesos de su embarazo y del juicio de su amado; y Stephan James como el novio que vivía limitado por las situaciones raciales y que luchaba consigo mismo para no descargar su furia sobre el tema en personas que no tenían que ver con eso. La química entre James y Layne es una de las armas mortales de Jenkins, con una fuerza de encantamiento que enamorarán hasta los más fríos de corazón. El resto del elenco solo continúa la magia en una historia que, a pesar de las tragedías, demuestra que todavía es posible la entrada de algunos rayos de esperanza.

La fotografía y la banda sonora son dos aspectos que Jenkins vuelve a utilizar de manera muy similar a como lo hizo en Moonlight: enfocado en tomas de primer plano y con composiciones que ponen la piel de gallina, con el objetivo claro de mantener la emocionalidad y dramatismo en cada secuencia, flashback y escena de fantasía. Es parte importante de su cinematografía pues ha sido un estilo establecido que le ha permitido mantener su narrativa como el tope y ser complementada por estos aspectos técnicos que completan la historia como una sinfonía. 

Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar el diseño de producción, otro aspecto que se trabaja con mucha delicadeza y atención, en donde cada detalle es importante a destacar, ya que el vestuario representaba la personalidad de cada uno de los personajes o gritaba alguien que estos intentaban ser y que su misma realidad les decía otra cosa. Las escenografías fueron cruciales para establecer el tiempo en que se desarrollaba esta historia y, a la vez, el estatus socioeconómicos de los mismos, sin darle mucho enfoque a esto, pero sin dejarlo en el aire.

If Beale Street Could Talk es arte y grito social a la vez. Es necesidad de lucha sin una gota de sangre. Es amor y lágrimas por muchas razones en conjunto. Pero aún más importante: es una obra que llama la atención desde su primera escena hasta la última antes de los créditos, con la intención de decir "no importan cuantos problemas hayan de por medio, si se quiere algo, se mantiene sin importar los problemas". Que grande eres, Jenkins.