Crítica Cinéfila: I'm Your Woman

Jean es un mujer casada que lleva una vida cómoda dedicada a su marido Eddie y a su pequeño bebé. Hasta el día que su marido, un criminal, decide traicionar a sus socios y entonces Jean se ve obligada a huir con su bebé a cuestas.

Estaremos por la mitad de “I'm your Woman” antes de que se aclare su premisa, pero el misterio es tan apasionante como su recompensa. El cuarto largometraje de la directora Julia Hart combina un apasionante giro de Rachel Brosnahan como actriz con un tenso guión ambientado en los años 70 construido como una especie de rompecabezas. La imagen completa puede equivaler a una historia de gángster artificial, pero Hart (que escribió el guión con su compañero Jordan Horowitz) aborda esa fórmula de adentro hacia afuera. Para cuando te das cuenta del tipo de película que estás viendo, ya ha pasado mucho tiempo para poder dar pasos hacia atrás.

"I'm Your Woman" le debe mucho a la evolución de la interpretación de Brosnahan mientras pasa de ama de casa aterrorizada a sobreviviente mordaz a lo largo de la película, y la película consolida las fortalezas del trabajo anterior de Hart. Al igual que su guión de la Guerra Civil, “The Keeping Room”, encuentra a mujeres atrapadas en un mundo de hombres y obligadas a recurrir a la violencia como medio de escape. Y al igual que el drama de superhéroes de baja fidelidad "Fast Color", su heroína se fugó antes de que ella realmente entendiera lo que la persigue y por qué es mejor enfrentarlo de frente. "I'm your woman" es una serie de crímenes a fuego lento empapada de intriga, compensando un primer acto chirriante.

Los primeros minutos sugieren una experiencia muy diferente: un melodrama inquietante con toques de "Rosemary's Baby" más que el esfuerzo de género feminista por venir. Cuando Eddie (Bill Heck) aparece de repente en su casa con un bebé y se lo da a su esposa Jean (Brosnahan), ella lo acepta sin dudarlo. Sin contexto para el intercambio, la película flota en la incertidumbre de su dinámica y luego se dobla hacia atrás para explicarla.

Cuando Eddie, cuya oscura carrera sigue siendo un secreto para su esposa, desaparece, un pistolero frenético llamado Cal (Arinzé Kene) aparece para explicar por qué ella y su bebé adoptado deben huir. Lo hace, atravesando una serie de casas francas y evadiendo a varios matones asesinos que intentan usarla para localizar a su esposo.

A estas alturas, debería quedar claro que esta película tiene mucho más que ver con la esposa de Eddy, y los detalles desconocidos de su vida. La mayoría de los villanos son caricaturas abstractas, matones que sirven para muy poco más allá de aumentar el cociente de peligro en momentos clave, pero son distracciones momentáneas en una película arraigada en la naturaleza peculiar de la crisis de identidad de Jean.

Mientras insinúa un mundo mucho más grande, la película se desarrolla en fragmentos de pequeños intercambios y Brosnahan está en cada escena. Al principio, la película parece encaminada a un tipo de híbrido de romance verdadero: mientras Jean se une a Cal en un restaurante nocturno, parece que su protector contratado podría reemplazar al hombre que la dejó atrás. Pero esta historia tiene intenciones más sofisticadas. Jean se encuentra acurrucada en el bosque junto a la familia de Cal, incluida su esposa Teri (Marsha Stephanie Blake), cuyos vínculos con el esposo de Jean aportan claridad adicional a su enigma. Jean solo quiere una vida pacífica, pero a través de la trama se da cuenta de que metas tan elevadas requieren más que esperar a que se cumplan.

La película pasa del suspenso suburbano a una supervivencia boscosa, uniéndolo con una atmósfera resbaladiza de pavor. El período de tiempo es irrelevante, aparte de las influencias cinematográficas que recuerdan a “The Parallax View” y otros thrillers de la era de los 70. Hart y el director de fotografía Bryce Fortner se destacan por mezclar imágenes de estilo noir con repentinos estallidos de acción frenética, desde un primer plano que perdura en una cabina telefónica en medio de un tiroteo a la imagen en tonos neón de los autos volcados en una calle abandonada. La sutil partitura para piano de Aska Matsumiya oscila entre siniestro y búsqueda, apuntando hacia un enigma que requiere que el arco completo de la historia se asiente.

Hay mucho estilo en "I'm Your Woman", y la sustancia lo respalda en gran medida. Justo cuando la situación de Jean comienza a volverse repetitiva, la nueva información complica su nueva rutina y Brosnahan, en un personaje muy diferente al de “The Marvelous Mrs. Maisel”, exhibe una confianza creciente que se convierte en la verdadera estrella del espectáculo.

Para Hart, la película avanza el potencial de "Fast Color" para fusionar el escapismo con temas más profundos y socialmente relevantes. La trayectoria de Jean adquiere una resonancia moderna cuando se enfrenta a la naturaleza de una existencia previamente definida por personas que intentan excluirla. Hay una cualidad empoderadora en verla ir más allá de eso y una satisfacción fundamental en cómo la película utiliza elementos confiables para hacer el trabajo. Es casi demasiado fácil recordar la cita de Jean-Luc Godard de que cada película necesita una chica y una pistola, pero "I'm Your Woman" toma esa frase y le da un nuevo propósito.

Crítica Cinéfila: The Kitchen

Años 70. Las esposas de un grupo de mafiosos de Nueva York continúan con los negocios de sus maridos después de que estos son encarcelados.

El año pasado, el AFI Fest estrenó la película Widows (2018), enfocada en la historias de cuatro mujeres de familia que, cuando sus esposos fallecen durante un atraco que cometían, y deciden continuar con su siguiente gran atraco, que significa robarle unos cuantos millones de dólares al senador de la ciudad. A pesar de la premisa tan interesante y la participación de un increíble elenco protagonizado por Viola Davis, la película no terminaba de cumplir con las expectativas que ya había creado. 

Cuando se anunció The Kitchen, la audiencia se dividió: en un lado estaban los que criticaban que el trailer no la vendía bien, y en otro los que la consideraban como una nueva versión de The Kitchen, y aunque las películas guardan elementos muy similares entre sí, el objetivo de las tramas es muy diferente. Sin embargo... esto no la hace una mejor película.

En "The Kitchen", conocemos a Kathy Brennan (Melissa McCarthy), una devota madre de dos hijos y cuidadosa de su imagen frente a la sociedad; a Ruby O'Carroll (Tiffany Haddish), quien se casó con el hermano del capitán criminal local pero aún es tratada como una extraña por él y su suegra; y a Claire Walsh (Elisabeth Moss), una esposa violentamente abusada. Desde que se apoderan de sus roles como operadores de crimen organizado, estamos involucrados y fuera de nuestra participación con estos personajes, que se basa más en la iconografía de su empoderamiento que en una historia de autenticidad.

Atrapados por el FBI durante un atraco en una tienda de licores, sus esposos son enviados a prisión por tres años, y la pandilla irlandesa local les dice a Kathy, Ruby y Claire que, como son familia, cuidarán de ellas. Pero el primer sobre de efectivo que recibe cada una de las mujeres ni siquiera cubre el alquiler. Se ven obligados a suplicarles por más, por la absoluta desesperación económica de sus circunstancias, aunque en este caso uno podría preguntarse por qué Little Jackie (Myk Watford), el jefe local, es tan tacaño si la mafia tiende a cuidar de los suyos. Pero es finales de los 70 y los beneficios de la protección son escasos, por lo que las mujeres se ven obligadas a tomar riendas de algunos asuntos, en orden de poder sacar sus familias y a sí mismas hacia adelante.

Así que, ¿cómo se convierten tres amas de casa de los 70 en mujeres mafiosas mafiosas con armas? Esta película está construida de una manera episódica que no presta mucho peso psicológico al proceso de transformación de las mujeres. 

Claire, por ejemplo, comienza como un fragmento maltratado de un ser humano, pero tan pronto como conoce a Gabriel (Domhnall Gleeson), un veterano de la guerra de Vietnam y soldado de la mafia, quien aparece para rescatarla de una violación segura a manos de Little Jackie, recibe un tutorial rápido en cómo resolver asuntos sucios poor sí misma, hasta como desmembrar cadáveres y en poco tiempo está empuñando su pistola de asesino con aplomo. Se presenta como la más tímida de las mujeres y la más maltratada que rápidamente se convierte en la más descarada y se enamora de un simpático sociópata y sicario.

Mientras tanto, Kathy y Ruby recaudan los pagos de las empresas locales, siempre con la idea de que están tratando a las personas que les pagan mejor que el régimen anterior. Durante una reunión con los trabajadores de la construcción locales, prácticamente se convierten en activistas sindicales. 

"The Kitchen" dramatiza la pregunta clave sobre nuestras heroínas de una manera que es vívida pero vaga. reúne genéricamente intimidantes pero a menudo extrañamente desafiadas situaciones del inframundo y clichés de mafiosos empapados de sangre que conocemos demasiado bien de otras películas y programas de televisión, aunque en este caso ellos rara vez adquieren una vida propia convincente. 

Una vez que sus esposos son puestos en libertad condicional, el verdadero villano de la película se enfoca. No es la mafia, es el sistema tribal de dominación masculina detrás de él. Y cuando Kathy comienza a hacerse cargo de su destino, vemos, en la actuación cada vez más feroz de Melissa McCarthy , una pista de lo que podría haber sido la película: la historia de un nuevo tipo de mística femenina, una furia metódica que combina los imperativos de una madre con el estilo de un gángster. Pero esta película necesitaba un mejor guión.

A pesar del valor del diseño de producción y las destacadas actuaciones masculinas de algunos, destacando a Gleeson, "The Kitchen" se siente, a veces, como una nueva versión de una película de género que nunca fue. Sin embargo, en su mayoría, hay una historia que funciona de una manera sombría y de segunda mano. La película parece estar teniendo lugar en la película genérica Mobville. Las mujeres son un juego que se pasan el cuchillo a turnos para hacer su movida final en el buffet mafioso que se han armado, pero no hay suficiente calor del hornillo para que resulte un éxito.

Crítica Cinéfila: If Beale Street could talk

Basada en la novela de James Baldwin, sigue a Tish, una mujer de Harlem embarazada y recién comprometida, que lucha contrarreloj para demostrar la inocencia de su pareja.

Barry Jenkins tiene un estilo cinematográfico muy particular: es fácil darse cuenta que una película ha pasado por sus manos, pues la obra en su totalidad se comporta de una manera armoniosa que provocaría hasta celos en aquellos que han intentado lograr algo similar. El ha encontrado la forma de mezclar cine y poesía en un solo lugar, y congeniarlos con una naturalidad que es imposible no llorar con las emociones que transmiten sus personajes. 

If Beale Street Could Talk es una adaptación del libro de James Baldwin, un novelista y crítico social, amigo cercano de Malcolm X y Martin Luther King Jr., y por tratarse de un luchador por los derechos civiles de las personas de color, esta historia se enfoca en esa temática, pero más enfocada en los adentros de una familia de color y cómo una fuerza racista externa crea un gran conflicto que casi no tiene solución. 

Fonny y Tish están enamorados, y esto los protege de sus respectivas familias y del mundo exterior hasta que Fonny es falsamente acusado de violación. Es encarcelado y recluido antes del juicio. Tish descubre que está embarazada y su familia, a pesar de que les preocupa que sea muy joven para tener un hijo, le brinda apoyo. Así todos comienzan a ayudarle, consiguiendo un abogado para defender a Fonny, con la esperanza de encontrar pruebas y un testigo que le permita ser liberado antes de que nazca el bebé.

Jenkins utiliza esta novela de Baldwin (que les aseguro es tan profunda y emocionante como la película) y fue pasando verso tras verso con una calma y delicadeza que casi gritaba todo lo contrario. A pesar de la forma tan dramática y puntualizada en que cada línea era pronunciada, a su vez se sentía el contraste y la fuerza de esa actitud que cada personaje escondía tras su participación en pantalla. El diálogo está construído para que se asimile a un discurso de los años 60, enfocándose en cómo el racismo era casi inevitable, y cómo la gente blanca siempre encontraba la manera de hacerle la vida imposible a las personas de color.

A nivel general, el guión ha sido desarrollado para ir explicando la historia de una manera fuera de lo tradicional: en vez de contar todo de forma lineal, se enfoca más en la relación de Tish y Fonny y a partir de ahí van saliendo los problemas que los rodean, las intenciones de muchos para separarlos, y cómo ellos lograron seguir amándose a pesar de las distancias y dificultades de por medio. Y a pesar de que reconozco que el guión es lo más cerca a una obra maestra de calidad increíble, quienes se roban el estrellato son los actores que encarnan cada uno de los personajes: Regina King como la madre que lucha por ayudar a su hija y hace hasta lo imposible para que se haga justicia; Kiki Layne hace su debut como actriz principal encarnando a la novia que debe mantenerse fuerte por su pareja, y seguir con los procesos de su embarazo y del juicio de su amado; y Stephan James como el novio que vivía limitado por las situaciones raciales y que luchaba consigo mismo para no descargar su furia sobre el tema en personas que no tenían que ver con eso. La química entre James y Layne es una de las armas mortales de Jenkins, con una fuerza de encantamiento que enamorarán hasta los más fríos de corazón. El resto del elenco solo continúa la magia en una historia que, a pesar de las tragedías, demuestra que todavía es posible la entrada de algunos rayos de esperanza.

La fotografía y la banda sonora son dos aspectos que Jenkins vuelve a utilizar de manera muy similar a como lo hizo en Moonlight: enfocado en tomas de primer plano y con composiciones que ponen la piel de gallina, con el objetivo claro de mantener la emocionalidad y dramatismo en cada secuencia, flashback y escena de fantasía. Es parte importante de su cinematografía pues ha sido un estilo establecido que le ha permitido mantener su narrativa como el tope y ser complementada por estos aspectos técnicos que completan la historia como una sinfonía. 

Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar el diseño de producción, otro aspecto que se trabaja con mucha delicadeza y atención, en donde cada detalle es importante a destacar, ya que el vestuario representaba la personalidad de cada uno de los personajes o gritaba alguien que estos intentaban ser y que su misma realidad les decía otra cosa. Las escenografías fueron cruciales para establecer el tiempo en que se desarrollaba esta historia y, a la vez, el estatus socioeconómicos de los mismos, sin darle mucho enfoque a esto, pero sin dejarlo en el aire.

If Beale Street Could Talk es arte y grito social a la vez. Es necesidad de lucha sin una gota de sangre. Es amor y lágrimas por muchas razones en conjunto. Pero aún más importante: es una obra que llama la atención desde su primera escena hasta la última antes de los créditos, con la intención de decir "no importan cuantos problemas hayan de por medio, si se quiere algo, se mantiene sin importar los problemas". Que grande eres, Jenkins.

Roma

Cleo (Yalitza Aparicio) es una joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de 1970. (FILMAFFINITY)

¿Hace cuánto una película no te deja sin palabras? ¿Hace cuánto que no te dejas llevar de una historia? ¿Hace cuánto que te dejas envolver por una trama, perdiendo la noción del tiempo y lloramdo aunque no sea triste? Si hace mucho de todo eso, de seguro podrás confirmar todas estas preguntas una vez veas Roma, la última película dirigida y escrita por el director mexicano Alfonso Cuarón.

Esta trama se divide en dos situaciones: el punto de vista de una sirvienta de hogar, quien ya es parte de la familia gracias al amor incondicional de los niños, la confianza de sus patrones y el hecho de tener que vivir y ser testigo de todos los conflictos dentro de la familia; y las guerrillas urbanas y los movimientos armados  durante el régimen de Luis Echeverría en México, los cuales fueron afectando a toda la nación poco a poco.

Cleo es una joven inocente y dedicada a su trabajo como sirvienta, quien después de descubrir que está embarazada, teme con perder su trabajo, pero por el rol que ocupa en la casa, es una situación en la que todo el mundo la apoya y la cuida. Mientras sigue haciendo todos los trabajos que conllevan servin en un hogar, trata de localizar al padre de su bebé, quien no ha dado la cara desde que ella le avisó de su embarazo. A su vez, tiene que callar las situaciones del hogar, como las peleas inagotables de los hermanos, el hecho de que el padre de la familia se fue a vivir con otra mujer y prefirió mentirle a sus hijos que decir la verdad, y cómo la madre fue reaccionando a esa ausencia.

La historia inspirada en la niñez de Alfonso Cuarón y la nana que lo crió le habla a la audiencia de tres temas: dependencia, amor verdadero y aceptación, tres ideas que la vemos en casi todos los personajes, con el propósito de retratar el realismo de la época, tanto en sus aspectos históricos como en el día a día que toda familia podría vivir. La empatía que se crean con esas situaciones, que  a algunos les parecerán "comúnes", hace eco a la necesidad de contar historias tan reales como esta. El día a día llega a ser rutinario, pero solo para hacer énfasis en que, sin importar lo que cada uno esté viviendo en el momento, las rutinas son las que obligan a todo el mundo a seguir adelante.

Solo dos actores de este elenco eran conocidos previo a entrar en este cast, lo cual significa que Alfonso Cuarón prefirió utilizar personas "comunes y corrientes" para encarnar su historia. Yalitza Aparicio, quien se dedicaría a ser maestra antes de formar parte del elenco de Roma, hace su debut en  la pantalla grande como Cleo, una joven inocente e ingenua que debe aprender a las malas que la vida nunca será color rosa. Para ser su primera actuación, lo hace con una sutileza y entrega que podría anunciarse como el final de otros actores y su inicio en el mundo del espectáculo. Así mismo, la química que crea con el resto de los personajes es orgánico y natural. La preparación de cada una de estas personas demuestra la relación y cercanía que tuvo Cuarón con estos, guiándolos a dejarse llevar por cada uno de los eventos que resumían sus años de infancia.

La opción de contar la película en blanco y negro se debe a dos razones: para enfocar la historia y su tono en las angustias e injusticias que sus personajes vivían; o para acercarla aún más a la época que narra. La verdad es que aún filmada en blanco y negro, está llena del colorido de la Ciudad de México al mostrar sus personajes cotidianos, como el afilador, los vendedores ambulantes, el cine Metropolitano y muchos rincones que han desaparecido pero que la memoria (y la maestría) de Alfonso rescatan.

En esta ocasión, Alfonso deja descansar a Enmanuel Lubeski, y es acompañado en la dirección de fotografía por Galo Olivares, quienes se encargan de crear arte en cada una de las escenas, con una paciencia y sencillez inexplicable, pero sobretodo un manejo bien limpio y establecido de las tomas, enfocados en mostrar la cultura y las reacciones de los personajes. Principalmente, habla a través de sus imágenes, particularmente el trabajo de cámara que articula alternativamente sus puntos de vista y los de Cleo. Usted ve lo que ve y también la ve desde lejos, pero a veces, como en una escena en la que se sumerge en olas violentas, la cámara se mueve paralelamente a ella, la película parece encarnar su ser. Esta es una secuencia sorprendente que es visceralmente aterradora y emocionalmente abrumadora.

Sin embargo, también invoca el sentimiento oceánico de un ser en armonía con el universo que encaja con un viaje por carretera familiar. Sientes tanto la presencia de Cuarón como la de Cleo en esta visión de ella, que empuja con determinación contra las olas amenazadoras, una imagen que ha quedado grabado en el pasado y que ha cobrado vida a través de la memoria. "Roma" está dedicada a Liboria Rodríguez ("por Libo"), la mujer que crió a Alfonso Cuarón en una casa como la que se encuentra en esta película, donde de vez en cuando se puede ver un avión que pasa por encima de su cabeza, una visión que apunta a una distancia, una visión llena de sueños e ilusiones, y que sugiere que Cuarón nunca abandonó su hogar, sus mujeres y su amor por ellas.

BlackKklansman

Un detective afroamericano en Colorado Springs, en el estado de Colorado, se infiltra en el capítulo local del Ku Klux Klan y finalmente se convierte en el jefe del capítulo.

A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad. No obstante, para lograr infiltrarse, deberá aliarse con policías blancos que logren pasarse por él, puedan participar en las atroces actividades de las que son parte y conocer los niveles de racismo que existían (y todavía existen).

Spike Lee regresa con una película de Blaxpoitation, para otorgar una trama que toma lugar en los años 70, pero que hace mucha referencia al racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de que el estilo es muy particular del conflicto entre los blancos y los negros, también trata del racismo a nivel general, con escenas particulares hacia los judíos, chinos, latinos y otros grupos étnicos que puedan ser target de ataque. A su vez, la decisión de hacer contraste entre la lucha por la igualdad de los años 60-70 con los actuales rallies de grupos en apoyo de la supremacía blanca es un grito a la sociedad de que todo parece seguir igual.

Esta es una película cargada de comedias amplias, discursos audaces, embotadas representaciones de racismo y un asombroso toque visual; es una película muy típica de Spike Lee, hecha con el tipo de brío artístico y político que recuerda su mejor trabajo. La historia tiene toda la sutileza de un mazo en la cara, pero el argumento de Lee comienza y termina con el hecho de que este es un momento poco sutil en Estados Unidos. ¿Por qué otra razón concluiría su película (una obra de época) con imágenes del mitin de Charlottesville, la lucha que estalló, el accidente automovilístico intencional que mató a la contrarrevolucionaria Heather Heyer y la negativa de Donald Trump a condenar a los nacionalistas blancos después?

El personaje de Ron Stallworth es muy particular pues, a pesar de saber que ser negro en esta época representaban muchas desventajas para sí mismo, era un tema que lo mantenía reservado para sí mismo, pero a la hora de ser víctima de racismo en su propio trabajo, más conocer revolucionistas afroamericanos luchando contra el racismo, su mentalidad se fue transformando de manera notoria. La mejor secuencia de la película llega temprano: después de contratar a Stallworth como el primer oficial de policía negro en la historia del departamento, tiene la tarea de asistir a un discurso del activista de derechos civiles Stokely Carmichael (entonces conocido como Kwame Ture) para supervisarlo por subversivo actividad. Lee filma la escena como un momento de despertar relámpago para Stallworth, la cámara volviendo a su rostro (y tomas individuales de otras caras en la audiencia) repetidas veces mientras Ture (Corey Hawkins) le dice a la audiencia que "deje de huir de ser negro".

Los personajes, protagonizados por John David Washington y Adam Driver, tienen una química que representan el mejor entretenimiento de la historia, aún durante la lucha por la igualdad. Ambos personajes son conflictivos y complejos, representan grupos minoritarios de su época, pero a la vez luchan por diferentes objetivos: uno busca la igualdad y otro un camuflaje para no llamar la atención. Son las actuaciones más sobresalientes de la película, pero esto no significa que sean las únicas, pues todas las actuaciones saben lograr la ironía y empoderamiento que requierern sus personajes.

El diseño de producción es otro aspecto a resaltar, pues presenta una ambientación de la época bien inspirada, pero a la vez sabe volver a traer a la luz monumentos que resaltaban el racismo de algunos y la lucha de otros. Por igual, la vestimenta complementa la musicalización de la historia para saber resguardar el Blaxpoitation que es la película. Del mismo modo, el montaje hace referencia a este género y se inspira de otros clásicos de este estilo, con el objetivo de resaltar la diferencia de étnias y mantener la misma línea gráfica que Spike Lee ha establecido en todas sus películas.

BlacKkKlansman celebra el orgullo negro como arma necesaria contra el Klan y la sociedad para que despierte y se de cuenta del racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de todos los momentos cómicos que crea a lo largo de la historia, también refleja que la lucha sigue y que muchos están contra ella. Es un sabor amargo, pero real.