Crítica Cinéfila: Como Agua para Chocolate, 1ra temporada

Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, son dos almas enamoradas que no pueden estar juntas debido a las arraigadas costumbres familiares, la cuales obligarán a nuestra protagonista a navegar con tintes y sabores mágicos entre el destino dictaminado por su familia y la lucha por su amor mientras la acompañamos en su mayor refugio: la cocina.

Al igual que un buen mole, el realismo mágico requiere una complejidad increíble para que el resultado se perciba como bastante simple. Cincuenta tipos diferentes de chiles se convierten en algo que se describe en términos generales como una salsa de chocolate. El sentimiento, la extravagancia, el romance, lo sobrenatural y una cierta dosis de fundamento se combinan en una mezcla que simplemente funciona. Y dos personas que perciben una mezcla idéntica de elementos pueden responder a los perfiles de sabor de maneras completamente diferentes.

La adaptación de Alfonso Arau de "Como agua para chocolate", de Laura Esquivel, que en 1992 ya fue un éxito de taquilla en su época y que desde entonces parece que ha crecido, es simplemente imposible de criticar, tanto en el compromiso tonal de Arau o la suntuosa fotografía de Steven Bernstein. Pero al inclinar su realismo mágico tan firmemente hacia lo “mágico”, se convierte en una historia de amor sin personajes desarrollados ni mucha química, especialmente en la destrozada versión estadounidense. A lo largo de los episodios, la nueva adaptación de HBO/ HBO Latino /Max es una versión de la historia que funciona mejor porque le da aire a todos esos sabores de los que no degustó su primera adaptación.

Sin abandonar por completo la magia, el drama aprovecha su duración de seis episodios para desarrollar mejor sus aspectos realistas. La contextualización de los personajes y las bases de clase en un contexto específico de la Revolución Mexicana enfatiza los temas de la narrativa de una manera que hace mucho más fácil involucrarse en el romance, anclado por la encantadora protagonista Azul Guaita.

La serie, adaptada por el guionista principal Francisco Javier Royo Fernández (acreditado como “Curro Royo”), comienza de manera muy similar a las iteraciones anteriores. Empieza en el estado mexicano de Coahuila con Elena (Irene Azuela) dando a luz a Tita en un diluvio de lágrimas, provocadas por cebollas y por una miseria que no se explicará por un tiempo. Dieciséis años después, Tita (Guaita) pasa la mayor parte de su tiempo en la cocina, aprendiendo bajo la supervisión de la cariñosa cocinera de la familia, Nacha (Ángeles Cruz). Tita siente que Elena tiene menos afecto por ella que por sus hermanas mayores, Rosaura (Ana Valeria Becerril), que es un poco simple y amargada, y Gertrudis (Andrea Chaparro), que es una activista en ciernes.

La frialdad de Elena llega a su punto más elevado cuando Tita recibe una propuesta de matrimonio de Pedro (Andrés Baida), un vecino heredero de una estancia que está enamorado de ella desde la infancia, y Elena le deja claro que esa unión está fuera de cuestión. En la película y en el libro se establece de inmediato que existe una tradición familiar en la que la hija menor no puede casarse y debe dedicar su vida a su madre. Aquí, sin embargo, se presenta inicialmente como una mezquindad más maternal. Entonces Pedro toma una decisión: se casará con Rosaura, porque es la única manera de seguir cerca de Tita.

Por su parte, Tita sigue perfeccionando sus habilidades culinarias, con un pequeño detalle: comer la comida de Tita es sentir lo que ella siente. Literalmente, no en sentido figurado; en el sentido de que eso es cierto para la comida de cualquier chef. “Ya fuera alegría o tristeza, todo estaba impregnado de ella. Era como si Tita fuera un ingrediente más”, explica una voz en off. 

Aunque no alcanza el nivel de impecabilidad de Lubezki, como lo fue la película visualmente deslumbrante de Arau, "Como agua para chocolate" es bastante hermosa. La serie obtiene un gran valor de sus locaciones de la época mexicana, y ciertas secuencias son realmente impresionantes. La gramática de la pornografía culinaria ha evolucionado drásticamente en la última década, y la influencia del estilo de presentación es evidente en toda la serie, hasta en la cuidadosa identificación en pantalla de los platos fundamentales en su forma final.

En torno a la comida, se hace un esfuerzo por reconstruir el mundo del México de la década de 1910, incluidos los enfrentamientos entre los terratenientes y sus siervos indígenas, la creciente frustración pública con la administración del general Porfirio Díaz y la creciente corriente subyacente de varias fuerzas revolucionarias convergentes. Todo esto está en el trasfondo del libro, y puede que también esté en la versión completa del director de la película de Arau. 

El hecho de que Pedro sea un progresista en ciernes y partidario de Francisco Madero le da un detalle secundario además de su amor por Tita, y como resultado, toda la serie es más interesante. Se puede ver cómo su interés en romper con los constructos sociales basados ​​en la clase complementa lo que Tita está haciendo en términos de constructos basados ​​en el género. Le da a su conexión una profundidad que va más allá del hecho básico de que ambos son lindos, que es todo lo que Pedro y Tita realmente tienen a su favor en la película.

Ayuda que Guaita surja rápidamente como el tipo de actriz que probablemente tendría química con cualquier persona. Como corresponde a un personaje que llega al mundo en un mar de lágrimas, Guaita es especialmente hábil para dejar que cualquier extremo de emoción salga a la superficie. Al igual que Tita con sus recetas, infunde alegría, tristeza o añoranza en cada escena, pero no en el estilo casi de pantomima que la mayoría de los actores utilizaron en la película de Arau. 

Aunque Elena y Rosaura son presentadas como madre y hermana malvadas en una historia que tiene mucho de Cenicienta, tanto Azuela como Becerril encuentran suficiente fragilidad en sus actuaciones para evitar que los personajes actúen como una mera oposición a la bondad general de Tita. Y el arco de Gertrudis va surgiendo en la medida que avanza la temporada, Chaparro sembrando una energía que da frutos sorprendentes.

Este es un buen ejemplo de una narrativa mejorada al expandir el tiempo en pantalla. Los personajes ya son más complejos y el mundo ya está más plenamente desarrollado. Cuando se trata de "Como agua para chocolate", ¿quieres que tenga sentido lógico o simplemente quieres que se sienta bien? Creo que esta versión hace lo suficiente de cada cosa para hacer que valga la pena volver a contar una historia familiar, concluyendo en una escena de cliffhanger que solo se le permitiría al realismo mágico.

Crítica Cinéfila: La Dama del Silencio - El caso Mataviejitas

La oleada de asesinatos de ancianas que sacudió Ciudad de México entre 1998 y 2005 desató la caza (y captura) del asesino... pero nadie podía imaginarse su identidad.

Difícilmente puedes navegar por el gran océano del streaming sin encontrarte con un documental o una serie de asesinos en serie , un hecho que probablemente dice más sobre nosotros como espectadores que de la industria del entretenimiento. Sin embargo, todas las opciones no son iguales. Algunas se notan rápidas y descuidadas por esa gran necesidad de "entretener con el morbo", pero siempre aparecerán otros con estilo y personalidad real; esa es la categoría donde "La dama del silencio: Los asesinatos de Mataviejitas" caen en definitiva. 

La directora María José Cuevas no podría haber elegido mejor tema para un documental policial. La historia de “La Dama del Silencio” es ciertamente extraña, curiosa y llena de intriga. Esta se sumerge en los muchos aspectos fascinantes del caso que asoló la Ciudad de México, como (por años y un seguro sexismo) se creyó que el asesino debía ser hombre por la brutalidad de los asesinatos, como la asesina en serie creía que su Dios era la muerte, su supuesta profesión de luchadora y tomar recuerdos de cada víctima.

Juana Barraza fue la responsable de la muerte de más de 16 mujeres envejecientes, desde el 1998 hasta el 2006. Víctima de abuso sexual cuando era una niña, Barraza se convirtió en luchadora profesional, lo cual le permitió lograr un físico y técnicas de ataque que le permitieron derribar a sus víctimas sin mucha dificultad. Aunque no se le pudieron demostrar los más de 40 casos de ancianas asesinadas en la franja de tiempo que ella misma confesó haberlos hecho, Barraza mostró siempre una frialdad y serenidad ante el caso. Quizás por sus traumas del pasado, o por la satisfacción de que lo logró por un largo tiempo. 

Lo interesante del documental es la manera tan artística y coqueta en que se maneje. En definitiva, no parecería un documental de una asesina en serie a simple vista. La introducción tiene un buen gancho con un tipo de tema de asesinato y misterio, pero con una música que estimula a un thriller de aventura. Las fuentes utilizadas a lo largo de la película incluso imitan hábilmente las que están impresas en los viejos libros de Agatha Christie. La paleta de colores recurrentes también tiene un significado con los aspectos de lucha libre y día de los muertos, que se revela sutilmente cerca del final de la película, pero que de entrada parecería que indica una fiesta y no un crimen.

Hay una variedad de diferentes técnicas documentales aplicadas aquí. La cineasta no se limita con realizar las entrevistas habituales a los testigos, sobrevivientes y familiares, también detona un gran contraste entre lo que dice la prensa y lo que dicen los miembros institucionales responsables de encontrar a la asesina. Retrata a las familias en un estilo de documental dramático, mientras que los fragmentos de las acusadas y asociadas a Barraza parecen unos sketches de comedia.

Tampoco hay una narración de mano dura que es lo habitual de encontrar en los documentos criminales. En esta película, aunque el relato de los hechos por parte de los entrevistados es la única narración necesaria, la cineasta se esfuerza por mostrar un aprecio por la población adulta mayor mexicana en general y un enfoque en las víctimas y sus familias, a través de los distintos elementos que caracterizan a estas figuras.

El documental también muestra la discriminación que exhibieron la policía y el gobierno mexicano al priorizar los asesinatos mientras ignoraba de alguna manera muchos otros feminicidios violentos que estaban ocurriendo en ese momento. La Dama del Silencio: Los Asesinatos de Mataviejitas destaca a todos los grupos afectados, incluidos los muchos acusados ​​falsamente (uno de los cuales murió en prisión por pecados que no cometió). 

Y si no eres nativo de México, entonces te estarás preguntando por qué nunca antes habías oído hablar de “La Dama del Silencio”. Bueno, eso es porque hasta que se estrenó esta película, nadie le había dado a la historia una plataforma internacional adecuada sobre la cual apoyarse. Hay tantas maneras en que esta historia podría haber sido contada. Podría haber habido diez veces más entrevistados. Podría haber más o menos antecedentes sobre el asesino en serie. Pero la forma en que se filma esta parece estar cerca de la perfección. Hay variedad, hay brevedad y, sobre todo, hay armonía. 

De manera amena y creativa, "La dama del silencio: los asesinatos de Mataviejitas" cuenta una historia, pero también señala las fallas del gobierno mexicano y su policía. Está completamente bien hecho, y podría ser uno de los mejores documentales sobre crímenes que se han producido este año.

Crítica Cinéfila: Bardo (o la falsa crónica de un puñado de verdades)

Una crónica de incertidumbres donde el protagonista, un reconocido periodista y documentalista mexicano, regresa a su país enfrentando su identidad, sus afectos familiares o la absurdidad de sus memorias, así como el pasado y la nueva realidad de su país.

Aunque aparentemente fragmentada en su estructura, como los sueños a menudo se desarrollan en el subconsciente, “Bardo (o Falsa crónica de un puñado de verdades)”, la nueva fábula del director mexicano Alejandro González Iñárritu se revela como una narrativa circular donde lo personal y lo vehementemente político se enredan con un efecto sísmico.

A lo largo de las casi tres horas de duración de la película, Iñárritu escribe los versos cinematográficos de un poema de amor onírico a una patria cada vez más incongruente mientras investiga simultáneamente su propia arrogancia percibida, inseguridades e identidad fracturada. Al otro lado de todo con lo que lidia, descansa una obra trascendente lúcidamente tejida a partir de honestas contradicciones, dolorosa autoconciencia y contundentes observaciones históricas.

Al igual que "Roma", el peregrinaje artístico del propio Alfonso Cuarón a sus orígenes separados, "Bardo" de Iñárritu es un intento de dar sentido a un lugar y a un pueblo que ya no existe tal como el creador los recuerda, o que tal vez nunca conoció por completo, pero cuya esencia permanece inalterable. Las dos obras magnas comparten la experiencia en la construcción de mundos del diseñador de producción ganador del Oscar Eugenio Caballero ("El laberinto del fauno"), un mago diestro en los lugares de cambio congelados en la memoria poco confiable de los directores, tangibles una vez más para la pantalla.

Lo que distingue la salida ambiciosamente introspectiva de Iñárritu, no solo del trabajo de su amigo sino también de la reciente ola de proyectos de otros autores que reflexionan sobre su pasado con una mezcla de nostalgia y perspicacia, son los audaces trazos de imaginación con los que él y el director de fotografía Darius Khondji traducen la realidad en escenarios oníricos, dándole un toque de realismo mágico.

La culminación de las fascinaciones definitorias de la obra de Iñárritu, “Bardo” maximiza el existencialismo fundamentado de “21 Grams”, la perspectiva multiprismática de “Babel”, las ansiedades sardónicas de “Birdman”, las piezas a gran escala de “The Revenant”, la curiosidad de “Biutiful” y su creación de realidad virtual “Carne y Arena”, para unirlos en la metrópolis de su nacimiento fílmico, la Ciudad de México, donde se ambientó y filmó “Amores Perros”.

Esa amalgama de sus intereses remotos produce una película mexicana pura en la medida en que aborda las preocupaciones de los compatriotas del director, los que están en casa y los que emigraron al norte, y disecciona la comprensión borrosa de su imagen de él, como alguien quien “escapó” o “abandonó” el país por los Estados Unidos hace décadas y por lo tanto se considera que no está al tanto de las realidades de lo que significa vivir en México hoy.

Y, sin embargo, por muy poco graciosa que pueda parecer esa descripción, “Bardo” sigue siendo en gran medida una comedia que se burla de su evidente importancia personal y del absurdo engreído de cualquier actividad creativa cuando se yuxtapone con las grandes aflicciones que plagan el mundo. A su vez, su partitura carnavalesca, nacida de los antecedentes de Iñárritu como audiófilo en colaboración con Bryce Dessner de The National, coincide con el tono sofisticado y divertido.

Para este desfile de ideas, Iñárritu eligió a Daniel Giménez Cacho como Silverio, un célebre periodista y documentalista a punto de recibir un premio en los Estados Unidos, que decide visitar su México natal para reencontrarse con quienes lo conocieron antes de subir al escenario mundial. En “Bardo”, Giménez Cacho luce el mismo peinado y estilo que su director, y lo hace de manera tan convincente que, para quienes conocen la apariencia de Iñárritu, se vuelven casi indistinguibles. Conocido por sus papeles en "Zama" de Lucrecia Martel, "La mala educación" de Pedro Almodóvar y una gran cantidad de títulos mexicanos desde la década de 1990, el aclamado actor se transforma brillantemente en el alter ego ideal de Iñárritu para navegar en un reino de viñetas cada vez más caleidoscópicas. En esta montaña rusa de actuación, Giménez Cacho derrocha carisma espinoso. Fiel a cómo operan las visiones inconscientes, Iñárritu no elige a actores más jóvenes para que interpreten a Silverio en pasajes que recuerdan las primeras etapas de su vida, sino que encoge el cuerpo de Giménez Cacho, pero no su rostro, para convocar aún más esa extraña cualidad de los sueños (o su visión del más allá), recordando las reflexiones visionarias de "8 ½".

“Bardo” toma su título un tanto desconcertante de la creencia budista de que todos debemos pasar un tiempo en un estado intersticial entre la existencia y la muerte, una especie de limbo, antes de que se complete nuestra transfiguración. Ese precepto espiritual se aplica a Silverio, al hijo que él y su esposa perdieron pocas horas después de su nacimiento, y a la agitación actual de México con una relación ideológica similar a la trifecta católica del padre, el hijo y el espíritu santo. El término “bardo” también se refiere a un “bardo” en español, un antiguo narrador o letrista encargado de recitar epopeyas que inmortalizan las grandes hazañas de su pueblo. El doble significado, según el idioma, se lee como un movimiento brillantemente deliberado por parte de Iñárritu, ya que ambas interpretaciones se ajustan al alcance y la intención de su “Bardo”.

Se conoce a Silverio mientras viaja en un tren con destino a Santa Mónica en la línea Metro Expo en Los Ángeles. Lleva una bolsa transparente con ajolotes, una especie simbólica de salamandra que se encuentra exclusivamente en la Ciudad de México. Mientras la bolsa se rompe y todo el tren se inunda de agua, se percibe que lo que Iñárritu y el coguionista Nicolás Giacobone (“Birdman”) han inventado con locura no seguirá las convenciones narrativas sino un mandato experiencial.

En medio de la arrolladora grandeza visual de “Bardo”, que incluye tomas deslumbrantes de una sombra voladora en un paisaje árido o una secuencia en un increíblemente desolado centro de la Ciudad de México, un puñado de escenas se sumergen directamente en la construcción de la creación de mitos, tanto en términos del legado de un artista y el imaginario patriótico de un país. Uno de ellos llega temprano, cuando Silverio imagina lo que podría pasar si aceptara una entrevista en vivo por televisión con un excolega.

En el programa “Supongamos”, el presentador califica a Silverio de hipócrita por mantener una postura antiestadounidense mientras vivía en Los Ángeles, lo humilla con la mención de que su tez lo marginó dentro de su propia familia e incluso usa su afinidad para el popular equipo de fútbol Club América como una prueba más de su menor estatus en un ambiente clasista y racista. Estos ataques, por sí solos, reflejan las fallas colectivas de la sociedad mexicana, pero aumentan en gravedad cuanto más se sabe sobre la biografía de Iñárritu, incluyendo su etapa como locutor de radio antes de incursionar en el cine y que sus apodos en la vida real muchas veces hacen referencia a su piel más oscura; cuando parece que el director no usará el personaje de Silverio para ponerse en la línea de fuego sobre su propio privilegio y trayectoria profesional, Iñárritu elige cuestionarse a sí mismo.

Más tarde, durante lo que debería ser un desayuno familiar intrascendente antes de un día ajetreado, Silverio le explica enojado a su hijo Lorenzo (Íker Sánchez Solano) que son “inmigrantes de primera clase” que nunca conocerán el sufrimiento de quienes se ven obligados a abandonar México bajo peligrosas circunstancias. Luego, el adolescente confronta al cineasta sobre su descripción de los indígenas mexicanos como parte de una caravana que se dirige hacia la frontera de los Estados Unidos, quienes deciden tomar un desvío para adorar a un santo, en uno de sus documentales amados por la crítica.

Aunque Silverio cree que su trabajo es importante, existe un desequilibrio de poder inherente entre los que están siendo documentados y los que están detrás de la cámara. Un momento después, su esposa Lucía (Griselda Siciliana) le recuerda cuán ferozmente defiende a México con uñas y dientes de los insultos extranjeros, pero se dará la vuelta y lo criticará desde lejos con justa intensidad. En el complicado vínculo de Silverio con su patria, se puede advertir el deseo de Iñárritu de reconocer su propia distancia geográfica y emocional. Desde lejos, como pueden atestiguar muchos inmigrantes, el anhelo de pertenencia a menudo se manifiesta en sentimientos patrióticos. Nadie está más orgulloso de ser mexicano que un mexicano fuera de México, por elección o por necesidad.

“No puedo entender a mi país, solo puedo amarlo”, le dice Silverio a un miembro de la prensa que le pregunta si puede comprender, luego de su larga ausencia, la violenta crisis que aqueja a México, al ingresar al mítico Salón California para una fiesta de baile en su honor. Mientras tanto, la cámara de Khondji se desliza por el espacio con una vitalidad deslumbrante tan dinámica como la música de cumbia que marca parcialmente uno de los episodios más deslumbrantes de la película.

A mitad de la fiesta, el actor Noé Hernández, un referente del cine mexicano, tiene un cameo interpretando a un destacado narcotraficante que ha aparecido en uno de los documentales de Silverio. Él pontifica sobre por qué los cárteles han dominado el estado de derecho y han unido a las masas privadas de sus derechos mientras que la clase alta y los intelectuales observan el caos con miedo pero también sabiendo que tienen opciones para escapar. Que una declaración tan mordaz venga dentro de una celebración realza el surrealismo de la película.

El relato ficticio de Iñárritu también aborda la explotación histórica de México y sus ciudadanos por parte de los Estados Unidos con la feroz declaración de que Amazon está a punto de comprar la península de Baja California. Hasta ese punto, dentro de los exquisitos muros del Castillo de Chapultepec —donde, en 1847, jóvenes soldados mexicanos lucharon contra los invasores estadounidenses— Silverio imagina la batalla diluyendo a su vez una de las leyendas más arraigadas de la valentía patriótica: que un adolescente mexicano se envolvió en el bandera antes de saltar a su muerte para proteger el honor de la nación.

Si una línea temática es evidente en lo último de Iñárritu, es su creencia de que uno se construye a sí mismo a partir de historias que son parciales o totalmente falsas, pero que, sin embargo, uno cree para funcionar dentro de los límites de nuestra impotencia. Tan espectacularmente contradictorio como el propio país de México, “Bardo” se deleita en la aguda autodesprecio de su seriedad. Por ejemplo, está la conversación de Silverio con una aparición del conquistador español Hernán Cortés, que es seguida por un hombre hablando por teléfono abiertamente sobre lo pretencioso que es todo el calvario. O lo ofendidos que se sienten Silverio y su familia cuando un agente de Seguridad Nacional de piel oscura, presumiblemente de ascendencia mexicana, les recuerda que California nunca será realmente su hogar. En algún lugar entre las exploraciones y la burla irónica se encuentra una apariencia de la verdad que Iñárritu busca compartir.

A medida que uno se sumerge en esta odisea de la mente, una que en algún momento del segundo acto litiga abiertamente sus propios méritos de manera hiper-meta y que lucha repetidamente con lo que uno supone son los pensamientos de Iñárritu sobre la religión y la validación, se descubre que la película que está viendo es a la vez la que está haciendo Silverio y la que sueña. Sin líneas de división entre sus múltiples capas dramáticas, “Bardo” inunda con un encanto fascinante.

Una experiencia cinematográfica tan imponente que la mera búsqueda de tratar de capturarla en palabras se siente inútil, el logro más contemplativo y conmovedor de Iñárritu hasta la fecha se pregunta si algo que se desea tan fervientemente en esta vida importa como si las arenas del tiempo eventualmente borraran todo fracaso y gloria; si solo los recuerdos de los demás sobre quiénes uno fue pudieran permanecer después de la muerte, entonces tal vez todos tengan la oportunidad de cruzar el bardo, regresar a casa o encontrar uno en algún lugar.

Temporada de Premios: Ganadores a los Premios Platino 2020

El cine y la televisión iberoamericana han celebrado una vez más la entrega de los Premios Platino 2020. Aunque no se celebró en el Teatro Gran Tlachco de Xcaret como estaba previsto, la era digital ha sido el responsable de darnos la oportunidad de vivirlo por otro año más hasta que todo se regule. Las producciones españolas Dolor y Gloria, de Pedro Almodóvar, y la serie La Casa de Papel han sido las galardonadas arrasadoras de la edición con hasta nueve estatuillas, anunciadas a través de YouTube por el actor Omar Chaparro y la actriz y cantante Májida Issa.

El filme de Almodóvar continúa siendo premiado con otros seis galardones, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor actor para su protagonista Antonio Banderas, un reconocimiento que se suma al Platino de Honor que concedieron en 2015 al malagueño. Por su parte, los ladrones más famosos de la ficción española, se llevaron el premio a mejor teleserie, mejor interpretación masculina para Álvaro Morte, como El profesor, y mejor interpretación femenina de reparto para Alba Flores, en el papel de la queridísima Nairobi.

Mejor película iberoamericana de ficción:
Dolor y Gloria

Mejor dirección:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación masculina:
Antonio Banderas, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación femenina:
Carol Duarte, por A Vida Invisível

Mejor música original:
Alberto Iglesias, por Dolor y Gloria

Mejor película de animación:
Buñuel en el Laberinto de las Tortugas

Mejor película documental:
Democracia em vertigem

Mejor guión:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor ópera prima de ficción iberoamericana:
La Camarista

Mejor dirección de montaje:
Teresa Font, por Dolor y Gloria

Mejor dirección de arte:
Juan Pedro de Gaspar, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección de fotografía:
Jasper Wolf, por Monos

Mejor dirección de sonido:
Lena Esquenazi, por Monos

Premio Platino al cine y educación en valores:
El Despertar de las Hormigas

Mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana:
La casa de Papel

Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie:
Álvaro Morte, por La casa de Papel

Mejor interpretación femenina en miniserie o teleserie:
Cecilia Suárez, por La casa de las Flores

Mejor interpretación masculina de reparto en miniserie o teleserie:
Gerardo Romano, por El marginal III

Mejor interpretación femenina de reparto en miniserie o teleserie:
Alba Flores, por La casa de Papel

The Mule

 Earl Stone (Eastwood), un octogenario que está en quiebra, solo, y que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio, se le ofrece un trabajo aparentemente facil: sólo requiere conducir. Pero, sin saberlo, Earl se convirte en traficante de drogas para un cártel mexicano, y pasa a estar bajo el radar del agente de la DEA Colin Bates (Cooper).

A sus 88 años, Clint Eastwood demuestra una vez más su talento en pantalla y detrás de cámara, trayendo a la vida a The Mule. Este hilo basado en una historia real acerca de un veterano todavía casi indigente que comienza a transportar drogas para un cartel mexicano, es atractivo, humorístico y, al parecer, bastante personal en la forma en que retrata a un hombre que hace un intento para mejorar como esposo y padre. El veterano de Eastwood, que busca buenos momentos, es un contraste temperamental con el insultante que jugó en el gran éxito de Gran Torino una década atrás.

Visto por primera vez con un sombrero para el sol y cuidando algunas flores en un invernadero, Eastwood se ve notablemente más viejo que cuando estuvo la última vez en la pantalla grande; camina lentamente, se ve un poco frágil y por primera vez carece de toda la impresionante estructura que ha tenido desde el principio de su carrera. Verlo participar en algo llamado la Liga Nacional de Daylily parece una broma.

Al darle vida a Earl Stone, muestra como este es despreciado por su familia inmediata, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Alison Eastwood), a quien dejó plantada en su propia boda y todavía no puede perdonarlo. Parece que el hombre nunca estuvo allí cuando necesitaba estar y ahora está pagando el precio.

Pero lo peor está por venir para el viejo Earl cuando se queda sin dinero y lo echan de su vivienda. Sin embargo, Chance lo rescata cuando es contratado, en parte debido a su perfecto historial de manejo, para "simplemente conducir" a El Paso para hacer una entrega. Es el comienzo de un hermoso arreglo, por no mencionar lucrativo, y durante un buen rato se demuestra que es mutuamente beneficioso para el cartel (Earl es tan confiable en el trabajo como no estaba disponible para su familia) y para el mismo Earl, quien puede utilizar bien el dinero y eventualmente regresar a su casa.

Al mismo tiempo, los agentes federales en Chicago, liderados por un agente especial de la DEA a cargo (Laurence Fishburne), están tratando de atrapar a algunos narcotraficantes del cártel en el oeste, pero están sufriendo un período largo y seco. Puede tomar un tiempo, pero sabes que eventualmente los hombres de la unidad se cruzarán con el no sospechoso Earl, especialmente después de que un nuevo agente, Colin Bates (Bradley Cooper), suba a bordo.

Durante algún tiempo, el arreglo funciona maravillosamente bien: los narcotraficantes obtienen lo que quieren sin problemas, mientras que Earl recupera su equilibrio financiero y sobra lo suficiente para las damas que quiere en su vida. Aunque no es nada en comparación con los arrebatos del anciano hacia las minorías en Gran Torino, la nueva película presenta deliberadamente algunas de las anticuadas nomenclaturas de Earl, incluso hasta caer en momentos racistas y estereotipados.

El viejo Earl de repente lo está llevando bien, en la medida en que ayudar a su nieta con los gastos de la boda y puede financiar la reapertura de un bar de amigos; el éxito del acuerdo finalmente llega a la atención del jefe del cartel Laton (Andy Garcia), quien lleva a cabo reuniones de negocios en su finca mientras dispara con un rifle de oro macizo. A Laton le gusta tanto el viejo gringo que lo invita a una de sus grandes fiestas y le regala dos amigas para la noche (todo lo que pase está implícito pero, felizmente, no se ve). Pero, de repente, las cosas se van al sur, con nuevos supervisores desagradables que hacen que la vida sea miserable para Earl y la DEA cada vez más frustrada siente la necesidad de obtener resultados rápidos.

También hay malas noticias en el frente doméstico, ya que Mary se enferma. Cuando Earl, a modo de explicación y disculpa por no estar allí para ella cuando ella y la familia lo necesitaban, dice: "Pensé que era más importante ser alguien allá afuera", la sensación es ineludible de que Eastwood se esté dirigiendo a su propia persona, una inmersión constante en su carrera cinematográfica, incluso cuando dice que modelaba algunos de los hábitos del anciano según su propio abuelo.

La dirección de Eastwood despierta cierto suspenso a finales de los años; no hay garantía de que Earl salga de este lío con vida, ya que el director ha matado a su propio personaje más de una vez en el pasado. El clímax de la historia toma algunos giros y giros que son a la vez melodramáticos e inesperados, y el Earl generalmente prosaico finalmente concluye: "Pude comprar cualquier cosa, menos tiempo".

Pocos hombres importantes en la historia del cine han estado activos durante tanto tiempo (Eastwood hizo su debut en la pantalla hace 63 años), y probablemente ninguno haya tenido a la estrella por encima del título durante tanto tiempo. ¿Y cuántos directores modernos han hecho tantas películas como él? (Spielberg ha dirigido 31 durante un período similar). Eastwood ha hecho algunas películas flojas y demasiado largas a lo largo de los años, pero esta no es una de ellas, y aquí hay vitalidad visual como resultado de la primera colaboración entre el director y el director de fotografía canadiense Yves Belanger. También es fresca y bienvenida la discreta partitura del gran músico de jazz cubano Arturo Sandoval.

Menos molesto e incitante que Gran Torino, pero persuasivamente expresivo al mostrar los lamentos de un anciano junto con su deseo de superarse incluso a una edad avanzada, The Mule muestra que Eastwood todavía lo tiene, tanto como director como actor.

Roma

Cleo (Yalitza Aparicio) es una joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de 1970. (FILMAFFINITY)

¿Hace cuánto una película no te deja sin palabras? ¿Hace cuánto que no te dejas llevar de una historia? ¿Hace cuánto que te dejas envolver por una trama, perdiendo la noción del tiempo y lloramdo aunque no sea triste? Si hace mucho de todo eso, de seguro podrás confirmar todas estas preguntas una vez veas Roma, la última película dirigida y escrita por el director mexicano Alfonso Cuarón.

Esta trama se divide en dos situaciones: el punto de vista de una sirvienta de hogar, quien ya es parte de la familia gracias al amor incondicional de los niños, la confianza de sus patrones y el hecho de tener que vivir y ser testigo de todos los conflictos dentro de la familia; y las guerrillas urbanas y los movimientos armados  durante el régimen de Luis Echeverría en México, los cuales fueron afectando a toda la nación poco a poco.

Cleo es una joven inocente y dedicada a su trabajo como sirvienta, quien después de descubrir que está embarazada, teme con perder su trabajo, pero por el rol que ocupa en la casa, es una situación en la que todo el mundo la apoya y la cuida. Mientras sigue haciendo todos los trabajos que conllevan servin en un hogar, trata de localizar al padre de su bebé, quien no ha dado la cara desde que ella le avisó de su embarazo. A su vez, tiene que callar las situaciones del hogar, como las peleas inagotables de los hermanos, el hecho de que el padre de la familia se fue a vivir con otra mujer y prefirió mentirle a sus hijos que decir la verdad, y cómo la madre fue reaccionando a esa ausencia.

La historia inspirada en la niñez de Alfonso Cuarón y la nana que lo crió le habla a la audiencia de tres temas: dependencia, amor verdadero y aceptación, tres ideas que la vemos en casi todos los personajes, con el propósito de retratar el realismo de la época, tanto en sus aspectos históricos como en el día a día que toda familia podría vivir. La empatía que se crean con esas situaciones, que  a algunos les parecerán "comúnes", hace eco a la necesidad de contar historias tan reales como esta. El día a día llega a ser rutinario, pero solo para hacer énfasis en que, sin importar lo que cada uno esté viviendo en el momento, las rutinas son las que obligan a todo el mundo a seguir adelante.

Solo dos actores de este elenco eran conocidos previo a entrar en este cast, lo cual significa que Alfonso Cuarón prefirió utilizar personas "comunes y corrientes" para encarnar su historia. Yalitza Aparicio, quien se dedicaría a ser maestra antes de formar parte del elenco de Roma, hace su debut en  la pantalla grande como Cleo, una joven inocente e ingenua que debe aprender a las malas que la vida nunca será color rosa. Para ser su primera actuación, lo hace con una sutileza y entrega que podría anunciarse como el final de otros actores y su inicio en el mundo del espectáculo. Así mismo, la química que crea con el resto de los personajes es orgánico y natural. La preparación de cada una de estas personas demuestra la relación y cercanía que tuvo Cuarón con estos, guiándolos a dejarse llevar por cada uno de los eventos que resumían sus años de infancia.

La opción de contar la película en blanco y negro se debe a dos razones: para enfocar la historia y su tono en las angustias e injusticias que sus personajes vivían; o para acercarla aún más a la época que narra. La verdad es que aún filmada en blanco y negro, está llena del colorido de la Ciudad de México al mostrar sus personajes cotidianos, como el afilador, los vendedores ambulantes, el cine Metropolitano y muchos rincones que han desaparecido pero que la memoria (y la maestría) de Alfonso rescatan.

En esta ocasión, Alfonso deja descansar a Enmanuel Lubeski, y es acompañado en la dirección de fotografía por Galo Olivares, quienes se encargan de crear arte en cada una de las escenas, con una paciencia y sencillez inexplicable, pero sobretodo un manejo bien limpio y establecido de las tomas, enfocados en mostrar la cultura y las reacciones de los personajes. Principalmente, habla a través de sus imágenes, particularmente el trabajo de cámara que articula alternativamente sus puntos de vista y los de Cleo. Usted ve lo que ve y también la ve desde lejos, pero a veces, como en una escena en la que se sumerge en olas violentas, la cámara se mueve paralelamente a ella, la película parece encarnar su ser. Esta es una secuencia sorprendente que es visceralmente aterradora y emocionalmente abrumadora.

Sin embargo, también invoca el sentimiento oceánico de un ser en armonía con el universo que encaja con un viaje por carretera familiar. Sientes tanto la presencia de Cuarón como la de Cleo en esta visión de ella, que empuja con determinación contra las olas amenazadoras, una imagen que ha quedado grabado en el pasado y que ha cobrado vida a través de la memoria. "Roma" está dedicada a Liboria Rodríguez ("por Libo"), la mujer que crió a Alfonso Cuarón en una casa como la que se encuentra en esta película, donde de vez en cuando se puede ver un avión que pasa por encima de su cabeza, una visión que apunta a una distancia, una visión llena de sueños e ilusiones, y que sugiere que Cuarón nunca abandonó su hogar, sus mujeres y su amor por ellas.