Crítica Cinéfila: Elvis

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Butler) a través del prisma de su relación con el coronel Tom Parker (Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos.

La forma cómo uno debe sentirse después de haber visto "Elvis" de Baz Luhrmann dependerá en gran medida de cómo uno se sienta con el estilo de este cineasta. Solo esa introducción al mundo ordinario sumamente acelerado, incluso antes de conocer los movimientos de Elvis Presley en el escenario para interpretar "Heartbreak Hotel" con un traje rosa, deja mareado con su frenética explosión de color abrasador, pantalla dividida, gráficos retro y más ediciones por escena de las que un ojo humano puede contar. Añade el diseño de sonido estratificado y rebosante, y este es Baz multiplicado por 100.

Si la escritura rara vez está a la altura del asombroso impacto visual de la misma película, la afinidad que el director siente por el tema de su artista es contagiosa y agotadora. El gusto de Luhrmann por el espectáculo pop-rock es evidente hasta el final, resultando una película que se regocija tanto en momentos de alto melodrama como en artificio teatral y actuaciones vigorosamente entretenidas.

En cuanto a la gran pregunta de si Butler podría hacerse pasar por uno de los iconos más celebrados de la historia de la cultura pop estadounidense, la respuesta es un sí incondicional. Sus movimientos escénicos son hipnóticos, su actuación del melancólico chico de su madre es digno de obsesión, y captura la trágica paradoja de una fenomenal historia de éxito que se aferra tenazmente al emblema de sueño americano incluso mientras esta se sigue desmoronando en sus propias manos.

Pero el corazón de esta película biográfica está contaminada, gracias a un guion cuya sensación entrecortada tal vez se correlacione directamente con su complicada facturación entre tantas personas. Ese bocado sugiere una amalgama de varias versiones, aunque el gran obstáculo es el desagradable personaje que pilota la narrativa, que crea un agujero en su centro. Ese sería el "Coronel" Tom Parker, interpretado por Tom Hanks en posiblemente la actuación menos atractiva de su carrera: una lectura espeluznante debajo de una montaña de látex, con un acento rallador e identificable que se vuelve no menos desconcertante incluso después de que se hayan revelado los turbios orígenes holandeses del personaje. Es un gran riesgo contar la historia de un artista tan emblemático a través del prisma de un egoísta moralmente repugnante, un abusador financiero que utilizó sus habilidades manipuladoras para controlar y explotar su vulnerable atracción estelar, llevándolo al agotamiento y drenándolo de una proporción enorme de sus ganancias.

 

Cada vez que la acción retiene a Parker de Hanks cerca del final de su vida, refutando su papel designado como villano de la historia desde un piso de casino de Las Vegas donde corrió deudas de juego que requerían mantener a Elvis bajo un lucrativo contrato de residencia en un Hotel Internacional, la película flaquea. Como se retrata aquí y en otros lugares, Parker era un estafador egoísta que monopolizó la libertad artística y personal de la estrella y ahora puede monopolizar la narración de su vida. La película funciona mejor cuando seguimos a Elvis sin esa narración banal.

La formación musical del sujeto se ilustra en un estilo gótico sureño y florido, ya que se ve al joven Elvis (Chaydon Jay) creciendo en Tupelo, Mississippi, mudándose a un barrio negro pobre después de que su padre, Vernon (Richard Roxburgh), es encarcelado brevemente por pasar un mal cheque. Mirando a través de las grietas en las paredes o debajo de las aletas de la tienda de campaña de las reuniones de avivamiento religioso, Elvis absorbe influencias que le permitirían fusionar el bluegrass con el R&B, el gospel y el country, y crear un sonido sin precedentes desde un vocalista blanco. En un florecimiento divertidamente salvaje, las raíces de los "giros lascivo" que provocarían los gritos de los fanáticos y en los perros guardianes conservadores se remontan a que el niño está físicamente poseído por el espíritu durante un servicio religioso.

Como hicieron en The Great Gatsby y en otros lugares, Luhrmann y el veterano supervisor musical Anton Monsted mezclan libremente melodías de época y contemporáneas una vez que el adolescente Elvis, su familia ya reubicada en Memphis, comienza a pasar el rato en Beale Street, donde se hace amigo del joven B.B. King (Kelvin Harrison Jr.) y emociona los sonidos gospel de la hermana Rosetta Tharpe (Yola). Dado que el estilo vocal de Elvis se basó en múltiples inspiraciones, tiene sentido que las versiones de hip-hop y Elvis de una variedad de artistas se abran camino en la banda sonora.

Inicialmente reclutado por el coronel para unirse a un proyecto de ley dirigido por el cantante campestre Hank Snow (David Wenham) y su hijo Jimmie Rodgers Snow (Kodi Smit-McPhee), Elvis pronto se convierte en el cabeza de cartel, con Hank alejándose debido a la preocupación de que su audiencia de familia cristiana se distraiga con los pasos de baile de Presley. Pero la cariñosa madre de Elvis, Gladys (Helen Thomson), que calma sus nervios como nadie más, tranquiliza a su hijo.

El rápido corte de los editores Matt Villa y Jonathan Redmond permite a Luhrmann contar el meteórico aumento de la popularidad, el aterrizaje de un contrato de grabación de RCA y la amenaza invasora de la policía de moral política al mismo tiempo. Parker mantiene a la familia Presley al lado haciendo de Vernon el gerente de negocios de su hijo, aunque sin mucha influencia ni responsabilidad. Mientras tanto, uno de los compañeros de banda de Elvis le desliza una pastilla mientras está en la carretera "para volver a poner el ánimo en tu paso", poniendo en marcha una dependencia que sería famosa en espiral en años posteriores.

La segregación se reúne con advertencias alarmistas sobre la "cultura africana" y los "crímenes de lujuria y perversión" dirigidos a Presley, y las apariciones en televisión comienzan a llegar con la acotación de "no moverse". Pero los fans de Elvis no optan por la versión limpia y apagada; quieren la emoción y el peligro que tienen las aficionados lanzando su ropa interior en el escenario. Cuando Elvis les da lo que quieren, el coronel teme que esté perdiendo el control de lo que lo mantiene, por lo que maniobra para que lo envíen a servir en el Ejército de los los EE. UU. en 1958 para un cambio de imagen. Elvis culpa de su ausencia por el aumento de la bebida de su madre y su posterior muerte y, sin embargo, el control de Parker sobre él es demasiado fuerte para sacudirlo.

En este punto, está claro que, si bien el coronel se empuja agresivamente hacia adelante como protector de Elvis, muestra poco o ningún afecto genuino por su cliente estrella, considerándolo simplemente como una fuente de ingresos. Con Gladys fuera de la película, eso deja un vacío emocional alrededor del personaje principal, que puede ser fiel a la vida, pero le roba a la película la inmediatez. Ni siquiera su matrimonio con Priscilla (Olivia DeJonge) hace lo suficiente para contrarrestar eso, lo que mantiene a Elvis alejado al igual que Luhrmann debería acercarnos.

Con demasiada frecuencia, Luhrmann construye secuencias como viñetas aisladas en lugar de parte de una narrativa consistentemente fluida, por ejemplo, un montaje romántico de Elvis y Priscilla en Alemania durante su servicio militar, con una bonita y tenue portada de Kasey Musgraves de "Can't Help Falling in Love". La secuencia es dulce y soñadora, pero no es un sustituto para conocer a Priscilla, un papel poco dibujado debajo de los peinados y las modas.

La acción avanza a través del ascenso y la caída de la carrera cinematográfica de Elvis sin quedarse mucho tiempo, pero encuentra detalles jugosos en el especial de la NBC de 1968. Parker lo concibe como un especial familiar de Navidad y una nueva oportunidad de comercialización para suéteres. Pero la frustración de Elvis con la recesión de su carrera le hace seguir el consejo de su viejo amigo Jerry Schilling (Luke Bracey) y reelaborarlo en sus propios términos, enojando a Parker y a los patrocinadores del programa. El crudo set de rock'n'roll reafirma el lugar influyente de Elvis en la música popular estadounidense, al igual que se arriesga a la obsolescencia. Los números de producción recreados son una genialidad, con un coro de gospel, bailarines de "casa de citas" y luchadores de kung fu. Elvis también se encoge de hombros ante la insistencia del coronel en cerrar con "I'll Be Home for Christmas", en lugar de interpretar la canción de protesta original, "If I Can Dream", que resuena poderosamente solo dos meses después del asesinato de Martin Luther King Jr.

La atención prestada en Elvis al especial del 68 sugiere cuánto más brillante podría haber brillado la estrella si hubiera salido del control de Parker más a menudo. Pero cuando intenta liberarse, el coronel lo convence de que se comprometa a cinco años (5 millones de dólares al año) en Las Vegas, bloqueando el plan de gira internacional de los miembros del equipo de gestión que en realidad parecen considerar su bienestar. Se revela que el dominio de títeres de Parker trata no solo de sus deudas de juego, sino también de su condición de indocumentado en los Estados Unidos, que habría sido expuesta si hubiera abandonado el país.

 

Por supuesto, esto es en última instancia una tragedia, y un cineasta diferente menos consumido por la grandeza y la audacia de su empresa podría haber profundizado. Pero hay momentos conmovedores, especialmente en la actuación de Butler a medida que se transforma en el hinchado y sudoroso Elvis de sus últimos años (afortunadamente, sus prótesis son menos horribles que las de Hanks), cómo su matrimonio con Priscilla se disuelve y causa dolor a ambos. Uno podría desear una película biográfica con más acceso al corazón magullado y sangrante de Elvis, pero en términos de capturar la esencia de lo que hizo de Presley una super nova, Elvis hace muchas cosas bien.

Las secuencias de actuaciones en vivo son electrizantes, tomadas por la directora de fotografía Mandy Walker con movimientos en picado para que coincidan con la fisicalidad dinámica de Butler y con intimidad para capturar la sensación fundida que vertió en sus canciones. El uso audaz del color y la iluminación es llamativo. Lo mismo ocurre con el diseño de producción de la esposa de Luhrmann y colaboradora de toda la carrera Catherine Martin y Karen Murphy; del mismo modo, los trajes absolutamente fabulosos de Martin.

A menudo se critica a Luhrmann por moldear material para servir a su estilo en lugar de refinar su estilo para que se ajuste al material. Muchos descartarán la implacable extravagancia de esta película como el Baz en la sobremarcha del ADHD, un trabajo de superficies brillantes que se niega a detenerse el tiempo suficiente para meterse debajo de la piel de su personaje. Pero como homenaje de un campeón del espectáculo escandaloso a otro, deslumbra.

Crítica Cinéfila: Colin in Black and White

Serie que explora los años de instituto de Colin Kaepernick y las experiencias que le llevaron a ser un activista.

Co-creado por Ava DuVernay y el ex mariscal de campo de los 49ers Colin Kaepernick, quien silenciosamente se arrodilló durante el himno nacional de Estados Unidos en 2016 en protesta por la desigualdad racial y el asesinato indiscriminado de estadounidenses negros por la policía, "Colin in Black and White", la serie limitada de docudrama de Netflix, sigue su tema mientras mira hacia atrás en sus años de formación como un atleta adoptado birracial de la escuela secundaria y la universidad con los ojos puestos en convertirse en un mariscal de campo profesional. A través de una mezcla de técnicas cinematográficas, el dúo ha creado una versión única del género que hierve a fuego lento con pasión y reflexión.

El primer episodio comienza con Kaepernick dirigiéndose directamente a la pantalla: describe cómo los posibles jugadores de fútbol profesional desfilan frente a los entrenadores y propietarios de equipos en busca de "guerreros, asesinos y bestias". Esta secuencia da paso a una dramática recreación de una subasta de esclavos, marcando el tono y la tesis de su serie limitada. Mientras suena "ADN" de Kendrick Lamar, Kaepernick comparte que cuando era niño solo quería jugar al fútbol, ​​pero con el tiempo aprendería que había un sistema que alimentaba el talento negro en la máquina capitalista. A medida que se desarrolla la serie, lo vemos alcanzar la mayoría de edad no solo como futbolista, sino también en su propia conciencia social.

Kaepernick alterna entre narrar la serie y agregar comentarios de color a las escenas a medida que se desarrollan, con la versión más joven de él interpretada con cruda vulnerabilidad por Jaden Michael. Al mudarse de Wisconsin a Turlock, CA, ambos lugares conocidos por la producción lechera y la escasez de personas negras, los padres blancos adoptivos con pocos conocimientos sobre las diferencias raciales de Kaepernick (Mary-Louise Parker y Nick Offerman) a menudo luchan por comprender la especificidad de su identidad birracial. 

El primer episodio aborda el cabello de Kaepernick, un elemento ahora icónico de su personalidad, mientras lo trenza por primera vez. Al principio, encuentra la libertad a través de la experiencia y una conexión con una comunidad que lo había eludido durante mucho tiempo. Pero más tarde surge una nueva serie de obstáculos racistas, de sus propios padres que le dicen que las trenzas lo hacen parecer un bandido y de las reglas injustas establecidas para el equipo de baseball de la escuela secundaria que parece afectar solo su tipo específico de cabello.

A lo largo del programa, hay viñetas de historias paralelas que establecen piedras de toque culturales pertinentes a la vida de Kaepernick. Algunas tienen lugar como recreación dramática; otros utilizan la animación de medios mixtos para contar las historias de hombres como el pionero jugador de baloncesto Allen Iverson o Clive Campbell , también conocido como DJ Kool Herc , a quien se le atribuye el mérito de haber originado la música hip-hop en el Bronx. También tejen a la perfección secuencias de video de Karens blancos llamando a la policía sobre los estadounidenses negros por pánico racial, así como imágenes de desigualdad racial en casos judiciales como Kelley Williams-Bolar , quien pasó 9 días en la cárcel en 2011 por "saltarse los límites" de su hija. a un mejor distrito escolar.

El mejor episodio de los tres, dirigido por Robert Townsend ("Hollywood Shuffle"), comienza con imágenes contrastantes de las protestas de Black Lives Matter del verano pasado, llamadas "la forma incorrecta de protestar" por las autoridades, con imágenes de la redada del 6 de enero en el Capital y Trump se refieren a ellos como "gente muy agradable". Si bien el contraste entre la rabia blanca como libertad de expresión y la protesta negra como violencia no es una idea nueva, la forma en que Townsend yuxtapone las imágenes sirve como un claro recordatorio de que nuestra nación está construida sobre esta base inestable y no parece estar funcionando.

Pasando el verano conduciendo por las peores partes de la conservadora California: Palmdale en el Inland Empire, Oroville en el Valle de Sacramento y Red Bluff en el estado del norte, la comprensión de Kaepernick de las microagresiones que enfrenta como el único niño negro en su equipo aumenta a medida que avanza y sus padres permanecen ajenos. Habiendo crecido en este tipo de California rural conservadora, fue refrescante ver finalmente estas partes del llamado Golden State expuestas a lo que realmente es, donde la parte que está en silencio en otras partes del estado se dice en voz alta.

En el momento más poderoso de la serie hasta ahora, ambos padres deciden que el recién autorizado Colin debe conducir al próximo torneo, esta vez en Lancaster, cuando pasan por el mismo oficial de CHP en la misma minivan beige que su padre había saludado muchas veces antes, Colin es detenido. El oficial, cuyo rostro está oscurecido por su casco y grandes lentes reflectantes, es inmediatamente agresivo con Colin y protector con sus padres, y les pregunta si están bien. Explican que es su hijo adoptivo, difuminando la situación. Sin embargo, su obviedad sobre el peligro que corría su propio hijo en los espectáculos, ya que la madre bromea diciendo que él acaba de esquivar una bala, con su padre repicando que acaba de salir de su primer boleto. Se ríen, mientras Colin traumatizado se sienta congelado en el asiento del conductor, sin saber cómo sentirse o qué hacer a continuación.

DuVernay y Kaepernick han elaborado una serie limitada de docudrama híbrida que es tanto personal como universal, educativa y cruda. Llega al corazón de cómo lo general y lo específico, la familia y el país, los obstáculos y los logros trabajan juntos como el suelo en el que una persona  de color crece en sí misma. 

Crítica Cinéfila: American Murder, The Family Next Door

Con imágenes reales sin editar, este documental ahonda en la desaparición de Shanann Watts y sus hijos, y los sucesos acontecidos posteriormente.

Ya estaba familiarizada con el caso de Shanann Watts, su esposo Chris y sus dos hijos antes de ver el documental American Murder: The Family Next Door de Jenny Popplewell. Por varias semanas, fue una de las noticias más impactantes a nivel nacional en Estados Unidos. Pero para el inmenso crédito de Popplewell, ella nunca explota el caso, sino que lo usa como una forma de enmarcar cómo nuestras vidas en las redes sociales hacen contraste con nuestras luchas privadas con nosotros mismos y quienes nos rodean, y cómo lo que puede parecer la familia perfecta en facebook es un velo delgado para cubrir la trágica historia detrás de cuatro paredes. Con la palabra "Asesinato" en el título, el documental no se preocupa realmente por delatar quién es el asesino o seguir varias pistas e hilos. El resultado espantoso es obvio. Donde el documental saca su fuerza es en la exploración de la huella digital que dejó Shanann y la aniquilación que provocó su esposo.

El 13 de agosto de 2018, Shanann Watts llegó tarde a casa después de un fin de semana en un viaje de trabajo. A la mañana siguiente, ella y sus dos hijas Celeste y Bella estaban desaparecidas. El documental luego va y viene entre sus publicaciones en las redes sociales y los mensajes privados en las semanas previas a su desaparición y las imágenes policiales que investigan e interrogan a Chris en los días posteriores. A través de estos dos retratos, vemos cómo Shanann y Chris construyeron sus vidas en las redes sociales, lo que oscureció los serios problemas que enfrentaba su matrimonio e hizo que las últimas revelaciones fueran aún más impactantes.

Lo más inteligente que hace Popplewell es no intentar enmarcar su documental como un misterio. En cambio, se siente como un lento declive hacia una verdad horrible, y si bien los detalles de esa verdad son profundamente perturbadores y horribles, estamos atrapados en este viaje porque necesitamos llegar al final de la investigación. El criminal no es un misterio, pero las circunstancias que llevarían a un resultado tan horrible son las que captan nuestro interés. Una vez más, para crédito de Popplewell, ella se niega a consolar a su audiencia y trata de "explicar" el por qué más allá de los hechos del caso. Trabajando únicamente a partir de las redes sociales, los éxitos de noticias y las imágenes de investigación criminal a su disposición, American Murderno intenta dar sentido a lo sin sentido. A veces no hay una gran verdad detrás de un crimen monstruoso; solo hay motivos humanos banales y patéticos.

Lo que Popplewell aprovecha sabiamente es cómo la construcción de nuestras vidas digitales se convierte casi en una especie de prisión. Obviamente, nuestros perfiles en las redes sociales están tan construidos como nuestras personas externas. Incluso antes de Facebook, los matrimonios podían parecer una forma para el mundo en general y, al mismo tiempo, ser completamente diferente a las personas que están dentro de ellos. Lo que American Murder muestra es que la construcción está tan desarrollada y realmente está martillando lo que se ha perdido. En sus medios, Shanann no está diciendo toda su historia, pero ella está diciendo una historia de la familia feliz que anhelaba y los niños que amaba profundamente. Al usar tantas imágenes de las redes sociales, American Murder saca a Shanann y sus hijos de la abstracción y les da voz a las víctimas, incluso si está limitada por las disposiciones alegres que exigen las redes sociales.

La descripción más amplia de American Murder es evidente en su subtítulo "La familia de al lado"; la noción de que, según todas las apariencias, los Watts eran el ideal platónico de una familia feliz. Algunos pueden querer más respuestas sobre quién era Chris y su estado mental que lo llevaría a un crimen tan atroz, pero Popplewell está más preocupada en dejar que Shanann hable por sí misma a través de sus redes sociales y sus mensajes privados con amigos. American Murder no está aquí para ofrecer ningún tipo de consuelo. No hay euforia de tratar de resolver el crimen o buscar hilos para tirar. Ni siquiera hay un patrón de comportamiento que podamos señalar y tratar de aplicar a nuestras propias vidas. En el mejor de los casos, American Murder es un poderoso recordatorio de que las redes sociales son una fabricación de la vida que deseamos tener, una en la que nunca estamos tristes; donde nuestras familias son perfectas; donde viviremos felices para siempre.

Crítica Cinéfila: Anna

Bajo la hipnotizante belleza de Anna Poliatova (Sasha Luss) se esconde un secreto que la lleva a poder desatar una imparable agilidad y fuerza, convirtiéndose así en una de las asesinas a sueldo más temidas por los gobiernos de todo el planeta. 

Anna se siente como un intento modernizado de La Femme Nikita, una película que hablaba sobre una joven francesa huérfana que lleva una doble vida: amante cariñosa y dedicada, y espía/asesina asignada del gobierno. Lo decepcionante no es solo que Luc Besson no pudiera simplemente rehacer la famosa película de Nikita, sino que hiciese su peor versión.

Anna (Sasha Luss), una drogadicta de Moscú cuyo ingenio y calma la llaman la atención de un fantasma de la KGB (Luke Evans), y antes de que alguien se dé cuenta, está operando en París como una modelo de élite que se dedica también a asesinatos por encargo.

No hay subtexto, no hay tensión; en ningún momento te preocuparás de que Anna pueda ser atrapada o asesinada, porque todo el trato de Besson son escapes, amputaciones y falsificaciones de último segundo. La única variación que juega en La Femme Nikita es que no sigue una línea cronológica, prefiriendo mostrar un evento impactante en el presente, para luego volver a varios meses antes, cuando se sentaron las bases para cualquier cambio o traición que ya se hayan presenciado en pantalla, y creanme que estos viajes en el tiempo no pudiesen haber mareado más.

Besson parece pensar que es una elección estructural atrevida, pero todo lo que hace es enseñar a no tomar nada a su valor nominal. No se dan razones para que alguien se preocupe por el por qué de cualquier cosa, entonces, ¿por qué alguien estaría invirtiendo en cómo hacerlo? El vacío de Anna, combinado con su tiempo de ejecución de dos horas otorga un momento para uno analizar que uno no se estaría perdiendo de nada si hubiese evitado mirar esta película.

¿Por qué se ha diseñado Helen Mirren para que se parezca a Fran Leibowitz como la administradora de la KGB de Anna? ¿Por qué tantos montajes de asesinatos que terminan cuando Anna estrangula a su víctima? Y si quiere hablar sobre detalles de la época, Anna tiene lugar entre 1985 y 1991, en la era de Glasnost: Mikhail Gorbachev está en el poder y la URSS se está abriendo a Occidente. Pero esta película está perdida sin horizontes ni seguimientos a la realidad del mundo en aquel entonces. Y no solo eso... Besson se equivoca con los detalles del período más básico: los moscovitas comunes tienen IBM ThinkPads y WiFi, las salas de situaciones de la CIA tienen pantallas planas y los teléfonos móviles de todos son considerablemente más pequeños de lo que hubieran sido. 

Besson pasó la mayor parte del año pasado involucrado en situaciones sobre MeToo, hasta el punto en que afectó la estrategia de distribución estadounidense de Anna. Mientras más dura Anna, más incómodas se sienten las opciones de Besson, pues al final del día, es una mujer balanceándose entre dos hombres y un patriarcado de espías. Luss, que se parece a Milla Jovovich (la ex esposa del cineasta), se ve casi exclusivamente como un objeto físico, deseado y utilizado por casi todos. Lo más cercano que tiene la película a un tema es la idea de que siempre está trabajando para alguien que promete su libertad; da un paso atrás y se da cuenta de que está siendo intercambiada entre divisiones e instituciones como una posesión. Incluso el romance de Anna con otra modelo (Lera Abova) es, en última instancia, solo transaccional: a Anna se le ha ordenado usarla como cobertura, porque las novias disuaden a los depredadores.

Besson podría argumentar que todo este fetichismo está al servicio de su héroe que finalmente reclama su propia agencia, pero es la razón más fina, y no explica realmente por qué la cámara ve a Anna como un objeto a lo largo de la imagen.

Por su parte, Luss no juega en los clichés. Ella le da a Anna un núcleo de rabia y vigilancia que apoya perfectamente todo el trabajo físico que debe hacer en el transcurso de la película. La mayoría son cosas muy comunes para correr y saltar, hasta que se presencia una secuencia en la que Anna se inspira en John Wick a través de un restaurante lleno de matones, armada solo con una pistola vacía; al final de la secuencia, está cortando gargantas con platos rotos y matando a su marca con un tenedor. Sin embargo, es difícil leer a la actriz, pues sus emociones son muy planas, sin siquiera intentar expresarse.

Pero esa es la única escena en Anna en la que todo se junta y se ve la película que podría haber sido: robusta, implacable, inteligente y divertida. Mientras tanto, es una historia vacía, confusa  y sin un fin determinado.

Crítica Cinefila: Vice

Explora la historia real sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale), un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día. 

Cuando Adam McKay hizo la película The Big Shot en el año 2015, lo hizo con una táctica que solo pocos estaríamos reconociendo: marcando un estilo de contar una historia. Con una efectiva narración en off y la marcada línea de tiempo que narraba cómicamente un hecho real, McKay llamaba la atención de una audiencia con hambre de conocimiento y verdad. Hoy regresa a los cines con el mismo estilo y una historia que deja aún más preguntas de las que ya habían. Esto es Vice.

En el año 2001, George W. Bush ganó las elecciones de los Estados Unidos y se convirtió en el presidente #43. Uno de los rostros que trajo a la Casa Blanca fue Dick Cheney, pero este no era nuevo en estas oficinas. Cheney había pasado por un sinnúmero de roles en la Casa Blanca: desde pasante de Donald Rumsfeld, hasta auxiliar de Gabinete presidencial, Jefe de Gabinete, Miembro de la Cámara de Representantes y Secretario de Defensa. Cada una de estas posiciones le habían enseñado a Cheney lo importante que era estar en el poder, pero sobretodo cuáles eran las verdaderas posiciones de poder. Y cuando Bush se le acercó con la propuesta de que fuese su VP, Cheney le presentó sus condiciones, las cuales incluían un sinnúmero de libertades y accesos que ningún Vicepresidente había tenido previamente.

Adam McKay se hace cargo del guion de esta película, presentando una historia que en ningún momento pretende humanizar el personaje de Dick Cheney. Muy por el contrario, enseña las pocas verdades que han podido conocerse de este político, incluyendo su participación en la guerra de Iraq. McKay escribe un guion lleno de sátiras y referencias shakesperiana con el fin de suavizar una historia que es imposible de digerir sin pensar en todas las muertes que ese gobierno provocó. Además, lo presenta con mucha inteligencia, dejando a un lado el orden cronológico exacto, y dando los primeros minutos de la película con algunas de las decisiones emblemáticas de Cheney, así como un retrato comparativo del gran cambio que dio Dick Cheney desde el hombre que era en los años 60 al político que fue naciendo y se convirtió en principios del 2001.

Christian Bale es un actor ambicioso, que cuando se entra en la piel de un personaje, lo hace con mucha dedicación. Lo ha demostrado en ocasiones anteriores, y aquí lo vuelve a hacer. Era difícil imaginar a este actor en la piel de Dick Cheney, por las obvias razones de 1) la diferencia de edad y 2) ¡es Christian Bale! Sin embargo, McKay ya había trabajado anteriormente con este actor, y sabía la profesionalidad con la que entregaba sus roles, por lo que él sabía que Christian asumiría el cambio físico de aproximadamente 60 libras más el maquillaje constante para ir presentando el cambio del personaje a lo largo de los años. Así mismo, Bale presenta una de sus mejores actuaciones, con una encarnación de gestos, miradas e incluso pausas que solo el mismo Dick Cheney podría reconocer.

La relación más importante de esta película es de Cheney con su esposa Lynne, encarnada por Amy Adams, quien no solo fue responsable de abrirle los ojos a Dick y empujarlo a ser el hombre en que se convirtió, sino también era su consejera personal y la única persona que estuvo al lado de él en cada una de las decisiones que fue tomando a lo largo de su trayectoria política. Amy Adams y Christian Bale presentan una química potente, opacando otros personajes, pero no cegando sus acciones por hambre de poder.

Del mismo modo, hay que resaltar las actuaciones de Steve Carell (como Donald Rumsfeld) y Sam Rockwell (como George W. Bush), quienes no solo tuvieron una transformación física increíble para encarnar a sus personajes, sino también por la actitud enn la entrega de sus acciones y líneas, donde mostraban la personalidad que suponía cada uno tener, y cómo estos fueron testigos y, hasta en cierto sentido, víctimas de Dick Cheney.

Otros detalles que regresaron de Adam McKay fue el estilo cinematográfico documental, dándole un aspecto realista, y a la vez satirisado, de cada una de las escenas, incluyendo los momentos frizados de las tomas, slow motion y el uso de captions para identificar/explicar lo que sucedía en cada secuencia. 

Un aspecto importante es la voz en off, que complementaba las secuencias para ayudar a la audiencia a entender los sucesos históricos, a cargo de Jesse Plemons, quien como narrador había anunciado inteligentemente ser alguien muy cercano a Dick, y mientras muchos esperábamos que dijera ser un nieto o sobrino, al final terminó siendo la persona que le donó el corazón que recibió el político en el año 2012. Esto hizo aún más gracia porque durante toda la película Dick se caracterizó por siempre anunciar cuando necesitaba ir al médico porque estuviese teniendo un ataque al corazón o problemas de salud a nivel general.

Al principio de Vice, el director deja dicho que hizo lo mejor que pudo para averiguar toda la verdad sobre Dick Cheney, pero independientemente que lo sea o no, la película resulta ser lo suficientemente entretenida para que hasta los no muy fanáticos de la película se acerquen al cine y se dejen llevar por esta historia. Es transparente y a la vez tiene muchas agallas para gritar todas las verdades que saca a la luz, sobretodo para destacar que Dick Cheney fue uno de los personajes más poderosos de la historia estadounidense. Todos se enfrentaron a sus desafíos individuales en todos los ámbitos, ninguno de ellos fácil, para lograr colectivamente una sátira política que provoca grandes risas y golpea con algunas verdades trágicas.

Vice

Ficha técnica

Dirección: Adam McKay

Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Megan Ellison, Kevin J. Messick, Will Ferrell

Adam McKay

Guion: Adam McKay

Música: Nicholas Britell

Fotografía: Greig Fraser

Montaje: Hank Corwin

Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Lily Rabe, Alison Pill, Jesse Plemons

The Mule

 Earl Stone (Eastwood), un octogenario que está en quiebra, solo, y que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio, se le ofrece un trabajo aparentemente facil: sólo requiere conducir. Pero, sin saberlo, Earl se convirte en traficante de drogas para un cártel mexicano, y pasa a estar bajo el radar del agente de la DEA Colin Bates (Cooper).

A sus 88 años, Clint Eastwood demuestra una vez más su talento en pantalla y detrás de cámara, trayendo a la vida a The Mule. Este hilo basado en una historia real acerca de un veterano todavía casi indigente que comienza a transportar drogas para un cartel mexicano, es atractivo, humorístico y, al parecer, bastante personal en la forma en que retrata a un hombre que hace un intento para mejorar como esposo y padre. El veterano de Eastwood, que busca buenos momentos, es un contraste temperamental con el insultante que jugó en el gran éxito de Gran Torino una década atrás.

Visto por primera vez con un sombrero para el sol y cuidando algunas flores en un invernadero, Eastwood se ve notablemente más viejo que cuando estuvo la última vez en la pantalla grande; camina lentamente, se ve un poco frágil y por primera vez carece de toda la impresionante estructura que ha tenido desde el principio de su carrera. Verlo participar en algo llamado la Liga Nacional de Daylily parece una broma.

Al darle vida a Earl Stone, muestra como este es despreciado por su familia inmediata, incluida su ex esposa Mary (Dianne Wiest) y su hija Iris (Alison Eastwood), a quien dejó plantada en su propia boda y todavía no puede perdonarlo. Parece que el hombre nunca estuvo allí cuando necesitaba estar y ahora está pagando el precio.

Pero lo peor está por venir para el viejo Earl cuando se queda sin dinero y lo echan de su vivienda. Sin embargo, Chance lo rescata cuando es contratado, en parte debido a su perfecto historial de manejo, para "simplemente conducir" a El Paso para hacer una entrega. Es el comienzo de un hermoso arreglo, por no mencionar lucrativo, y durante un buen rato se demuestra que es mutuamente beneficioso para el cartel (Earl es tan confiable en el trabajo como no estaba disponible para su familia) y para el mismo Earl, quien puede utilizar bien el dinero y eventualmente regresar a su casa.

Al mismo tiempo, los agentes federales en Chicago, liderados por un agente especial de la DEA a cargo (Laurence Fishburne), están tratando de atrapar a algunos narcotraficantes del cártel en el oeste, pero están sufriendo un período largo y seco. Puede tomar un tiempo, pero sabes que eventualmente los hombres de la unidad se cruzarán con el no sospechoso Earl, especialmente después de que un nuevo agente, Colin Bates (Bradley Cooper), suba a bordo.

Durante algún tiempo, el arreglo funciona maravillosamente bien: los narcotraficantes obtienen lo que quieren sin problemas, mientras que Earl recupera su equilibrio financiero y sobra lo suficiente para las damas que quiere en su vida. Aunque no es nada en comparación con los arrebatos del anciano hacia las minorías en Gran Torino, la nueva película presenta deliberadamente algunas de las anticuadas nomenclaturas de Earl, incluso hasta caer en momentos racistas y estereotipados.

El viejo Earl de repente lo está llevando bien, en la medida en que ayudar a su nieta con los gastos de la boda y puede financiar la reapertura de un bar de amigos; el éxito del acuerdo finalmente llega a la atención del jefe del cartel Laton (Andy Garcia), quien lleva a cabo reuniones de negocios en su finca mientras dispara con un rifle de oro macizo. A Laton le gusta tanto el viejo gringo que lo invita a una de sus grandes fiestas y le regala dos amigas para la noche (todo lo que pase está implícito pero, felizmente, no se ve). Pero, de repente, las cosas se van al sur, con nuevos supervisores desagradables que hacen que la vida sea miserable para Earl y la DEA cada vez más frustrada siente la necesidad de obtener resultados rápidos.

También hay malas noticias en el frente doméstico, ya que Mary se enferma. Cuando Earl, a modo de explicación y disculpa por no estar allí para ella cuando ella y la familia lo necesitaban, dice: "Pensé que era más importante ser alguien allá afuera", la sensación es ineludible de que Eastwood se esté dirigiendo a su propia persona, una inmersión constante en su carrera cinematográfica, incluso cuando dice que modelaba algunos de los hábitos del anciano según su propio abuelo.

La dirección de Eastwood despierta cierto suspenso a finales de los años; no hay garantía de que Earl salga de este lío con vida, ya que el director ha matado a su propio personaje más de una vez en el pasado. El clímax de la historia toma algunos giros y giros que son a la vez melodramáticos e inesperados, y el Earl generalmente prosaico finalmente concluye: "Pude comprar cualquier cosa, menos tiempo".

Pocos hombres importantes en la historia del cine han estado activos durante tanto tiempo (Eastwood hizo su debut en la pantalla hace 63 años), y probablemente ninguno haya tenido a la estrella por encima del título durante tanto tiempo. ¿Y cuántos directores modernos han hecho tantas películas como él? (Spielberg ha dirigido 31 durante un período similar). Eastwood ha hecho algunas películas flojas y demasiado largas a lo largo de los años, pero esta no es una de ellas, y aquí hay vitalidad visual como resultado de la primera colaboración entre el director y el director de fotografía canadiense Yves Belanger. También es fresca y bienvenida la discreta partitura del gran músico de jazz cubano Arturo Sandoval.

Menos molesto e incitante que Gran Torino, pero persuasivamente expresivo al mostrar los lamentos de un anciano junto con su deseo de superarse incluso a una edad avanzada, The Mule muestra que Eastwood todavía lo tiene, tanto como director como actor.

Crónicas de California: ¿Qué pasa con los Dominicanos en el exterior?

Ayer me reencontré con una amiga dominicana que tenía más de tres años sin verla. De una vez nos pusimos al día y uno de los primeros temas que salió fue el de regresar a República Dominicana. Ella me comentó que regresar a nuestro país es uno de sus planes actualmente; me decía lo mucho que extraña su familia, su cultura, el sentirse que estás en tu verdadero hogar. Y por unos segundos yo sentí la misma nostalgia. Lo que es increíble sobre esto es que, cuando un dominicano se muda a otro país, le puede pasar una de estas dos situaciones: quieres volver o te quieres quedar.

Nunca he negado que me encantaría disfrutar de las oportunidades que Hollywood le ofrece a nuevos talentos, y sobretodo a mujeres hispanas. Es verdad que las cosas están cambiando, que hay más aceptación y que el pensamiento femenino es mucho mejor recibido que antes. Pero siempre he reconocido que, si hay un lugar donde quiero dedicar cada conocimiento y esfuerzo es en mi país.

No digo que todos deberían tener el mismo pensamiento porque desconozco la situación económica y/o social de cada persona y su país, pero ¿Cuál es la gracia de quedarse en Estados Unidos a una aventura? En serio, ¿para qué venir para acá sólo por decir que está aquí? Y esto no sólo aplica para E.U., sino para cualquier otro país donde el dominicano se va a estudiar o de visita. ¿Qué tanto mal te ha hecho tu país que quieres salir corriendo para el del otro?

Todo el que ha leído las historias que escribo se darán cuenta del común denominador entre todas: yo nada más escribo sobre mi cultura. Dirán "el dominicano tiene muchos cuentos", y es verdad (atención directores/guionistas dominicanos), pero lo hago principalmente porque es lo que mejor puedo ofrecer. Nadie aquí sabrá mejor que yo sobre mi cultura. Y hay historias sobre RD que pocas personas de aquí entenderán o recibirán con la misma aceptación. Por eso mejor contarlas allá.

Pero quizás este pensamiento sea solo mío y de un grupito más (sonará feo, pero...) que sí valoran su país como un hogar, trabajo y espacio de recreación -todo al mismo tiempo-. Quizás el otro grupo solo vea RD como un lugar de disfrute y no como su hogar. Y quizás será verdad que, después que pasas tiempo fuera de tu país, ya no te sientes igual cuando vuelves. Me ha pasado, lo entiendo. También entiendo que las oportunidades son calvas y que si se me da alguna, no pienso desaprovecharla. Pero a la vez entiendo que si en Estados Unidos podría conseguir una oportunidad, en RD consigo cinco. Las puertas tienden a abrirse con un poco más de facilidad en tu misma isla que en otros lugares, sobretodo cuando llegas con la experiencia, el conocimiento y un título que revela de donde vienes.

¿Cuál es el beneficio de quedarse fuera de tu país, ejerciendo y viviendo?

1) Quizás te vaya mejor económicamente.

2) Quizás puedas crecer un poco más como profesional.

3) Quizás la mezcla cultural te haga mejor.

Pero todo es con "quizás" como prefijo. Nada es seguro.

No escribo esto con ánimos de ofender a ninguno de mis amigos dominicanos que me han comentado que se quedarán aquí. Por lo menos ustedes sí lo hacen porque ya han hecho una vida aquí. Pero mi vida está verdaderamente dividida en dos y la medida aventaja a mi isla querida.

Gringo

Un empresario norteamericano envuelto en un asunto de una empresa farmacéutica verá cómo su vida da un vuelco por un incidente en México. (FILMAFFINITY)

Gringo es un término que hace referencia a una persona estadounidense, utilizado principalmente por latinoamericanos. Aunque a veces se utilice de broma, es más bien un término despectivo o un intento de insulto. Pero quizás lo utilizan dos veces en esta película.

Harold Soyinka trabaja en una compañía como el Director de Operaciones, pero no tiene ni la menor idea de lo que se hace allí. Viaja a donde le dicen y firma lo que le pidan, sin la oportunidad de respuestas a todas sus inquietudes. Fuera del trabajo, su matrimonio se ha quebrado totalmente, con una esposa que le es infiel en sus narices y sin un posible amigo que lo apoye en sus dificultades. En un viaje de negocios a México, Harold decide quedarse atrás y fingir que lo han secuestrado. No obstante, otras personas harán de esto una realidad y Harold se verá en constante peligro cuando una banda de narcotraficantes tiene su imagen como la más buscada de México. 

Harold no es el protagonista perfecto. Es muy miedoso y muy pesimista. Sí se podría sentir compasión por él, por todas las cosas que debe vivir, como la esposa que lo abandona por un correo electrónico, el hecho de que sus compañeros de trabajo se burlan de él en su cara y que no tiene nadie con quien contar; pero no inspira empatía y es difícil seguirlo en su camino. Pero además, es un personaje que en ningún momento decide luchar sus batallas. Siempre hay alguien salvándole el cuello y solo es al final (cuando solo faltan pocos minutos para los créditos) que tira del gatillo para su libertad. Es un crecimiento tan repentino que es poco creíble.

Por igual, es difícil conectarse con los demás personajes, porque todos parecen irse por su gula de poder y dinero, y no dan esa sensación de "tengo algo de bondad aún", al nivel que al final de la historia, lo que más se desea es que todos vayan a la carcel o mueran (excepto por Harold, él se merece aunque sea una buena mujer... aún siento pena por él).

Un aspecto a favor es que sabe jugar con el tema de la ambición y lo retrata en todos sus personajes, desde Harold que lo único que desea es conseguir algo de una compañía que lo ha explotado, hasta sus compañeros de trabajo que prefieren su muerte por el dinero que conseguiría la compañía, y la banda de narcotraficantes, que buscan a Harold para obtener una fórmula que le dará aún más riquezas. Todos los demás personajes se manejan bajo esa misma línea y al final se puede ver cuáles son los resultados de sus decisiones.

Otro punto a resaltar es la comparación que se presenta de la cultura estadounidense y la cultura mexicana, desarrollando el contraste, tanto en el estilo de hablar, como en las decisiones, en su día a día, y en las personalidades. A pesar de que no retrata las principales bellezas de México, si se va a lo más coloquial y te enseña la belleza de la persona común.

Esta historia dirigida por Nash Edgerton (quien también es stuntman), es divertida y entretiene en casi todos sus momentos, pero pierde carácter debido a unos personajes poco desarrollados. La historia que prometía ser interesante, no es fácil de seguir porque no tiene a ese alguien que te motive a continuarla hasta el final. Con una modificación de decisiones, hubiese sido mejor.

Mudbound

Dos hombres regresan de la Segunda Guerra Mundial a su hogar, en una pequeña población rural en Mississippi. Allí tendrán que adaptarse a su nueva vida tras la guerra, y al racismo imperante en la región. (FILMAFFINITY)

Además de la lucha por la igualdad, ¿cuál otra razón existe para justificar el racismo que se ha apoderado de la humanidad? Es una cuestión que todavía crea discordancias. Por esta razón, las películas raciales seguirán teniendo la fuerza para salir y revelar las verdaderas crueldades de los seres humanos frente a sus similares.

Mudbound narra la historia de dos familias. La familia "blanca", compuesta por un granjero y su esposa que recien se han mudado a una granja de algodón, y tratan de adaptarse a esta vida rodeada de lodo y pobreza; Jaime, el hermano del granjero, es un piloto de guerra que regresa de la Segunda Guerra Mundial con un trauma que parece perseguirlo en los momentos menos indicados de su vida. La familia "negra" está compuesta por un padre, pastor de su iglesia, una madre que se dedica a velar por el bienestar de sus hijos, y cuatro hermanos; Ronsel, el hermano mayor, se enlista como sargento de la armada; mientras su familia queda rezando por que sobreviva a la guerra, él tiene la ventaja de poder saborear la verdadera libertad y ausencia de discriminación por primera vez en su vida.

A pesar de que sus vidas no se entrecruzan en la guerra, Ronsel y Jaime regresan de la guerra con mentalidades diferentes y lo que irá formando una auténtica amistad será la mentalidad diferente sobre lo inhumano que es el racismo. No obstante, este nuevo pensamiento será lo que irá desatando la ira de los locales en el pueblo de Mississipi donde viven.

Aquí no importa quién es el protagonista, sino cuáles son las voces que se atreven a servir de narradores de una historia que, más que justicia, proclama cambios en la sociedad, y que pretende servir de espejo de lo que todavía hoy sucede, quizás de una manera más sutil pero con intenciones posiblemente similares. Además, no se enfoca únicamente en el tema del odio y racismo, sino también en los conflictos familiares internos de cada familia y las discordancias entre ellos.

Es interesante la referencia que realizan al Ku Klux Klan, una sociedad o grupo que se presentó por primera vez en 1915 en El Nacimiento de una Nación, que promueve la supremacía blanca y el racismo. A diferencia de lo que se podría recordar de la película de Griffith, aquí se demuestra las verdaderas atrocidades que este grupo cometía contra la población negra y que era mayormente compuesto por blancos escépticos al cambio.

Otro punto a destacar es el desarrollo de los personajes y cómo estos fueron creciendo (emocionalmente) a medida que avanzaba la historia, sin dejar ninguno de ellos a un lado. Esto creó una debilidad, por otro lado, que fue el aspecto tiempo de la película, lo cual fue en momentos innecesariamente larga y lenta. No obstante, cumple con presentar arcos prudentes y completos en cada uno de sus protagonistas, permitiéndoles concluir con los aspectos de sus vidas que les creaban conflictos e inconformidades, y deja una resolución abierta al entendimiento de la audiencia sobre lo que verdaderamente ocurrió con los que se podrían considerar los protagonistas de esta historia.

No se puede dejar de mencionar la fotografía, que destaca el diseño de producción de la época y las grandes diferencias entre la vida urbana vs. la vida rural, y la vida de los blancos vs. la vida de los negros. Es importante resaltar que la cinematografía podría haber recibido inspiración de otras películas similares, como 12 años de esclavitud o Loving, con un detalle particular de que va variando de acuerdo al punto de vista de quién es la voz narradora en una determinada escena. También, vale destacar el trabajo de montaje que crea cuestionantes interesantes para mantener a la audiencia interesada en saber qué ocurrió entre estas dos familias.

Mudbound podría servir de referencia histórica para quienes se interesen en conocer sobre la supremacía blanca y el temor constante de la población negra en los años 40, destacándose principalmente por el trabajo impresionante de un elenco poco conocido y la fuerza visual de las imágenes que pretenden sensibilizar un poco más a la audiencia sobre este tema popular.

Detroit

Film ambientado durante los disturbios raciales que sacudieron la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan, en julio de 1967. Todo comenzó con una redada de la policía en un bar nocturno sin licencia, que acabó convirtiéndose en una de las revueltas civiles más violentas de los Estados Unidos. (FILMAFFINTY)

Los años 60 representaron una de las décadas más difíciles y oscuras de los Estados Unidos. Con el tema del racismo y la brutalidad policial y ciudadana, ser negro en algún estado del sur era un riesgo. Actualmente, mientras más pasa el tiempo, más historias salen a la luz, revelando informaciones que la gran mayoría de la gente desconocía sobre esta época.

A mediados del 1967, cuatro años después del famoso discurso de Martin Luther King, todavía existía un racismo intenso en el Sur de Estados Unidos, principalmente por parte del cuerpo policial americano. Detroit era una ciudad en constante batalla, donde la población afroamericana estaba cansada de ser oprimida y se revelaron en contra de las autoridades. De modo que un cuerpo militar es enviado a la ciudad para "controlar" la situación y evitar a que llegue a peores situaciones.

Mientras tanto, el grupo musical The Dramatics está a segundos de presentarse en Detroit, cuando la policía irrumpe y exige que todo el mundo abandone el teatro, pues una revuelta está ocurriendo justo fuera del edificio. Los rebeldes atacaron el autobús de los músicos y los miembros del grupo se dividen hacia diferentes lugares. Larry Reed y su amigo Fred Temple deciden ir al Algiers Motel y rentar una habitación, mientras se calman las calles. Allí conocen a dos jóvenes que los invitan a compartir con unos amigos. Pero las bromas de uno se convirtió en la perdición del resto, que provocó la muerte de 3 afroamericanos y un caso sin resolver.

Kathryn Bigelow narra esta historia desde distintas perspectivas y la divide en tres situaciones: un policía corrupto, frente a otros que no estaban totalmente de acuerdo con su opinión y forma de tratar a los afroamericanos; un policía afroamericano de turno nocturno que solo trataba de ayudar a los demás; un grupo de afroamericanos en una situación delicada que les costaría la vida por un relajo con una pistola falsa.

La visión de la directora es resaltar los distintos puntos de vista en este suceso conocido como el Incidente del Motel Algiers en el que los hechos que se presentan en la película no son precisamente los que sucedieron esa noche, más bien está inspirada en una recopilación de entrevistas a los que sí pudieron colaborar; sin embargo, sí capta ese mensaje de contrariedades y demuestra que, no todos los afroamericanos eran víctimas y no todos los policías eran villanos.

Es necesario destacar la actuación de Will Poulter como el policia Strauss, quizás uno de los villanos más odiados del 2017, pero con una actuación impresionante de este actor que no decepciona cuando encarna cualquier personaje. Así mismo, las actuaciones de John Boyega, Algee Smith, Jason Mitchell y Anthony Mackie son increíbles, que saben traducir en sus líneas y lenguaje no verbal cada uno de los sentimientos de discriminación, injusticias y barbaries que planteaban sus personajes, explicando que, no importaba si pertenecían a la policía, la política o si era veterano de la guerra, el hecho de ser negro ya era una clasificación marginatoria que los policías pensaban que podían violar sus derechos humanos.

Por otro lado, la fotografía, caracterizada por la cámara en mano, le permite al público una cercanía a cada uno de los personajes y crea la sensación de que la audiencia es un personaje más dentro de la historia, lo cual genera mayor empatía con las distintas historias y el mensaje final. Del mismo modo, a pesar de que la musicalización es parte importante para generar la atmósfera dramática, los silencios de la película son esenciales para la tensión que provocaba cada escena.

Detroit es una película que merece ser más destacada, porque busca ser un llamado de atención y un espejo a las brutalidades policiales que existen hoy en día, pero también a destacar quienes son los verdaderos villanos de esta historia de nunca acabar y cómo los conflictos se pueden evitar si se tomaran las decisiones inteligentes.

Crónicas de California: El producto de mi disfraz de Halloween

En RD no se celebra Halloween, o por lo menos no es una celebración totalmente establecida, sino forzosamente introducida a nuestra cultura. Quizás por eso es que nunca me interesó celebrar o hacerle reconocimiento a ese día, hasta hace unas semanas. Ya que estoy en Estados Unidos y Halloween es una fiesta "importante" en la que hasta la universidad hace eventos, lo propio es involucrarse. A parte de que es un día para salir de lo tradicional.

Como disfraz de último momento elegí Red Riding Hood. Sí, tenía otros planes: al principio era Harley Quinn de los comics, luego quería algo relacionado al Día de los Muertos, y terminé cayendo en una personaje infantil de fantasía. Pero todo terminó siendo intencional.

Para esta semana, una de mis tareas de la clase "Story Generation" (Creación de historias) era tomar una historia de fantasía/fábula/mito y cambiarle el género. Y que mejor oportunidad de hacer esto que usando el disfraz, para entrar más en personaje. Obviamente, tuve que leer el cuento otra vez que, aunque lo había leído cuando era más joven, ya lo conocía muy bien. Y reconozco que no es una historia fácil de digerir para niños/as, pero es básicamente importante por la moraleja de "debes tener cuidado con los extraños" junto a otras más.

Entonces, ¿qué escribí al final?

Aquí les comparto un fragmento de mi historia.

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La Capa Roja

Por Inés de los Santos

Bronx, 1995. Los casos de niños desaparecidos han aumentado en los últimos meses y se cree que hay un depredador de infantes sueltos en la ciudad. La policía advierte a los habitantes salir con cautela y estar alerta con sus hijos. 

Hunter Jones es un detective especial de la Policía Estatal que lidera estos casos. Pero el hecho de ahora estar liderando este departamento no es solo el resultado de ser muy dedicado con su trabajo; hace tres años, su hija Amelia fue asesinada por un secuestrador de niños, que aún no ha sido capturado. Tiene la esperanza de algún día encontrar el culpable, pero este trauma del pasado lo ha alejado a sus seres más queridos y sus amistades. Las carpetas de 'casos sin resolver' y el salón de interrogatorio se han convertido en sus mejores amigos.

El reloj de la oficina marca las 7 de la noche, y Hunter se prepara para salir. Su novia Nicole le llama para confirmar a qué hora llegará, pero en ese momento también suena una alarma: otro niño desaparecido. "Lo siento, amor, pero no llegaré a tiempo" y cierra el teléfono antes de que Nicole le reproche como siempre.

Al llegar a la residencia de la familia que ha reportado la desaparición, la misma sonrisa traviesa distrae su atención: la casa parece un museo de fotografías de Amanda, la niña desaparecida. Su abuela Isabella  está sentada en la sala junto a Jayden, otro detective de la unidad y Sophia, la madre de Amanda.

Finalmente, Hunter se sienta junto a Isabella y va directo al grano. "¿Qué lugares frecuenta su nieta?". Sophia no le da ni siquiera la oportunidad de responder y asegura que su hija siempre sale directo a casa de su abuela. Sin embargo, el gesto de Isabella dice otra historia. "Es un secreto solo de nosotras, pero antes era de abuelo/abuela/nieta".

Es en ese momento cuando Isabella revela que Amanda hace tres paradas en lugares que frecuentaba junto a su abuelo; Sophia comienza a reprocharle a Isabella el hecho de que le haya ocultado el 'trayecto' que su hija toma cuando la visita, pero Hunter ignora la discusión. Entra a la habitación principal y observa el desorden; mientras husmea entre los objetos en el piso, encuentra una tela roja. La sostiene y la compara con una de las fotos. Es la capa roja de Amanda.

CINCO HORAS ANTES

Bronx es una locura aún mayor en el día, pero esto no es impedimento para Amanda, quien sale corriendo de la casa, mientras se ata su capa roja alrededor de cuello y se dirige a casa de su abuela. Sophia se para en la puerta aún abierta y le vocifera que la llame al llegar a casa de su abuela, pero el ruido de la calle corta sus palabras.

Amanda es una niña exótica. Con apenas 9 años, su cabello rizo y sus ojos color arrecife detienen a cualquier mortal en la calle, pero es su simpatía y carisma la verdadera atracción, principalmente para los extraños. Al entrar al autobús que la llevaría a su primer destino, lo encuentra casi vacío, con la excepción de una persona al fondo. Ella se sienta en la primera fila y se distrae por un rato. Al regresar la mirada, se sorprende al encontrar a otra persona allí. No recuerda que el autobús se haya detenido, pero solo sonríe al extraño.

El hombre se presenta, diciendo que se llama Ash Raven, y Amanda, con su inocencia y extrema sinceridad, comienza a conversar con él. Ash se ofrece a acompañarla a casa de su abuela, pero Amanda rechaza su oferta, porque "su madre siempre le aconseja a tener cuidado con los extraños"; sin embargo, se ha pasado los últimos 15 minutos del viaje contándole hacia dónde va y su ruta en el camino...

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Esto es apenas la primera secuencia de mi historia, pero ¿qué les pareció?

Ya después les compartiré el resto de mis historias. Si están interesados en saber el resto de esta, dejen un comentario y actualizo la publicación ☺️

Crónicas de California: 5 ventajas de ser guionista

"¿Y qué es lo que vas a estudiar?"

"Master en Guión de cine 😊"

"Oh... y qué es eso?"

😱 

No, no es una escena de mi nueva historia. Es lo que me ha estado pasando últimamente. Tanto personas que he conocido aquí como personas de República Dominicana me han dicho que no saben lo que es un guión de cine. Y si tampoco sabes lo que es... felicidades, eres parte de la población mundial que va al cine y no sabe de donde salen las películas.

Me dieron en la misma llaga, y por eso, hoy todos mis lectores tendrán que saber que es un guión de cine, y aprender que ser guionista de cine tiene sus ventajas, porque aunque no lo crean, muchas personas aquí en Los Ángeles y en gran parte del mundo viven de escribir las historias que vemos en la gran pantalla. ¿O creen que simplemente los actores llegan al set y comienzan a hacer lo primero que les llega a la mente?

"El guión es una de las piezas fundamentales para la producción cinematográfica, pues en él se establece el contenido narrativo y el conjunto de indicaciones requeridas para el desarrollo o montaje de una película". -Fuente: Análisis crítico del guión cinematográfico dominicano (mi tesis)

El guionista tiene la ardua tarea de crear una historia que sea lo suficientemente novedosa, interesante y completa para que una productora se interese por esta. En otras ocasiones sucede que es contratado por un productor, quien le da una idea de lo que quiere y él (guionista) debe investigar y hacer una trama en base al tema que le plantearon.

No es un trabajo fácil. Hay que leer, investigar, hacer entrevistas y escribir MUCHO. Un oficio casi parecido al de un periodista, solo que el resultado se verá meses y hasta años después de que ese proyecto inició. Pero al final (y aunque no muchas personas lo valoren), es una de las labores más evaluadas por la crítica y por los cinéfilos. Ustedes dirán "bueno, es quien hace la historia, pero su trabajo queda ahí..." ¿¡Oh si!? Por supuesto que no. Debe estar hasta el día que se presente en las salas de cine y dar la cara por su obra. Y tiene razones suficientes que lo convierten en una de las mejores tareas dentro de una producción.

¿Cuáles son sus ventajas?

Es la primera persona que sabe cual es la historia

Imagínate que tienes una muy buena idea y comienzas a "tirar líneas" para ver que surge de esto. Al principio no será la historia del siglo, pero después de varias reescrituras, la puedes imaginar en la pantalla grande. El guionista es la primera persona que sabe de qué va a tratar todo y las sorpresas que traerá. No importa si es para cine, televisión, obra de teatro o programa de radio, es la que en principio sabrá explicarla y conocerá cada minúsculo detalle de sí. Luego el productor, el director, los actores y todas las personas involucradas en la película querrán agregarle algún punto que la complemente. Pero no te preocupes, sigue teniendo tu nombre en la primera página y al principio de los créditos.

Conoce casi todas las demás áreas de producción

Al hacer un guión, el escritor debe ver cada palabra en imágenes; es decir, debe hacerlo posible de grabar y editar. Por esa razón, está consciente de los demás oficios dentro de una producción. Está claro de los tipos de tomas, movimientos, colores y velocidades que se puedan emplear en la fotografía; entiende cómo un actor va a encarnar a su personaje; sabe los detalles que dentro de una toma serán incluidos y que deben aprovecharse para complementar la escena. En muchas ocasiones y en casi todas partes del mundo, el guionista es también el director y el productor de la película, y esto se debe a que puede cumplir más de un rol dentro de la producción.

El salario

En Hollywood, un guionista puede recibir hasta un millón de dólares por su guión acabado. En algunos casos, el precio de un guión ha alcanzado los tres millones. En el caso de la televisión, los escritores reciben algo más de 37,000 dólares por una temporada de episodios de una hora, y casi 25,500 si los episodios tienen una duración de media hora. También el pago puede traducirse en pagos semanales por episodio de entre 7,000 y 15,000 dólares. Si la producción renueva temporadas, aumenta también el salario para los guionistas.

Hay muchas oportunidades

Si no estás trabajando fijo para una productora o un estudio de televisión, y eres un guionista independiente o freelance, siempre están las opciones de los concursos. En República Dominicana, la Dirección General de Cine realiza anualmente el concurso FONPROCINE donde los guionistas tienen la oportunidad de presentar sus guiones y recibir dinero para que puedan ser producidos (o simplemente te quedas con el dinero, pero creo que lo importante es que el guión se convierta en película...). En otros países, hay concursos similares en donde las productoras aprovechan para negociar con los ganadores y comprar su historia. También está la opción de presentar la idea a los estudios directamente.

Las premiaciones

Como mencioné anteriormente, aunque algunos de ustedes no sepan qué es un guión y sus funciones, siempre estarán los premiaciones y los festivales de cine que lo recordarán, lo valorarán y premiarán por su trabajo. Dos de sus categorías más famosas son Mejor Guión Original y Mejor Guión Adaptado. También están los Premios al Sindicato de Guionistas, donde se galardona exclusivamente los mejores guiones de la temporada.

Creanme...

Una película sin guión sería considerada el disparate del siglo, y el rol del guionista siempre será importante, desde el momento en que encuentre una idea para desarrollar hasta el día de su estreno en las salas de cine. ¿Por qué elegí ser guionista? Descubrí que me apasionaba tanto después de haber escrito varios guiones y haberme pasado días completos escribiendo. Cuando se pone tanta pasión en algo, es a eso que siempre debes dedicarte.

Así que sí, soy guionista de cine. Aún no he hecho un largometraje, pero denme unos meses y hablamos del proyecto. También acepto ideas 😊