Crítica Cinéfila: Train Dreams

Robert Grainier es un jornalero que trabaja en la construcción del ferrocarril en el Oeste americano a principios del siglo XX. Golpeado por la tragedia, lucha por adaptarse a su nuevo entorno.

Una nube negra y maldita sigue al obrero de Idaho, Robert Grainier, en la reflexiva adaptación del director Clint Bentley, "Train Dreams". Comenzando con una toma en primera persona de un árbol talado que cae muerto al suelo, la cámara fija en el lugar donde fue talado teje mucho dolor y sufrimiento en la vida de Grainier, interpretado con alma endurecida por un impresionante Joel Edgerton. 

Robert pasa de obrero a leñador del ferrocarril de Spokane, constantemente puesto a prueba por una naturaleza que parece tener más control sobre el destino humano que las propias personas. Coescrita por Bentley con Greg Kwedar, "Train Dreams" se nutre de sus indagaciones filosóficas sobre la aleatoriedad terrenal de los eventos que conforman una vida. El efecto, amplificado por una hábil artesanía y una atención al detalle incluso en los rincones más desenfocados de una toma, te deja sin aliento.

“Train Dreams” parte de la novela corta de Johnson, que se mueve discursivamente a través del tiempo donde la película de Bentley, además de visiones proféticas de un futuro ardiente, se mueve en una línea más recta. La culminación es una biografía de la vida adulta de Robert, comenzando en el verano de 1917 en Idaho y terminando en Washington en 1968, el año en que el Apolo 8 dio la vuelta a la Luna y regresó. El equipo maderero de Robert está formado por itinerantes bruscos que también albergan el racismo estereotipado de los estadounidenses de clase trabajadora rural en medio de la ola de inmigración de principios de siglo. Un incidente que involucra a un trabajador chino, en el que Robert está implicado como testigo, lo perseguirá por el resto de sus días en la Tierra, incluso en forma sobrenatural.

La vida de Robert cambia con la llegada de Gladys (Felicity Jones). Ambos se enamoran perdidamente, y los "sueños de tren" flotan a lo largo de sus primeros años juntos, incluyendo el nacimiento de su hija, Kate. Sin embargo, en una película donde visiones alucinatorias de incendios forestales atacan los sueños de Robert, otra tragedia siempre está a la vuelta de la esquina. El supersticioso Arn Peeples (un William H. Macy tragicómico) también presagia fatalidad en una película donde ramas y arbustos a menudo caen sobre las personas repentinamente, matándolas o dejándolas en un estado de aturdimiento que eventualmente se convertirá en la muerte.

"El mundo no deja de necesitar arreglos", le dice un compañero de trabajo a Robert después de que tres hombres mueren en el trabajo. Arn, por su parte, se inclina a entablar conversaciones existenciales junto a la fogata, donde Robert se deshace en elogios sobre "la novedad de la experiencia". De hecho, "Train Dreams" es una película que busca sumergir al público directamente en la novedad (y a veces en la monotonía) de las experiencias de su protagonista, prácticamente poniendo la cámara en primera persona. Cuando Gladys acaricia la barba de Robert o le recorre la espalda con los dedos, casi se puede sentir.

Bentley y el director de fotografía Adolpho Veloso también sumergen al público en los detalles táctiles y la artesanía de la tala, con Robert aserrando con una determinación insensible mientras se ve obligado una vez más a estar lejos de su esposa e hija. Robert es un hombre con niveles de mala suerte cósmica como los de Job, y la revelación episódica de sus desgracias puede poner a prueba a algunos espectadores, pero créanme, están poniendo a prueba a Robert mucho más. Edgerton, el actor australiano más celebrado por su interpretación del demandante blanco en un caso de matrimonio interracial en "Loving", mantiene las emociones en secreto hasta momentos en que finalmente se abre. Como una escena en la que llora después de abatir un ciervo, la casi perversa proximidad de su vida con la muerte se vuelve demasiado insoportable al ver a otra criatura caída.

Bentley demostró su talento para la inmersión con su largometraje de 2021, "Jockey", cuyo protagonista, Clifton Collins Jr., aparece brevemente en "Train Dreams" como un viajero sediento de la península. Ese mismo realismo también se puede apreciar en "Sing Sing", donde los coguionistas y productores Bentley y Kwedar incorporan a un elenco de exconvictos reales al drama sobre un centro penitenciario, que adquiere una fuerza casi documental. "Train Dreams" posee ese mismo sello de realismo, como el comerciante nativo (Johnny Arnoux), cuya generosidad rescata a Robert en uno de sus momentos más bajos.

“Train Dreams”, en general, es una película solitaria, con Edgerton presente en cada escena, y las experiencias más íntimas de su vida posterior a menudo residen en sueños. Algunos personajes aparecen y desaparecen como producto de la imaginación de Robert, algo que él mismo cuestiona a menudo. Kerry Condon interpreta a Claire, una guardabosques con quien Robert tiene una conexión platónica, quien se convierte en una especie de espejo en el que Robert finalmente puede desahogar su dolor reprimido tras una tragedia anterior a gran escala. Sus años de dolor son como una alcantarilla obstruida que necesita ser vaciada desesperadamente. 

Algunas de las introducciones de tecnología de mediados de siglo en la película (motores que sustituyen a las máquinas de vapor, puentes de hormigón y acero en lugar de los de madera) no son tan fluidas, pero eso solo contribuye a la sensación de surrealismo que rodea a "Train Dreams". Por momentos, da la sensación de que la película misma es un sueño febril, embrujado por una banda sonora de Bryce Dessner, quien es la mitad de la banda The National y se perfila como uno de los grandes (e instantáneamente reconocibles) compositores de música para cine.

Los ritmos oníricos de la película no siempre aportan mucho a la trama, pero eso rara vez interesa a Bentley y Kwedar, quienes aquí se dedican más a evocar la sensación de subjetividad. Y qué impresionante que la estrella australiana Edgerton aporte una auténtica sensación de americanidad a esta historia, haciéndote preguntarte qué habría hecho en la visión más europea de Estados Unidos de "The Brutalist" si los conflictos de agenda no lo hubieran obligado a abandonar. (Originalmente iba a interpretar el papel de Adrien Brody). La presencia de Felicity Jones es encantadora aquí como una presencia casi sutil en la vida de Robert.   

Con una economía de elementos narrativos y una escenografía —donde la mayor parte de la película transcurre en la naturaleza—, Bentley ha creado una película conmovedora sobre cómo cada momento tiene valor. Pero, al mismo tiempo, esos momentos siempre están a punto de evaporarse o desvanecerse.   

Crítica Cinéfila: The Underground Railroad

Cora es una joven esclava de una plantación de algodón en Georgia. Abandonada por su madre, vive sometida a la crueldad de sus amos. Cuando César, un joven de Virginia, le habla del ferrocarril subterráneo, ambos deciden iniciar una arriesgada huida hacia el Norte para conseguir la libertad. 

Ha habido varios dramas recientes que describen la experiencia de la esclavitud. Pero esta hermosa y ardiente adaptación de la novela de Colson Whitehead se destaca. Lo visible y lo invisible, el realismo y la fantasía se encuentran en esta hermosa y ardiente serie del director Barry Jenkins. El verdadero ferrocarril subterráneo, la red histórica de personas y casas seguras del siglo XIX que ayudó a los esclavos a escapar, se convierte en una línea de tren física y literal que lleva a la gente a un lugar seguro. Jenkins enfatiza tanto el duro realismo físico del libro como sus inventos, dándoles forma en su estilo distintivo. 

Como en Moonlight (ganadora del Oscar), y If Beale Street Could Talk (nominada a Mejor Guión adaptado), cada imagen está elegantemente compuesta, brillando con imaginación y compasión. El personaje principal, Cora, hace varias paradas en la ruta del ferrocarril mientras huye de la esclavitud en una plantación de Georgia, perseguida obsesivamente por un cazador de esclavos llamado Ridgeway. Mientras lo hace, un flujo de imágenes poéticas (un árbol arde con fuego o permanece desnudo en el paisaje) convive con representaciones ocasionales de esclavos azotados y torturados.

En el primer episodio, esa descripción inquebrantable de la vida en una plantación podría traer a la mente los 12 años de esclavitud de Steve McQueen, pero McQueen y Jenkins son artistas muy diferentes. Aquí Jenkins establece el mundo de Cora antes de moverse en una dirección más fantástica. Al principio, Cora, interpretada con gran seguridad por la actriz sudafricana Thuso Mbedu, está rodeada de brutalidad pero acepta su destino. A lo largo de la serie, las escenas de esclavos azotados, ahorcados y quemados son tanto más efectivas por ser utilizadas con tanta prudencia.

Finalmente, Cora huye de la plantación con su amigo Caesar (Aaron Pierre). Es uno de los muchos personajes que muestran la variedad de actitudes entre los esclavizados, diciendo "no seré criado como ganado". Ridgeway (Joel Edgerton, en otra de sus actuaciones silenciosamente intensas) está decidido a encontrar a Cora porque no ha logrado capturar a su madre, quien desapareció de la plantación cuando Cora era una niña, un abandono que la dejó tan angustiada y enojada con la que sueña constantemente.

Leer acerca de un ferrocarril subterráneo literal es una cosa, pero verlo en la pantalla acerca la metáfora un paso más a la realidad. Jenkins encuentra un equilibrio al hacer que el ferrocarril sea físicamente creíble pero a veces fantástico. Una de las estaciones no es más que un túnel oscuro y un vagón de mano. Pero en un sueño, Cora entra en una estación grande y reluciente llena de gente, donde el personal uniformado espera detrás de un mostrador de boletos.

Su primera parada al salir del ferrocarril es una ciudad brillante y urbana en Carolina del Sur, donde un grupo de personas blancas educa y patrocina el futuro de la gente negra. Cora lleva un vestido amarillo a medida y un sombrero, toma lecciones en un salón de clases y baila un vals con César bajo linternas encendidas en un baile en la plaza del pueblo. Pero también trabaja en un museo que escenifica escenas de la vida esclava. En exhibición detrás de un vidrio, interpreta el papel que vivió como esclava, recogiendo algodón. La ciudad, con sus rascacielos intencionalmente anacrónicos, puede parecer apuntar a un futuro mejor, pero ese mundo benéfico no es lo que parece.

Cada uno de los pasos de Cora hacia la libertad conduce a un cambio cruel, y Mbedu revela ferozmente su creciente determinación de seguir avanzando hacia el futuro. Las imágenes de Jenkins reflejan tanto el mundo que rodea a Cora como su estado mental, mientras viaja a través de un paisaje chamuscado en Tennessee hasta una exuberante granja verde en Indiana. Como el paisaje, los elementos fantásticos reflejan sus esperanzas y temores. Ella cae por un agujero, flotando como Alicia en el país de las maravillas, solo para llegar a un túnel húmedo y con piso de tierra. Entre los toques poéticos más efectivos, Jenkins muestra con frecuencia personajes parados frente a la cámara, mirándonos. Muchos están muertos pero no son imágenes fantasmales traslúcidas. Son presencias físicas, llenas de significado, incluso si ya no viven en el mundo de Cora.

Con Ridgeway persiguiéndolo sin cesar, Cora es capturada y escapa más de una vez. Pero Jenkins ocasionalmente rompe la forma típica de miniserie basada en la trama. La mayoría de los episodios aquí duran una hora, pero una entrega de flashback a Ridgeway cuando era joven (Fred Hechinger) dura solo 40 minutos y revela la crueldad que siempre estuvo en él. Edgerton hace que Ridgeway sea complejo y vicioso, nunca comprensivo pero siempre más que un villano cliché. No es un dueño de esclavos, pero comparte y expresa su certeza sobre la superioridad del hombre blanco, una idea que él llama escalofriantemente "el imperativo estadounidense". La figura más enigmática e inquietante de la serie es el compañero de Ridgeway, Homer (Chase W Dillon), un pequeño niño negro vestido como un adulto con un traje y un bombín. El niño es devoto de Ridgeway.

La serie es lo suficientemente amplia como para incluir la intrincada cultura anterior a la guerra que describe la novela de Whitehead. Algunos personajes blancos recitan la Biblia, usando la religión para justificar la esclavitud. En una secuencia, Cora llega a una granja en una comunidad de negros libres, donde no se ponen de acuerdo sobre cuánto comprometerse con los habitantes blancos. Nada se simplifica.

Jenkins dirigió los 10 episodios y escribió o coescribió varios. Trajo consigo a dos colaboradores esenciales, el director de fotografía James Laxton y el compositor Nicholas Britell, quienes trabajaron en Moonlight y Beale Street. La fotografía de Laxton abarca desde la luz del sol brillante hasta el interior teñido de amarillo de un espacio de acceso del ático donde se esconde Cora. Está demasiado apegado a la luz de fondo que brilla a través de las puertas, pero la belleza de sus imágenes no mitiga el horror de la historia. La elegante partitura de Britell es completamente fresca, a veces sinfónica, pero siempre conmovedora. El paisaje sonoro incluye un aullido constante como si un viento feroz estuviera soplando en la vida de Cora.

Jenkins ha dicho que, cuando era niño, las palabras ferrocarril subterráneo le evocaban imágenes de "gente negra construyendo y trabajando y prosperando en embarcaciones de su propia creación muy por debajo del suelo". Esa es una de las muchas razones por las que era la persona ideal para adaptar una novela construida sobre el poder de la metáfora y la imaginación. La esclavitud a menudo se llama "el pecado original de Estados Unidos", su legado de injusticia y división racial persiste hasta el día de hoy, una idea que esta serie transmite elocuentemente. Como dice un personaje: "No podemos escapar de la esclavitud. Sus cicatrices nunca desaparecerán".

Y con estos 10 episodios hechos piezas de arte excepcionales, Jenkins nos regala otra lección cinematográfica inolvidable. Gracias.

Crítica Cinéfila: The King

Después de su coronación, Henry V tendrá que aprender a lidiar con las intrigas palaciegas, una guerra y los lazos que le unen a su antigua vida, como la relación con su mejor amigo y mentor, el caballero John Falstaff (Joel Edgerton).

Las obras de Henry se han adaptado a la pantalla anteriormente, incluyendo el deslumbrante Chimes at Midnight de Welles y la apropiación liberal de Gus Van Sant para My Own Private Idaho. 

En este caso, y dirigido por David Michôd, The King es una mezcla de barro y sangre que se basa en los años reales de Henry, V. Basado en tres novelas de Shakespeare, es un intento erróneo de relevancia, también abandona la poesía y la prosa del escritor para el viaje de un héroe genérico, uno que se apoya fuertemente en la carisma de Timothée Chalamet cuando el príncipe disoluto se convierte en rey guerrero.

The King establece la historia que a principio se desarrolla en pistas paralelas para eventualmente converger en la corte real. Allí, el rey Henry IV (Ben Mendelsohn) gobierna sobre el séquito habitual de los cortesanos que se dedican a las batallas mientras lidi con una guerra interminable. A este nivel, el rey expresa su descontento hacia el joven Henry (Timothée Chalamet), también conocido como Hal, mientras que el héroe beligerante convertido en rebelde, Hotspur (Tom Glynn-Carney), juzga las malas decisiones del reino con relación a las constantes batallas que se tienen con los países cercanos a Inglaterra. Mientras tanto, Hal y Falstaff (Joel Edgerton) se divierten en medio de una serie de imágenes turbias, hasta llegar las noticias de que se ha convertido en el nuevo rey.

Cada época tiene sus propias películas de Shakespeare, que invariablemente sostienen un espejo ante la audiencia. En la película de 1944 de Laurence Olivier de "Henry V", el discurso del Día de San Crispín está dirigido a un país que lucha contra Hitler. Décadas más tarde, durante la Guerra de Vietnam, Welles convirtió las obras de Henry en "Carillones a medianoche", convirtiendo a Falstaff en el punto de apoyo de la historia y despojando la batalla de Henry contra los franceses en Agincourt en una lucha desgarradora y heroica. Por su parte, "The King" se centra en Hal-Henry, convirtiendo su evolución en un viaje predecible hacia la autoconciencia, con miradas melancólicas y nobles intenciones. Y mientras este Henry habla de paz, los cineastas hablan más fuerte al convertir a Agincourt en su mejor espectáculo.

The King no es el prefacio de la batalla con un discurso potente. En cambio, Michôd y Edgerton, que comparten el crédito del guión, le brindan a Henry una charla de gran juego que Chalamet ofrece al máximo volumen mientras camina entre sus hombres, avivando incendios nacionalistas pidiéndoles que maten y piensen en Inglaterra. La lucha está bien organizada y, al menos, en su énfasis en el costo humano de la guerra, la miseria jadeante y estruendosa de los hombres con armadura que mueren agarrados entre sí, tiene una deuda más fuerte con Welles que con la visión antiséptica y políticamente conveniente de Olivier.

Chalamet es atractivo (corte de pelo o no), pero también es superado rutinariamente por un elenco que incluye al confiable Sean Harris como uno de los asesores de Henry. Esto no es culpa de Chalamet, sino un problema más profundo de intención. De un lado más ridículo está Robert Pattinson como el Delfín (formalmente llamado Luis), con un acento que más bien provoca risas y no preocupación. Es quizás uno de los elementos más débiles, sin olvidar algunas discordancias de su presencia en la guerra, que no hacen sentido con los verdaderos actos, sino que con lo que Shakespeare escribió aquella vez en sus libros. Y de ahí surge una interrogante: ¿qué quería lograr el director con esta película? ¿La obra de Shakespeare o los relatos de este momento histórico?

Michôd tiene un don para la violencia en la pantalla y generalmente es bueno con los actores, pero una y otra vez su atención se desvía de Hal-Henry a los bordes de la historia, donde los actores secundarios mordisquean las esquinas. Lo que Michôd nunca logra aclarar es qué debemos hacer con el nacionalismo de esta versión, su glorificación de la guerra, su ambivalencia hacia el poder corruptor y su intento selectivo y su ignorancia hacia el discurso Shakespeariano.

Gringo

Un empresario norteamericano envuelto en un asunto de una empresa farmacéutica verá cómo su vida da un vuelco por un incidente en México. (FILMAFFINITY)

Gringo es un término que hace referencia a una persona estadounidense, utilizado principalmente por latinoamericanos. Aunque a veces se utilice de broma, es más bien un término despectivo o un intento de insulto. Pero quizás lo utilizan dos veces en esta película.

Harold Soyinka trabaja en una compañía como el Director de Operaciones, pero no tiene ni la menor idea de lo que se hace allí. Viaja a donde le dicen y firma lo que le pidan, sin la oportunidad de respuestas a todas sus inquietudes. Fuera del trabajo, su matrimonio se ha quebrado totalmente, con una esposa que le es infiel en sus narices y sin un posible amigo que lo apoye en sus dificultades. En un viaje de negocios a México, Harold decide quedarse atrás y fingir que lo han secuestrado. No obstante, otras personas harán de esto una realidad y Harold se verá en constante peligro cuando una banda de narcotraficantes tiene su imagen como la más buscada de México. 

Harold no es el protagonista perfecto. Es muy miedoso y muy pesimista. Sí se podría sentir compasión por él, por todas las cosas que debe vivir, como la esposa que lo abandona por un correo electrónico, el hecho de que sus compañeros de trabajo se burlan de él en su cara y que no tiene nadie con quien contar; pero no inspira empatía y es difícil seguirlo en su camino. Pero además, es un personaje que en ningún momento decide luchar sus batallas. Siempre hay alguien salvándole el cuello y solo es al final (cuando solo faltan pocos minutos para los créditos) que tira del gatillo para su libertad. Es un crecimiento tan repentino que es poco creíble.

Por igual, es difícil conectarse con los demás personajes, porque todos parecen irse por su gula de poder y dinero, y no dan esa sensación de "tengo algo de bondad aún", al nivel que al final de la historia, lo que más se desea es que todos vayan a la carcel o mueran (excepto por Harold, él se merece aunque sea una buena mujer... aún siento pena por él).

Un aspecto a favor es que sabe jugar con el tema de la ambición y lo retrata en todos sus personajes, desde Harold que lo único que desea es conseguir algo de una compañía que lo ha explotado, hasta sus compañeros de trabajo que prefieren su muerte por el dinero que conseguiría la compañía, y la banda de narcotraficantes, que buscan a Harold para obtener una fórmula que le dará aún más riquezas. Todos los demás personajes se manejan bajo esa misma línea y al final se puede ver cuáles son los resultados de sus decisiones.

Otro punto a resaltar es la comparación que se presenta de la cultura estadounidense y la cultura mexicana, desarrollando el contraste, tanto en el estilo de hablar, como en las decisiones, en su día a día, y en las personalidades. A pesar de que no retrata las principales bellezas de México, si se va a lo más coloquial y te enseña la belleza de la persona común.

Esta historia dirigida por Nash Edgerton (quien también es stuntman), es divertida y entretiene en casi todos sus momentos, pero pierde carácter debido a unos personajes poco desarrollados. La historia que prometía ser interesante, no es fácil de seguir porque no tiene a ese alguien que te motive a continuarla hasta el final. Con una modificación de decisiones, hubiese sido mejor.

Red Sparrow

Después de retirarse del mundo de la danza y ser reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada del servicio de seguridad ruso, Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, teniendo como primer objetivo a Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa.

Dominika era bailarina de ballet. Sus días iniciaban y terminaban con la danza, hasta que un día tuvo un accidente en escenario. Pero cuando su tío Egorov le dice que su accidente fue provocado, las consecuencias de sus emociones la arrastrarán a tomar las decisiones equivocadas y ser facilmente convencida por su tío a servir de cebo contra una persona, de ahí a ser testigo de un asesinato y luego a ser parte de los "Red Sparrows", quienes son entrenados como arma de seducción contra sus víctimas. 

Su primer objetivo es Nate, quien es un agente de la CIA que es constantemente vigilado por el grupo de inteligencia ruso, y quien tiene un "soplón" en el gobierno ruso, que delata sus planes a  los Estados Unidos. Dominika se enamora de Nate y entra en el conflicto interno de a quién debe ayudar: ¿a un hombre que recién conoce? o ¿a una persona que solo le ayuda para su beneficio? 

La historia inicia con una secuencia que engancha con facilidad a toda su audiencia: te presenta a una mujer que no tiene nada que ver con el universo del espionaje y que dedica su vida al ballet, pero sufre un trágico accidente; y te va delatando como este agente encubierto en la CIA se comunica con su soplón en una Rusia extremadamente vigilada. Y gracias a esa premisa, muchas personas decidirán a quedarse hasta el final porque te promete un posible romance, un casi necesario giro entre los objetivos de cada uno y un final inesperado. Todo esto ocurre, pero el punto medio de la historia se va desarrollando en un estilo poco tradicional que alarga la película de manera innecesaria y tiene cambios que generan muchas pregunas sobre la verdadera actitud de los personajes.

El más claro objetivo de Dominika al final del primer acto es que ella entrará a la "Escuela de entrenamiento" para convertirse en un Red Sparrow, el cual, en vez de ser un entrenamiento de pelea y  supervivencia, fue una clase intensa de cómo provocar a una persona de manera sexual; en pocas palabras, caer en la prostitución. No obstante, es asignada en un caso en particular y debe averiguar quien es la persona con la que Nate se reune. Después pasa al lado de Nate para ayudar al gobierno estadounidense a conseguir una información que maneja el gobierno ruso. Más tarde es torturada y regresa a ser parte del Estado Ruso y convertirse en la amante de Nate, solo para conseguir información de él. Luego regresa a trabajar con los americanos... Y así transcurren las casi tres horas de la película.

Es difícil entender un personaje cuando le dan tantos cambios de personalidad y de decisiones, pues no es el desarrollo tradicional de historia, y debido a no ser la fórmula antes vista, es difícil crear empatía con el protagonista si no entiende con claridad cuál es su objetivo en la historia y si es lo suficientemente creíble para querer acompañarlo en la travesía. Sí, Dominika se arriesga y va evolucionando en comparación a sus inicios, pero al final no se sabe si logró algún objetivo porque eso era lo que ella quería, porque era el plan de alguien más o porque el director quería dar un cambio inesperado que dejara a la audiencia boquiabierta.

Por otro lado, la fotografía utilizada es muy visual en torno a los temas más cercanos de la trama: si se enfocaba por la seducción de lo visual, el cinematógrafo logra esto con las genialidades de tomas de los distintos escenarios en Rusia; si es conflicto de familia, sabe retratar con suficiente precisión los detalles de las emociones de cada uno de sus personajes; si en realidad se trata de cómo una persona encuentra su verdadero rol en la vida (y crecer), sabe mantener una misma línea que permite ver una continuidad y constancia tanto en las tomas del inicio comparadas al final, como en las que serán dedicadas a la protagonista que irá resaltando su evolución. La cinematografía es completa y diversa que mantiene la tonalidad y que establece el estilo de su artista.

No obstante a las potentes actuaciones y los aspectos técnicos a su favor, el guion le resta oportunidad de ser una buena película de espionaje. Es una historia que necesita revisión en el punto medio y mayor consistencia en los caminos que sus personajes deberán tomar. Es una película ambiciosa, que se deja caer por su historia.