Crítica Cinéfila: The Woman King

Una epopeya histórica inspirada en los hechos reales que sucedieron en el Reino de Dahomey, uno de los estados más poderosos de África en los siglos XVIII y XIX. La historia sigue a Nanisca (Davis), general de la unidad militar exclusivamente femenina y a Nawi (Mbedu), una recluta ambiciosa. Juntas lucharon contra enemigos que violaron su honor, esclavizaron a su gente y amenazaron con destruir todo por lo que habían vivido.

En un momento en que Hollywood parece dividido entre sus promesas de rectificar la exclusión histórica y su comodidad con el conservadurismo existente, hay mucho en juego en The Woman King, la película de acción de Gina Prince-Bythewood inspirada en las mujeres guerreras del Dahomey, reino en el Benin precolonial. No ayuda que la película también haya tenido un viaje arduo y bien documentado desde el concepto hasta la pantalla, enfrentándose al rechazo y al escepticismo en todo momento.

Pero al final de la secuencia de apertura, un tramo cinético durante el cual las cuchillas cortan la carne y los puños chocan con los rostros, estaba claro que The Woman King sería recibida con una generosa recepción. Actuaciones enérgicas y precisión técnica se unen para lograr un efecto glorioso en la emocionante película de acción de Prince-Bythewood. Es una pieza de entretenimiento exuberante y de primera en muchos aspectos.

Pero como un producto de Hollywood, trabajando en el léxico cinematográfico estadounidense, The Woman King, con todas sus buenas intenciones, sin embargo, cae en las trampas esperadas del melodrama y la historia ofuscada. Quizás esos defectos sean el tema de conversaciones posteriores, cuando estimule un discurso crítico apasionado, del tipo que conduce a un impulso entusiasta para explorar la rica historia precolonial del continente africano o las copiosas narrativas actuales.

Entre las fortalezas clave de la película se encuentra un cuadro de giros estelares de alto octanaje, especialmente de Viola Davis. La actriz ganadora del Oscar, conocida por indagar en la psique de sus personajes, accede a un impresionante nivel de profundidad emocional y matices como Nanisca, la líder de Agojie.

Su personaje es familiar en su complejidad: una lideresa despiadada y protectora plagada de una actitud defensiva reflexiva. Nanisca ama a las mujeres de su régimen, a las que se refiere como hermanas, pero lucha por adoptar ideas diferentes. Esa postura hace que su relación con la nueva recluta de Agojie, Nawi (Thuso Mbedu), sea inicialmente difícil. Las dos chocan con frecuencia cuando la joven luchadora cuestiona repetidamente por qué ciertas reglas, como el celibato de por vida, todavía existen. Mbedu, la joya del Ferrocarril Subterráneo de Barry Jenkins, brilla como Nawi, una adolescente enviada para unirse a Agojie después de que su padre abandonara el proyecto de casarla a alguien.

El entrenamiento de la nueva cohorte de luchadoras enmarca la primera mitad de The Woman King, que se esmera en construir un retrato detallado de la vida de Agojie en el Reino de Dahomey. Estas escenas, además de las secuencias de acción, muestran los nítidos diseños de producción y vestuario de Akin McKenzie y Gersha Phillips. Vemos a las mujeres más jóvenes haciendo ejercicios dentro de las paredes de terracota del palacio, dando vueltas a través de las altas praderas de los alrededores y luchando entre sí para mejorar sus habilidades tácticas. También hay una energía sororal palpable entre estas mujeres, jóvenes y mayores. En Amenza (Sheila Atim), Nanisca tiene una amiga devota; en Izogie (una maravillosa Lashana Lynch), Nawi encuentra la comodidad y los controles de realidad necesarios. Estos montajes están respaldados por la exuberante partitura de Terence Blanchard.

El diseño meticuloso del escenario y el paisaje sonoro triunfante se unen para crear una narración encantadora y apócrifa sobre la protección y la expansión ética de un imperio, si tal noción existe. Pero el guión de Dana Stevens, basado en la historia de Maria Bello, intenta equilibrar varias tramas en competencia y no siempre constantes en el transcurso de dos horas. The Woman King comienza como un retrato y luego se entrega al melodrama cuando se enfrenta a los desafíos de traducir la historia para la pantalla y construir un hilo geopolítico coherente.

El origen de los Agojie no está documentado de manera confiable, pero los académicos sospechan que su unidad nació por necesidad: los Dahomey, conocidos por su guerra estratégica y sus incursiones de esclavos, contrarrestaron el desgaste de los hombres jóvenes reclutando mujeres en las filas militares; todas las mujeres solteras podrían ser alistadas. The Woman King no desarrolla la historia de origen, pero reconoce e intenta abordar la participación del reino en la esclavitud de otros africanos.

Tomando un giro pseudo-panafricanista, la película pone a Nanisca en el papel de disidente. Con la nación iniciando una guerra con el vecino reino Oyo, al que han rendido tributo durante décadas, la generala Agojie insta al rey Ghezo (John Boyega) a pensar en el futuro del Dahomey. Ella discute con él sobre la inmoralidad de vender su propia gente a los portugueses y sugiere que el reino se dedique a la producción de aceite de palma para el comercio. Ghezo no está convencido, temiendo que el cambio conduzca a la desaparición del reino. Nanisca le implora que no confíe en los colonizadores.

The Woman King revolotea entre la guerra con los Oyo, la batalla más amplia contra el invasor comercio de esclavos y el drama interno de los Agojie. La intuición de Nanisca resulta ser correcta, pero una pesadilla recurrente la obliga a luchar también con sus propios demonios. La generala debe considerar el peso de sus ambiciones de convertirse en Mujer Rey, un título conferido por Ghezo en la tradición Dahomey, y su pasado.

A medida que la guerra con los Oyo se profundiza y las escenas de lucha se vuelven cada vez más intensas, The Woman King se aferra a ritmos dramáticos familiares, apoyándose en temas universales de amor, comunidad y moralismo inequívoco. Para una epopeya que complazca a la multitud, piense en Braveheart con mujeres negras, esa combinación es más que suficiente.

Crítica Cinéfila: The Underground Railroad

Cora es una joven esclava de una plantación de algodón en Georgia. Abandonada por su madre, vive sometida a la crueldad de sus amos. Cuando César, un joven de Virginia, le habla del ferrocarril subterráneo, ambos deciden iniciar una arriesgada huida hacia el Norte para conseguir la libertad. 

Ha habido varios dramas recientes que describen la experiencia de la esclavitud. Pero esta hermosa y ardiente adaptación de la novela de Colson Whitehead se destaca. Lo visible y lo invisible, el realismo y la fantasía se encuentran en esta hermosa y ardiente serie del director Barry Jenkins. El verdadero ferrocarril subterráneo, la red histórica de personas y casas seguras del siglo XIX que ayudó a los esclavos a escapar, se convierte en una línea de tren física y literal que lleva a la gente a un lugar seguro. Jenkins enfatiza tanto el duro realismo físico del libro como sus inventos, dándoles forma en su estilo distintivo. 

Como en Moonlight (ganadora del Oscar), y If Beale Street Could Talk (nominada a Mejor Guión adaptado), cada imagen está elegantemente compuesta, brillando con imaginación y compasión. El personaje principal, Cora, hace varias paradas en la ruta del ferrocarril mientras huye de la esclavitud en una plantación de Georgia, perseguida obsesivamente por un cazador de esclavos llamado Ridgeway. Mientras lo hace, un flujo de imágenes poéticas (un árbol arde con fuego o permanece desnudo en el paisaje) convive con representaciones ocasionales de esclavos azotados y torturados.

En el primer episodio, esa descripción inquebrantable de la vida en una plantación podría traer a la mente los 12 años de esclavitud de Steve McQueen, pero McQueen y Jenkins son artistas muy diferentes. Aquí Jenkins establece el mundo de Cora antes de moverse en una dirección más fantástica. Al principio, Cora, interpretada con gran seguridad por la actriz sudafricana Thuso Mbedu, está rodeada de brutalidad pero acepta su destino. A lo largo de la serie, las escenas de esclavos azotados, ahorcados y quemados son tanto más efectivas por ser utilizadas con tanta prudencia.

Finalmente, Cora huye de la plantación con su amigo Caesar (Aaron Pierre). Es uno de los muchos personajes que muestran la variedad de actitudes entre los esclavizados, diciendo "no seré criado como ganado". Ridgeway (Joel Edgerton, en otra de sus actuaciones silenciosamente intensas) está decidido a encontrar a Cora porque no ha logrado capturar a su madre, quien desapareció de la plantación cuando Cora era una niña, un abandono que la dejó tan angustiada y enojada con la que sueña constantemente.

Leer acerca de un ferrocarril subterráneo literal es una cosa, pero verlo en la pantalla acerca la metáfora un paso más a la realidad. Jenkins encuentra un equilibrio al hacer que el ferrocarril sea físicamente creíble pero a veces fantástico. Una de las estaciones no es más que un túnel oscuro y un vagón de mano. Pero en un sueño, Cora entra en una estación grande y reluciente llena de gente, donde el personal uniformado espera detrás de un mostrador de boletos.

Su primera parada al salir del ferrocarril es una ciudad brillante y urbana en Carolina del Sur, donde un grupo de personas blancas educa y patrocina el futuro de la gente negra. Cora lleva un vestido amarillo a medida y un sombrero, toma lecciones en un salón de clases y baila un vals con César bajo linternas encendidas en un baile en la plaza del pueblo. Pero también trabaja en un museo que escenifica escenas de la vida esclava. En exhibición detrás de un vidrio, interpreta el papel que vivió como esclava, recogiendo algodón. La ciudad, con sus rascacielos intencionalmente anacrónicos, puede parecer apuntar a un futuro mejor, pero ese mundo benéfico no es lo que parece.

Cada uno de los pasos de Cora hacia la libertad conduce a un cambio cruel, y Mbedu revela ferozmente su creciente determinación de seguir avanzando hacia el futuro. Las imágenes de Jenkins reflejan tanto el mundo que rodea a Cora como su estado mental, mientras viaja a través de un paisaje chamuscado en Tennessee hasta una exuberante granja verde en Indiana. Como el paisaje, los elementos fantásticos reflejan sus esperanzas y temores. Ella cae por un agujero, flotando como Alicia en el país de las maravillas, solo para llegar a un túnel húmedo y con piso de tierra. Entre los toques poéticos más efectivos, Jenkins muestra con frecuencia personajes parados frente a la cámara, mirándonos. Muchos están muertos pero no son imágenes fantasmales traslúcidas. Son presencias físicas, llenas de significado, incluso si ya no viven en el mundo de Cora.

Con Ridgeway persiguiéndolo sin cesar, Cora es capturada y escapa más de una vez. Pero Jenkins ocasionalmente rompe la forma típica de miniserie basada en la trama. La mayoría de los episodios aquí duran una hora, pero una entrega de flashback a Ridgeway cuando era joven (Fred Hechinger) dura solo 40 minutos y revela la crueldad que siempre estuvo en él. Edgerton hace que Ridgeway sea complejo y vicioso, nunca comprensivo pero siempre más que un villano cliché. No es un dueño de esclavos, pero comparte y expresa su certeza sobre la superioridad del hombre blanco, una idea que él llama escalofriantemente "el imperativo estadounidense". La figura más enigmática e inquietante de la serie es el compañero de Ridgeway, Homer (Chase W Dillon), un pequeño niño negro vestido como un adulto con un traje y un bombín. El niño es devoto de Ridgeway.

La serie es lo suficientemente amplia como para incluir la intrincada cultura anterior a la guerra que describe la novela de Whitehead. Algunos personajes blancos recitan la Biblia, usando la religión para justificar la esclavitud. En una secuencia, Cora llega a una granja en una comunidad de negros libres, donde no se ponen de acuerdo sobre cuánto comprometerse con los habitantes blancos. Nada se simplifica.

Jenkins dirigió los 10 episodios y escribió o coescribió varios. Trajo consigo a dos colaboradores esenciales, el director de fotografía James Laxton y el compositor Nicholas Britell, quienes trabajaron en Moonlight y Beale Street. La fotografía de Laxton abarca desde la luz del sol brillante hasta el interior teñido de amarillo de un espacio de acceso del ático donde se esconde Cora. Está demasiado apegado a la luz de fondo que brilla a través de las puertas, pero la belleza de sus imágenes no mitiga el horror de la historia. La elegante partitura de Britell es completamente fresca, a veces sinfónica, pero siempre conmovedora. El paisaje sonoro incluye un aullido constante como si un viento feroz estuviera soplando en la vida de Cora.

Jenkins ha dicho que, cuando era niño, las palabras ferrocarril subterráneo le evocaban imágenes de "gente negra construyendo y trabajando y prosperando en embarcaciones de su propia creación muy por debajo del suelo". Esa es una de las muchas razones por las que era la persona ideal para adaptar una novela construida sobre el poder de la metáfora y la imaginación. La esclavitud a menudo se llama "el pecado original de Estados Unidos", su legado de injusticia y división racial persiste hasta el día de hoy, una idea que esta serie transmite elocuentemente. Como dice un personaje: "No podemos escapar de la esclavitud. Sus cicatrices nunca desaparecerán".

Y con estos 10 episodios hechos piezas de arte excepcionales, Jenkins nos regala otra lección cinematográfica inolvidable. Gracias.