martes, 19 de abril de 2022

Crítica Cinéfila: Fantastic Beasts - The Secrets of Dumbledore

El profesor Albus Dumbledore (Jude Law) sabe que el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) está haciendo planes para apoderarse del mundo mágico. Incapaz de detenerlo él solo, confía en el Magizoólogo Newt Scamander (Eddie Redmayne) para dirigir un intrépido equipo de magos, brujas y un valiente panadero Muggle en una misión peligrosa, donde se encuentran con antiguos y nuevos animales y se enfrentan a una legión cada vez más numerosa de seguidores de Grindelwald.



¿Recuerdas por el año 2000, antes de que se estrenara la primera película de "Harry Potter"? La cuarta novela de la saga se estaba estrenando, y fue un punto más a favor de toda esta franquicia para que miles  de fanáticos hicieran fila en las librerías de todo el país con días de anticipación. Con 734 páginas, "Harry Potter y el cáliz de fuego" era un monstruo: el libro más grande que muchos jóvenes fanáticos jamás habían contemplado leer. Superarlo requirió esfuerzo, aunque del tipo que trajo recompensas profundas e inmediatas a aquellos hechizados por la realidad paralela que Rowling nos había creado, una en la que los magos coexistían con el resto de nosotros, los muggles desafortunados.

Bueno, aquí estamos, tres películas de la intrincada saga de precuelas en la pantalla grande de Rowling, y la serie una vez más se siente como un trabajo, solo que esta vez, los placeres resultantes impactarán al público de manera muy diferente, dependiendo de su nivel de dedicación a la franquicia. “Animales Fantásticos: Los Secretos de Dumbledore” está profundamente apegada en la mitología del Mundo Mágico de Rowling, y rara vez se detiene lo suficiente como para explicar los hechizos mágicos o las estrategias utilizadas por sus personajes. Sin duda, eso molestará a los espectadores nuevos. Pero los devotos probablemente adorarán las revelaciones que les esperan, incluido un compromiso más profundo con la trágica historia de amor entre el amado director de Hogwarts, Albus Dumbledore (Jude Law) y el mago que decidió ajustar cuentas con los muggles.

Johnny Depp está fuera, pero su personaje, Gellert Grindelwald, se ha vuelto más poderoso que nunca. Ahora interpretado por Mads Mikkelsen (sin abordar el interruptor) en una vena más realista y menos amenazadora, Grindelwald está decidido a instigar una guerra mundial casi al mismo tiempo que cierto nazi fue elegido canciller de Alemania. 

Después de hacer tanto para dar consistencia y credibilidad a la visión de Rowling en el transcurso de cuatro películas de "Harry Potter" y un spin-off exagerado, el director David Yates tocó un punto bajo inesperado con la segunda entrega, "Los crímenes de Grindelwald", una ajetreada y desconcertante película que parecía más interesada en mostrar todo tipo de trucos generados por computadora que en contar una historia elegante y atractiva. Si bien "Los secretos de Dumbledore" no adopta exactamente la simplicidad en su guión, afortunadamente la ejecución demuestra ser mucho más fácil de seguir.

A diferencia de las películas de "Harry Potter", que ponen el destino de la humanidad en manos de tres niños, el ciclo de "Animales Fantásticos" trata principalmente de magos adultos en el mundo más amplio de principios del siglo XX. Al principio, Yates aprovechó esta oportunidad para demostrar de lo que son capaces los practicantes de magia maduros: sus habilidades seguramente deberían ser espectaculares, incluso si era difícil no sentirse abrumado al ver suceder cosas imposibles. Sin embargo, cuando Rowling proyectó toda su creatividad en la pantalla, dejó poco espacio para que el público usara su propia imaginación, privándonos de lo mejor de sus libros.

Obtuvimos personajes que cambiaban de forma constantemente y otros que podían atravesar paredes o teletransportarse a través de países; las explosiones casi destruyeron ciudades enteras, mientras que las técnicas defensivas protegieron a ciertos magos de ser heridos. Incluso hubo un hechizo que borró en masa las mentes de los testigos, dando a los cineastas la licencia para causar el caos que quisieran, mientras animales ficticios que se portaban mal se volvían locos, y un miserable e increíblemente peligroso "huérfano" llamado Credence causaba problemas cada vez que perdía el control de sí mismo.

Como un joven Luke Skywalker, Credence se encontró dividido entre las fuerzas del bien y del mal mientras intentaba investigar el misterio de sus orígenes. El giro final de "Los crímenes de Grindelwald" hacía referencia a un ave bebé que Credence había adoptado, que repentinamente se transformó de una cría de apariencia inofensiva a un fénix, una criatura conocida por acudir en ayuda de los miembros del clan Dumbledore en tiempos de necesidad. Tres años más tarde, "Los secretos de Dumbledore" finalmente revela la naturaleza de la conexión de Credence con esta familia, lo que hace que su lealtad vacile entre Grindelwald y Albus.

Da la casualidad de que esos dos líderes en competencia alguna vez estuvieron bastante cerca. Mirando el Espejo de Oesed, Dumbledore se describió a sí mismo y a Grindelwald como "más que hermanos", y recordó que formaron un pacto de sangre años antes. Debido a esta conexión, no muy diferente a la que forjará un ataque violento entre Harry y Voldemort, ni Dumbledore ni Grindelwald pueden siquiera pensar en lastimar al otro sin poner en peligro su propia vida. Una y otra vez, generalmente en el mejor de los casos, el amor anula la razón en estas películas.

Un colgante protector del pacto encantado complica el enfrentamiento que cualquiera puede ver venir. Para detener la toma de poder de Grindelwald, Dumbledore tendrá que depender de representantes, entre ellos nuestro favorito Newt Scamander, el magizoólogo adorablemente torpe encarnado por Eddie Redmayne en las dos primeras películas de “Animales Fantásticos”. Grindelwald está bloqueado de manera similar, pero tiene una ventaja, ya que usa una criatura dragón-ciervo rara y muy venerada llamada qilin para ver el futuro. (El trato brutal del personaje a esta especie noble y aparentemente indefensa es increíblemente difícil de ver, incluso si el animal en realidad no existe).

Las profecías no son nada nuevo en la narración de historias de Rowling, aunque aquí tenemos el detalle adicional de que Grindelwald solo ve fragmentos de lo que está por venir y, por lo tanto, puede ser burlado por la "contravisión", una táctica de hacer cosas deliberadamente engañosas para confundirlo mientras se mantienen en secreto las intenciones reales hasta el último momento. Este es un plan divertido, aunque absurdo, y que, sin embargo, gana puntos por su originalidad. Hay momentos igual de divertidos, como el rescate del hermano de Newt que requiere un baile casi egipcio para mantener a unos animales de su lado; otros llenos de nostalgia, cuando nos encontramos con los hermanos de Dumbledore; y algunos románticos, como el reencuentro de Jacob con Queenie, o el de Newt con Tina.

Tres quintas partes del camino a través de esta serie, la sobrecarga de encanto es claramente la estética acordada, ya que Rowling y Kloves nuevamente presentan una trama que es considerablemente más complicada de lo que debe ser. Tome la tarea encomendada a la asistente enamorada de Newt, Bunty Broadacre (Victoria Yeates), quien encarga media docena de copias idénticas del maletín de cuero de su jefe, para ocultar cuál contiene el qilin durante la escena culminante. No es probable que este esquema engañe a alguien que puede ver el futuro. De hecho, si alguien está confundido por la artimaña elaboradamente coreografiada, somos nosotros, la audiencia.

Esa parece ser la estrategia clave de las películas de "Animales Fantásticos", que, por cierto, también sirve para lo que pasa por magia en el mundo real: distraer a la audiencia, para que no vean el truco y, por lo tanto, se engañen para que crean cosas como se presentan. Sin embargo, en algún punto del camino, esta franquicia dejó de ser divertida. Si las ocho películas de "Harry Potter" nos dejaron con ganas de inscribirnos en la misma escuela, la serie de "Animales Fantásticos" hace que el mundo de los magos parezca opresivo, al borde de una segunda Segunda Guerra Mundial, una que presumiblemente se evitará en las próximas películas, y que la esfera no mágica tiene pocas posibilidades de ganar si Grindelwald alguna vez se sale con la suya.

Aún así, hay algo que decir sobre la forma en que la visión de Rowling abarca varias películas, cómo cada entrega se siente como ver la última temporada de una prestigiosa serie de HBO. Ninguna otra serie de películas funciona en arcos de entregas múltiples tan intrincados, plantando detalles que casi seguramente valdrán la pena en los próximos capítulos. Sobre la base de lo que Peter Jackson hizo con la trilogía de "El señor de los anillos", Rowling y Warner Bros ampliaron radicalmente la forma en que el cine podría usarse para contar historias serializadas, y con "Animales fantásticos", continúan innovando, dándole preferencia narrativa a los más fieles de la saga, que aún nos engranojamos cuando escuchamos la banda sonora de John Williams, y que la saga aún mantiene un dominio casi religioso sobre sus seguidores.


Crítica Cinéfila: Las Niñas de Cristal

Después de que la estrella del Ballet Clásico Nacional se suicide trágicamente, Irene es seleccionada para ocupar su lugar en la mayor producción de ballet de la compañía: Giselle. Ahora, siendo el blanco de todos los celos y la crueldad de sus compañeras, Irene encuentra una amiga en la nueva bailarina, Aurora, una solitaria adolescente dominada por su madre. Aisladas y presionadas por el sacrificio que supone triunfar en la danza, la relación de Irene y Aurora se vuelve cada vez más cercana, a la vez que obsesiva. Juntas emprenden una huida hacia adelante en busca de sí mismas.



Por alguna razón, muchas películas sobre ballet nunca parecen poner este género del baile bajo una buena luz. Es posible que la naturaleza obsesiva de este arte, en la que se espera que el bailarín lleve su frágil cuerpo al límite, traiga muchas connotaciones negativas a la industria en forma de ficción. Desde mi primera experiencia con una película de ballet, con The Company the Robert Altman, hasta las frustraciones más individualistas de la danza en películas como The Black Swan y Suspiria,  siempre me ha fascinado esta forma de arte. 

Netflix también ha disfrutado de las historias de ballet en películas y series de televisión, que van desde la fórmula Into the Beat  hasta la tóxica serie dramática para adolescentes  Tiny Pretty Things  y la serie más suave de K-Drama Navilera . Los últimos títulos de hecho sugieren la naturaleza abusiva de esta forma de arte. La conexión principal que siempre he hecho es cómo estas narraciones a menudo pueden convertirse en un misterio fisiológico, con la audiencia insegura de la realidad del personaje principal o incluso de su mera existencia. Dancing on Glass da esa vibra, con el personaje principal compartiendo un mundo a través de una conexión complicada con otro personaje aparentemente antagónico.

El personaje Irene es una extraña en la compañía de ballet a la que pertenece, pero ha sido asignada como la sustituta en el escenario principal para la bailarina principal de una próxima obra. Con eso viene la presión, y con la presión viene una gran cantidad de estrés. Las Niñas de Cristal no se esconde de la naturaleza compleja de un grupo de baile de gran prestigio con un director de ballet implacable. La película disfruta de la naturaleza sombría del ballet, mostrando uñas de los pies sombrías, la bulimia, el maltrato entre compañeros y los ensayos exhaustivos hasta crear cicatrices en los pies. 

Pero la verdadera historia llega cuando Irene se conecta con otra forastera, Aurora. Su amistad íntima desafía la realidad presentada a la audiencia. Las dos bailarinas crean su propio mundo. Uno donde ambos prosperan. Mientras que Aurora muestra una figura solitaria, desesperada por una conexión en el mundo real, Irene necesita una forma de escapismo para actuar, y la intimidad y el cuidado de Aurora lo brindan. Irene se desempeña como una bailarina más apasionada mucho mejor cuando su amiga está presente. Es más libre y menos dura consigo misma. 

Las Niñas de Cristal entreteje tramas complejas de la historia que el público tardará algún tiempo en resolver en una historia llena de interpretaciones severas. La escena de apertura muestra a una bailarina llamada María bailando desde un tejado en un acto de suicidio. Ella fue la bailarina principal anterior. La película de Netflix dibuja el espíritu del pasado mientras conecta el presente, embalsamado por la presión, la expectativa y el deterioro de la salud mental. La imprevisibilidad trae una correlación similar a Black Swan, donde la realidad y los mundos creados por uno mismo se fusionan, y eso no es nada malo. El director Jota Linares lo logra. Pero a su vez tiene inspiraciones narrativas claves de Almodovar, al dejar ambigüedades donde la audiencia debe prestar atención y consumirse en la historia que presencia.

Las Niñas de Cristal no es original de ninguna manera. Toda la vibra de "bailarina abusada llevada al límite de su capacidad mental" no es una narración nueva. Sin embargo, esta historia sigue siendo sólida, equilibrada y lo suficientemente intrigante como para sostener una inversión de 2 horas, o mejor dicho dos actos. Mientras que a su vez, quienes sí somos fanáticos del ballet, se adentran a una versión de Gisselle más modernizada, donde se establece la lucha de una mujer que no quiere soltar su mayor pasión, aún en la enfermedad.


Crítica Cinéfila: The In Between

Después de sobrevivir a un accidente automovilístico que le quitó la vida a su novio, una adolescente cree que él está intentando reconectarse con ella desde el más allá.




El espíritu de “Ghost” literalmente persiguen a “The In Between”, un romance sobre dos estudiantes de secundaria cuya historia de amor se interrumpe trágicamente; hasta el cartel del éxito de taquilla Demi Moore y Patrick Swayze aparece en un momento. Esta vez, los amantes desafortunados son adolescentes, Tessa (Joey King) y Skylar (Kyle Allen), que están involucrados en un accidente automovilístico en la primera escena de la película. Skyler muere y Tessa es hospitalizada con una lesión crítica en el corazón, un ejemplo del uso poco sutil de metáforas de "corazón roto" en la película.

Usando una línea de tiempo dividida, “The In Between” alterna entre el pasado, contando cómo Tessa y Skylar se enamoraron, y el presente, en el que Tessa, afligida, comienza a creer que su difunto novio está tratando de comunicarse con ella desde más allá de la tumba.

Los adolescentes se conocen en una proyección de reposición de la película de Jean-Jacques Beneix de 1986, "Betty Blue", en la que son las únicas dos personas en el teatro (la película se filmó durante la pandemia de COVID). Cuando Tessa se queja de que la película en francés no tiene subtítulos, Skylar se sienta a su lado y comienza a traducir cada línea del diálogo. Al final de la película, están tomados de la mano.

Tessa, una huérfana cautelosa y retraída que se mantiene distante de sus padres adoptivos, no confía fácilmente en las personas. Es una fotógrafa en ciernes que mantiene el mundo a raya a través de la lente de su cámara. Pero la desarma el chico apuesto y educado que habla tres idiomas, ha leído a Wharton y Austen y es miembro del equipo de remo de su escuela. También resulta ser un salvavidas, una encarnación viva del premio mayor de la lotería de novios.

Mientras tanto, en la actualidad, Tessa comienza a recibir mensajes que sugieren que Skylar está tratando de comunicarse con ella desde más allá de la tumba. Fotos misteriosas que nunca tomó se revelan y luego desaparecen en su cuarto oscuro. “Never Tear Us Apart” de INXS, una canción que a ella y a Skylar les encantaba, comienza a sonar en su teléfono celular durante la clase. En sueños, Skylar se le aparece y le dice: "Todavía estoy aquí". Pero, ¿qué quiere y cómo se comunicará Tessa con él?

"The In Between" fue escrita por Marc Klein ("Serendipity", "Mirror Mirror") y dirigida por Arie Posin ("The Face of Love") con una total falta de astucia que su audiencia de jóvenes adolescentes disfrutará. Los cineastas ocasionalmente toman decisiones desconcertantes, como una escena de sexo clasificada para menores de 13 años, pero aún así sorprendentemente fuera de lugar, considerando que este es el tipo de película en la que los fuegos artificiales estallan en el cielo cuando la pareja comparte su primer beso.

King, quien coprodujo la película y es mejor conocida por la trilogía "The Kissing Booth" de Netflix, y Allen, quien interpretó a uno de los Jets en "West Side Story" y luego se disfrazará de He-Man para una película de acción en vivo de “Masters of the Universe”, hacen una pareja atractiva, incluso si se ven más como estudiantes universitarios que como estudiantes de secundaria. La película está en su mejor momento durante las escenas retrospectivas que detallan su romance genuinamente tierno. Le va peor cuando están separados y habitan en diferentes reinos.

El final condescendiente de "The In Between" se siente como una trampa, un final dulce para lo que es esencialmente una tragedia agridulce, y contradice el epígrafe de David Foster Wallace que abre la película: "Toda historia de amor es una historia de fantasmas". La película también toma un tiempo excesivamente largo para llegar allí. Pero es difícil imaginar a su público objetivo quejándose de un forraje tan modesto y definitivamente olvidable.


martes, 12 de abril de 2022

Crítica Cinéfila: Alice

Una esclava escapa de su plantación aislada solo para descubrir una realidad impactante que se encuentra más allá de la línea de árboles.



Una aventura torpemente estructurada que tropieza bastante mal en lo que deberían ser sus escenas más emocionantes, Alice construye una fantasía de venganza de Blaxploitation a partir de relatos no especificados de estadounidenses reales que permanecieron esclavizados mucho después de la Guerra Civil. En un giro al estilo de Shyamalan, el personaje del título escapa de una plantación remota para encontrar que es 1973 en el resto de la Georgia posterior a la esclavitud, y luego se propone vengarse en contra de sus explotadores. La mezcla mareante de realismo y cumplimiento de deseos hará que la cabeza de muchos espectadores dé vueltas, o al menos se estremezca de decepción, en este debut bien intencionado pero poco prometedor.

Dado que ese giro es parte de los materiales promocionales, los espectadores pueden sorprenderse de lo tarde que ocurre. Más de un tercio de la película tiene lugar en lo que bien podría ser la década de 1840, y cuenta una historia conmovedora pero muy familiar. Alice (Keke Palmer), que se ha casado en secreto con Joseph (Gaius Charles), debe trabajar en la casa del dueño de la plantación Paul Bennett (un Jonny Lee Miller visual y auditivamente irreconocible), donde sus deberes no se limitan a limpiar.

Aunque el guión insinúa un poco extrañas maravillas más allá de los límites de esta propiedad, esta parte es una película que has visto muchas veces antes, repleta de castigos brutales, intentos de fuga y un dueño que vocifera y pregonea el cuidado que muestra a sus "domésticos", a un punto que te preguntas si realmente creerá sus tonterías. Joseph ha convencido a Alice para que escape con él, pero las circunstancias lo obligan a huir sin ella. Eso termina muy mal, y Alice, después de uno o dos intentos fallidos, logra dejar atrás a sus guardianes, emergiendo de los árboles cubiertos de musgo justo a tiempo para casi ser aplastada en una autopista de varios carriles.

Frank (Common) la recoge y, comprensiblemente, piensa que su desconcierto por su camión se debe a una lesión traumática en la cabeza. Él la lleva a un hospital, pero cuando se da cuenta de que van a poner a la presunta amnésica en un hospital psiquiátrico, la saca a escondidas y la lleva a su casa. Él la hace sentir lo más cómoda que puede, omitiendo cosas que espera refresquen su memoria, pero no logra descubrir la extraña verdad de su situación. Casi igual de extraño, la película nunca ofrecerá una escena en la que esa verdad le quede clara.

Tiene que ir a trabajar al día siguiente, dejándola sola con una enciclopedia y una guía telefónica. Y esta mujer conmocionada tarda aproximadamente 24 horas en aprender por sí misma todo lo que necesita saber sobre la Guerra Civil y el movimiento por los derechos civiles, y todos los demás detalles que necesitaría para caza a la ex esposa de su dueño para hacer arreglos de encontrarse con ella en un restaurante. Mientras está en eso, se da un cambio de imagen. También encuentra algunos recuerdos que revelan el pasado de Frank con las Panteras Negras, asegurándose de que él se una a su plan para liberar a sus amigos y familiares. Pero Frank no quiere nada de eso. Ha visto el precio que pagan los revolucionarios y tiene miedo. La actuación de Common aquí no es tan convincente como algunas que ha dado para directores más experimentados.

¿Qué es más difícil de creer: que este hombre claramente decente dudaría en ayudar a decenas de personas encarceladas, o que cree que ninguna entidad gubernamental querría poner fin a la esclavitud de los últimos días? Incluso en una era de asesinatos políticos y demonización abierta de los activistas, se garantizaría que tal cosa indignaría al menos a algunas personas que llevan una insignia.

En cualquier caso, después de asistir a una proyección de Coffy, Alice sale sola con pantalones de cuero y latas de gasolina para hacer su mejor imitación de Pam Grier.

Tan gratificante como es ver a esta mujer golpeada encontrarse primero con imágenes de célebres mujeres negras, luego causar estragos glamurosos en aquellos que le robaron la vida, la segunda mitad de Alice no ofrece ni de cerca lo que se requiere para permitirnos creer en este personaje. Quizás si a Alice le llevara una semana en lugar de un día dominar el mundo moderno o si Frank la llevara primero a una estación de policía, donde nadie creyera su historia, lo que requeriría que la pareja hiciera su propio plan, hubiese sido más funcional y, por lo tanto, más entretenido. Los éxitos de Blaxploitation de los años 70 tendían a valorar las posturas rudas por encima de la verosimilitud, pero incluso algunos de ellos sentaron bases más cuidadosas para su acción que Alice.


Crítica Cinéfila: Bridgerton, 2da Temporada

Esta segunda temporada -centrada en otros personajes- cuenta la historia de Lord Anthony Bridgerton, el hermano mayor de la familia, en su búsqueda de una esposa adecuada. Cuando parece imposible que conozca a alguna debutante que cumpla con sus estándares imposibles, Anthony conoce a las hermanas Sharma, Kate y Edwina, y empieza a cortejar a la segunda. Cuando Kate se da cuenta de que Anthony no busca casarse por amor verdadero, sino por perpetuar el apellido familiar, empieza a hacer todo lo posible para impedir la unión entre ambos.



La primera temporada de Bridgerton se sintió como una telenovela musical de Orgullo y Prejuicio... lo cual es un cumplido de parte de esta escritora. Con una configuración de relación más familiar a las comedias románticas que a la vida real y una combinación hábil de deseo apenas contenido y escenas de amor nivel Gossip Girl, no es de extrañar que la serie haya puesto nervioso a todos los que estamos suscritos en Netflix.

En comparación, la segunda temporada se siente un poco más vieja y sabia... hasta madura. Sus protagonistas son más sensatos esta vez (aunque igualmente obstinados en negar sus verdaderos sentimientos el uno por el otro) y sus preocupaciones son un poco más identificables, lo que lleva a un romance que es más profundo y estable. Pero es difícil no perderse, de vez en cuando, en el vértigo trascendente de aquella primera temporada.

Siguiendo la plantilla básica establecida por la serie de libros de Julia Quinn, el showrunner Chris Van Dusen prescinde principalmente de la pareja central de la primera temporada; Daphne de Phoebe Dynevor aparece en un rol secundario, mientras que Regé-Jean Page no aparece en absoluto, lo cual es una verdadera tragedia y punto en contra de esta temporada. En cambio, las atenciones de la serie se dirigen al siguiente Bridgerton en la línea para encontrar una compañera adecuada: el hermano mayor Anthony (Jonathan Bailey), un joven de 29 años cuya apariencia atractiva de familia respetable y título de vizconde lo convierten en una captura muy buscada pero que se negaba a lanzarse a esa búsqueda.

Decidido a conformarse con nada menos que la perfección, ya que, razona, eso es lo que exige el legado familiar, fija su mirada en Edwina Sharma (Chaithra Chandran), una recién llegada de rostro dulce considerada el "diamante" de este año (es decir, la soltera más codiciada) por la propia reina Charlotte (Golda Rosheuvel). Pero para llegar a ella, tendrá que ganarse la aprobación de la protectora hermana mayor de Edwina, Kate (Simone Ashley), quien no oculta su desprecio por su comportamiento pomposo e insensible. No hace falta ser un genio para olfatear el inevitable arco de enemigos a amantes a partir de ahí.

Entre los logros más impresionantes de la segunda temporada está que convierte a Anthony en un protagonista romántico digno, después de una primera temporada en la que se mostró como un machista impetuoso. Una historia de fondo desgarradora hace la mayor parte del trabajo pesado: es difícil no sentir pena por un chico después de haber visto a su padre morir en sus brazos en un flashback, y reformula su arrogancia como la cautela de un hombre ansioso que se lanza al liderazgo demasiado joven. La postura rígida y los ojos tristes de Bailey hacen el resto, convirtiendo a Anthony en una variación del amado arquetipo del Sr. Darcy, hasta una escena de camisa blanca le han agregado a la temporada.

La historia de Kate refleja la de Anthony. Ella también es la abnegada hija mayor de una madre viuda y planea resignarse a una vida de soltería en Bombay una vez que Edwina se case. (En uno de los guiños más elegantes de la serie a su diversidad en pantalla, los Sharma traen consigo tradiciones indúes como una ceremonia haldi previa a la boda, incluso cuando dominan las intrincadas reglas del mercado matrimonial de Londres). Quite los vestidos recargados, los modales cortesanos y las versiones pop de Vitamin String Quartet, y la idea central de dos personas cerradas que se unen por traumas pasados ​​compartidos podría ser la base de un drama de Sundance.

La química de Bailey y Ashley se siente, en general, más igualada que la de sus predecesores. La suya no es una conexión física instantánea, sino un encuentro de mentes, que se desarrolla a través de ingeniosas discusiones fuera de los salones de baile y una feroz competencia durante un amistoso juego familiar de pall-mall. Bridgerton siendo Bridgerton , esto eventualmente se traduce en una intensa tensión sexual. La pareja se vuelve tan ingeniosa en esos momentos donde casi se besan pero no del todo, que cuando finalmente se besaron, lo confundí brevemente con una secuencia de fantasía. Pero la desventaja de una conexión basada en algo más que una abrumadora lujuria mutua es que la segunda temporada de Bridgerton pierde gran parte (no hay otra forma de decirlo) de la excitación desenfrenada que hizo que la primera temporada fuera un placer de ver.

Con ocho episodios con un promedio de más de una hora cada uno, la segunda temporada de Bridgerton puede parecer más una maratón que una carrera divertida. Al igual que en la temporada pasada, las historias en torno al romance central demuestran ser una bolsa mixta. Penélope, revelada la temporada pasada como la columnista de chismes anónimos Lady Whistledown, sigue siendo uno de los personajes más simpáticos de la serie gracias a la brillante actuación de Nicola Coughlan, y la renovada determinación de la reina Charlotte de descubrir la verdadera identidad del escritor le da a la temporada una sacudida de intriga.

Por otro lado, Bridgerton todavía lucha con la cuestión de dónde colocar a todos los demás Bridgerton hasta que sea su turno de encontrar el amor en alguna temporada futura. Benedict (Luke Thompson) tiene una trama secundaria alimentada por las drogas sobre la escuela de arte que se siente como una excusa poco entusiasta para mostrar algunos torsos desnudos en la pantalla. Colin (Luke Newton) literalmente deambula por las fiestas preguntándose en voz alta cuál es su propósito. Y aunque la serie una vez más intenta inyectar cierta relevancia social moderna en el entorno elegante del siglo XIX, esta vez con una historia sobre Eloise (Claudia Jessie) que se hace amiga de un hombre (Calam Lynch) del lado equivocado de la ciudad, y, en consecuencia, verse obligada a contar con su privilegio: el manejo general de la clase y la raza de la serie sigue definiéndose más por las buenas intenciones que por la ejecución efectiva. Ahora, hay que apreciar y agradecer que han establecido muy que los romances de Regencia que agitan el pecho ya no se suponen que son competencia exclusiva de los blancos.

E independientemente de sus tropiezos en otras áreas, Bridgerton continúa clavándolo en el área que más cuenta: su romance central. Puede que Kate y Anthony no tengan la ardiente conexión carnal de Daphne y Simon en la primera temporada, pero su historia genera una picazón diferente, casi igualmente satisfactoria. El tiempo dirá para cuántos encuentros amorosos más los ejecutivos de Netflix tienen paciencia; aunque el material de origen de Quinn abarca ocho libros, uno para cada Bridgerton, no hay garantía de que Van Dusen siga el mismo modelo. Mientras tanto, la segunda temporada respalda la reputación que se ganó la primera temporada por ofrecer un romance fino.


jueves, 7 de abril de 2022

Crítica Cinéfila: The Marvelous Mrs. Maisel, 4ta Temporada

Es 1960 y el cambio está en el aire. Buscando pulir su actuación, Midge encuentra un bolo con libertad creativa total. Pero su compromiso a su arte y los lugares que la llevan, crea una grieta entre ella y sus familiares y amigos.



Hay muchas maneras en que un personaje ficticio puede crecer, y Amy Sherman-Palladino siempre ha parecido estar a favor de The Really Big Mistake. A ella le gusta que sus protagonistas se despierten en la cama con el hombre equivocado o rompan alguna ley semi-menor o hablen en voz alta algo que nunca se puede retractar, preparando a los personajes y al público por igual para que se cuestionen durante mucho tiempo y se enfrenten a las consecuencias.

A primera vista, The Marvelous Mrs. Maisel es un espectáculo sobre el ascenso al estrellato de Midge (Rachel Brosnahan), pero hasta ahora, la serie se ha centrado en la amenaza de que Midge podría terminar renunciando a sus sueños y volver a lo que ella siempre ha encontrado lo más cómodo. Aunque claramente le encanta ser el centro de atención en el escenario (y ha creado una gran base de admiradores en The Gaslight), la nueva vida de Midge aparte de su ex esposo Joel (Michael Zegen) ha sido difícil. No solo tiene que lidiar con el estigma social y las realidades económicas de su nueva vida como mujer soltera, sino que también tiene que lidiar con el hecho de que todavía está cautivada por los atavíos de su vida anterior, desde viajes amados al Catskills con sus padres hasta el hermoso departamento que ella y Joel compartieron una vez con sirvienta incluida. El deseo de recuperar las partes de su antigua vida que ama y encajarlas en una identidad nueva y más ambiciosa está en el corazón de la cuarta temporada, cuando Midge comienza a aceptar lentamente ser ella misma, en lugar de tratar de complacer a otras personas.

Cuando dejamos a Midge (Rachel Brosnahan) al final de la tercera temporada de The Marvelous Mrs. Maisel  a fines de 2019, parecía posicionada para algunos problemas y consecuencias. Midge acababa de perder su mayor oportunidad profesional, siendo despedida de la gira europea de Shy Baldwin después de un juego improvisado en el Apollo que llegó peligrosamente cerca de revelar la sexualidad del popular cantante. El error se sintió como el clímax de una temporada en la que Midge se movía lentamente fuera de su burbuja insular de riqueza de la década de 1950, preparándola a ella y a la historia para crecer en la tumultuosa década de 1960. 

Ya sea por la resistencia al cambio por parte de Midge o por parte de Sherman-Palladino, o por la determinación de volver a aclimatar a los espectadores lentamente en respuesta al largo descanso, los primeros episodios de la cuarta temporada son un paso atrás, o al menos un reinicio. Esa regresión no es necesariamente de mala calidad. Los dos primeros episodios de la muy esperada cuarta temporada de The Marvelous Mrs. Maisel recuerdan a los espectadores que el principal placer de ver la serie es que es extraordinariamente divertida. Cada entrada no es solo un espejo de delicias visuales antiguas, que incluyen ropa vintage y paisajes vibrantes, sino un flujo casi constante de bromas ingeniosas y diálogos rápidos, especialmente entre Midge y Susie (Alex Borstein). Cada episodio de 53 minutos parece pasar en un abrir y cerrar de ojos, incluso si queremos detenernos en cada hermoso paisaje de la ciudad de Nueva York por un momento más.

En la medida que avanzan, se convierten en un grito feminista de alto calibre, desde la misma voz chillona de Midge hasta la de sus demás personajes femeninos que, como bien lo resalta la misma protagonista en uno de sus actos, quizás las mujeres realmente fueron las que tuvieron el poder todo este tiempo.

Si bien la atención al detalle del programa es impresionante por su pura belleza, The Marvelous Mrs. Maisel también presenta una visión romántica de la identidad judía de mediados del siglo XX que, a veces, parece ser tanto un disfraz como el cabello vintage de Midge. En una mordaza de esta temporada, toda la familia grita y gesticula entre sí mientras están sentados en una rueda de la fortuna. Moishe (Kevin Pollak) grita cuando se entera de que Midge perdió su trabajo de comedia, mientras su esposa grita cuánto disfruta el pastel de embudo de Coney Island mientras Abe se queja de sus acompañantes del carro.

Esta confianza en la caricatura se produce cada vez más a expensas de una representación auténtica de la identidad judía. En una escena reveladora, algunos miembros de la familia de Midge la animan alegremente a fingir ser cristiana cuando creen que está viajando por Europa del Este, sin siquiera una pizca de tristeza o pérdida. Si bien la serie es demasiado esponjosa para una mirada más seria a los efectos del Holocausto, podría ofrecer una mirada mucho más matizada y compleja a la experiencia judía que no solo se basa en la comida gourmet de Nueva York.

The Marvelous Mrs. Maisel también continúa luchando por lograr el equilibrio adecuado entre centrarse en el viaje de Midge y seguir las vidas y experiencias de su familia extendida. Si bien la actuación siempre es impresionante y cada escena está filmada de manera impecable, pasar tanto tiempo enfocándose en la vida de los padres de Midge y sus ex suegros también es una distracción del arco central de Midge. En temporadas anteriores, los viajes a París y Catskills han sido diversiones deliciosas, pero la gran cantidad de tiempo de pantalla dedicado a este tipo de "misiones secundarias" también terminó por quitarle la oportunidad de ver a Midge crecer y cambiar a medida que construye su carrera de comedia.

La cuarta temporada tiene el potencial de brindar un mayor sentido de enfoque y propósito al centrarse en las formas en que los personajes están cambiando activamente, en lugar de repetir viejos patrones, desde la relación de Joel con la maravillosamente aguda y divertida Mei Lin (Stephanie Hsu) hasta la relación de Midge con Lenny Bruce, y su aumento de la sensación de confianza en ella misma. “Quiero ser yo cada vez que subo a ese escenario”, le dice Midge a Susie mientras se sientan juntas en la misma querida tienda de delicatessen donde Midge había expresado previamente una tímida emoción cuando comenzó a considerar una vida en el escenario. Midge ha crecido mucho desde su primera rutina de comedia de Yom Kippur, tanto que los espectadores podrían comenzar a preguntarse si la Sra. Maisel que los espectadores conocen y aman podría sentirse lista para usar un nombre artístico diferente.


miércoles, 6 de abril de 2022

Crítica Cinéfila: Morbius

El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio.



Después de su giro extrañamente caricaturesco en House of Gucci, es un alivio ver a Jared Leto canalizar su deseo por personajes transformadores en una película en la que literalmente hace eso, interpretando a la figura del título en Morbius, conocido como "The Living Vampire" en los cómics de Marvel. Leto se convierte en el brillante Dr. Michael Morbius, que ha pasado su vida buscando una cura para la rara enfermedad mortal de la sangre que lo aqueja, con el monstruo chupasangre en el que se convierte, lo que llena su alma de horror. Después de un comienzo prometedor, la película largamente postergada de Daniel Espinosa solo iguala de forma intermitente la intensidad de la actuación principal, pues el guión de Matt Sazama y Burk Sharpless se vuelve escaso en la historia, inhalando entrecortadamente arrebatos caóticos y enfrentamientos de acción que se construyen en una trama que minuciosamente presagiaba el enfrentamiento entre "hermanos". Lo peor es que esta película trata forzosamente de parecerse a una entrega repetitiva de Venom, pero sin el humor.

Un tenso prólogo tiene lugar en el Cerro de la Muerte, en las brumosas montañas de Costa Rica (¿por qué será que siempre lo sacan de un país latinoamericano?), donde Michael, frágil y demacrado, sale cojeando de un helicóptero con muletas hacia la boca de una cueva que alberga a miles de murciélagos vampiros. Mientras el piloto del helicóptero se preocupa por salir de allí antes de que oscurezca, Michael ve el cadáver de un animal medio devorado y observa con admiración que, aunque los murciélagos no pesan casi nada, pueden dominar a una criatura casi diez veces más grande que ellos. Sin previo aviso, se abre la mano para que sirva de cebo.

Corte a 25 años antes en Grecia, donde el joven Michael (Charlie Shotwell) está en una clínica bajo el cuidado del Dr. Nicholas (Jared Harris) cuando conoce al nuevo paciente Lucien (Joseph Esson), un niño británico de aproximadamente la misma edad y con el mismo trastorno de la sangre. Se unen instantáneamente, Michael le da a su nuevo amigo el apodo de Milo y se comparan con los espartanos: "Somos pocos contra muchos", frase que se convierte en la única razón semidiscernible para que esta parte tenga lugar en Grecia... eso e introducir brevemente a los personajes.

De vuelta en el presente de la historia en Nueva York, Michael se ha convertido en un médico de renombre, que sorprende a su colega de confianza, la Dra. Martine Bancroft (Adria Arjona), cuando rechaza el Premio Nobel por su desarrollo de sangre artificial. Ese es solo el comienzo de su trabajo, explica Michael, que es donde entra en juego el "acuario", en realidad una enorme cámara de vidrio cilíndrica vertical, llena de murciélagos traídos a casa desde Costa Rica.

Tanto Michael como Milo (Matt Smith) continúan siendo tratados por la figura del mentor extrañamente eterno del Dr. Nicholas. Mientras tanto, Milo ha heredado una fortuna, por lo que está financiando la experimentación de laboratorio de Michael mientras absorbe con avidez toda la vida que puede en su penthouse y su cuerpo continúa deteriorándose.

Dado que el procedimiento de mezclar ADN humano y de murciélago se considera poco ético e ilegal, la primera prueba debe realizarse en aguas internacionales frente a la costa este, en un barco de carga tripulado por mercenarios sospechosos. Martine inyecta el suero en la columna vertebral de Michael, y aunque no somos testigos de la transformación real, definitivamente vemos que el resultado final entra en acción, lo cual es una mala noticia para el equipo.

La ventaja es que le da a Michael destreza atlética, fuerza sobrehumana y un radar sonoro excepcional. Ah... y habilidades de trampolín que pronto se transforman en el poder de volar. La desventaja son los espeluznantes ojos de murciélago, una manicura retorcida, colmillos y una sed de sangre humana que debe saciarse cada vez que el suero desaparece, cada seis horas.

A partir de ahí, la película es básicamente Michael luchando con su conciencia, prometiendo que lo que sucedió en el barco nunca volverá a suceder, mientras que los agentes del FBI Stroud (Tyrese Gibson) y Ramírez (Al Madrigal) investigan la serie de muertes violentas que comienzan allí con cadáveres misteriosamente desangrados y se van extendiendo a la ciudad.

El recuento de cadáveres estaba destinado a seguir subiendo cuando Milo puso sus manos en el suero y revela sus sentimientos menos escrúpulos sobre su nueva bebida favorita. “Todas nuestras vidas hemos vivido con la muerte colgando sobre nosotros”, le dice a Michael. "¿Por qué no deberían saber lo que se siente para variar?" Además, la transformación de la cara de murciélago de Milo hace maravillas para los pómulos de cristal tallado de Smith. Pero las diferentes opiniones de Michael y Milo enfrentarán a hermano contra hermano, con Martine en riesgo en el medio.

Mientras que el director de fotografía Oliver Wood filma la mayor parte de la acción con la lúgubre paleta que se ha convertido en estándar para este extremo del espectro de Marvel, hace un uso atmosférico de los subterráneos y espacios subterráneos de Nueva York en varias escenas. La partitura atronadora de Jon Ekstrand, con sus elementos de percusión palpitantes, también aumentan la energía, incluso cuando la trama se desliza hacia ritmos repetitivos.

El aspecto recibe un impulso gracias a la visualización del equipo de efectos visuales con las ondas de sonido recibidas por Michael y Milo cada vez que están en modo vampírico, rebotando en personas, objetos y edificios en su camino. Sus rápidos movimientos también son seguidos por una capa de color; eso nunca se explica realmente, aunque admito que se ve genial. Sus transformaciones faciales son completamente digitales, realizadas sin prótesis, entre el fotorrealismo y los cómics. Lo cual, le suma puntos a la parte técnica.

Pero al igual que muchas películas basadas en cómics, gran parte de Morbius parece ser la base para una narración más compleja por venir, y especialmente para los capítulos cruzados, uno de los cuales se desarrolla en dos secuencias de crédito medio que involucran a un personaje (y estrella) visto anteriormente en Spider-Man: De regreso a casa.

Es una pena que esta película se tome a sí misma demasiado en serio para divertirse un poco más con el caos como lo logró Venom, a pesar del potencial del giro diabólico de Smith para una interacción divertida entre los antagonistas. Arjona se comporta con confianza, pero su personaje también se pierde en la carnicería; quizás el romance de última hora entre Martine y Michael adquiera más fuerza en la próxima ronda. Leto sin duda genera una tormenta detrás de su velo de cabello de estrella de rock, sin embargo, la película ofrece muy poco para distinguirla del paquete de Marvel de segundo nivel (¿o vamos por el tercero?), convirtiéndose en más de lo mismo.