Crítica Cinéfila: Fantastic Beasts - The Secrets of Dumbledore

El profesor Albus Dumbledore (Jude Law) sabe que el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) está haciendo planes para apoderarse del mundo mágico. Incapaz de detenerlo él solo, confía en el Magizoólogo Newt Scamander (Eddie Redmayne) para dirigir un intrépido equipo de magos, brujas y un valiente panadero Muggle en una misión peligrosa, donde se encuentran con antiguos y nuevos animales y se enfrentan a una legión cada vez más numerosa de seguidores de Grindelwald.

¿Recuerdas por el año 2000, antes de que se estrenara la primera película de "Harry Potter"? La cuarta novela de la saga se estaba estrenando, y fue un punto más a favor de toda esta franquicia para que miles  de fanáticos hicieran fila en las librerías de todo el país con días de anticipación. Con 734 páginas, "Harry Potter y el cáliz de fuego" era un monstruo: el libro más grande que muchos jóvenes fanáticos jamás habían contemplado leer. Superarlo requirió esfuerzo, aunque del tipo que trajo recompensas profundas e inmediatas a aquellos hechizados por la realidad paralela que Rowling nos había creado, una en la que los magos coexistían con el resto de nosotros, los muggles desafortunados.

Bueno, aquí estamos, tres películas de la intrincada saga de precuelas en la pantalla grande de Rowling, y la serie una vez más se siente como un trabajo, solo que esta vez, los placeres resultantes impactarán al público de manera muy diferente, dependiendo de su nivel de dedicación a la franquicia. “Animales Fantásticos: Los Secretos de Dumbledore” está profundamente apegada en la mitología del Mundo Mágico de Rowling, y rara vez se detiene lo suficiente como para explicar los hechizos mágicos o las estrategias utilizadas por sus personajes. Sin duda, eso molestará a los espectadores nuevos. Pero los devotos probablemente adorarán las revelaciones que les esperan, incluido un compromiso más profundo con la trágica historia de amor entre el amado director de Hogwarts, Albus Dumbledore (Jude Law) y el mago que decidió ajustar cuentas con los muggles.

Johnny Depp está fuera, pero su personaje, Gellert Grindelwald, se ha vuelto más poderoso que nunca. Ahora interpretado por Mads Mikkelsen (sin abordar el interruptor) en una vena más realista y menos amenazadora, Grindelwald está decidido a instigar una guerra mundial casi al mismo tiempo que cierto nazi fue elegido canciller de Alemania. 

Después de hacer tanto para dar consistencia y credibilidad a la visión de Rowling en el transcurso de cuatro películas de "Harry Potter" y un spin-off exagerado, el director David Yates tocó un punto bajo inesperado con la segunda entrega, "Los crímenes de Grindelwald", una ajetreada y desconcertante película que parecía más interesada en mostrar todo tipo de trucos generados por computadora que en contar una historia elegante y atractiva. Si bien "Los secretos de Dumbledore" no adopta exactamente la simplicidad en su guión, afortunadamente la ejecución demuestra ser mucho más fácil de seguir.

A diferencia de las películas de "Harry Potter", que ponen el destino de la humanidad en manos de tres niños, el ciclo de "Animales Fantásticos" trata principalmente de magos adultos en el mundo más amplio de principios del siglo XX. Al principio, Yates aprovechó esta oportunidad para demostrar de lo que son capaces los practicantes de magia maduros: sus habilidades seguramente deberían ser espectaculares, incluso si era difícil no sentirse abrumado al ver suceder cosas imposibles. Sin embargo, cuando Rowling proyectó toda su creatividad en la pantalla, dejó poco espacio para que el público usara su propia imaginación, privándonos de lo mejor de sus libros.

Obtuvimos personajes que cambiaban de forma constantemente y otros que podían atravesar paredes o teletransportarse a través de países; las explosiones casi destruyeron ciudades enteras, mientras que las técnicas defensivas protegieron a ciertos magos de ser heridos. Incluso hubo un hechizo que borró en masa las mentes de los testigos, dando a los cineastas la licencia para causar el caos que quisieran, mientras animales ficticios que se portaban mal se volvían locos, y un miserable e increíblemente peligroso "huérfano" llamado Credence causaba problemas cada vez que perdía el control de sí mismo.

Como un joven Luke Skywalker, Credence se encontró dividido entre las fuerzas del bien y del mal mientras intentaba investigar el misterio de sus orígenes. El giro final de "Los crímenes de Grindelwald" hacía referencia a un ave bebé que Credence había adoptado, que repentinamente se transformó de una cría de apariencia inofensiva a un fénix, una criatura conocida por acudir en ayuda de los miembros del clan Dumbledore en tiempos de necesidad. Tres años más tarde, "Los secretos de Dumbledore" finalmente revela la naturaleza de la conexión de Credence con esta familia, lo que hace que su lealtad vacile entre Grindelwald y Albus.

Da la casualidad de que esos dos líderes en competencia alguna vez estuvieron bastante cerca. Mirando el Espejo de Oesed, Dumbledore se describió a sí mismo y a Grindelwald como "más que hermanos", y recordó que formaron un pacto de sangre años antes. Debido a esta conexión, no muy diferente a la que forjará un ataque violento entre Harry y Voldemort, ni Dumbledore ni Grindelwald pueden siquiera pensar en lastimar al otro sin poner en peligro su propia vida. Una y otra vez, generalmente en el mejor de los casos, el amor anula la razón en estas películas.

Un colgante protector del pacto encantado complica el enfrentamiento que cualquiera puede ver venir. Para detener la toma de poder de Grindelwald, Dumbledore tendrá que depender de representantes, entre ellos nuestro favorito Newt Scamander, el magizoólogo adorablemente torpe encarnado por Eddie Redmayne en las dos primeras películas de “Animales Fantásticos”. Grindelwald está bloqueado de manera similar, pero tiene una ventaja, ya que usa una criatura dragón-ciervo rara y muy venerada llamada qilin para ver el futuro. (El trato brutal del personaje a esta especie noble y aparentemente indefensa es increíblemente difícil de ver, incluso si el animal en realidad no existe).

Las profecías no son nada nuevo en la narración de historias de Rowling, aunque aquí tenemos el detalle adicional de que Grindelwald solo ve fragmentos de lo que está por venir y, por lo tanto, puede ser burlado por la "contravisión", una táctica de hacer cosas deliberadamente engañosas para confundirlo mientras se mantienen en secreto las intenciones reales hasta el último momento. Este es un plan divertido, aunque absurdo, y que, sin embargo, gana puntos por su originalidad. Hay momentos igual de divertidos, como el rescate del hermano de Newt que requiere un baile casi egipcio para mantener a unos animales de su lado; otros llenos de nostalgia, cuando nos encontramos con los hermanos de Dumbledore; y algunos románticos, como el reencuentro de Jacob con Queenie, o el de Newt con Tina.

Tres quintas partes del camino a través de esta serie, la sobrecarga de encanto es claramente la estética acordada, ya que Rowling y Kloves nuevamente presentan una trama que es considerablemente más complicada de lo que debe ser. Tome la tarea encomendada a la asistente enamorada de Newt, Bunty Broadacre (Victoria Yeates), quien encarga media docena de copias idénticas del maletín de cuero de su jefe, para ocultar cuál contiene el qilin durante la escena culminante. No es probable que este esquema engañe a alguien que puede ver el futuro. De hecho, si alguien está confundido por la artimaña elaboradamente coreografiada, somos nosotros, la audiencia.

Esa parece ser la estrategia clave de las películas de "Animales Fantásticos", que, por cierto, también sirve para lo que pasa por magia en el mundo real: distraer a la audiencia, para que no vean el truco y, por lo tanto, se engañen para que crean cosas como se presentan. Sin embargo, en algún punto del camino, esta franquicia dejó de ser divertida. Si las ocho películas de "Harry Potter" nos dejaron con ganas de inscribirnos en la misma escuela, la serie de "Animales Fantásticos" hace que el mundo de los magos parezca opresivo, al borde de una segunda Segunda Guerra Mundial, una que presumiblemente se evitará en las próximas películas, y que la esfera no mágica tiene pocas posibilidades de ganar si Grindelwald alguna vez se sale con la suya.

Aún así, hay algo que decir sobre la forma en que la visión de Rowling abarca varias películas, cómo cada entrega se siente como ver la última temporada de una prestigiosa serie de HBO. Ninguna otra serie de películas funciona en arcos de entregas múltiples tan intrincados, plantando detalles que casi seguramente valdrán la pena en los próximos capítulos. Sobre la base de lo que Peter Jackson hizo con la trilogía de "El señor de los anillos", Rowling y Warner Bros ampliaron radicalmente la forma en que el cine podría usarse para contar historias serializadas, y con "Animales fantásticos", continúan innovando, dándole preferencia narrativa a los más fieles de la saga, que aún nos engranojamos cuando escuchamos la banda sonora de John Williams, y que la saga aún mantiene un dominio casi religioso sobre sus seguidores.

Crítica Cinéfila: Suicide Squad

Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

"Suicide Squad” es una diversión astutamente accidentada y de mala reputación. Y aunque amo Guardianes de la Galaxia de James Gunn, no puedo decir que me emocioné de saber que dirigiría esta película. El hecho de que Gunn, en 2018, fue retirado de proyectos por bromas de mal gusto que había twitteado una década antes sobre temas como agresión sexual, SIDA, pedofilia y el Holocausto, significaba quizás que mientras salía de un lugar, otro lo acogía. Se salvó al conseguir el proyecto para dirigir "The Suicide Squad". 

Es en un mundo de remakes y reinicios y reciclado lo que sea, "The Suicide Squad" es algo raro: una repetición. En 2016, "Suicide Squad" se lanzó bajo la bandera de DC y se convirtió en un gran éxito, pero fue un desastre visiblemente descuidado, a medio cocer cubierto de "mala actitud" que llevaba demasiado spray corporal. Tenía un tono muy corporativo: sonriente y vistoso acerca de su propia extravagancia.

Esta 2da película de “The Suicide Squad” lo hace mejor, perfeccionando esa actitud pícara a un borde de indignación mucho más elegante. Es una historia de origen de un equipo de desaliñados que se siente honestamente sumergida en el inframundo de la subcultura punk, y toma por toma, está hecha con un ingenio que hace honor al género de Ghostbusters. En esta película, que Gunn escribió y dirigió, su mente aparece como un lugar feliz de bromas enfermizas de baja escala, no tan salvaje como el tipo de cosas que obtuvieron en "Deadpool" o las partes más extravagantes de "The Dark Knight", pero impulsado por un vigorizante abrazo atemporal. La película es, entre otras cosas, una comedia salpicada de sensacionalismo depravado, con cabezas y cuerpos arrancados, cortados y reducidos a la carne equivalente al trabajo de celosía. Y además de eso, hay muchas ratas.

Dejando de lado el marketing, la forma en que entra en juego el escándalo de James Gunn en “The Suicide Squad” es más incendiaria y atmosférica de lo que cabría esperar. Con "Guardianes de la Galaxia", Gunn se convirtió en uno de los cineastas más poderosos de Hollywood: no solo otro rey de las taquilleras, sino algo que no ves todos los días. Su caída, en 2018, fue potencialmente catastrófica. Y debido a que Gunn es un tipo humano que se adueñó plenamente de los errores que había cometido, no solo tuvo una segunda oportunidad; tuvo la oportunidad de hacer un balance. Por un tiempo, estuvo en el desierto, y creo que sientes ese miedo de tocar fondo en "The Suicide Squad". Es una película sobre un grupo desesperado de criminales que intentan salvar el mundo, pero el mundo en el que viven es uno en el que la vida misma es totalmente desechable.

Todo esto está plasmado en la elaborada broma oscura de la secuencia de apertura de la película. Mientras se despliega "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, Viola Davis, como la directora dura de ARGUS Amanda Walla, llama a un asesino llamado Savant (Michael Rooker) en la prisión de Belle Reve para unirse a su último escuadrón suicida, más propiamente conocido como Task Force X: un equipo de estafadores violentos que reúne para misiones que probablemente resultarán muertos. Si una misión tiene éxito, se les recorta 10 años de su sentencia.

Savant termina en un avión con media docena de otros rufianes, que son entregados a una playa tropical en medio de la noche, donde uno del equipo, interpretado por Pete Davidson, los ha vendido y, efectivamente, terminan ametrallados por los disparos, tan muertos como los soldados en la playa de Omaha. Nuestros "héroes" ya han sido eliminados, lo que le permite a Gunn crear una secuencia de créditos asesina. Lo que hace que esto sea más que una broma descarada de inicio en falso es la forma en que establece el tono de nihilismo de la película. El "escuadrón suicida", tal como se presenta, no es un equipo icónico de superhéroes; es un cubo de basura infinitamente reemplazable de personajes: el equipo de superhéroes como picadera de entrada. Son prescindibles. Cuando nos encontremos con el equipo de errores homicidas que reemplaza al primero, estos serán nuestros héroes, pero somos conscientes, como lo son, de los grandes obstáculos que enfrentarán.

Gunn los reúne como una versión sinvergüenza de los Guardianes. Como Bloodsport, un mercenario con un complejo conjunto de armas que solo él puede usar (y una hija adolescente que lo odia), con la interpretación de Idris Elba quien toma un tiempo para enfocarse, pero asciende en autoridad a medida que avanza la película; su carisma se filtra en muerte por muerte, menosprecio por desprecio. John Cena está perfectamente elegido para interpretar a Peacemaker, un fortachón que viste un traje de Capitán América modificado y coronado por lo que parece un casco de metal de juguete (que Bloodsport, en un momento, compara con un inodoro), y dice cosas como: “Aprecio la paz con todo mi corazón. Y no me importa cuántos hombres, mujeres y niños tenga que matar para conseguirlo". Está King Shark, una especie de tiburón/humano pero con un cerebro muy reducido, junto con Ratcatcher (Daniela Melchior), que puede controlar a cualquier rata en medio, lo que asusta al Bloodsport quien tiene una fobia a las ratas.

Lo más parecido aquí a un superhéroe real es Polka-Dot Man (David Dastmalchian), aunque es uno profundamente deformado. Debido a un experimento que le realizó su madre científica quien trabajaba en Stars Lab (guiño a Flash), se llena de discos multicolores que tiene que expulsar como Tiddly Winks dos veces al día, y son letales. También es un naufragio edípico que, en su cabeza, convierte a cada persona que ve en su madre para matarla. Es una gran broma cuando Gunn visualiza esto, porque la madre (Lynne Ashe) parece el tipo de opresor Munchausen de clase media monótona que es peor que cualquier bruja.

Y luego, por supuesto, está Harley Quinn, la estrella emergente de “Suicide Squad”. Ella es la única miembro del Escuadrón que regresa aquí, y la deliciosa actuación de Margot Robbie te recuerda por qué sucedió todo eso. Su Harley sigue siendo una loca muñeca de Brooklyn que vive tanto en el momento que ve lo que está justo frente a ella a expensas de ver cualquier otra cosa. Robbie le da el carisma de los verdaderamente desquiciados: un pulso de duelo de espacios abiertos y racistas, inocencia y posesión. Su escape de una celda de mazmorra, usando piernas de tijera y dedos prensiles, es la secuencia más entretenida y potente de toda la película.

La trama de "The Suicide Squad" es descaradamente básica, y hay una limitación incorporada en eso. Durante su primera hora, la película se basa en el estilo punk de Gunn, pero carece de la fascinante complejidad de algo como "La Liga de la Justicia" de Zack Snyder. El Task Force X vuelve a ser arrojado a esa playa de medianoche, que es la nación insular de Corto Maltés frente a la costa de América del Sur. Ha habido un golpe militar allí, lo que significa que los generales corruptos ahora tienen el control de Jotunheim, una torre de prisión de piedra construida por los nazis, que realizaron experimentos demoníacos allí. El lugar ahora alberga el Proyecto Starfish, un experimento de dominación mundial que consiste en una estrella de mar gigantesca con un ojo gigante en el medio que envía un montón de estrellas de mar más pequeñas que se adhieren a los rostros de las personas como la criatura de “Alien”. Exacto, eso mismo que entendieron.

En el momento en el que nuestros héroes se infiltran en Jotunheim para revestirlo con explosivos plásticos, "The Suicide Squad" cobra vida. Hay una alegría destructiva en la puesta en escena. La película tiene una mente maestra vivaz, tiene una visión saludable de la hipocresía de doble tratos de la política exterior estadounidense, y cuando la estrella de mar gigante escapa, se une a las filas de aquellos espectáculos pero con su nivel de lo absurdo, en las que el enorme monstruo que llena la pantalla parece una criatura dulce, el niño que todos llevamos dentro. “The Suicide Squad”, no se equivoca, es un material que entretiene aún en sus momentos absurdos y exagerados. James Gunn lo ha dirigido como un chico malo, pero ese era su mandato. Al cumplirlo, ha demostrado ser un buen chico (razón por la cual Disney lo volvió a contratar para hacer “Guardians of the Galaxy Vol. 3”). Y hay que admitir que solo él sabe sumergirse en desastres colosales revividos con estilo.

Crítica Cinéfila: Wonder Woman 1984

En 1984, durante la Guerra Fría, Diana entra en conflicto con dos enemigos formidables: el empresario de los medios Maxwell Lord y la amiga convertida en enemiga Barbara Minerva / Cheetah, mientras se reúne con su interés amoroso Steve Trevor.

Durante los últimos nueve meses, desde que una pandemia viral arrasó el planeta y forzó el cierre de la civilización tal como la conocemos, hemos estado leyendo sobre cómo esta o aquella película es "la película que necesitamos en este momento". Las películas no resuelven las crisis de salud global, pero pueden distraernos e inspirarnos. Pueden unirnos cuando estamos separados y curar las divisiones que definen nuestros tiempos.

Supongo que "Wonder Woman 1984" puede lograr algunas de esas cosas, pero sobre todo nos recuerda lo mal que podríamos usar un superpoder en este momento, como una fantasía para regresar el tiempo y arreglar la situación, y en ese sentido, es a la vez una distracción efervescente del arte pop y una gran decepción. Esta definitivamente no es la Wonder Woman del 2017.

Durante casi dos horas de su duración de 151 minutos, “Wonder Woman 1984” nos aleja por momentos de nuestras preocupaciones, borrándolas con puro escapismo. Para aquellos que tienen la edad suficiente para recordar los años 80, es como ir a casa por Navidad y descubrir una caja llena de juguetes de la infancia en el ático de tus padres. Así es como se sintió al ver "Superman" de Richard Donner por primera vez. Incluso si los años 80 te parecen tan distantes como el escenario de la Primera Guerra Mundial de la primera película de la heroína que hizo historia hace 3 años, la secuela ofrece un recorrido divertido a través de las décadas más vulgares, cuando las hombreras y el cabello con permanente estaban de moda. Sin embargo, e insisto, es incomparable a su primera entrada.

En la historia del origen, Gal Gadot interpreta a un pez fuera del agua, mientras la princesa/diosa amazona Diana Prince se ve empujada a la Europa devastada por la guerra, en 1918, haciendo todo lo posible para adaptarse a las convenciones de un patriarcado menos ilustrado, con la ayuda del piloto de estudios Steve Trevor (Chris Pine). Esta vez, es el turno de Steve de sentirse desincronizado con la sociedad, ya que Diana pide un deseo que resucita a su amor perdido. En el medio, Zack Snyder hizo una ruidosa película actual de "La Liga de la Justicia", pero Jenkins tenía un mejor manejo de lo que el público quiere de la divina Miss Diana. Hasta que hizo "Wonder Woman 1984".

Adoptando tanto su escenario icónico de Washington, DC, como el estilo de cómic ligeramente cursi de la época, Jenkins presenta escenas en las que Wonder Woman interviene en las crisis cotidianas, salvando a un corredor que usa Walkman de ser atropellado por un Pontiac Firebird o rescatando a dos niñas durante un atraco de joyas en un centro comercial. Ese robo resulta en la recuperación de Dreamstone, un antiguo artefacto citrino con poderes mágicos. La gema puede conceder el deseo de cualquiera que la toque. Pero también viene con una trampa: toma tanto como da. Los personajes se apresuran a hacer referencia a "The Monkey's Paw", el cuento clásico de WW Jacobs en el que los deseos tienen consecuencias, pero eso no es suficiente para explicar las complicadas reglas del tótem.

Después de tocar la piedra, Diana recupera a su novio, pero va a tener problemas. A menos que ella renuncie a él, el deseo eventualmente le costará a Wonder Woman sus poderes. Su torpe compañera de trabajo en el Museo Smithsonian, Barbara Minerva (Kristen Wiig), pide ser tan fuerte, sexy, genial y especial como Diana, pero pierde sus cualidades cariñosamente groseras, indeseables, pasadas de moda y sin complicaciones. Más tarde, Barbara tendrá un segundo deseo - convertirse en "un depredador ápice" - que transforma a Wiig en el Cheetah, una criatura que es menos Catwoman.

En los cómics, Cheetah casi siempre se dibuja como una mujer desnuda con manchas estratégicamente colocadas, un objeto fetiche fanboy. Wiig posee las versiones del antes y el después de Barbara, pero no esta versión final del personaje. Con su pelaje virtual y su físico decididamente más felino, esta guepardo no es ni feroz ni rival para Wonder Woman. Por otra parte, en el momento en que estos dos enemigos se enfrentan, la película hace tiempo que dejó de ser divertida. Esta secuela se sale de control una vez que los villanos obtienen todo su poder, pasando de una comedia atractiva basada en personajes a una superbatalla llena de CGI para concluir con un discurso que parece cambiar el mundo con tan solo ser pronunciado.

Jenkins es una cineasta de enorme talento a la que el estudio le dio una oportunidad, algo que rara vez se cuestiona cuando se le confiere a los hombres, y demuestra este don al nunca dejar que el espectáculo ahogue las actuaciones. A diferencia de muchos de los protagonistas de DC, la innegablemente e increíble Gadot hace que las cualidades de Wonder Woman parezcan identificables y, por lo tanto, dignas de aspirar a ellas. Por mucho que Wakanda represente una tierra libre de las restricciones de la supremacía blanca en "Black Panther", Diana Prince representa lo que cualquier mujer podría lograr, si se eleva fuera del patriarcado.

Oportunamente, la película comienza en la isla de Themyscira, donde la joven Diana compite junto a mujeres adultas (maravillosas) en un emocionante triatlón, un cruce mejor visto en la pantalla grande entre los Juegos del Hambre y un partido de Quidditch en el que la precoz Diana logra tomar la iniciativa. El mensaje aquí no es simplemente que las mujeres son iguales o mejores que sus contrapartes masculinas, sino que la sociedad también subestima a los niños. A partir de este prólogo empoderador, "Wonder Woman 1984" quiere que las niñas sepan que el cielo es el límite de sus habilidades, con una advertencia clave: "Ningún héroe verdadero nace de la mentira", explica la tía Antiope (Robin Wright).

Esa idea no está dirigida tanto a los niños como a las audiencias contemporáneas. La película tiene fuertes opiniones sobre los vendedores ambulantes y villanos claramente malvados. Su traficante de codicia al estilo de Gordon Gekko, Max Lord (interpretado por el chileno "Juego de Tronos" Pedro Pascal) insiste que es solo una personalidad de televisión respetada. Desde que “Joker” reformuló al empresario multimillonario (y padre de Batman) Thomas Wayne como un oportunista de mal gusto, este proyecto de DC hizo una referencia poco sutil a Donald Trump.

No olvidemos que el verdadero villano aquí, el supervillano invisible de la película, es el "Dios de las mentiras", cuya peligrosa Piedra de los sueños "concede deseos con un truco". Max Lord no es más que un instrumento de los esquemas de destrucción de civilización de la deidad tortuosa, en el que se convierte al asumir todo el poder de Dreamstone para conceder deseos y, presumiblemente, para tomar lo que quiera a cambio, aunque la película es tremendamente inconsistente y poco clara en cómo funciona eso. Jenkins, quien comparte el crédito del guión con Geoff Johns y Dave Callaham, probablemente debería haberse mantenido alejado de un dispositivo que pueda satisfacer los deseos más profundos de todos, o debió otorgarnos una verdadera confrontación con el Dios de las mentiras.

Los momentos más satisfactorios de la película tienen poco que ver con el conflicto central, que surge en cambio del descubrimiento y la implementación indirecta de los poderes de Diana. Los fanáticos de los cómics se han preguntado durante mucho tiempo: "Si Wonder Woman puede volar, ¿por qué necesita un jet invisible?" Jenkins pone fin a este debate a su manera, tomando una página de "Superman" de Donner mientras Steve y Wonder Woman comparten un paseo romántico desde un cielo iluminado por fuegos artificiales. Una hora después, la directora literalmente le da alas a su héroe: un cambio de armadura chapado en oro que se ve mejor en la campaña publicitaria que en la pantalla.

Muchos de los efectos y momentos narrativos son cursis. Algunos son francamente vergonzosos (como cuando Wonder Woman interrumpe una persecución en el desierto bien coreografiada para rescatar a dos niños en peligro). Y el gran final es un fracaso, ya que el villano secuestra la tecnología de transmisión global de un presidente al estilo Reagan para conceder los deseos de todos y Jenkins intenta exprimir esa idea en unos pocos minutos apresurados de tiempo en pantalla con un discurso sumamente estereotipado de ilusiones fantasiosas.

El género de superhéroes siempre se ha tratado de la realización de deseos, pero cuando llega el clímax y toda la población humana tiene la oportunidad de realizar sus fantasías, ya nada parece especial. A medida que los deseos se acumulan y el mundo cae en el caos, "Wonder Woman 1984" pierde el rumbo, y aunque el final no es lo suficientemente malo como para renunciar a la satisfacción de lo que vino antes, es suficiente para cambiar nuestro enfoque de nuevo a nuestro propio mundo real. Lo que necesitamos en este momento no lo puede proporcionar esta película, pero tal vez inspire a alguien a hacer otra versión.

Crítica Cinéfila: Scoob!

Scooby y la pandilla enfrentan su misterio más complicado: un complot para liberar al perro fantasma Cerbero contra el mundo. Mientras corren para detener el apocalipsis perruno, el grupo descubre que Scooby tiene un épico destino que nadie sospechó nunca.

Poco más de 50 años después de su debut en la televisión del sábado por la mañana en Scooby-Doo, Where Are You!, los cuatro detectives adolescentes de Mystery Inc. y su compañero canino gran danés regresan con otra misión llena de acción para combatir el crimen. Scoob!, recientemente renovado con animación digital, reinicia la propiedad venerable al expandir su universo cinematográfico, uniendo una variedad de caricaturas de la extensa biblioteca Hanna-Barbera, ahora propiedad de Warner Bros.

La decisión del estudio de cambiar el lanzamiento de la película de los cines con pandemia cerrada a video premium puede representar en parte una estrategia para capitalizar el deseo del público confinado en el hogar de nuevos contenidos con una franquicia familiar. Cualquiera que sea el cálculo, Scoob! ofrece una distracción atractiva para las familias que todavía están atrapadas en el hogar (aunque algunas de las escenas pueden ser un poco intensas para los más pequeños), incluso cuando plantea otra prueba para la resistencia de las ventanas teatrales.

Después de innumerables episodios de dibujos animados, casi tres docenas de películas directas en DVD y dos películas de acción en vivo, los orígenes de la amistad entre el comelón Norville "Shaggy" Rogers (Will Forte) y su mejor amigo canino Scooby-Doo (Frank Welker) pueden haberse vuelto un poco confusos. De modo que este último reinicio ofrece una breve recapitulación, retrocediendo cuando el cachorro perdido Scooby apenas escapa de un roce con la ley después de robar comida de un café de Venice Beach, California.

Afortunadamente, encuentra al joven Shaggy, lo que desencadena una amistad de por vida basada en gran parte en su apetito compartido sin fondo. Un encuentro de Halloween más tarde esa noche con Fred (Zac Efron), Daphne (Amanda Seyfried) y Velma (Gina Rodríguez) presenta a los amigos recién unidos la emoción de la investigación después de descubrir una casa supuestamente embrujada que es solo el frente de un ladrón del vecindario (director Tony Cervone en un breve cameo). Su éxito inicial motiva a los niños a crear Mystery Inc. y lanzar sus carreras como detectives aficionados.

Las breves escenas iniciales enseñan una especie de retroceso a algunos de sus casos más populares, las primeras caricaturas de Hanna-Barbera Scooby-Doo, que a menudo presentan a los niños como investigadores paranormales, luego de sus improbables hazañas que desacreditan una variedad de engaños sobrenaturales perpetrados por delincuentes menores. Gran parte de la comedia era situacional, derivada de estas circunstancias a menudo tensas, así como los rasgos de personalidad específicos del equipo: la respuesta confiablemente cobarde de Shaggy y Scooby a cualquier amenaza percibida, los pasos en falso al peligro de Daphne o el análisis demasiado intelectual de Velma sobre sus adversarios. Sin embargo, en episodios posteriores, las historias se centraron cada vez más en apuestas más altas y villanos más amenazantes, confiando en gran medida en el humor verbal en lugar del físico para conducir la trama.

Scoob! se ajusta a este último patrón, que rápidamente se hace evidente a medida que los miembros de Mystery Inc. se reúnen para considerar convertirse en profesionales después de casi 10 años de investigación. Afortunadamente, la siempre ingeniosa Velma ha identificado a un posible inversionista: el empresario Simon Cowell. Parece que Simon tiene una alta opinión de los talentos del grupo, con la excepción de Shaggy y Scooby, a quienes insiste en cortar el trato, obligándolos a separarse de sus socios de toda la vida.

Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que sean recogidos por otro equipo de lucha contra el crimen cuando su ídolo de larga vida, el Halcón Azul (Mark Wahlberg) los arroja a bordo de su impresionante aeronave, apenas salvándolos de un enjambre de robots escorpiones malvados. Los peligrosos drones están al servicio del archi villano Dick Dastardly (Jason Isaacs), le explican el piloto de Falcon Fury Dee Dee (Kiersey Clemons) y el sabueso cibernético Dynomutt (Ken Jeong), quien también revela que su líder de superhéroes es en realidad Brian, el hijo del Halcón Azul original, ahora retirado. La tripulación recluta ansiosamente a Shaggy y Scooby para ayudarlos en una misión para evitar que Dastardly resucite el espíritu de Cerberus, el sabueso de tres cabezas que custodia el inframundo y obtener el legendario tesoro perdido de Alejandro Magno.

Fusionando hábilmente la historia de origen de la película con una aventura típicamente orientada a la acción, su guión incluye previsiblemente la característica con un exceso de incidentes. El poco tiempo de inactividad restante se dedica al conflicto de personajes que lucha por el humor, particularmente a expensas de Shaggy, Fred y el Halcón Azul. Sin embargo, la dinámica entre los miembros del equipo de Mystery Inc. permanece bastante intacta, y los roles femeninos en particular se registran con mayor claridad y confianza que en las interacciones pasadas. En parte, eso se debe a la creación de secuencias de comandos más dimensionales, así como a las actuaciones puntuales del elenco de voces, con Rodríguez sacudiendo la geek sin complejos de Velma y Seyfried encarnando a una Daphne suavemente genial. Como resultado, los chicos terminan pareciendo un poco cojos en comparación, particularmente considerando la interpretación bastante genérica de Zac Efron como Fred. Aunque Forte se apega a la caracterización clásica de Shaggy, incluso a su chillona vocalización, falta una cierta energía maníaca en la actuación. Como el único miembro del reparto que regresa de las entregas anteriores, Welker definitivamente cumple al evocar sin esfuerzo la lealtad y (des)confianza de Scooby-Doo, incluso si su enunciado a veces confuso puede ser difícil de seguir.

Como siempre, y recuperando la típica temática de "qué tan duradera es una amistad de infancia", Scoob! revive esos viejos sentimientos de niñez y se adaptan a nuestros tiempos. Es divertida, nostálgica e inteligente. Sirve para traer personajes añorados con la misma calidad, y demostrándonos que no todas las secuelas son innecesarias. Esta supo valorar cada segundo invertido.