Crítica Cinéfila: Black Rabbit

Cuando el dueño de un restaurante de moda de la ciudad de Nueva York permite que su turbulento hermano regrese a su vida, abre la puerta a peligros cada vez mayores que amenazan con derribar todo lo que ha construido.

Gran parte de "Black Rabbit" falla un poco. Casi está a la altura, pero no es del todo correcta. Las actuaciones no son del todo convincentes. La ambientación no está representada con la suficiente claridad. La trama está ligeramente descalibrada. Nada por sí solo hace que la serie sea inviable, pero todo ello se suma a algo que no es tan bueno como debería ser para el género en el que se mueve y el nivel de presupuesto y talento involucrados.

La miniserie es un thriller neoyorquino protagonizado por Jude Law y Jason Bateman como los hermanos disfuncionales Jake (Law) y Vince Friedken (Bateman). Solían ser socios en un bar y restaurante del Bajo Manhattan llamado Black Rabbit, llamado así por su banda de rock indie de la era hipster, Black Rabbits, pero las adicciones e inestabilidad de Vince lo llevaron a ser separado del proyecto. En los años transcurridos desde entonces, Jake ha llevado el restaurante al éxito y está a punto de abrir un nuevo lugar que lo llevará a la cima del mundo de la restauración neoyorquina, si es que logra reunir el dinero. Vince, mientras tanto, está en serios problemas y regresa a NY buscando a su hermano para que lo rescate. Necesita pagar deudas de juego a unos gánsters violentos liderados por Joe Mancuso (Troy Kotsur) y el tiempo avanza. Jake sabe que su hermano es una mala noticia, pero no puede negarse a ayudarlo, y cuando Vince regresa al negocio y a la vida de Jake, su vínculo tóxico amenaza con destruirlos a ambos.

“Black Rabbit” se inspira en gran medida en clásicos del crimen fraternal neoyorquino, tanto antiguos como modernos, y alcanza su máximo esplendor cuando se trata sobre la codependencia fraternal. Vince es adicto a las drogas, el alcohol y el juego, y Jake es adicto a Vince. La forma en que Jake está dispuesto a arriesgarlo todo para ayudar a su hermano es totalmente creíble y auténtica. Desafortunadamente, todo lo demás no lo es, incluyendo el acento de Brooklyn de Law.

El mayor problema es Bateman, quien es coprotagonista, productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. Bateman, uno de los hombres más hollywoodenses de Hollywood, no es la elección correcta para interpretar a un delincuente de Coney Island que es lo suficientemente duro como para no inmutarse por el hecho de que unos matones le corten un dedo. Su personalidad mordaz funcionó bien en su anterior thriller policial de Netflix, "Ozark", porque Marty Byrde no era un tipo físicamente duro. Bateman fue muy convincente como un contador meticuloso que gradualmente aprende a ensuciarse las manos. Aquí, es poco persuasivo. Está haciendo el mismo sarcasmo y tensión que siempre hace en el contexto de un personaje cuyo carisma debería provenir de ser divertido e imprudente. Es una actuación monótona que lo hemos visto hacer variaciones durante décadas. Vince incluso llama a la gente "amigo", que es algo que muchos personajes de Bateman hacen.

Como director, Bateman no se fija en los detalles. Prefiere lo grande y amplio a lo sutil. Eso estuvo bien para la pura pulpa de "Ozark", pero "Black Rabbit" se ambienta en un entorno muy específico que Bateman y los creadores Zach Baylin y Kate Susman no dominan bien. La serie intenta aprovechar la energía sórdida del centro de la ciudad del resurgimiento del post-punk de principios de la década de 2000 a través de las interpretaciones de los Walkmen e Interpol y un cameo del guitarrista de The Strokes, Albert Hammond Jr., pero está ambientada en el presente, en el mundo de la vida nocturna y la restauración de alta gama: Jake intenta abrir un restaurante en el antiguo espacio del Four Seasons, un local de Midtown que es sinónimo de dinero y sofisticación, y ninguno de estos mundos tiene nada que ver con el mundo de clase trabajadora de los barrios periféricos del que vinieron los hermanos y con el que aún mantienen vínculos. Todos estos significantes se leen como "la cruda ciudad de Nueva York", pero en realidad son bastante dispares. "Black Rabbit" hace gala de impresionantes localizaciones de rodaje neoyorquinas —las entrañas de los Baños Rusos y Turcos, Times Square al amanecer, el vestíbulo del Hospital Bellevue— y este acceso a localizaciones de primer nivel le otorga una credibilidad visual que la narrativa no se merece.

Sin embargo, hay mucho dinero en pantalla, y la serie, sin duda, luce genial. La estética se inspira tanto en los thrillers neoyorquinos de los hermanos Safdie, "Good Time" y "Uncut Gems", que es prácticamente un homenaje, que graban la acción desde tan lejos que parece que la estás viendo a través de un telescopio. Las tomas pueden ser prestadas, pero son llamativas y técnicamente formidables. El diseño de sonido también está ejecutado a un alto nivel: lo que sea que hayan hecho para poder rodar en una azotea junto a la FDR Drive sin verse abrumados por el ruido del tráfico, es realmente impecable.

Aunque parece una película de los hermanos Safdie, se siente como "Ozark". Incluso tiene el mismo formato de créditos iniciales, mostrando elementos que entrarán en juego en el episodio. Como ese thriller ganador de un Emmy pero no tan prestigioso, la trama es implacablemente tensa, con muchos personajes y subtramas diferentes. Hay de todo, desde un hilo de Me Too que involucra a un cliente habitual bien pagado que se aprovecha del personal (un problema que Jake delega en la chef Roxie (Amaka Okafor) para que lo resuelva, lo que lleva a consecuencias imprevistas) hasta uno de los acreedores de Vince que se insinúa en la vida de la hija de Vince, Gen (Odessa Young). Siempre pasa algo, pero no siempre funciona. Todo tiene el mismo nivel de intensidad, incluso si obviamente no es tan importante o termina sin importar. Los tiempos de ejecución son inflados, y algunas escenas largas hacen que uno quiera adelantar el episodio. La realidad: la historia no empieza realmente hasta el final del segundo episodio. Le habría venido bien un poco más de tensión.

La buena noticia es que la serie mejora mientras avanza. Los dos últimos episodios están dirigidos por Justin Kurzel, el cineasta emergente responsable de proyectos fantásticos como la película policial "The Order" y la miniserie ambientada en la Segunda Guerra Mundial "The Narrow Road to the Deep North". Habiendo trabajado previamente con Law en "The Order", Kurzel sabe cómo sacar lo mejor del actor. Kurzel enfoca su cámara hacia el rostro de Law mientras la historia alcanza su clímax emocional y el dolor de Jake se desborda. Es un director de actores que también compone imágenes hermosas, como una toma melancólica, al estilo Michael Mann, de Law iluminado por los destellos de un coche de policía.

“Black Rabbit” no es mala del todo, pero nunca llega a ser tan buena como podría o debería ser. Hay un desajuste entre la seriedad con la que se presenta, con su estilo visual y temas familiares, y la imprecisión en la trama y la ambientación. Es como un turista en el Nueva York de los Safdie; tiene el aspecto adecuado y conoce los lugares, pero no lleva la ciudad en la sangre.

Crítica Cinéfila: Fantastic Beasts - The Secrets of Dumbledore

El profesor Albus Dumbledore (Jude Law) sabe que el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) está haciendo planes para apoderarse del mundo mágico. Incapaz de detenerlo él solo, confía en el Magizoólogo Newt Scamander (Eddie Redmayne) para dirigir un intrépido equipo de magos, brujas y un valiente panadero Muggle en una misión peligrosa, donde se encuentran con antiguos y nuevos animales y se enfrentan a una legión cada vez más numerosa de seguidores de Grindelwald.

¿Recuerdas por el año 2000, antes de que se estrenara la primera película de "Harry Potter"? La cuarta novela de la saga se estaba estrenando, y fue un punto más a favor de toda esta franquicia para que miles  de fanáticos hicieran fila en las librerías de todo el país con días de anticipación. Con 734 páginas, "Harry Potter y el cáliz de fuego" era un monstruo: el libro más grande que muchos jóvenes fanáticos jamás habían contemplado leer. Superarlo requirió esfuerzo, aunque del tipo que trajo recompensas profundas e inmediatas a aquellos hechizados por la realidad paralela que Rowling nos había creado, una en la que los magos coexistían con el resto de nosotros, los muggles desafortunados.

Bueno, aquí estamos, tres películas de la intrincada saga de precuelas en la pantalla grande de Rowling, y la serie una vez más se siente como un trabajo, solo que esta vez, los placeres resultantes impactarán al público de manera muy diferente, dependiendo de su nivel de dedicación a la franquicia. “Animales Fantásticos: Los Secretos de Dumbledore” está profundamente apegada en la mitología del Mundo Mágico de Rowling, y rara vez se detiene lo suficiente como para explicar los hechizos mágicos o las estrategias utilizadas por sus personajes. Sin duda, eso molestará a los espectadores nuevos. Pero los devotos probablemente adorarán las revelaciones que les esperan, incluido un compromiso más profundo con la trágica historia de amor entre el amado director de Hogwarts, Albus Dumbledore (Jude Law) y el mago que decidió ajustar cuentas con los muggles.

Johnny Depp está fuera, pero su personaje, Gellert Grindelwald, se ha vuelto más poderoso que nunca. Ahora interpretado por Mads Mikkelsen (sin abordar el interruptor) en una vena más realista y menos amenazadora, Grindelwald está decidido a instigar una guerra mundial casi al mismo tiempo que cierto nazi fue elegido canciller de Alemania. 

Después de hacer tanto para dar consistencia y credibilidad a la visión de Rowling en el transcurso de cuatro películas de "Harry Potter" y un spin-off exagerado, el director David Yates tocó un punto bajo inesperado con la segunda entrega, "Los crímenes de Grindelwald", una ajetreada y desconcertante película que parecía más interesada en mostrar todo tipo de trucos generados por computadora que en contar una historia elegante y atractiva. Si bien "Los secretos de Dumbledore" no adopta exactamente la simplicidad en su guión, afortunadamente la ejecución demuestra ser mucho más fácil de seguir.

A diferencia de las películas de "Harry Potter", que ponen el destino de la humanidad en manos de tres niños, el ciclo de "Animales Fantásticos" trata principalmente de magos adultos en el mundo más amplio de principios del siglo XX. Al principio, Yates aprovechó esta oportunidad para demostrar de lo que son capaces los practicantes de magia maduros: sus habilidades seguramente deberían ser espectaculares, incluso si era difícil no sentirse abrumado al ver suceder cosas imposibles. Sin embargo, cuando Rowling proyectó toda su creatividad en la pantalla, dejó poco espacio para que el público usara su propia imaginación, privándonos de lo mejor de sus libros.

Obtuvimos personajes que cambiaban de forma constantemente y otros que podían atravesar paredes o teletransportarse a través de países; las explosiones casi destruyeron ciudades enteras, mientras que las técnicas defensivas protegieron a ciertos magos de ser heridos. Incluso hubo un hechizo que borró en masa las mentes de los testigos, dando a los cineastas la licencia para causar el caos que quisieran, mientras animales ficticios que se portaban mal se volvían locos, y un miserable e increíblemente peligroso "huérfano" llamado Credence causaba problemas cada vez que perdía el control de sí mismo.

Como un joven Luke Skywalker, Credence se encontró dividido entre las fuerzas del bien y del mal mientras intentaba investigar el misterio de sus orígenes. El giro final de "Los crímenes de Grindelwald" hacía referencia a un ave bebé que Credence había adoptado, que repentinamente se transformó de una cría de apariencia inofensiva a un fénix, una criatura conocida por acudir en ayuda de los miembros del clan Dumbledore en tiempos de necesidad. Tres años más tarde, "Los secretos de Dumbledore" finalmente revela la naturaleza de la conexión de Credence con esta familia, lo que hace que su lealtad vacile entre Grindelwald y Albus.

Da la casualidad de que esos dos líderes en competencia alguna vez estuvieron bastante cerca. Mirando el Espejo de Oesed, Dumbledore se describió a sí mismo y a Grindelwald como "más que hermanos", y recordó que formaron un pacto de sangre años antes. Debido a esta conexión, no muy diferente a la que forjará un ataque violento entre Harry y Voldemort, ni Dumbledore ni Grindelwald pueden siquiera pensar en lastimar al otro sin poner en peligro su propia vida. Una y otra vez, generalmente en el mejor de los casos, el amor anula la razón en estas películas.

Un colgante protector del pacto encantado complica el enfrentamiento que cualquiera puede ver venir. Para detener la toma de poder de Grindelwald, Dumbledore tendrá que depender de representantes, entre ellos nuestro favorito Newt Scamander, el magizoólogo adorablemente torpe encarnado por Eddie Redmayne en las dos primeras películas de “Animales Fantásticos”. Grindelwald está bloqueado de manera similar, pero tiene una ventaja, ya que usa una criatura dragón-ciervo rara y muy venerada llamada qilin para ver el futuro. (El trato brutal del personaje a esta especie noble y aparentemente indefensa es increíblemente difícil de ver, incluso si el animal en realidad no existe).

Las profecías no son nada nuevo en la narración de historias de Rowling, aunque aquí tenemos el detalle adicional de que Grindelwald solo ve fragmentos de lo que está por venir y, por lo tanto, puede ser burlado por la "contravisión", una táctica de hacer cosas deliberadamente engañosas para confundirlo mientras se mantienen en secreto las intenciones reales hasta el último momento. Este es un plan divertido, aunque absurdo, y que, sin embargo, gana puntos por su originalidad. Hay momentos igual de divertidos, como el rescate del hermano de Newt que requiere un baile casi egipcio para mantener a unos animales de su lado; otros llenos de nostalgia, cuando nos encontramos con los hermanos de Dumbledore; y algunos románticos, como el reencuentro de Jacob con Queenie, o el de Newt con Tina.

Tres quintas partes del camino a través de esta serie, la sobrecarga de encanto es claramente la estética acordada, ya que Rowling y Kloves nuevamente presentan una trama que es considerablemente más complicada de lo que debe ser. Tome la tarea encomendada a la asistente enamorada de Newt, Bunty Broadacre (Victoria Yeates), quien encarga media docena de copias idénticas del maletín de cuero de su jefe, para ocultar cuál contiene el qilin durante la escena culminante. No es probable que este esquema engañe a alguien que puede ver el futuro. De hecho, si alguien está confundido por la artimaña elaboradamente coreografiada, somos nosotros, la audiencia.

Esa parece ser la estrategia clave de las películas de "Animales Fantásticos", que, por cierto, también sirve para lo que pasa por magia en el mundo real: distraer a la audiencia, para que no vean el truco y, por lo tanto, se engañen para que crean cosas como se presentan. Sin embargo, en algún punto del camino, esta franquicia dejó de ser divertida. Si las ocho películas de "Harry Potter" nos dejaron con ganas de inscribirnos en la misma escuela, la serie de "Animales Fantásticos" hace que el mundo de los magos parezca opresivo, al borde de una segunda Segunda Guerra Mundial, una que presumiblemente se evitará en las próximas películas, y que la esfera no mágica tiene pocas posibilidades de ganar si Grindelwald alguna vez se sale con la suya.

Aún así, hay algo que decir sobre la forma en que la visión de Rowling abarca varias películas, cómo cada entrega se siente como ver la última temporada de una prestigiosa serie de HBO. Ninguna otra serie de películas funciona en arcos de entregas múltiples tan intrincados, plantando detalles que casi seguramente valdrán la pena en los próximos capítulos. Sobre la base de lo que Peter Jackson hizo con la trilogía de "El señor de los anillos", Rowling y Warner Bros ampliaron radicalmente la forma en que el cine podría usarse para contar historias serializadas, y con "Animales fantásticos", continúan innovando, dándole preferencia narrativa a los más fieles de la saga, que aún nos engranojamos cuando escuchamos la banda sonora de John Williams, y que la saga aún mantiene un dominio casi religioso sobre sus seguidores.

Crítica Cinéfila: The Rhythm Section

Stephanie Patrick (Blake Lively) sufrió la pérdida de su familia en un accidente de avión. Cuando descubre que el accidente no fue tal, su rabia encontrará un nuevo sentido a su vida y se adentrará en una peligrosa misión para intentar descubrir la verdad y vengar a su familia.

Es sorprendente que Stephanie Patrick llegue al final de "The Rhythm Section" con vida. La gente normal tiende a no sobrevivir al tipo de misión de venganza sofisticada que saca a Stephanie de su depresión y entra en el modo de héroe de acción en el oscuro, melancólico e inesperado thriller de recuperación de Reed Morano, protagonizado por Blake Lively como un personaje más motivado que -dispensador de sufrimiento postraumático coordinado. Si temes que cualquier mención de su supervivencia sea un spoiler, considera esto: la película fue adaptada de la primera de las cuatro novelas pulposas de Stephanie Patrick escritas por Mark Burnell, por lo que, por supuesto, no muere. 

La Sección de Ritmo tiene un comienzo depresivo con la vida inicial de Stephanie esbozada de manera bastante enojosa como la de una persona enojada y llena de dolor que ha rebajado su vida a la prostitución y abuso de drogas. Pero cuando un periodista llamado Proctor (Raza Jeffrey) la pone en la imagen de cómo murió su familia, se embarca en una misión para encontrar al asesino, y esto la pone en contacto con Boyd (Jude Law), un tipo inconformista incondicional del MI6, que vive en las Tierras Altas de Escocia, y con el detective secreto Serra (Sterling K Brown).

Las escenas de Lively con Law son muy observables, ya que él la instruye en un estado físico fanático y combate cuerpo a cuerpo, enseñándole a mantener la calma y dejar que su ritmo cardíaco y su respiración le proporcionen la "sección de ritmo" física tan importante como música de fondo para la bravura solo del asesinato. La relación entre Law y Lively permite que la película se relaje y acelere el ritmo. Morano reúne buenas escenas de lucha, un trabajo de acrobacias robusto y sabrosas persecuciones de autos.

En realidad, dado que la novela de Burnell fue optada por Eon, la compañía productora detrás de la franquicia de James Bond, algunos se han preguntado si se supone que Stephanie Patrick es una especie de 007 con un cambio de género, lo cual no es así. La historia mantiene una estructura bien similar al "Viaje del Héroe", donde nuestra protagonista está en total negación al principio y solo el impulso de una muerte injusta la convence que el camino de la venganza es el más adecuado para ella. Es obvio que el público debe darse cuenta de que están viendo un tipo de personaje muy diferente. En muchos sentidos, ella es aún menos como "Atomic Blonde"; Stephanie, por el contrario, entra en pánico bajo presión. Ella es un mal tiro, y un conductor aún peor. En el combate cuerpo a cuerpo, es arrojada, maltratada y casi muerta. Varias veces.

De pie allí en silueta, con su arma extendida, Stephanie está nerviosa. Pero esa es una forma mucho más interesante de acercarse a su primer golpe de todos modos. La única persona obligada a ser un profesional consumado aquí es Morano, una ex Directora de Fotografía que dirigió los primeros tres episodios de "The Handmaid's Tale", estableciendo efectivamente el tono para la exitosa serie de Hulu. Este es su tercer largometraje, después de "Meadowland", una tragedia pornográfica, y el post-apocalíptico de dos jugadores "Creo que estamos solos ahora", y la asignación pide nuevas exigencias a su director. Lograrlo significa que Morano está obligada a pensar de manera diferente no solo sobre la acción, sino también sobre cómo trabaja con los actores.

Este no es un papel fácil, pero Lively lo logra con mucha altitud. En vez de convertir al personaje en un ser rencoroso capaz de asesinar sin nada de rencor, se muestra un ser más humano, capaz de dudar de la "muerte declarada" a quienes ella asume que no la merecen. Una vez más, Lively demuestra que su género es definitivamente el thriller y el terror, con una personalidad oscura pero a la vez aterrizada en la realidad de que hasta los protagonistas podrían morir con facilidad. La recuperación de su personaje a las drogas en este momento es creíble, y Lively nos muestra cómo se ve eso, sacudiéndose además de todo el trauma que Stephanie ya está llevando. La psicología de cómo esta graduada universitaria que alguna vez fue prometedora se transformaría primero en un choque de trenes, todos los moretones y huellas, el cabello puntiagudo y los ojos ahumados, y desde allí en un rudo vengador es inestable, pero el compromiso de Lively lo vende. Y aún así cuando Stephanie asume la identidad de una despiadada sicaria, Petra Reuter, aún así demuestra las grandes debilidades del personaje.

Sobre el papel, el resto de la película parece bastante rutinaria: una serie de escenarios en un contexto giratorio de glamorosas ubicaciones internacionales. Lo hemos visto en películas como "Atomic Blonde", "Red Sparrow" y "La Femme Nikita". Todas esas mujeres son máquinas asesinas sexys y seguras de sí mismas. Pero lo que distingue a "The Rhythm Section" es la simple cuestión de identificación. Ella no es natural. Ella se congela y no puede hacer para lo que fue entrenada. En lugar de pelear, se agita salvajemente, esperando que una de sus patadas se conecte con la entrepierna de su adversario. Cuando la golpean, parece que duele. Y cuando su arma cae en las manos del chico malo, ella bien podría ser carne muerta.

Al final, es la suerte, no la habilidad lo que la mantiene viva. Así es como la mayoría de nosotros estaríamos en su situación. Momentos después, en una impresionante persecución en automóvil de una sola toma, Stephanie casi es empujada por un precipicio. Y así continúa hasta el enfrentamiento final. Probablemente sea lo mejor que la mayoría de las películas de acción no se desarrollen así, donde una planificación cuidadosa se convierte en una innovación desesperada en el calor del momento. Pero esto es lo que se entiende por "visceral", y funciona en este contexto, y debe ser mucho más difícil de lograr, detrás de la cámara. Morano se las arregla, y si Stephanie Patrick alguna vez consigue otra misión en la pantalla grande, será interesante ver lo que esta experiencia le ha enseñado.

Vox Lux

Celeste (Natalie Portman) es una estrella internacional de la música pop que debe confrontar su legado en las horas previas a un gran concierto. (FILMAFFINITY)

Vox Lux cae en la categoría de inicio sorprendente que va decayendo a medida que la película avanza. A pesar de la polémica del tema que presenta y contar con actores de alto calibre, la trama se queda corta en contenido.

La historia inicia en enero de 1999. El primer día de clase después de las vacaciones de navidad se convierte en una masacre cuando un adolescente llega a la escuela con un rifle y asesina a estudiantes y maestros. Con apenas 13 años de edad, Celeste es una de las víctimas que logra sobrevivir al trauma y las heridas. En su recuperación, decide escribir una canción en memoria de aquellos que fallecieron y un manager musical ve talento en ella. Desde ese momento comienza a incursionar en la industria de entretenimiento, hundiendosé aún más en su lado oscuro, y convirtiéndose en adulta mucho antes de tiempo. 18 años después, en 2017, Celeste se ha convertido en una artista muy reconocida y sus canciones se hacen populares al instante. No obstante, un grupo de terroristas se disfrazan con las máscaras de uno de sus videos musicales y atacan a disparos a turistas en una playa. Es allí cuando su pasado vuelve a hacerse de frente, y ahora Celeste con más madurez deberá hacerle frente a los periodistas que quieren comparar el atentado a su vida desenfrenada.

Vox Lux se enfoca en dos temas: cómo la sociedad responde a un mismo tipo de sucesos en diferentes tiempos, y cómo un suceso similar simplemente se moderniza con el pasar de los años. Brady Corbet elige un tipo de suceso en específico que afecta en todas partes del mundo, sobretodo en Estados Unidos, y lo hace con una crudeza que el mismo director advierte a la audiencia evitarla si no pueden tolerar el contenido. El gore de los atentados terroristas y la manera en que Celeste ha tenido que asumir su vida es insensiblemente directa y lo hace con la intención de llamar la atención sobre un aspecto de la sociedad que la gente continuamente ignora, pero que cada día más grita las injusticias del mundo. Las respuestas de Celeste parecerán rebeldía en muchas ocasiones, pero es más bien una metáfora de cómo muchas personas prefieren hacerse ciega a las situaciones y deciden culpar a otros de los problemas.

Sin embargo, y a pesar de tan buena temática, un interesante uso de sus personajes, su potente inicio y su inteligente y metafórico final, el director/guionista se olvida de darle estructura y verdadero contenido al medio de la película. El inicio es doloroso e inesperado (el tiroteo donde Celeste resulta víctima y sobreviviente), no obstante, su vida se convierte en una rutina, y parece que el trauma ha sido superado completamente. Luego cuando crece y sucede un nuevo atentado, se muestra la hostilidad de Celeste no solo con los periodistas y fanáticos, sino también con su propia hermana que la ha estado apoyando durante toda su carrera, su manager que solo busca lo mejor, y la agente que se ha encargado de mantener una "buena imagen" de Celeste. Todo esto sin dejar de mencionar la extraña relación que mantiene con su hija. En resumen, la historia no tiene un verdadero conflicto. Simplemente pasan cosas en su vida, ella reacciona y sigue con su rutina. A la estructura le falta toda la acción y drama que tuvo al principio y final.

Todo esto pudo casi haber sido salvado por la actuación de Natalie Portman, quien nunca decepciona a la hora de tener que realizar personajes de este tipo. Siempre mantuvo una tremenda hostilidad, mientras que de vez en cuando sufre de bipolaridad en respuesta a los ataques de los demás. La manera en que Natalie Portman encarna a Celeste, sin dejar de mencionar los movimientos que adquiere para parecer aún más una verdadera cantante, es tan impresionante que la audiencia se lo podría creer. Sin embargo, la bipolaridad es más constante que su presencia en un escenario, y esto se convierte más en una monotonía y ñoñería que una respuesta a su trauma. Por otro lado, Jude Law, Raffey Cassidy (como Celeste joven y la hija de Celeste), y Stacy Martin (como la hermana de Celeste) son un buen complemento para el personaje de Natalie Portman y saben llenar los zapatos de lo que representan. Pero, el hecho de utilizar los mismos rostros para estos personajes, y solo cambiar a Celeste una vez se hace adulta resulta confuso e inexplicable, sobretodo en el caso de Stacy Martin quien se supone es la hermana mayor, quien termina haciendo ambos papeles (cuando era más joven y el presente 2017), y se ve mucho más joven que Natalie Portman, quien se supone es la hermana menor.

Por otro lado, obviando el hecho de que nunca escucharía este tipo de música en vida real, la producción musical resulta muy interesante, más aún por su origen. El estilo que adquiere Celeste denota un cierto comportamiento de fantasía en busca de querer obviar la realidad, o pintarla de otra manera que no sea exacta a lo que ya presenta. Las coreografías y vestuarios representan una visión distinta de las situaciones de la vida, con un mensaje de doble sentido sobre la verdadera atención que la sociedad le da a los temas de polémica.

Vox Lux resulta ser una buena premisa, que afloja con una trama con estructura pobre pero que trata de superarse con personajes igual de empoderados. Encontrará su audiencia, pero en ese grupo no podré entrar mientras la historia no sea más que una simple rutina de vida de una cantante con ataques de humor.

Rey Arturo (King Arthur)

Arturo es un joven intrépido que dirige a su pandilla por los callejones de Londonium. Tras sacar la espada de Excalibur, se verá obligado a tomar algunas duras decisiones. Junto a una misteriosa mujer llamada Guinevere, deberá aprender a manejar la espada, vencer a sus demonios y unir al pueblo para derrotar al tirano Vortigern, quien robó su corona y asesinó a sus padres antes de convertirse en rey. (FILMAFFINITY)

Hace más de 10 años, la película "La espada en la Piedra" (Disney, 1963) me enseñó la historia de un niño llamado Arturo, quien era huérfano, vivía con unos dueños de una posada y fue el único que logró sacar a Excalibur de la piedra en la que estaba clavada. Ahora Guy Ritchie lo revive, pero con una tonalidad totalmente diferente al cuento con el que crecí.

En esta ocasión, quien logra sacar la espada no es un niño Arturo, sino uno adulto, que creció en un burdel, fue entrenado para pelear y creó su propia pandilla. Pero, este hombre también desconocía la existencia de Excalibur y su función si la sacaba de la piedra. Sin duda, los guionistas no respetaron la verdadera literatura sobre el personaje y decidieron mostrar una historia más adulta, complementada por la fantasía, la brujería y la intervención de la naturaleza entre estos dos aspectos. Mas, esto no quiere decir que la trama decepcione; muy por el contrario, se adapta a mis gustos cinematográficos.

Aunque cada personaje tuvo su momento de fama, quien en realidad destaca (como lo dice el título de la película) es Charlie Hunnam, gracias a las irónicas líneas y la rebeldía inagotable del personaje de Arturo. Es aquí donde los guionistas cumplen su cometido y resaltan el nombre de esta leyenda literaria. Por otra parte, el villano Vortigern, interpretado por Jude Law, se quedó estancado en el sentimentalismo del personaje y no dejó que se destacara un poco más como lo que verdaderamente era: un padre, esposo y rey cínico que solo le importaba ser el más poderoso de todo Camelot; le faltó más cinismo y acción real.

Uno de los aspectos que me incomodó de la trama fue la ausencia de Merlin, un personaje MUY importante en la historia de Excalibur; sin embargo, no queda totalmente ausente, pues tiene una referencia en alguna escena de la película. Aún así, debió ser un personaje principal, y más por el tipo de Arturo que se presenta aquí. 

Esta película nos recuerda el estilo bien marcado de Guy Ritchie, con los cortes de edición y movimientos de cámara veloces, presentando un entrejuego de escenas de flashbacks y flashforwards que obliga al espectador a estar atento a cada momento, pues podrían perderse de información esencial sobre el protagonista y la historia en sí. La banda sonora y el montaje cumplieron roles muy importantes en este filme, pero en ocasiones los efectos visuales parecían excesivos en las escenas bélicas, pues distorsionaban la imagen y no se entendía exactamente lo que estaba ocurriendo.

King Arthur no decepcionó las expectativas que tenía, pero me trajo otra visión de un personaje de mi niñez, que ahora se ve corrompido por un Camelot más oscuro y que tiene el propósito de enamorar con su rebeldía y sus deseos de proteger y vengar a sus seres queridos.