Crítica Cinéfila: The Gentlemen

Un capo de la droga con un marcado estilo británico intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma. 

Se abren las puertas de una cantina en alguna ciudad británica, y entra Matthew McConaughey tan guapo como siempre. Pide una bebida y unos huevos ingleses, enciende su cigarro y hace una llamada. Alguien se queja en el teléfono, y a la vez, alguien se para detrás de él sosteniendo un arma... a partir de ahí lo que sigue es uno de las historias de acción-comedia más entretenidas que he visto en mucho tiempo. Guy Ritchie revisita sus raíces de comedia de gángsters con Hugh Grant, Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Colin Farrell entre los atrapados en la complicada venta de un imperio de drogas. 

La nueva película del director y escritor lo devuelve al estilizado entorno de gángsters de Londres, donde se hizo famoso hace dos décadas con Lock, Stock y Two Smoking Barrels, solo que esta vez trae la elegancia y la arrogancia que acumuló durante su exitosa carrera en Hollywood, incluyendo el éxito de mil millones de dólares de este año, Aladdin. Con un elenco estelar encabezado por Matthew McConaughey, Hugh Grant, Charlie Hunnam, Michelle Dockery y Colin Farrell, el regreso a casa de Ritchie es un asunto bastante familiar, pero también refrescantemente divertido y hábilmente tramado, con líneas más ingeniosas y un machismo menos grosero que sus primeros trabajos. La violencia todavía juega un papel clave, pero ocurre principalmente fuera de pantalla, y el recuento de cuerpos es sorprendentemente bajo... bueno, si lo comparas con sus películas anteriores, por supuesto.

Concebido por primera vez hace una década,  The Gentlemen le permite a Ritchie volver a visitar esa espeluznante versión de fantasía de Gran Bretaña que ha sido durante mucho tiempo su zona de confort, donde las clases altas inglesas intercambian vicios y villanías con delincuentes de baja vida. Si bien los espectadores pueden tener dificultades para discernir mucha profundidad dramática o madurez emocional en esta caricatura de Looney Tunes de acción en vivo, sin duda es un placer culpable para la temporada festiva, a pesar de la torcedura ocasional y la broma fuera de color. 

El corazón cómico y palpitante de The Gentlemen es Grant, quien encarna a Fletcher, un investigador privado de mala calidad que se gana la vida desenterrando a los ricos y desvergonzados por sus corruptas historias. Ser parte del elenco es un chiste particularmente agudo, ya que Grant ha pasado gran parte de la última década como un activista de alto perfil en contra de la persecución de chismes y la piratería de teléfonos en el Reino Unido. Sopesa cada línea irónica con gusto, y Ritchie hace fuerte uso de sus talentos cómicos inexpresivos.

Ritchie enmarca la trama de la película que salta el tiempo y se pavimenta locamente dentro de un extenso duólogo entre Fletcher y Raymond (Hunnam), el asistente de Mickey Pearson (McConaughey), un expatriado estadounidense suavemente despiadado que descubrió su verdadera vocación como traficante de drogas mientras estudiaba en Oxford. Durante los siguientes 20 años, Pearson construyó un imperio de marihuana en todo el país al cerrar lucrativos acuerdos privados con aristócratas británicos empobrecidos, reponiendo sus fortunas familiares a cambio de esconder sus vastas plantaciones de cannabis en sus fincas.

Ahora, un hombre de negocios adinerado, de mediana edad y bien conectado, casado con la reina de la remodelación de vehículos, Rosalind (Dockery), Pearson anhela una vida tranquila y planea vender su vasto imperio de drogas por una considerable tarifa de jubilación. Pero el acuerdo está amenazado por el juego de poder cambiante entre el posible comprador Berger (Jeremy Strong) y su brutalmente ambicioso rival chino Dry Eye (Henry Golding), sin mencionar un colorido grupo de boxeadores/raperos/bailarines con una pasión extraña por el rock adicto y los asesinatos oligarcas. Con amigos y enemigos en lugares altos, Pearson también es un objetivo jugoso para el vengativo editor de tabloides Big Dave (Eddie Marsan). 

Al principio de su carrera, Ritchie fue comparado a un británico Tarantino de un nivel más bajo. Los paralelos eran discutibles entonces, pero tienen mucho más sentido aquí. En común con la mayoría de las películas de Tarantino, The Gentlemen está sonorizada por una mezcla de clásicos del pop antiguos y nuevos, mientras que el guión está repleto de un diálogo detallado, discursivo y muy educado. Una secuencia con un mafioso encerrado en el baúl de un automóvil se siente como un homenaje directo a Tarantino. El guión también está cargado de chistes de películas autorreferenciales, incluidas alusiones a The Conversation de Francis Ford Coppola y al clásico de gangster londinense de John Mackenzie en 1980, The Long Good Friday.

Una comedia de personajes confiables y alegres cada vez que Grant está en pantalla, The Gentlemen se queda un poco efervescente en su última mitad cargada de  acción. El papel de apoyo de Farrell como un entrenador de boxeo de buen corazón y dos puños se adentra demasiado en los dibujos animados, al igual que Henry Golding en un personaje completamente distinto al que habíamos visto anteriormente en él. Sin embargo, los sobresalientes son Hunnam y McConaughey, quienes se pavonean como dos reyes del gallinero, demostrando por qué siempre están por encima de los planes de los demás. Y no se puede dejar de mencionar a Dockery, que toma control de cada escena en la que ella está, incluyendo en aquellas donde el machismo trataba de elevarse.

The Gentlemen es demasiado alegremente superficial como para merecer una crítica muy seria. En general, cumple su función principal como una travesura entretenida sin esfuerzo, con Ritchie y Grant haciendo su trabajo más divertido en años, pero con una historia muy bien construida en cuanto a sus niveles de tensión, misterio y comedia.

Papillon

Henri “Papillon” Charrière está en la cárcel por un crimen que no ha cometido. Condenado a cadena perpetua y enviado a una prisión de la Guayana Francesa, salva la vida a otro preso, Louis Dega, un falsificador de documentos que decide ayudarle a escapar. Juntos planean el más increíble plan de fuga. Remake de la película de 1973 'Papillon'. (FILMAFFINITY)

En el año 1931, Henri Charrière fue condenado a cadena perpetua, acusado de asesinar a un hombre. A pesar de que él tenía pruebas que demostraban su inocencia, fue enviado a una carcel en la Guayana Francesa donde se prometió a sí mismo de que iba a escapar, sin importar cuan difícil fuese lograr su escape. No es la primera vez que el cine revive autobiografías de personas con relatos similares, no obstante, Papillon se gana la atención de muchos no solo con la persistencia de sus personajes, sino también por su cercanía a la realidad de hoy día y la reacción que causa en el público con el maltrato injustificable a los convictos. 

La historia inicia momentos antes del encarcelamiento de Charrière, o mejor conocido como Papi/Papillon (su apodo) y el tipo de vida (no tan inocente) que llevaba. A pesar de que pasó la noche completa con su amada, a la mañana siguiente la policía lo busca, acusándolo de un crimen que no ha cometido. Es acusado de asesinato y enviado a un lugar remoto colonia penal en la Guayana Francesa. Sin embargo, no tiene la intención de quedarse por mucho tiempo, y rápidamente se alía con el ave extraña Louis Dega, un consumado falsificador de documentos. 

El adinerado Dega ha introducido de contrabando un fajo de billetes en la prisión a través de los medios íntimos, y Papi ofrece su protección para obtener suficiente efectivo que lo ayudarán a ejecutar una audaz fuga. No obstante, al llegar a la prisión, se dan cuenta que salir de allí no es tan fácil como las cárceles comunes, pues sus intentos de fuga podrían llevarlos a enfrentar castigos como Confinamiento Solitario por años, vivir en la Isla del Diablo y trabajos forzados, sin dejar de mencionar que si matan a alguien, serían enviados a la guillotina. Es ahí donde Papi será persistente y demostrará que ningún castigo es suficiente para él lograr su cometido y obtener su libertad.

Esta historia posee una narración de ruptura de prisión sólidamente actuada y atractivamente filmada, cargada con toda la tragedia y el triunfo que puede reunir este género. Papi es obstinado, una virtud que lo energiza en su largo y fatigoso camino hacia la salvación. El sádico jefe de la prisión intenta de manera exhaustiva romper a Papi, y aunque su labio superior definitivamente no se endurece después de unos horribles años pasados ​​en confinamiento solitario, Papi se rehúsa desafiante a ser intimidado. Está encerrado en un juego brutal donde la libertad constantemente se aleja de él cada vez que comienza a recuperar el aliento, pero esto no parece detener sus planes. Es frustrante, lo cual es bueno en este caso: la tortuosa cercanía de la liberación hace que la audiencia participe de la difícil situación de Papi.

En contraste con el espiritú activo y violento de Papi, nos encontramos con un excéntrico y delicado Dega, quien está totalmente inadecuado para las exigentes condiciones de la prisión. Su vínculo con Papi se forma lentamente, logrado de manera mutua gracias a los momentos de gran importancia. A pesar de que Hunnam no es Steve McQueen, y Malek obviamente no es Dustin Hoffman, la pareja cuida de no exagerar su mano sentimental, permitiendo que la camaradería tome forma mientras ambos hombres se mantienen mutuamente a una distancia claramente machista.

Para una multitud moderna, la película funciona gracias a la cinematografía que resalta no solo la escenografía tan bien construida, sino también que hace énfasis en los abusos más crueles e inusuales de la dignidad fundamental a través de una falta total de supervisión debido a su ubicación remota, y del trauma que causan en cada uno de los prisioneros. El trabajo esclavo que los prisioneros son forzados a realizar, las humillaciones rutinarias y la violencia recreativa se sienten un poco más señalados en nuestra era de mayor conciencia sobre el insidioso complejo industrial penitenciario.

Los méritos de la película (que, por desgracia, no incluyen la originalidad) son evidentes. Hunnam y Malek mantienen su parte del trato y logran una química impresionante en pantalla. Noer, por su parte, se encuentra con ellos a mitad de camino conjurando una belleza de tonos dorados para los alrededores de la jungla, queriendo aprovechar cada ángulo y cada detalle como un mensaje metafórico de "libertad vs esclavitud". No complica demasiado las cosas por sí mismo, manteniendo el diálogo torpe al mínimo y centrándose en la luz que guía la indomable fuerza de voluntad de Papi.

A pesar de que yo no he visto la original y no puedo hacer mayores comparaciones que las que ya he resaltado, esta película logra su cometido con agarrar a la audiencia en esos momentos de desesperación y soledad, donde el mismo cuerpo humano se rehusa a querer seguir adelante, pero la perseverancia de un hombre es inacabable hasta que pueda lograr su cometido, sin importar cuantos años y abusos de por medio le cueste.

Z: La ciudad perdida (The lost City of Z)

Durante siglos, los europeos discutieron la existencia de una antigua civilización en la selva del Amazonas. A principios del siglo XX, el británico Percy Fawcett participó en una expedición tras otra, convencido de poder encontrar esta legendaria ciudad en cuya búsqueda han muerto cientos de hombres. En 1925, en su viaje más ambicioso y obsesivo, Fawcett desapareció en lo más profundo de la selva, al igual que todas las expediciones que han seguido su rastro. (FILMAFFINITY)

El explorador británico Percy Fawcett reaparece en esta adaptación de James Gray, basado en el libro homónimo de David Grann. 

La historia inicia en los primeros años del siglo XX, época en la que Fawcett pasó de ser comandante de batallas a explorador, designado por la Sociedad Geográfica Real (RGS), con el objetivo de explorar las junglas que dividen Bolivia y Brasil y determinar cuál sería la verdadera línea fronteriza de ambos países para evitar una posible guerra entre las naciones. En medio de su travesía, descubren posibles restos de una antigua ciudad aborigen, y regresando a Inglaterra, plantea sus descubrimientos, quedando en ridículo para algunos, pero de mucho interés para otros, lo cual motivó su siguiente viaje exploratorio que tenía como fin encontrar esa ciudad perdida, a la cual nombró como Z.

Además del papel como director, James Gray se pone los guantes de guionista y trata (de manera apasionada) contar todo el trayecto de Fawcett, desde sus primeros años en el RGS hasta su desaparición y la búsqueda incansable de su esposa por encontrar a Percy y su hijo. Esto significó entrar en temas como sus relaciones familiares, sus complejos, sus exploraciones y su participación en la Primera Guerra Mundial. El inconveniente con este tratamiento es que no logra enfocar la película en un género ni perspectiva específica. No se puede clasificar como biopic ni cine de aventura. No termina de desarrollar la historia en base a la búsqueda de la ciudad perdida de Z o de sus conflictos con su familia. Entonces abarcó tanto con demasiado que hizo la historia innecesariamente larga y en ocasiones aburrida.

Por otro lado, es una película visualmente atractiva, con un cuidado exclusivo en el manejo de la dirección de arte de acuerdo a las épocas en las que se fueron desarrollando cada trama, principalmente en las ambientaciones de los interiores (en las fiestas y reuniones). Las mejores escenas son recreadas en la jungla, donde se crea una atmófera de tensión impresionante, pues no nos imaginamos que ocurrirá: si serán atacados por una bestia o por salvajes. De igual forma, el final está bien cuidado, con una escena de la esposa de Fawcett saliendo de una oficina y se refleja como si caminara hacia la jungla, siendo un mensaje metafórico de que fue por igual atrapada por la selva, en espera de que le devolviera aunque sea los restos de su esposo e hijo.

A pesar del tratamiento confuso del guion, los personajes están muy centrados en su papel dentro de la historia, principalmente Charlie Hunnam, quien se encarga de encarnar a Percy y retratar las distintas etapas que tuvo que pasar antes de desaparecer, sin siquiera dejar un rastro. Al final, la historia logra dejar ese sabor en la boca de cuestionamiento sobre qué habrá ocurrido con Fawcett y si tendremos alguna secuela sobre este explorador.

Rey Arturo (King Arthur)

Arturo es un joven intrépido que dirige a su pandilla por los callejones de Londonium. Tras sacar la espada de Excalibur, se verá obligado a tomar algunas duras decisiones. Junto a una misteriosa mujer llamada Guinevere, deberá aprender a manejar la espada, vencer a sus demonios y unir al pueblo para derrotar al tirano Vortigern, quien robó su corona y asesinó a sus padres antes de convertirse en rey. (FILMAFFINITY)

Hace más de 10 años, la película "La espada en la Piedra" (Disney, 1963) me enseñó la historia de un niño llamado Arturo, quien era huérfano, vivía con unos dueños de una posada y fue el único que logró sacar a Excalibur de la piedra en la que estaba clavada. Ahora Guy Ritchie lo revive, pero con una tonalidad totalmente diferente al cuento con el que crecí.

En esta ocasión, quien logra sacar la espada no es un niño Arturo, sino uno adulto, que creció en un burdel, fue entrenado para pelear y creó su propia pandilla. Pero, este hombre también desconocía la existencia de Excalibur y su función si la sacaba de la piedra. Sin duda, los guionistas no respetaron la verdadera literatura sobre el personaje y decidieron mostrar una historia más adulta, complementada por la fantasía, la brujería y la intervención de la naturaleza entre estos dos aspectos. Mas, esto no quiere decir que la trama decepcione; muy por el contrario, se adapta a mis gustos cinematográficos.

Aunque cada personaje tuvo su momento de fama, quien en realidad destaca (como lo dice el título de la película) es Charlie Hunnam, gracias a las irónicas líneas y la rebeldía inagotable del personaje de Arturo. Es aquí donde los guionistas cumplen su cometido y resaltan el nombre de esta leyenda literaria. Por otra parte, el villano Vortigern, interpretado por Jude Law, se quedó estancado en el sentimentalismo del personaje y no dejó que se destacara un poco más como lo que verdaderamente era: un padre, esposo y rey cínico que solo le importaba ser el más poderoso de todo Camelot; le faltó más cinismo y acción real.

Uno de los aspectos que me incomodó de la trama fue la ausencia de Merlin, un personaje MUY importante en la historia de Excalibur; sin embargo, no queda totalmente ausente, pues tiene una referencia en alguna escena de la película. Aún así, debió ser un personaje principal, y más por el tipo de Arturo que se presenta aquí. 

Esta película nos recuerda el estilo bien marcado de Guy Ritchie, con los cortes de edición y movimientos de cámara veloces, presentando un entrejuego de escenas de flashbacks y flashforwards que obliga al espectador a estar atento a cada momento, pues podrían perderse de información esencial sobre el protagonista y la historia en sí. La banda sonora y el montaje cumplieron roles muy importantes en este filme, pero en ocasiones los efectos visuales parecían excesivos en las escenas bélicas, pues distorsionaban la imagen y no se entendía exactamente lo que estaba ocurriendo.

King Arthur no decepcionó las expectativas que tenía, pero me trajo otra visión de un personaje de mi niñez, que ahora se ve corrompido por un Camelot más oscuro y que tiene el propósito de enamorar con su rebeldía y sus deseos de proteger y vengar a sus seres queridos.