Crítica Cinéfila: Fast & Furious 9

Dom Toretto (Vin Diesel) lleva una vida tranquila con Letty y su hijo, el pequeño Brian, pero saben que el peligro siempre acecha. Esta vez, esa amenaza obligará a Dom a enfrentarse a los pecados de su pasado si quiere salvar a quienes más quiere. El equipo se vuelve a reunir para impedir un complot a escala mundial, liderado por uno de los asesinos más peligrosos y mejor conductor a los que se han enfrentado; un hombre que además es el hermano desaparecido de Dom, Jakob (John Cena).

¿Es demasiado ingenuo pensar que las películas Fast & Furious pudiesen volver a ser sobre autos calientes, goma quemada y la unión familiar que puede existir entre policías y ladrones? Esta es una saga que comenzó con un grupo de delincuentes no tan malos que robaban envíos de reproductores de DVD; ahora, en el F9 de Justin Lin, literalmente están lanzando autos al espacio. A menos que FasTen implique un viaje en el tiempo, es difícil ver cómo esta franquicia podría superarse a sí misma, y ​​en base a los resultados a menudo aburridos, parece una tontería intentarlo.

En su mejor momento, estas últimas películas rápidas de salvar el mundo han permitido a los espectadores emocionarse con las acrobacias incluso mientras se reían a carcajadas de lo absurdo que son. Pero en F9, los posibles motivos para desistir y las emociones son en su mayoría sin permiso, y los dotes son simplemente demasiado estúpidas para aceptar.

¿Qué pasa con la acción tan emocionante que palpita? Al principio, nuestros héroes, en varios vehículos diferentes, se encuentran en medio de una persecución bastante aburrida a través de la vegetación de la isla de Montequinto. Finalmente llegan a uno de esos interminables puentes que se extienden hechos de cuerdas y listones de madera. Cuando el primer automóvil pasa por encima de él, dejando el puente cayendo a pedazos a su paso, es probablemente el punto culminante de suspenso de la película. Luego, Toretto se acerca a lo que ahora es un cañón de una milla de ancho y lo cruza, conduciendo de alguna manera su automóvil para que se enganche en el remanente de cuerda colgante del puente, que actúa como una honda. La escena es tan ridícula que es como si los cineastas estuvieran diciendo: "Pongamos lo que habría sido el gran clímax de 'Rápidos y Furiosos 4' en la primera media hora". Suficientemente bueno. 

Un problema más serio con la película es que, si bien tiene un estándar, ¿es este el fin del mundo tal como lo conocemos? ¿Puede el villano juntar las dos mitades de una pequeña cúpula geodésica llamada Proyecto Aries, que le permitirá controlar todas las computadoras y sistemas de armas avanzados del mundo? Mucho de lo que sucede en "F9" se siente estancado en el pasado.

Ese villano, por ejemplo, es el hermano de Dominic Toretto de Vin Diesel. En una serie de flashbacks, vemos cómo ambos, cuando eran adolescentes en 1989, vieron a su padre, conductor de autos deportivos, volar en pedazos en un accidente de alto vuelo durante una carrera de velocidad en California. A partir de ese momento, los hermanos se distanciaron (la razón por la que ocurrió el accidente es la razón), con Dom, interpretado de niño por Vinnie Bennett, creciendo para convertirse en el leal gruñón con cúpula cromada de la velocidad de inyección de combustible a la que hemos llegado a conocer y amar, y su hermano, interpretado como un niño por Finn Cole, creciendo para convertirse en el celoso y petulante Jakob (John Cena), que quiere gobernar el mundo para superar a su hermano mayor.

Hace un tiempo se filtró que la nueva película de Rápidos y furiosos, “F9”, presentaría una secuencia ambientada en el espacio, un escenario que sonaba, en el papel, como si fuera la culminación lógica de todos esos espectaculares desafíos que desafían la gravedad y saltos que los coches de esta serie están dando constantemente. Roman (Tyrese Gibson) y Tej (Chris “Ludacris” Bridges), quienes han estado discutiendo durante toda la película, están al volante de un Pontiac Fiero rojo que ha sido equipado con un lanzacohetes. El coche está enganchado a la parte trasera de un transbordador espacial, que se prepara para ponerlos en órbita. La secuencia se convierte en pura comedia. Roman, con su escepticismo de "tienes que estar bromeando", y Tej, con su curiosidad basada en los números, son un dúo divertido, y eso está bien, pero mientras los dos se dirigen al espacio, con envoltorios de dulces ingrávidos que vuelan alrededor del automóvil, la misma audiencia podrá admitir que es una misión que no es plausible ni necesaria.

En ese momento, no hay duda de que la película se acerca a lo que ocurrió con Jaws 3. Por un lado, están sucediendo demasiadas cosas aparte de ese interludio de campo espacial casi ridículo. Pero no estoy seguro de si ese es el tipo de decisión cercana por la que “F9” quería ser recordado. La secuencia espacial no dura demasiado y no pretende ser importante. 

Más allá de eso, la película sigue mirando hacia atrás, a todas las relaciones de equipo de espías como familia que la serie ha establecido, y a un personaje clave que pensamos que había fallecido. Se podría decir que cuando una serie de películas de gran éxito tiene 9 películas y dos décadas de antigüedad (“Rápido y furioso” celebrará su vigésimo aniversario en solo un mes), se ha ganado con creces el derecho a mirar hacia atrás. Pero la forma en que las franquicias generalmente funcionan es que las buenas secuelas miran hacia adelante, o al menos se fijan en el presente. En los años 80, cuando Hollywood se estaba volviendo loco por las secuelas pero aún no había descubierto cómo hacerlo, muchas secuelas malas (como “Poltergeist II” y "Rambo III” y “Back to the Future II”) pasaron demasiado tiempo meditando sobre lo que ya había sido. Esa era la forma en que las películas decían a la audiencia: "¿Recuerdas cuando todos hicieron de esto un éxito?" Rara vez es una estrategia eficaz.

La última película de “Rápidos y furiosos”, “El destino de los furiosos” de 2017 (sin contar el spin-off mano a mano “Regalos rápidos y furiosos: Hobbs & Shaw”), tenía un timbre en tiempo presente y el gancho de un buen thriller de espionaje, con Toretto preparado para parecer que había traicionado a sus camaradas. El director, F. Gary Gray, hizo un trabajo sensacional y elegante. "F9" está dirigida, una vez más, por Justin Lin, quien puso su extravagante sello en "The Fast and the Furious: Tokyo Drift" e hizo las siguientes tres entradas de la serie, pero considerando que "F9" es la quinta y la primera en ocho años, pasa por los movimientos con más energía que embriaguez.

“F9” presenta varias secuencias en las que un camión que contiene un imán superpoderoso recorre las calles de Londres atrayendo todo tipo de metales, incluyendo automóbiles. La película también tiene mucho combate cuerpo a cuerpo que ocurre a bordo de vehículos a alta velocidad. ¿Por qué se supone que esto es emocionante? Lo entiendo cuando los luchadores están en el techo de un autobús, pero cuando simplemente se golpean entre sí dentro del recipiente vacío de un camión militar, bien podríamos estar viendo una película sobre ruedas de Jean-Claude Van Damme. Jakob de Cena se une a varios otros malos: el regreso de Charlize Theron como Cipher, elegante como una tigresa, más el milenario de Eurotrash Otto (Thue Ersted Rasmussen), que está financiando todo. Pero incluso con los tres, la amenaza que representan se siente genérica.

A veces, cuando menos lo esperas, una franquicia exitosa se transformará esencialmente en una saga diferente. Con el tiempo, las películas de “Misión Imposible” se convirtieron en películas de Bond. Y ahora, las películas de “Rápidos y furiosos” se han convertido en películas de “Misión Imposible”. Pero "F9" no se construye en torno a una misión emocionante. Está construido alrededor de Vin Diesel y John Cena interpretando la angustia del pasado de los hermanos Toretto. La trama familiar "funciona" (incluso si eres consciente de lo poco escrito que está el personaje de Cena), pero no es un ancla suficiente; es más como una excusa. Esta saga no necesitaba más "corazón". Necesitaba que todos en pantalla se pusieran al día.

Crítica Cinéfila: The Handmaid's Tale, 4ta temporada

June contraataca a Gilead como una feroz líder rebelde, pero los riesgos que corre le traen nuevos desafíos inesperados y peligrosos. Su búsqueda de justicia y venganza amenaza con consumirla y destruir sus relaciones más queridas.

ESTA CRÍTICA ESTÁ REPLETA DE SPOILERS

La cuarta temporada de The Handmaid's Tale comenzó a emitirse en Hulu en abril de veintiuno, y alteró drásticamente el curso del verano. 

Desde el principio, el drama de Hulu The Handmaid's Tale ha sido galardonado y aclamado por la crítica, pero nunca ha sido inmune a las críticas. Esto es especialmente cierto en el aspecto que resulta más alienante para muchos: la incesante brutalidad puesta en pantalla para dejar en claro que el mundo distópico de Gilead no está jugando. En esta realidad alternativa en la que Estados Unidos ha caído bajo el control de extremistas religiosos, no ha habido muchas esperanzas disponibles para quienes intentan escapar de la nueva sociedad. Pero si bien la cuarta temporada no pretende que el mundo sea de repente un lugar mejor, de alguna manera crea la sensación de que tal vez los sueños de un futuro mejor no sean totalmente imposibles.

The Handmaid's Tale comenzó como una adaptación relativamente sencilla, centrándose en June (Elisabeth Moss), una mujer valorada solo por su habilidad cada vez más rara y valiosa para gestar niños que luchan por sobrevivir al régimen de pesadilla en el poder. Sin embargo, durante cada temporada posterior, el mundo de la serie se ha expandido mucho más allá del marco del texto original de Atwood, mientras que June también ha evolucionado del papel de superviviente a luchadora, encontrando formas cada vez más fuertes de rebelarse contra las fuerzas que la han convertido en una prisionero del estado.

La familia de Gilead ha sido aún más afectada que en cualquier otra temporada. Esta entrega de The Handmaid's Tale establece la temática de cómo avanzamos en tiempos de intenso trauma, cómo buscamos la justicia y qué significa sanar. Y en eso se enfoca el episodio final sobretodo. 

Tras luchar por derribar a Gilead desde dentro y después de sobrevivir por poco a una herida de bala al principio de la cuarta temporada, June consigue llegar a Chicago y es llevada a Canadá, donde se reúne con Moira, Luke y su hija Nichole. Sin embargo, la reincorporación a la vida ordinaria resulta increíblemente difícil para June, lo que hace que sus seres queridos y los espectadores se pregunten cómo podría ser la curación y la superación de Gilead para ella. June sigue preocupada por rescatar a su hija mayor, Hannah, de las garras de Gilead y anhela vengarse de quienes la oprimieron directamente durante su época de sierva, especialmente los ahora encarcelados Fred y Serena Waterford. Aunque los Waterford empezaron la temporada enfrentados, se ven obligados a volver a unirse para idear su liberación de las autoridades canadienses después de que Serena descubra que está embarazada de alguna manera. Pero su libertad es precaria y, por lo tanto, la ven como un ideal, y este se convierte en el tema de muchos personajes que luchan por esa sensación de liberación.

A medida que la temporada explora el viaje y las experiencias de June, Gilead vive dentro de sus víctimas. Incluso después de escapar de sus fronteras, June se ve consumida por el deseo de venganza, desprendiéndose emocionalmente de sus seres queridos para planear el derribo de los Waterford como una forma de vengarse de Gilead en su conjunto. Al final, cuando June se entera de que Fred y Serena probablemente serán liberados por haber entregado al gobierno canadiense secretos de inteligencia de Gilead, toma el asunto en sus manos y organiza la captura de Fred y su traslado a "no man's land" entre Canadá y Gilead. Recreando el salvamento, June y otras antiguas siervas matan brutalmente a Fred en el bosque y dejan su cuerpo colgado en la pared. Sin embargo, June podría enfrentarse a consecuencias personales desgarradoras por su plan de venganza e incluso le dice a Luke que se irá cuando se da cuenta de lo que ha hecho. Tiene poderosos contactos dentro de Gilead, como el comandante Lawrence y su amante Nick Blane, que podrían llevarla a Hannah. Pero su trauma autodestructivo no medicado podría impedirle provocar un cambio real. La necesidad de venganza de June es comprensible, pero podría conducir a horribles ramificaciones en el camino. 

Aunque Serena y Fred se ven obligados a mantener un frente unido a lo largo de la cuarta temporada con la esperanza de escapar de la custodia canadiense y vivir libremente con su hijo no nacido, su relación se vuelve aún más tensa a medida que avanza la serie. Fred tiene un renovado interés en Serena ahora que está embarazada de su hijo, mientras que Serena se siente conmovida por los manifestantes pro Gilead que la aplauden de camino al testimonio de June. 

Los conflictos personales de los Waterford siempre han mostrado cómo las personas que trabajan directamente para mantener las estructuras patriarcales suelen verse perjudicadas por las mismas leyes y expectativas que ayudaron a crear. Esto cierra el círculo en la cuarta temporada cuando Serena se enfrenta a la posibilidad de ser separada de su hijo al nacer y de ser convertida en una sierva en caso de volver con Gilead, como un oscuro espejo de la violación a June por parte de Serena y su intento de robar a Nichole como propia. Fred, que se esconde detrás de la caballerosidad y la bondad teológica para encubrir su misoginia sin sentido, es finalmente derribado por su propia ceguera ante las capacidades y complejidades de las mujeres. Se deja engatusar fácilmente por June para que crea que aún le importa y es asesinado mediante un ritual Gilead que él mismo ayudó a crear. En la próxima temporada, Serena se encontrará por primera vez verdaderamente sola, mientras se enfrenta al mundo que eligió para sí misma y a cómo subyugó a otras mujeres en el proceso. 

La cuarta temporada de The Handmaid's Tale pasa menos tiempo en Gilead que cualquier otra. Pero las escenas que hay refuerzan lo precario que es el rígido sistema del país y cómo esta incertidumbre afecta a la siguiente generación. Un nuevo personaje recurrente es Esther, una esposa de 14 años que espera vengarse de los comandantes que la han agredido brutalmente. Es castigada y convertida en sierva junto a la amiga de June, Janine. Pero la tía Lydia pierde rápidamente el control sobre las siervas, que se resisten a ella con una huelga de comida. La quinta temporada podría marcar una revolución artesanal total si las cosas van bien en Gilead. Los hombres que quedan en Gilead también se debaten entre permanecer con su nuevo y rocoso país o aceptar la creciente revolución. El comandante Lawrence, que es el arquitecto original de Gilead, pide inicialmente 10 refugiados de Gilead a cambio de Hannah. Más tarde, va a contracorriente y la ayuda a destruir a Fred. Y Nick sigue trabajando para Gilead durante toda la temporada, pero aparentemente deserta tras reunirse con June y su hija. 

El arco del personaje de June muestra cómo el trauma no procesado puede consumirte y cambiar tu percepción del mundo de forma importante para los seres queridos en Canadá, pasa la temporada intentando encontrar nuevas formas de avanzar. Ella ha notado cómo sus personas más cercanas han seguido adelante: Luke, Moira y Emily siguen trabajando para ayudar a los refugiados de Gilead a entrar en Canadá y comenzar una nueva vida fuera de la teocracia. También ayudan a criar a la siguiente generación, ya que Luke y Moira son los principales cuidadores de Nichole y Emily sigue reconectando con su hijo Oliver. Moira también tiene una segunda oportunidad en el amor a través de su floreciente relación con su testarudo compañero de trabajo. Mientras tanto, una Rita recién liberada lucha por desaprender todos los comportamientos que Gilead le ha enseñado, como su tendencia automática a servir a la gente a través de la cocina y las tareas domésticas. Los amigos y la familia de June luchan por la posibilidad de un mundo post Gilead, pero los personajes más adaptados siguen luchando por aceptar que ese mundo quizá nunca exista realmente, un viaje que seguramente continuará en la próxima temporada cuando los personajes se enfrenten a la nueva sociedad que han trabajado para construir juntos.

La gente me mira raro cuando cuando me identifico como fan de The Handmaid's Tale. Pero aún así nunca dudo en describirla como una de mis series favoritas, pues además de que he visto todos los episodios de la serie varias veces, he leído el libro en el que se basa, y el sentimiento de revolución que inspira es una obsesión de toda la vida. Ahora, con este cierre agresivo, solo queda más sed por otra entrega (quizás igual de violenta que esta). La quinta temporada está destinada a llevar a los personajes de The Handmaid's Tale al borde del desafío. Cómo podría ser exactamente la libertad en un mundo de violencia patriarcal. Si es así, bienvenida sea.

"Blessed be the vengeance".

Crítica Cinéfila: Luca

La historia se desarrolla en un hermoso pueblo al lado del mar en la Riviera Italiana. Es la del crecimiento de un niño que experimenta un verano inolvidable con helado, pasta e interminables viajes en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un gran secreto: es un monstruo marino de otro mundo ubicado justo debajo de la superficie del agua. 

En 2012, Pixar lanzó "Brave", la poco convencional "película de princesas" ambientada en las Tierras Altas de Escocia, y con ella llegó "La Luna". Después de ver el corto de 7 minutos, “La Luna”, fue difícil concentrarse en la función. Es uno de los mejores cortometrajes de Pixar, lleno de un gran encanto, temas dinámicos sobre la unión familiar, la importancia de un trabajo bien hecho, y con un estilo distintivo que lo distingue no solo de otros cortometrajes de Pixar sino también de sus características. Ahora, diez años después del debut del cortometraje, el cineasta detrás de "La Luna”, Enrico Casarosa, finalmente ha presentado su ópera prima en Pixar, "Luca". Y como "La Luna”, es mágico, emotivo y diferente a todo lo que el estudio ha hecho antes. Si el cortometraje anunció a Casarosa como uno de los narradores más originales y distintivos del estudio, “Luca” lo confirma.

“Luca” tiene lugar en la Italia de la posguerra, en las aguas de una pequeña ciudad ficticia llamada Portorosso. Es en estas aguas donde vive, trabaja y tiene familias de una especie de monstruo marino. (Su aspecto es como una linda versión de las bestias que se ven en "The Shape of Water"). Un joven de una familia de monstruos marinos, Luca (Jacob Tremblay), anhela escapar de su existencia monótona. Esa fuga se presenta en forma de un encuentro casual con Alberto (Jack Dylan Grazer), un monstruo marino de su edad que se ha instalado en una isla cercana. Alberto le enseña a Luca que cuando sale del agua, se transforma en un humano y puede caminar entre ellos (si vuelve al agua o se salpica, vuelve a su forma acuática). Juntos, hacen un plan audaz para visitar Portorosso, a pesar de que es una pequeña comunidad obsesionada con la pesca (y profundamente desconfiada de las criaturas de las profundidades, gracias a las leyendas locales sobre monstruos marinos), donde obtendrán una Vespa y viajarán por el resto del mundo humano. También en la agenda: comer toneladas de helados y pastas.

En lo que respecta al alto concepto, “Luca” es una de las mejores en cuanto a las presentaciones adorables de Pixar. Presenta un acertijo identificable (los padres sobreprotectores de Luca, interpretados por Maya Rudolph y Jim Gaffigan, quienes prohíben su intento de aventurarse), inmerso en el marco de una fábula clásica (en la línea de algo como "La Sirenita"), con lo suficientemente moderno en su trama y las complejidades temáticas para mantenerlo atractivo y contemporáneo. Si esta ingeniosa presunción fuera todo lo que "Luca" hizo especial, sería bastante fenomenal. Afortunadamente, sin embargo, hay mucho más debajo de la superficie.

Por un lado, está el aspecto único de la película. Casarosa ha dicho que se inspiró en una variedad de estilos de animación, incluida la animación stop-motion del estudio británico Aardman y, por supuesto, la animación tradicional de Studio Ghibli y su cineasta estrella Hayao Miyazaki. Los personajes mismos tienen un aspecto mucho más exagerado y caricaturesco. Sus movimientos a menudo se recortan o empujan de maneras que son muy diferentes de una función tradicional de Pixar, que a menudo se inclina por el lado del realismo.

"Luca" está más interesado en la verdad emocional, en la forma en que algo se siente y en cómo se ve. Y la estilización algo intensificada nunca se interpone en el camino de esas emociones; en todo caso, los eleva. También le permite a Casarosa y su equipo ir más allá en términos de intensidad sin dejar de mantener una clasificación PG apta para familias (en particular, hay una escena en la que un matón local se vuelve físico que hubiera sido mucho más sorprendente sin esta estética). Hay un suave surrealismo en la película, tanto en la apariencia como en la narración que ocasionalmente se desplaza hacia el territorio de los sueños (Casarosa también ha citado a Federico Fellini como una influencia). A diferencia de "Soul" que separó el reino fantástico del nuestro, "Luca" tiene éxito al hacer que el mundo real sea más mágico.

También está la relación en el corazón de "Luca" que lo distingue. Se ha hablado mucho de las similitudes de la película, al menos superficialmente, con "Call Me By Your Name", otra historia ambientada en una Italia soleada. Su cineasta ya ha descartado las similitudes por completo, sin embargo la comparación existe de manera impresionante. Nunca está implícito explícitamente que las criaturas marinas tengan sentimientos el uno por el otro, pero su relación es claramente más romántica que cualquier otro dúo de Pixar del mismo sexo que no coincida. Y mientras los cineastas afirman que no hay nada ahí, existe una clara sensualidad en la forma en que interactúan los personajes, en sus miradas y toques. También está el tema de que "Luca" es una historia sobre cómo ocultar quién eres de quienes te aman (como la familia humana con la que se enganchan los chicos, incluida una niña que crea fricciones entre Alberto y Luca) debido a los temores dominantes de ser rechazados o repudiados. Es aceptación, no una Vespa nueva y reluciente, lo que los chicos anhelan con tanta desesperación, entre ellos, sus familias y la comunidad que los rodea. Ahora, metafóricamente hablando, este escenario se puede aplicar a muchas experiencias; la especificidad de la relación de Alberto y Luca la hace universal.

Vale la pena señalar que "Luca" no se desvía de la tradición de Pixar en un área clave: tiene un final absolutamente devastador que te dejará destrozado y probablemente sollozando. La relativa simplicidad de la historia de "Luca", sobre todo viniendo tan pronto después del "Soul" filosófico, le da este poder único. Hay momentos en los que indudablemente llorarás solo por la pura belleza de lo que estás viendo, no solo por la animación (con su trabajo de diseño, iluminación y fotografía virtual de primer nivel) sino por la alegría pura de la historia en sí. Esta película llenará tu corazón. Casarosa es un artista con una verdadera perspectiva, intrépido en sus impulsos creativos e ilimitado en su compasión, y “Luca” es una expresión pura de estas sensibilidades.

Guión de Cinéfila: 3 reglas inquebrantables de escritura de guiones

Escribir un buen guión es difícil, lo sé.

Se necesitan muchos años de práctica para dominar el oficio, e incluso entonces, a veces sus esfuerzos pueden dirigirse hacia lugares equivocados.

Conocer la base de escribir una gran historia es de vital importancia, en realidad es el punto fundamental que conforma algunas de las mejores películas que existen en la actualidad. Una vez que domines estas 3 reglas, ya estarás a mitad de camino.

Fuerte deseo del personaje

¿Qué impulsa a tu personaje?

El protagonista necesita un claro deseo ardiente y en el camino de ese deseo un obstáculo que superar. Esta simple afirmación resuena en las mejores películas que conoces hoy.

Billy Elliot (Billy Elliot): Ser bailarín de ballet en una comunidad opresiva y anticuada.

Andrew Neiman (Whiplash): Convertirse en un gran baterista a pesar de su mentor sádico.

Lester Burnham (American Beauty): Liberarse de su vida aburrida y sin sentido.

Philippe (Intouchables): Sentirse vivo de nuevo después de quedar tetrapléjico en un accidente.

Y la lista continúa.

Haga que su audiencia se preocupe por su personaje

Más importante aún, ¿por qué su audiencia debería preocuparse por su deseo? ¿Cómo puedes hacer que les importe? ¿Es el deseo de tu personaje hacerse las uñas el fin de semana, o robar un banco para pagar la operación que salvará la vida de su madre?

Un personaje activo necesita un objetivo fácilmente comprensible y empático, y también debe estar claro para la audiencia.

Un buen punto a tener en cuenta al crear el objetivo de tu personaje es que las personas se preocupan por las cosas con las que pueden relacionarse emocionalmente. Así que hazlo identificable, haz que cuente en la historia.

Estructura a buen ritmo

Las estructuras de escritura de guiones tienen muchas formas y tamaños ; no hay un método que se adapte a todos. La estructura es la base de la narración y, aunque muchos han afirmado romperla, siempre existe en el trasfondo de toda narrativa fuerte.

Tomemos, por ejemplo, la película debut de Christopher Nolan, Memento . La línea de tiempo no aparece en la estructura lineal típica de tres actos, en realidad se reproduce al revés para hacer que la audiencia sienta una sensación de amnesia; similar a la que está atravesando el protagonista.

Incluso cuando rompemos esta complicada estructura, la progresión y los puntos de la trama aún mantienen un ritmo narrativo sólido y tradicional.

Una película no estructurada es caótica y se requiere organización para garantizar que tenga sentido para la audiencia. También ayuda a mantener el ritmo de la narrativa para no sobrecargarse con la información o, por el contrario, demasiado simple.

Aquí hay algunas estructuras populares y mis favoritas que se sabe que son la base de casi TODAS las grandes historias:

El Viaje del Héroe de Christopher Vogler

La Estructura de tres actos de Syd Field

Las Ocho secuencias (el estilo de Hollywood)

¡NO escribas un protagonista pasivo!

Seamos realistas, ¿quién quiere ver una película sobre un personaje que se está abriendo camino en la vida sin una personalidad u objetivo intrigantes…? ¡esto sería aburrido!

Imagina que estás atrapado en un largo viaje en coche con tu protagonista. ¿Sería alguien que te hizo reír / gritar / sonreír o sería alguien que ni siquiera te diste cuenta que estaba en el auto?

Desarrollando un personaje interesante

Hay muchas facetas de un personaje bien desarrollado e interesante, ya sea que posee rasgos de carácter deseables o indeseables, todos serán interesantes y atractivos de ver.

Aunque el coraje y el desinterés por el conflicto de la historia son posibles rasgos para darle a tu protagonista, también puedes encajarlos con complejidades haciéndolos neuróticos o difíciles. Entonces pregúntese, ¿qué rasgos son interesantes de observar? Obsesivo, compulsivo, adicto (¿drogas, alcohol, sexo?), con cicatrices mentales (TEPT), francamente nihilista, impulsivo, asustado, demasiado entusiasta.

¡Es posible que ahora hayas comprendido que todos estos rasgos de carácter son extremos! La razón de esto es que los rasgos más pasivos, como la depresión o la tristeza, no son tan interesantes de ver.

SUGERENCIA: Los rasgos de tu personaje no tienen por qué ser deseables. Pero tienen que ser valientes o interesantes ​​a lo largo de tu historia o en algún momento de la transformación de su personaje.

El egoísmo y la codicia son siempre rasgos muy difíciles de ejecutar si no son fugaces dentro de tu protagonista. La razón de esto es que hace que sea mucho más difícil inspirar empatía dentro de su audiencia.

Conclusión

En general, si desea escribir un guión sólido, no puede equivocarse mucho si implementa estas reglas:

Haz que tus personajes sean interesantes y únicos.

Escriba un deseo de carácter fuerte y con el que se pueda relacionar que su audiencia se preocupe.

Estructura tu historia, incluso vuelve a las antiguas teorías de la estructura narrativa si estás luchando por mantener el ritmo de tu guión, ¡siempre funcionan!

Crítica Cinéfila: A Quiet Place Part II

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

¿A quién (que sea fanático del cine de terror/scifi) no le gustó "A Quiet Place" de 2018? Todo el que tuvo la oportunidad de ir al cine a ver esta primera película de John Krasinski reconoce que fue una experiencia cinematográfica increíble/terrorífica, por eso no es duda que para este verano - un año después de que originalmente debía estrenarse - el director John Krasinski nos está dando lo que realmente nos hemos estado perdiendo durante toda esta pandemia: monstruos alienígenas con gruñidos, pesadillas y colmillos temibles que llenan una pantalla grande de tensión silenciosa.

La secuela de ciencia ficción y terror de supervivencia "A Quiet Place Part II" no está a la altura de la sensación refrescante o la novedad innovadora del éxito original de 2018, donde el silencio es verdaderamente dorado en una existencia postapocalíptica llena de criaturas ciegas que atacan cosas ruidosas y humanos más ruidosos. Pero las criaturas siguen siendo extrañas, los paisajes sonoros siguen siendo interesantes, Emily Blunt continúa elevándose a un nivel Sigourney Weaver, y esta vez la historia expande el mundo, además permite que los niños se hagan cargo de algunas de las aventuras de vivir o morir. También funciona como una solución escalofriante para el público que vuelve a abrir los cines.

El seguimiento se remonta al primer día de la invasión en un prólogo asombroso y desconcertante: un día de baseball de ligas pequeñas en un pueblo pequeño se convierte en una carnicería absoluta y un caos cortesía de las bestias extraterrestres que acaban de llegar a la Tierra, y la familia Abbott, incluido su padre Lee (Krasinski), la madre Evelyn (Blunt), la hija sorda Regan (Millicent Simmonds) y su hijo Marcus (Noah Jupe) - se quedan luchando por ponerse a salvo. La acción luego cambia al presente, el día 474, que comienza donde terminó la película original, con Evelyn y los niños (incluido su bebé recién nacido) empacando lo que pueden y partiendo después de que Evelyn derrotara a uno de los demonios y Lee se sacrificara para salvar a los niños.

Al menos han descubierto cómo matar a los monstruos que los cazan: la combinación que provoca la onda sonora del implante coclear de Regan y un amplificador hace que las criaturas levanten su armadura impenetrable, y luego un disparo de escopeta en la cara las aniquila. Pero después de permanecer con vida aislados en su granja, ahora los Abbott tienen que lidiar con lo mucho que ha cambiado el mundo, incluido sus compañeros sobrevivientes. Uno de ellos es Emmett (Cillian Murphy), un viejo amigo que perdió a toda su familia y se convierte en un aliado reacio después de que Marcus resulta herido cuando su pierna queda atrapada en una trampa para osos.

La familia navega por su nueva realidad, y eso significa averiguar en qué personas confiar, tomar algunas decisiones incorrectas y, en general, tratar de no morir.

Puede que Krasinski todavía sea un cineasta algo nuevo, pero este señor es un maestro en aumentar la tensión simplemente con el tintineo de botellas o el graznido de los pájaros en los momentos adecuados en un escenario que a menudo hace honor al nombre de “Quiet Place”. Y si no has estado en una sala de cine en 438 días, los sonidos más pequeños son aún más discordantes.

El egresado de "The Office" mantiene tu estómago tan tenso que harás un buen entrenamiento de abdominales durante las escenas en las que Regan se enfrenta a una criatura en un tren abandonado lleno de cadáveres (la pareja de Simmonds y Murphy lleva a las mejores escenas de la película) o cuando Marcus tiene para mantener a su hermanito a salvo de una muerte segura mientras se esconde en un horno. Por mucho que la primera película tratara sobre los padres que se convirtieron en héroes, “Part II” pone énfasis en la próxima generación que tiene que heredar lo que queda del mundo.

El nuevo "Quiet Place" no tiene nada de lujoso, ni es necesario: agregando algunas arrugas nuevas y saliendo de la claustrofobia al estilo "Alien", pero es una secuela sólida que sonará lo suficientemente bien para gente que, como los Abbott, también se está aventurando en un mundo que se siente un poco distinto.

Crítica Cinéfila: In the Heights

Basado en el musical de Broadway, sigue a un grupo de vecinos del barrio Washington Heights de Nueva York. El principal es Usnavi (Anthony Ramos), el simpático dueño de una bodega, criado por su abuela que sueña con volver algún día a su República Dominicana.

Como dominicana que ha vivido fuera de su país y que mes tras mes anhelaba volver para sentir ese calorsito, sazonsito y ese no-se-qué más que solo sabe dar la media isla, puedo decirles que "In The Heights" me llevó a lugares astrales inigualables. Obviamente, esto tiene mucho que ver por la obsesión profesional que tengo con Lin-Manuel Miranda (gracias a Hamilton y Moana), pero además de su talento incomparable de escribir lo que solo el inmigrante siente, esta película simplemente sabe tocar las teclas correctas para que cualquier latino la vea y diga "oh sí, así mismito yo haría".

Una versión cinematográfica de la primera obra ganadora de un Tony de Miranda, antes de superarse a sí mismo con "Hamilton", "In the Heights" captura el bullicio del buen caribeño, cambiando el multicultural vecindario de Washington Heights en Manhattan con una vertiginosa variedad de estilos de canciones y bailes, desde hip-hop hasta sazones musicales latinos. Las secuencias musicales entretienen mientras logra a la perfección mantener a los distintos personajes principales y sus historias entrelazadas en el medio. La película también ofrece un montón de caras nuevas y talentosas, un empujón más para el queridísimo Anthony Ramos y un recordatorio de que Jimmy Smits es mucho con demasiado. 

El alumno de “Hamilton”, Ramos, interpreta a Usnavi, el afable dueño de una bodega en la esquina interpretada originalmente por Miranda en Broadway. Queriendo una vida mejor para él y su compañero de trabajo y primo, el carismático Sonny (Gregory Diaz IV), Usnavi ha escatimado y ahorrado su dinero para poder regresar a la República Dominicana, incluso cuando tiene un enamoramiento no tan secreto por los locales de la chica de salón Vanessa (Melissa Barrera), una diseñadora de moda empedernida que quiere ascender en el mundo y salir de Washington Heights. Varios otros personajes y situaciones que les suceden, desde un boleto de lotería perdido por valor de $96,000 hasta un apagón que aprieta a la comunidad, hacen que Usnavi reconsidere su decisión de irse de Nueva York.

Kevin (Smits) es dueño del servicio de automóviles al otro lado de la calle donde trabaja el amigo de Usnavi, Benny (Corey Hawkins), cuando la hija de Kevin y el amor de Benny, Nina (Leslie Grace), regresa a casa desde Stanford por el verano, aunque un poco en pesar considerando que va a abandonar la escuela por sentirse excluida. Daniela (Daphne Rubin-Vega) y Carla (Stephanie Beatriz) son compañeras de vida que dirigen el salón, aunque el centro de cotilleo del barrio tiene que mudarse al Bronx, mientras que la Abuela Claudia (Olga Merediz) es la sabia figura materna para todos en la zona. Miranda, que también es productor, tiene un papel pequeño pero divertido como el travieso heladero ambulante de piragua.

El guión de Quiara Alegría Hudes (quien escribió el libreto para el musical teatral) coloca la historia de Usnavi como su trama central de la película, y la fuerte actuación multifacética de Ramos, su simpatía inherente y su sorprendente talento como bailarín -en serio, nos dejó a muchos SORPRENDIDOS- lo mantienen involucrado a través de los altibajos del dueño de la tienda así como el mismo seguimiento que él le da a otras tramas, como la salud de abuela Claudia, la llegada de Nina y el apagón general por las altas temperaturas.

Muchos pensarán que tratar a la mayoría de los personajes como protagonistas crea una falta de concentración a veces, lo que no conduciría a pasar tiempo de calidad con los diversos personajes coloridos y sus relaciones, además de todas las grandes secuencias musicales. Pero pasa todo lo contrario, logrando que en el transcurso de casi dos horas y media hora podamos darle un inicio, nudo y cierre apropiado a cada subtrama que seguimos con tanta pasión y musicalización.

Chu demostró ser bien atento y detallista “Crazy Rich Asians” y aquí hace muchísimo más con una cámara, coreografías creativas y melodías pegadizas, como la escena en la piscina con un baile de rap para la canción "96,000", o el club nocturno donde todos bailan salsa hasta que caen en el apagón para "Fiesta". 

El director también experimenta con la cinematografía: hay una secuencia realmente efectiva desde el principio en la que pone un primer plano en la cara de Usnavi mirando con nostalgia todos los demás personajes desde la ventana de una bodega mientras los artistas lo tocan en el reflejo circundante, y Nina y Benny comparten una gravedad romántica desafiando la danza a lo largo del costado de un edificio.

Todo el que conoce mis gustos cinematográficos sabe que "I'm a sucker for a good musical" y este musical de Lin-Manuel Miranda fue exactamente lo que necesitaba. No rehuye a abordar problemas de racismo e inmigración mientras modela las más hermosas banderas del Caribe; así como yo, los espectadores se verán inmersos en una historia llena de canciones y universalmente identificable sobre perseguir sueños y construir una comunidad, una historia para añorar las costumbres que dejamos atrás y el amor familiar que te da un barrio como este.

Guión de Cinéfila: "Show me, don't tell me"

De los productores de "escribe lo que sabes" y "escribir es reescribir", ya viene "mostrar, no contar".

Ese es uno de los adagios de escritura más conocidos y citados. También por una buena razón. Este es especialmente importante para los guionistas cuyo trabajo se completa primero en la página pero, en última instancia, se pretende que se vea en una pantalla. Pero, ¿qué significa realmente "muéstrame, no me digas"? 

En pocas palabras, significa que debes mostrar la información, la emoción y el subtexto de su audiencia en las acciones de los personajes en lugar de contárselo a través de una exposición de diálogo; resulta demasiado fácil decirlo que hacerlo. 

Diálogo expositivo
Le ha pasado a todo el mundo. Has estado completamente absorto en lo que sea que estés viendo cuando uno de los personajes dice algo tan descaradamente expositivo sobre algo que acabamos de ver o que vendrá proximamente, tan obviamente escrito, que inmediatamente arruina la magia de la escena. 

Sabes las líneas de las que estoy hablando. Piense en la escena en  Inception  donde Cobb (Leonardo DiCaprio) le explica cómo construir sueños a Ariadne (Elliot Page); ese es un vertedero de exposición verbal.

El problema con los diálogos expositivos como este es que en lugar de  mostrar  el sentimiento o la información en una escena, un personaje se lo dice a la audiencia para que la historia avance más rápido. Es el equivalente cinematográfico del mansplaining. 

Mostrar a través de la acción
La mayoría de las veces, "muéstrame, no me digas" se aplica a la acción. El cine es un medio visual, después de todo; se trata de lo que está en la pantalla. 

Los guiones se componen de dos elementos principales: párrafos de acción y diálogo de personajes. Así que... ¡utilice esos párrafos de acción! En lugar de que un personaje explique algo por el bien de la audiencia, muéstralo mediante la acción. El público preferiría deducir que un personaje odia a su jefe al verla escupir en su café. 

En cualquier historia, el escritor tiene una cantidad infinita de información para transmitir a la audiencia: historias de fondo, personalidades, situaciones de la vida y detalles relevantes para la trama. Y mucha de esa información se puede revelar a través de pequeños detalles visuales en lugar de diálogos o acciones. 

Piensa en Juno MacGuff, interpretada por Elliot Page. ¿Nos enteramos de que era peculiar, ruda e ingeniosa a través de otros personajes que decían: "¡Wow Juno! Eres tan peculiar, rudo e ingenioso"? No. Aprendemos esto a través del diálogo y la acción, claro, pero quizás el método más genial que usó el director Jason Reitman fue el diseño del escenario de la habitación de Juno, como las paredes, las chucherías que se comía y ese teléfono de hamburguesa.

Piense en lo que alguien podría descifrar sobre sulapersonalidad y experiencia de vida de su personajes con tan solo mirar su apartamento o su oficina. Hay un inmenso poder en los pequeños detalles, especialmente cuando se trata de mostrarte y no contarte. 

Ponlo en practica
¿Se pregunta cómo probar su guión para "muéstrame, no me digas"? 

Bueno, ni siquiera se preocupe por mostrar y no contar en su primer borrador. Todos escribimos esas repugnantes líneas expositivas cuando solo estamos tratando de sacar la historia a la página. Es una necesidad para escribir guiones. 

Pero cuando llegues a la etapa de revisión, haz dos pasadas a través de tu guión con mostrar y no contar en mente. 

Primero mire cada línea de diálogo y pregúntese: "¿Esto dice lo obvio? ¿Estoy comunicando algo que se presentaría mejor de otra manera?" Luego, repasa cada escena para ver si tus personajes transmiten la emoción, la información y el subtexto de tu historia a través de sus acciones. 

Tu guión y tu audiencia te lo agradecerán.

Crítica Cinéfila: The Underground Railroad

Cora es una joven esclava de una plantación de algodón en Georgia. Abandonada por su madre, vive sometida a la crueldad de sus amos. Cuando César, un joven de Virginia, le habla del ferrocarril subterráneo, ambos deciden iniciar una arriesgada huida hacia el Norte para conseguir la libertad. 

Ha habido varios dramas recientes que describen la experiencia de la esclavitud. Pero esta hermosa y ardiente adaptación de la novela de Colson Whitehead se destaca. Lo visible y lo invisible, el realismo y la fantasía se encuentran en esta hermosa y ardiente serie del director Barry Jenkins. El verdadero ferrocarril subterráneo, la red histórica de personas y casas seguras del siglo XIX que ayudó a los esclavos a escapar, se convierte en una línea de tren física y literal que lleva a la gente a un lugar seguro. Jenkins enfatiza tanto el duro realismo físico del libro como sus inventos, dándoles forma en su estilo distintivo. 

Como en Moonlight (ganadora del Oscar), y If Beale Street Could Talk (nominada a Mejor Guión adaptado), cada imagen está elegantemente compuesta, brillando con imaginación y compasión. El personaje principal, Cora, hace varias paradas en la ruta del ferrocarril mientras huye de la esclavitud en una plantación de Georgia, perseguida obsesivamente por un cazador de esclavos llamado Ridgeway. Mientras lo hace, un flujo de imágenes poéticas (un árbol arde con fuego o permanece desnudo en el paisaje) convive con representaciones ocasionales de esclavos azotados y torturados.

En el primer episodio, esa descripción inquebrantable de la vida en una plantación podría traer a la mente los 12 años de esclavitud de Steve McQueen, pero McQueen y Jenkins son artistas muy diferentes. Aquí Jenkins establece el mundo de Cora antes de moverse en una dirección más fantástica. Al principio, Cora, interpretada con gran seguridad por la actriz sudafricana Thuso Mbedu, está rodeada de brutalidad pero acepta su destino. A lo largo de la serie, las escenas de esclavos azotados, ahorcados y quemados son tanto más efectivas por ser utilizadas con tanta prudencia.

Finalmente, Cora huye de la plantación con su amigo Caesar (Aaron Pierre). Es uno de los muchos personajes que muestran la variedad de actitudes entre los esclavizados, diciendo "no seré criado como ganado". Ridgeway (Joel Edgerton, en otra de sus actuaciones silenciosamente intensas) está decidido a encontrar a Cora porque no ha logrado capturar a su madre, quien desapareció de la plantación cuando Cora era una niña, un abandono que la dejó tan angustiada y enojada con la que sueña constantemente.

Leer acerca de un ferrocarril subterráneo literal es una cosa, pero verlo en la pantalla acerca la metáfora un paso más a la realidad. Jenkins encuentra un equilibrio al hacer que el ferrocarril sea físicamente creíble pero a veces fantástico. Una de las estaciones no es más que un túnel oscuro y un vagón de mano. Pero en un sueño, Cora entra en una estación grande y reluciente llena de gente, donde el personal uniformado espera detrás de un mostrador de boletos.

Su primera parada al salir del ferrocarril es una ciudad brillante y urbana en Carolina del Sur, donde un grupo de personas blancas educa y patrocina el futuro de la gente negra. Cora lleva un vestido amarillo a medida y un sombrero, toma lecciones en un salón de clases y baila un vals con César bajo linternas encendidas en un baile en la plaza del pueblo. Pero también trabaja en un museo que escenifica escenas de la vida esclava. En exhibición detrás de un vidrio, interpreta el papel que vivió como esclava, recogiendo algodón. La ciudad, con sus rascacielos intencionalmente anacrónicos, puede parecer apuntar a un futuro mejor, pero ese mundo benéfico no es lo que parece.

Cada uno de los pasos de Cora hacia la libertad conduce a un cambio cruel, y Mbedu revela ferozmente su creciente determinación de seguir avanzando hacia el futuro. Las imágenes de Jenkins reflejan tanto el mundo que rodea a Cora como su estado mental, mientras viaja a través de un paisaje chamuscado en Tennessee hasta una exuberante granja verde en Indiana. Como el paisaje, los elementos fantásticos reflejan sus esperanzas y temores. Ella cae por un agujero, flotando como Alicia en el país de las maravillas, solo para llegar a un túnel húmedo y con piso de tierra. Entre los toques poéticos más efectivos, Jenkins muestra con frecuencia personajes parados frente a la cámara, mirándonos. Muchos están muertos pero no son imágenes fantasmales traslúcidas. Son presencias físicas, llenas de significado, incluso si ya no viven en el mundo de Cora.

Con Ridgeway persiguiéndolo sin cesar, Cora es capturada y escapa más de una vez. Pero Jenkins ocasionalmente rompe la forma típica de miniserie basada en la trama. La mayoría de los episodios aquí duran una hora, pero una entrega de flashback a Ridgeway cuando era joven (Fred Hechinger) dura solo 40 minutos y revela la crueldad que siempre estuvo en él. Edgerton hace que Ridgeway sea complejo y vicioso, nunca comprensivo pero siempre más que un villano cliché. No es un dueño de esclavos, pero comparte y expresa su certeza sobre la superioridad del hombre blanco, una idea que él llama escalofriantemente "el imperativo estadounidense". La figura más enigmática e inquietante de la serie es el compañero de Ridgeway, Homer (Chase W Dillon), un pequeño niño negro vestido como un adulto con un traje y un bombín. El niño es devoto de Ridgeway.

La serie es lo suficientemente amplia como para incluir la intrincada cultura anterior a la guerra que describe la novela de Whitehead. Algunos personajes blancos recitan la Biblia, usando la religión para justificar la esclavitud. En una secuencia, Cora llega a una granja en una comunidad de negros libres, donde no se ponen de acuerdo sobre cuánto comprometerse con los habitantes blancos. Nada se simplifica.

Jenkins dirigió los 10 episodios y escribió o coescribió varios. Trajo consigo a dos colaboradores esenciales, el director de fotografía James Laxton y el compositor Nicholas Britell, quienes trabajaron en Moonlight y Beale Street. La fotografía de Laxton abarca desde la luz del sol brillante hasta el interior teñido de amarillo de un espacio de acceso del ático donde se esconde Cora. Está demasiado apegado a la luz de fondo que brilla a través de las puertas, pero la belleza de sus imágenes no mitiga el horror de la historia. La elegante partitura de Britell es completamente fresca, a veces sinfónica, pero siempre conmovedora. El paisaje sonoro incluye un aullido constante como si un viento feroz estuviera soplando en la vida de Cora.

Jenkins ha dicho que, cuando era niño, las palabras ferrocarril subterráneo le evocaban imágenes de "gente negra construyendo y trabajando y prosperando en embarcaciones de su propia creación muy por debajo del suelo". Esa es una de las muchas razones por las que era la persona ideal para adaptar una novela construida sobre el poder de la metáfora y la imaginación. La esclavitud a menudo se llama "el pecado original de Estados Unidos", su legado de injusticia y división racial persiste hasta el día de hoy, una idea que esta serie transmite elocuentemente. Como dice un personaje: "No podemos escapar de la esclavitud. Sus cicatrices nunca desaparecerán".

Y con estos 10 episodios hechos piezas de arte excepcionales, Jenkins nos regala otra lección cinematográfica inolvidable. Gracias.

Crítica Cinéfila: The Conjuring III

Ambientada en los años 80. Ed y Lorraine Warren deberán afrontar un nuevo caso que se presenta con un hombre, Arne Cheyne Johnson, que es acusado de asesinato tras haber sido poseído por un demonio. 

Esta es la tercera película de The Conjuring y la octava película de la franquicia creada por James Wan, Patrick Wilson y Vera Farmiga son tan emocionantes y escalofriantes como siempre los hemos visto para interpretar al dúo Warren, pero la última película en la franquicia de posesión es lamentablemente la más desordenada y la menos terrorífica del paquete.

El extenso universo cinematográfico de "Conjuring" nunca ha rehuido los spin-offs creativamente cuestionables: después de todo, esta es la franquicia que construyó una película alrededor de una muñeca poseída y otra sobre una monja demoníaca que había aparecido en otra secuela antes de obtener la suya. Esas apuestas no siempre han valido la pena, pero la serie central se ha mantenido en un punto clave en el horror moderno. Sin embargo, con la tercera película de la serie "Conjuring", la joya de la corona está suelta en su entorno, gracias a una serie de opciones que solo sirven para alejar a la franquicia de lo que lo hizo todo tan escalofriante al principio.

"The Conjuring: The Devil Made Me Do It" comienza fuerte, con el tipo de historia de posesión de una casa encantada que hizo que tanto "The Conjuring" como "The Conjuring 2" fueran tan desgarradores. Es el verano de 1981, y la familia Glatzel lleva semanas en un horror que solo los investigadores paranormales Ed (Patrick Wilson) y Lorraine Warren (Vera Farmiga) pueden abordar. David Glatzel (Julian Hilliard) ha sido poseído por algo,  una entidad malvada que se deleita en torturar al dulce niño y destrozar la nueva casa de los Glatzels en Connecticut en igual medida.

Al igual que sus predecesores, "The Devil Made Me Do It" se acerca a la posesión demoníaca como real, al menos algo en lo que los Warren creen de todo corazón y, por lo tanto, algo con lo que pueden luchar a través de sus años de experiencia ganada con esfuerzo y educación. Claramente, algo horrible le está sucediendo a David, y como director Michael Chaves, reemplazando al director de la serie original James Wan después de debutar con el difamado spin-off "The Curse of La Llorona", hunde al público, a los Warren y a los Glatzels en el terror. No hay tiempo para preocuparse por los hechos: David se retuerce y grita horrorizado, todo mientras su familia y los Warren hacen todo lo posible por liberarlo.

Las dos primeras películas de “Conjuring” pisan terreno similar: historias íntimas, encajonadas de casas embrujadas sobre familias conducidas a la locura, y que "The Devil Made Me Do It" comienza para indicar que será en el mismo terreno de sus predecesoras. Desafortunadamente, esta entrada tiene mucho más en mente, y el guionista David Leslie Johnson-McGoldrick ("The Conjuring 2", "Orphan") pronto recurre a la historia real en el corazón de la película: las cosas horribles que sucedieron después de  la posesión de David.

Al igual que con las dos películas anteriores, "The Devil Made Me Do It" se basa en una historia real que enredó a los Warrens de la vida real: este fue el horrible asesinato de Alan Bono unos meses después de que David fuera presuntamente liberado de su captor demoníaco. En medio de la secuencia de apertura de la película, Chaves y Johnson-McGoldrick indican que esta posesión en particular es una de las peores que han visto los Warren. El impacto en el dúo es profundo, ya que Ed sufre físicamente y la médium Lorraine de repente es golpeada por visiones terribles. Al parecer, finalmente liberan a David, pero solo después de que Arne (Ruairi O'Connor), el novio de su hermana mayor Debbie (Sarah Catherine Hook), le ruega a la entidad que deje al niño y se lo lleve. Hay que tener cuidado con lo que uno desea porque ese definitivamente no es una opción.

Justo cuando los Glatzels comienzan a reconstruir sus vidas (y un Ed enfermo, literalmente, vuelve a ponerse de pie), Arne comienza a sufrir sus propias visiones, volviéndose cetrino y sudoroso, incapaz de mantener sus deseos a raya durante demasiado tiempo. Muy pronto, se desquitó con el jefe demente de Debbie, y los Warren deben regresar para ayudar a argumentar su caso sobre la base de que estaba poseído cuando se cometió el asesinato. Si esto suena complicado, lo es, lo que lo convierte en un primer acto desordenado que cambia entre el tiempo, el lugar y la perspectiva con poca delicadeza, una historia confusa y enterrando grandes sustos en el camino.

Farmiga y Wilson, que añaden una emoción y una dimensión humanas increíbles a sus papeles, están tan bien como siempre, casi compensando la falta de drama humano en otros lugares. Sin otra familia a la que poner los escalofríos y las emociones, como los Perron en la primera película o los Hodgson en la segunda, los Warren deben hacer el trabajo emocional pesado. Eso está bien: Ed y Lorraine son personajes fascinantes, y si "The Devil Made Me Do It" amenaza con orientarse en torno a su historia de amor primero y un villano torpemente elaborado en segundo lugar, hay peores decisiones que tomar.

Sin el lastre de una ubicación central y una sola fuente de maldad, Ed y Lorraine se ven obligados en el camino a perseguir todo tipo de pistas falsas, malos obvios y al menos una trama secundaria retorcida que no intenta enraizarse en nada remotamente realista. El viaje lleva al dúo, más un Arne enfermo, a través de lugares espeluznantes, que van desde una enfermería penitenciaria con poca luz hasta la funeraria más sombría de Estados Unidos. Todo es tan obviamente aterrador que los vuelve aburridos, con su par de sustos repentinos.

Sí aparecen un puñado de sustos inteligentes, incluido un flashback que involucra al pequeño David y una cama de agua, así como un freakout del acto final que ve a Farmiga jugar contra ella misma. Sin embargo, las escalofriantes secuencias de combustión lenta que hicieron que las dos primeras películas fueran tan aterradoras han sido reemplazadas por procedimientos y mitología confusa. 

Tres películas en esta serie, no es sorprendente que los pozos creativos estén comenzando a agotarse un poco, aunque eso no disminuye el aguijón de esta decepción en particular. La franquicia de "Conjuring" comenzó con historias bien conocidas (los casos de Warren han inspirado a montones de otras películas y series) contadas con suficiente destreza y cuidado para convertirlas en queridos críticos y comerciales. Lo más aterrador de "The Conjuring: The Devil Made Me Do It" es la posibilidad de que prepare el escenario para más de esto, y menos de lo que hizo que la franquicia fuera tan atractiva en primer lugar. Ojalá sea salvada con más casos sobrenaturales por presentar.

Guión de Cinéfila: 5 Guiones que todo guionista debería leer

Además de escribir, leer guiones es una de las formas más rápidas en que un guionista puede mejorar su oficio.

Un gran ejercicio para mejorar la redacción de guiones es conseguir buenos guiones y luego mirar las películas para tener una idea de cómo escribir y cómo se traduce a la pantalla. (¡A veces, ver la película solo puede ser demasiado inmersivo para analizar!)

The Script Lab reunió una lista de 5 guiones que es más probable que le enseñen más sobre en qué consisten los grandes guiones, como una historia sólida y atractiva, un diálogo natural y personajes multidimensionales.

**Haz click en cada título de la película para obtener el guión**

Pulp Fiction

Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) son sicarios con una inclinación por las discusiones filosóficas. En esta película policiaca ultramoderna y de múltiples hilos, su historia está entretejida con la de su jefe, el gángster Marsellus Wallace (Ving Rhames); la actriz, Mia (Uma Thurman); el luchador boxeador Butch Coolidge (Bruce Willis); el maestro reparador Winston Wolfe (Harvey Keitel) y una nerviosa pareja de ladrones armados, "Pumpkin" (Tim Roth) y "Honey Bunny" (Amanda Plummer).

Fortalezas del guión:

Grandes personajes.

Buen diálogo.

Estructura única.

Multi-narrativa con lógica.

Gran contraste y mezcla de géneros.

El Padrino

La secuela de "El Padrino", que contrasta la vida de padre e hijo de Corleone. Traza los problemas de Michael Corleone (Al Pacino) en 1958 y el de un joven inmigrante Vito Corleone (Robert De Niro) en Hell's Kitchen de 1917. Michael sobrevive a muchas desgracias y Vito se introduce en una vida de delincuencia.

Fortalezas del guión:

Gran escenario.

Temas fuertes.

Personajes fuertes.

Historia imponente.

American Beauty

Un operador de televentas se desilusiona de su existencia y comienza a tener hambre de nuevas emociones en su vida. A medida que experimenta un nuevo despertar de los sentidos, su esposa e hija también experimentan cambios que afectan seriamente a su familia. Aclamada por la crítica, esta película ganó premios Oscar a Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Película.

Fortalezas del guión:

Protagonista principal bien desarrollado.

Tema fuerte.

Gran contraste de humor y tragedia.

Whiplash

Andrew Neiman (Miles Teller) es un joven baterista de jazz ambicioso que busca llegar a la cima de su conservatorio de música de élite. Terence Fletcher (JK Simmons), un instructor conocido por sus aterradores métodos de enseñanza, descubre a Andrew y transfiere al aspirante a baterista al mejor conjunto de jazz, cambiando para siempre la vida del joven. Pero la pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, mientras su despiadado maestro lo empuja al borde de su habilidad y su cordura.

Fortalezas del guión:

Fuerte deseo de carácter.

Buen uso de la narración visual (diálogo mínimo).

Gran contraste y mezcla de géneros.

Chinatown

Cuando Evelyn Mulwray contrata al detective privado de Los Ángeles JJ "Jake" Gittes (Jack Nicholson) para investigar las actividades de su esposo, él cree que es un caso de infidelidad de rutina. La investigación de Jake pronto se convierte en cualquier cosa menos en una rutina cuando conoce a la verdadera Sra. Mulwray (Faye Dunaway) y se da cuenta de que fue contratado por un impostor. La repentina muerte de Mulwray coloca a Gittes en un enredado camino de corrupción, engaño y siniestros secretos familiares mientras el padre de Evelyn (John Huston) se convierte en sospechoso en el caso.

Fortalezas del guión:

Gran historia.

Buen diálogo.

Momentos narrativos bien elaborados.

A qué prestar atención al leer guiones

Hay muchas facetas de un gran guión que los guionistas siempre deben tener en cuenta al leer. La mayoría de las veces, los grandes guiones tienen muchas características en común que pueden diferenciarlos de los demás, siendo los más notables: personajes, deseos y necesidades, historia, tema, diálogo, conflicto y la fuerza antagónica.

Aplicando este conocimiento en sus guiones

Después de analizar otros guiones, es importante implementar ciertos rasgos en nuestros propios guiones. Y no me refiero a copiar estilos (cuidado con esto), la estructura y las técnicas se han solidificado en la historia y se han utilizado desde que Aristóteles escribió Poética.

Aquí hay algunas preguntas que puede hacerse después de leer estos guiones:

1. ¿Cómo puedo escribir un gran protagonista como los de esta historia? ¿Qué rasgos tenían? ¿Qué los hizo únicos?
2. ¿Qué dice esta película? ¿Mi historia tiene un mensaje? ¿Hay un tema en mi historia ? ¿Está educando o arrojando luz sobre un tema? ¿Qué se llevará la audiencia al final de la película?
3. ¿Cómo puedo desarrollar una historia tridimensional? ¿Cómo puedo hacer que mi historia resuene en la gente? ¿Cómo puedo hacer que la audiencia se preocupe?
4. ¿Cómo hablan mis personajes? ¿Es único? ¿Cómo puedo mejorar mi diálogo? ¿Puedo agregar más conflicto?

Crítica Cinéfila: Cruella

Explora los rebeldes comienzos de una de las villanas más conocidas del cine y famosa por su elegancia: Cruella de Vil. Ambientada en el Londres de los años 70, en plena revolución del punk rock, la película muestra a una joven estafadora llamada Estella, así como la serie de acontecimientos que la llevan a asumir su lado malvado y a convertirse en la estridente y vengativa Cruella.

Con un sentido de la moda perversamente impresionante, una banda sonora retro eléctrica y su personaje principal pecaminosamente entretenido, "Cruella" es la película de Disney más genial de todos los tiempos.

El director Craig Gillespie no es ajeno a antihéroes por lo que aquí se enfrenta a otro rebelde complicado en nada menos que la villana de "101 Dálmatas" que mata cachorros, Cruella de Vil . En la comedia criminal deliciosamente alocada ambientada en el Londres punk de la década de 1970, la reina de la maldad de todos los tiempos de Disney cobra nueva vida con Emma Stone dándole personalidad exagerada, con una Emma Thompson deliciosamente antipática como contraste que saca lo mejor y lo peor de ella.

Emma Stone interpreta el papel principal de "Cruella" como una joven diseñadora de moda en Londres.

“Cruella” rastrea a su personaje principal (cuyos característicos mechones de cabello en blanco y negro son totalmente naturales) desde una recién nacida despreciada hasta una estudiante acosada y una rufián británica huérfana. Estella crece como una estafadora con sus compañeros callejeros en Londres, los ladrones de buen corazón Jasper (Joel Fry) y Horace ( Paul Walter Hauser ), pero también anhela ser diseñadora de moda. Estella es contratada en una tienda departamental elegante como conserje, pero después de una noche de borrachera rehaciendo un escaparate que provoca su despido, su ídolo, el ícono de la alta costura, la baronesa Von Hellman (Thompson), se da cuenta de la creatividad sin explotar de Estella y le da un trabajo en su mansión de moda competitiva.

Demasiado alta para manejar y demasiado fría para la mayoría de sus empleados, la baronesa toma a Estella bajo su protección, por razones no del todo altruistas. Estella descubre que su jefe tiene un collar inconfundible atado a su pasado que desea desesperadamente recuperar. Actuando de incógnito como la "Cruella" enmascarada con sus amigos criminales para un atraco en un baile, nuestra protagonista también descubre una comprensión asombrosa sobre la baronesa y aprovecha un lado oscuro reprimido durante mucho tiempo.

Estella crea una leyenda urbana misteriosamente elegante para sí misma mientras busca destruir y reemplazar a la baronesa. Sin embargo, también aliena a los más cercanos a ella y se ve obligada a elegir qué tipo de Cruella realmente va a ser.

Los atuendos de la diseñadora de vestuario Jenny Beavan son absolutamente impresionantes y esenciales para el estilo nítido de la película, al igual que la música: una secuencia ambientada en "Stone Cold Crazy" de Queen muestra a Cruella corriendo por la calle en su auto Panther De Ville, encorvada y conduciendo como una loca en un divertido guiño a la caricatura "Dálmatas" de 1961. Los amantes de Disney de la vieja escuela notarán referencias sutiles ocasionales, pero afortunadamente Gillespie frena el servicio exagerado de los fanáticos. Y para aquellos preocupados por los muchos perros que andan por ahí considerando la reputación del personaje central, el guión de "Cruella" de Dana Fox y Tony McNamara juega con sus expectativas de maneras inteligentes y no asesinas.

Sin embargo, nada de esto funciona sin Stone. Tiene el momento cómico para las escenas más ligeras, así como las habilidades de actuación para lograr la transformación psicológica del personaje y el ajuste de cuentas personal: la película le da a Estella / Cruella una ramificación en el camino y buenas razones por las que podría ir por cualquier camino. La clave es que Stone tenga un compañero de escena tan mordaz como Thompson, cuya baronesa es un monstruo hilarantemente degradante con su propia razón de ser dramática.

Fry y Hauser son bastante agradables como pícaros moralmente arraigados, aunque la película se pierde al no darle un papel más importante a Kirby Howell-Baptiste como la columnista de chismes Anita Darling, la amiga de escuela de Cruella y, como Jasper y Horace, otro retroceso de los "dálmatas". Y a las dos horas y cuarto, “Cruella” tarda un poco en comenzar con una apertura con mucha exposición, aunque se asienta a buen ritmo una vez que Estella y su antagonista principal se encuentren.

El resultado es una historia de dos Emmas. En el centro, por supuesto, está Stone , que se burla de la maldad invasora de Estella mientras conserva toda la presencia carismática en la pantalla que ha definido su carrera hasta ahora, y tiene un acento británico decente para empezar. Entre la teatralidad y las pelucas de dos tonos, encuentra momentos de humanidad sin disminuir la deliciosa extremidad de Cruella. Pero es Emma Thompson que amenaza con robar la película como La baronesa, una jefa de la moda cuya naturaleza despiadada se extiende mucho más allá de la pasarela. Ya sea que esté cortando prendas con una navaja de afeitar, leyendo en voz alta sus propias críticas favorables o llamando a la gente "imbéciles" con niveles fatales de burla, es una creación asesina. Thompson lo interpreta a la perfección absoluta, huyendo con cada escena en la que se encuentra.

No hay forma de que Disney haga algo tan abiertamente nihilista como "Joker", aunque Gillespie, alegre (ya veces conmovedoramente), aprovecha temas similares de lucha de clases y hechos desafortunados para dar un refrescante mordisco a una manzana podrida. Esta Cruella no es del todo buena ni del todo mala, simplemente es Cruella.

Crítica Cinéfila: Friends, the Reunion

El elenco de la mítica serie "Friends" -que duró 10 temporadas (1994-2004)- se reúne para un especial en la nueva plataforma HBO Max en la que recuerdan numerosas anécdotas del rodaje, reciben a celebridades y a algunos invitados que pasaron por la serie, y reflexionan sobre la importancia para ellos del show y las consecuencias de su enorme fama sobre sus vidas.

Pregunta curiosa: ¿fui la única persona que desde que comenzaron a entrar los actores de Friends al Sound Stage comenzó a llorar? La verdad es que no hay mejor manera de pasar una tarde que con nuestros mejores amigos desde el 1994 (aún si no habías nacido para ese entonces).

La tan esperada reunión entre los seis miembros originales del elenco de "Friends" llega a HBO Max, y los fanáticos de la comedia desde hace mucho tiempo están más que complacidos de verla. Courteney Cox, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, David Schwimmer, Matt LeBlanc y Matthew Perry finalmente se reunieron para una reunión dulce y emotiva en el lote de Warner Bros. esta primavera. Y aunque muchos espectadores esperaban volver a verlos en el personaje de Monica, Phoebe, Rachel, Ross, Joey y Chandler, este formato suelto y sin guión para la reunión es mucho mejor de lo que hubiera sido cualquier resurgimiento con guión. 

"Friends: The Reunion" reunió a los seis actores en el set del exitoso sitcom de 1994-2004 charlando y reviviendo momentos emocionales. El recuerdo se mezcla con una entrevista en el famoso sofá naranja entre James Corden y el elenco; entrevistas con los creadores David Crane, Marta Kauffman y Kevin Bright; cameos de estrellas invitadas famosas; invitados famosos hablando sobre sus episodios favoritos; fans de todo el mundo hablando sobre cómo el programa cambió sus vidas; clips de episodios antiguos; bloopers; y, con un toque sorprendente y encantador, los actores releyeron juntos algunas de las escenas antiguas. 

Producido y dirigido por Ben Winston, quien también es el productor de "Late Late Show" de Corden, el especial se sintió sin esfuerzo y nítido. La edición mantuvo la reunión de 105 minutos, aunque algunos segmentos podrían haberse cortado para hacerlo más ágil, como celebridades al azar como BTS y Malala Yousafzai hablando sobre la serie. Aunque es encantador escuchar a Mindy Kaling discutir cuánto disfrutó viendo a Monica y Chandler ocultar su relación en la temporada 5, fue mucho más agradable cuando el elenco se rió al leer la escena en la que Phoebe los ve teniendo sexo. 

Momentos inesperados como ese, más allá de repetir la historia del programa y cómo se eligió a cada actor, eso hizo del especial aún más especial. Fue capaz de recrear la magia de "Friends" sin pretender que no han pasado 17 años desde que "Friends" terminó.

El verdadero atractivo de la reunión está justo en el título: ver a Cox, Schwimmer, Perry, LeBlanc, Aniston y Kudrow juntos nuevamente. Los momentos en los que pudieron mostrar su química como grupo y recordar su experiencia en ese set fueron los puntos fuertes. Quizás el momento más divertido fue Kudrow tratando de defenderse de un bicho que voló en su cabello, un poco de gritos y sacudidas que les recuerda a los fanáticos su talento como comediante físico, y la reencarnación clara de Phoebe.

El especial no tenía guión, sí, pero también fue cuidadosamente orquestado. No se mencionan controversias, ni el fallido spin-off de "Joey" de LeBlanc ni las vidas personales y los desafíos de las estrellas. No es necesariamente algo malo, porque el reencuentro es tanto una fantasía como un episodio sin guión. Excepto por algunas máscaras errantes, los espectadores podrían olvidar fácilmente que esto fue filmado durante una pandemia. La sinceridad palpable de muchos involucrados también podría hacer que los espectadores olviden que la reunión es una astuta sinergia corporativa.

Pero a los devotos de "Friends" de varias generaciones probablemente no les importe por qué los seis volvieron a estar juntos. Al igual que la química entre el elenco ayudó a suavizar las bromas malas o las malas temporadas posteriores del programa, su química como amigos en la vida real hace que la reunión sea fácil de querer verla una y otra vez.