Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: House of Gucci

Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia".

La película de Ridley Scott es un filme defectuoso que aún así no me habría perdido por nada con toda la anticipación que generó. Lamentablemente, no logra establecerse en un tono constante: demasiado largo e narrativamente indisciplinado mientras se desplaza entre el gran drama y la ópera bufona. Los intercambios ágiles de diálogos recuerdan algunas historias de los 80, cuando las emociones eran tan grandes como las hombreras y el cabello, y los sucesos de mal gusto detrás de la riqueza y la ambición de un imperio empresarial familiar proporcionaban una escandalosa capa para historias de primera plana. La diferencia aquí es que la sórdida saga del amor, la traición y el asesinato se basa en hechos se pierde en una ejecución descuidada. Scott regresa a un territorio similar de riqueza dinástica, crimen y un entorno italiano solo cuatro años después de All the Money in the World, que fue impasible pero al menos competente. Esta vez parece estar dirigiendo episodios de una miniserie con múltiples géneros.

Scott parece extrañamente inseguro de sí mismo aquí, no ayudado por el torpe diálogo del guión peatonal de Becky Johnston y Roberto Bentivegna. Pero no se puede justificar que sea por los desafíos de filmar un drama de conjunto trotamundos que abarca décadas durante una pandemia, y menos aún para un elenco de un calibre impresionante sin escasez de escenografías. Junto con el inevitable y fabuloso diseño de vestuario y producción de época, el punto culminante es la actuación de Gaga.

En una actuación que la mayoría de las veces se marca hasta 110, Gaga ofrece un espectáculo fascinante, que aporta un carisma y un impulso feroz a Patrizia, una contadora de la compañía de camiones de su familia que se casó con Maurizio Gucci en 1972 y ordenó su asesinato en 1995. Incluso cuando está encendiendo un cigarrillo o revolviendo un espresso, Gaga se lanza al personaje con un entusiasmo salvaje. Siempre que está en la pantalla, la película está llena de electricidad. Por el contrario, Driver, en su segundo proyecto consecutivo para Scott después de The Last Duel, está bastante moderado, creando un personaje complejo por medios más matizados. Eso coloca a los dos protagonistas prácticamente en películas diferentes.

Luego están los actores secundarios, liderados por Jeremy Irons como el padre narcisista de Maurizio, el ex actor Rodolfo, con un acento que se desplaza entre el italiano y británico. En otro nivel está el enfrentamiento cómico entre Al Pacino y Jared Leto como el exuberante tío Aldo de Maurizio y su hijo sonso Paolo, respectivamente. Leto gana ese concurso por una milla con una actuación ridiculizada con traje de gordo y prótesis que es simplemente asombrosa, y no en el buen sentido de la palabra. 

Supongo que Gaga y Pacino pueden jugar la carta italoamericana, pero en realidad, House of Gucci no tienen ningún italiano involucrado en la actuación de esta película. Es un infierno de acentos tambaleantes.

Dicho esto, nunca es más divertido que cuando Patrizia de Gaga está tramando con su amiga Pina (Salma Hayek), una psíquica de televisión de bajo costo y una dama de los gatos, para recuperar su cada vez menor influencia dentro de la familia Gucci y, eventualmente, para congelar a Maurizio. Desde su primera aparición, está claro que la película pertenece a Gaga cuando Patrizia atraviesa el depósito de camiones de su padre hacia la oficina, vistiendo un vestido ajustado y tacones, empapándose de los silbidos de lobo y los comentarios lascivos de los conductores con evidente placer. Conoce a Maurizio en una fiesta lujosa en la era disco de Milán y tiene estrellas en sus ojos en el momento en que escucha su apellido.

Ella se interpone en su camino con tanta frecuencia que se ve obligado a invitarla a salir; en poco tiempo le presentará a papá, Rodolfo, hijo del fundador de la casa de moda Guccio Gucci. Ella no puede distinguir un Klimt de un Picasso, pero Rodolfo encuentra a Patrizia encantadora hasta que Maurizio comienza a hablar de matrimonio, momento en el que lo repudia de inmediato. Rodolfo encuentra a Patrizia aceptable como un juguete para su hijo, pero inmediatamente la juzga como una cazafortunas cuando Maurizio la introduce en la familia. Eso sucede en un descarado corte de los dos jorobando locamente en el escritorio de la oficina de Patrizia hasta que ella camina por el pasillo con un elaborado vestido de novia.

En la actuación moderada de Driver, ya sea elegantemente reservada o cautelosa, dependiendo de cómo lo vean, obtenemos un acceso psicológico íntimo a Maurizio a medida que la pasión de los primeros años disminuye y la vulgaridad de Patrizia comienza a irritarse. Esto es notable en la escena de una estación de esquí en St. Moritz con sus amigos ricos, incluida la mujer que reemplazaría a Patrizia, Paola Franchi (Camille Cottin). La bofetada definitiva llega cuando le da a Patrizia una tarjeta de regalo de Bloomingdale's para Navidad. Más de ese tipo de humor astuto podría haberle dado a la película un toque satírico.

Mucho antes de que las fisuras en su matrimonio se vuelvan irreparables, Patrizia empuja a Maurizio a superar su ambivalencia sobre unirse a la empresa familiar, reparando la brecha con su padre justo a tiempo para apoderarse de la participación mayoritaria del anciano en la empresa, aunque con algunos movimientos furtivos. Al principio, encuentra un aliado en el presidente de la compañía, el tío Aldo, mientras van y vienen entre Milán y Nueva York; y se las arregla para trabajar con Paolo, quien tiene la ilusión de ser un diseñador visionario.

No se puede dejar de mencionar al abogado de la familia Domenico De Sole, un papel asegurado en el que Jack Huston apenas se registra, excepto en la medida en que se parece a Tom Ford mucho más que Reeve Carney, quien se convierte brevemente en ese papel.

En la escena de St. Moritz antes mencionada, Patrizia responde a una pregunta sobre los macarrones de merengue que ha traído con un monólogo incoherente sobre un viaje a París con Maurizio. "Estás llenando la historia de detalles innecesarios", le dice en una despectiva cortante. "Solo quieren saber de dónde sacaste los macarrones, cariño". En cierto sentido, eso es lo que hace el guión de Johnson y Bentivegna. Dado que esta es una película y no una miniserie de los 80, está demasiado abarrotada de tramas tan ocupadas que nos siguen alejando del macarrón de la relación que se desmorona de Patrizia y Maurizio. O tal vez es solo que la energía de la película se desploma cada vez que Gaga está fuera de cámara.

Claro, es moderadamente interesante conocer las tribulaciones de Aldo por evasión de impuestos y las artimañas corporativas que lo empujan a él y a Paolo a salir de la compañía cuando Maurizio se asocia con el grupo financiero de Bahrein Investcorp. Pero Scott no puede sacarle mucho jugo a estos desarrollos. Lo mismo ocurre con el cambio de imagen después de que Gucci se haya asociado al prodigio de Texas, Ford (Carney), traído para revolucionar el estilo de la casa, con una aparición misericordiosamente breve de una mala imitadora de Anna Wintour.

A pesar de los fragmentos frenéticos de la trama lanzados entre las pistas musicales de los 80 por Eurythmics, David Bowie, Donna Summer, Blondie, y otros, el ritmo de la película se cuela de una manera increíblemente lenta, incluso cuando debería generar suspenso como el filme anticipado y anticlimático que prometieron. Scott, que se incorporó al proyecto por primera vez en 2006, parece convencido de que está haciendo algo parecido a The Godfather. Pero, en cambio, la acción sigue deslizándose hacia un carácter inadvertido.

El director de fotografía Dariusz Wolski mezcla el brillo con una apariencia de época descolorida para lograr un efecto decepcionante de los 80, pero el diseño de producción de Arthur Max y el vestuario de Janty Yates le agregan muchos de esos detalles lujosos que se esperan cuando uno escucha "Gucci". Al igual que Gaga, que llama la atención en un vehículo que depende mucho más exclusivamente de ella que A Star Is Born, donde el centro de atención se comparte por igual con Bradley Cooper. Su trabajo aquí puede ser masticable, pero está fascinantemente viva en el papel, lo que calienta el hambre de Patrizia y aumenta la desesperación en una película confusa que rara vez se enciende.

Crítica Cinéfila: Friends, the Reunion

El elenco de la mítica serie "Friends" -que duró 10 temporadas (1994-2004)- se reúne para un especial en la nueva plataforma HBO Max en la que recuerdan numerosas anécdotas del rodaje, reciben a celebridades y a algunos invitados que pasaron por la serie, y reflexionan sobre la importancia para ellos del show y las consecuencias de su enorme fama sobre sus vidas.

Pregunta curiosa: ¿fui la única persona que desde que comenzaron a entrar los actores de Friends al Sound Stage comenzó a llorar? La verdad es que no hay mejor manera de pasar una tarde que con nuestros mejores amigos desde el 1994 (aún si no habías nacido para ese entonces).

La tan esperada reunión entre los seis miembros originales del elenco de "Friends" llega a HBO Max, y los fanáticos de la comedia desde hace mucho tiempo están más que complacidos de verla. Courteney Cox, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, David Schwimmer, Matt LeBlanc y Matthew Perry finalmente se reunieron para una reunión dulce y emotiva en el lote de Warner Bros. esta primavera. Y aunque muchos espectadores esperaban volver a verlos en el personaje de Monica, Phoebe, Rachel, Ross, Joey y Chandler, este formato suelto y sin guión para la reunión es mucho mejor de lo que hubiera sido cualquier resurgimiento con guión. 

"Friends: The Reunion" reunió a los seis actores en el set del exitoso sitcom de 1994-2004 charlando y reviviendo momentos emocionales. El recuerdo se mezcla con una entrevista en el famoso sofá naranja entre James Corden y el elenco; entrevistas con los creadores David Crane, Marta Kauffman y Kevin Bright; cameos de estrellas invitadas famosas; invitados famosos hablando sobre sus episodios favoritos; fans de todo el mundo hablando sobre cómo el programa cambió sus vidas; clips de episodios antiguos; bloopers; y, con un toque sorprendente y encantador, los actores releyeron juntos algunas de las escenas antiguas. 

Producido y dirigido por Ben Winston, quien también es el productor de "Late Late Show" de Corden, el especial se sintió sin esfuerzo y nítido. La edición mantuvo la reunión de 105 minutos, aunque algunos segmentos podrían haberse cortado para hacerlo más ágil, como celebridades al azar como BTS y Malala Yousafzai hablando sobre la serie. Aunque es encantador escuchar a Mindy Kaling discutir cuánto disfrutó viendo a Monica y Chandler ocultar su relación en la temporada 5, fue mucho más agradable cuando el elenco se rió al leer la escena en la que Phoebe los ve teniendo sexo. 

Momentos inesperados como ese, más allá de repetir la historia del programa y cómo se eligió a cada actor, eso hizo del especial aún más especial. Fue capaz de recrear la magia de "Friends" sin pretender que no han pasado 17 años desde que "Friends" terminó.

El verdadero atractivo de la reunión está justo en el título: ver a Cox, Schwimmer, Perry, LeBlanc, Aniston y Kudrow juntos nuevamente. Los momentos en los que pudieron mostrar su química como grupo y recordar su experiencia en ese set fueron los puntos fuertes. Quizás el momento más divertido fue Kudrow tratando de defenderse de un bicho que voló en su cabello, un poco de gritos y sacudidas que les recuerda a los fanáticos su talento como comediante físico, y la reencarnación clara de Phoebe.

El especial no tenía guión, sí, pero también fue cuidadosamente orquestado. No se mencionan controversias, ni el fallido spin-off de "Joey" de LeBlanc ni las vidas personales y los desafíos de las estrellas. No es necesariamente algo malo, porque el reencuentro es tanto una fantasía como un episodio sin guión. Excepto por algunas máscaras errantes, los espectadores podrían olvidar fácilmente que esto fue filmado durante una pandemia. La sinceridad palpable de muchos involucrados también podría hacer que los espectadores olviden que la reunión es una astuta sinergia corporativa.

Pero a los devotos de "Friends" de varias generaciones probablemente no les importe por qué los seis volvieron a estar juntos. Al igual que la química entre el elenco ayudó a suavizar las bromas malas o las malas temporadas posteriores del programa, su química como amigos en la vida real hace que la reunión sea fácil de querer verla una y otra vez.

A Star is Born

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada de la música que se enamora de Ally (Lady Gaga), una artista que lucha por salir adelante. Justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño de convertirse en cantante, Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. El camino será más duro de lo que imaginan. (FILMAFFINITY)

Este es un buen ejemplo de que hay algunas películas que pueden ser exitosas, aunque sean basadas en clásicos de años anteriores. Sobretodo por ser una obra que le hace honor al género y estilo que prometen desde su premisa.

La historia se enfoca en dos artistas: uno muy famoso pero con una fuerte adicción a las drogas y al alcohol; otra que nunca ha tenido una verdadera oportunidad para lanzarse como cantante y que esconde su voz en bares medio clandestinos. Pero cuando sus caminos se cruzan por pura casualidad, sus vidas cambian por completos. El decide incluirla en sus conciertos, ella encuentra las oportunidades que nunca tuvo. Pero mientras ella continua escalando a la fama, él sigue cayendo en un vacío de alcoholismo, y lo que parecía ser parte de su rutina se convierte en un problema para la carrera de ambos.

Los mejores artistas siempre serán los que sepan contar historias con su propio talento. Bradley Cooper se ha caracterizado por muchas comedias, un par de thrillers y acción, pero a la hora de hacer drama, él siempre ha sabido donde está el lado sensible de la audiencia. La manera tan natural en la que su personaje fue desarrollándose y creando caos y conflicto alrededor de él fue creíble, a parte de impresionante y cautivadora. 

Pero Lady Gaga no se queda atrás demostrando que el canto será su mejor talento, pero la actuación siempre ha sido su habilidad mejor escondida. Lo dejó claro en American Horror Story, y aquí regresa para llamar la atención de todo aquel que no se había percatado de lo que es capaz de hacer. La entrega y capacidad de encarnar este personaje, y la manera en que demostró que su peor debilidad la llevó a la tragedia hace que la audiencia se pregunte por qué no comenzó a actuar desde hace tiempo.

Del mismo modo, y a pesar de que la historia está enfocada únicamente en la relación de sus protagonistas, el rol de quienes los rodean es importante para entender las etapas por la que los protagonistas pasaron, de modo que los actores de reparto cumplen un rol muy específico pero a la vez muy importante para toda la película. No importa si salieron en 10 escenas o en una sola, sirven a la trama con triunfo y profesionalismo.

El detallismo de esta historia pretende hacerle honor a las películas de romance, desde el origen de "chico conoce chica"; pero a diferencia de estas películas, rompe con la típica estructura y da unos giros que, a pesar de que gritan querer volver a la fórmula cliché, pero que se sale con la suya y otorga una historia fresca para los ojos de la audiencia moderna. El desarrollo entre los dos personajes principales es tan orgánico y a la vez tan poco predecible, pues es difícil reconocer cuál será el siguiente movimiento de alguno de los dos.

Pero el verdadero enganche de esta película es la música, pues va escalando y cambiando de acuerdo a la fase por la que estén pasando los protagonista. A pesar de que la película está basada en una versión de los años 30 y los años 50, la banda sonora fue específicamente compuesta por Lady Gaga, Bradley Cooper y un equipo de compositores que se encargaron de que cada una de las canciones tuviesen valor narrativo por sí solas. Quizás Shallow, Is That Alright y Maybe it's Time serán las favoritas de la audiencia, pero el resto de la composición musical cuenta esta historia por sí misma.

Para ser su debut como director, Bradley Cooper ha demostrado tener el talento y la capacidad suficiente para renovar una historia que algunos tacharán de obsoleta y dándole aspectos modernos sin dejar atrás la esencia del romance, tragedia y legado que A Star is Born siempre estableció desde su primera presentación en los años 30.