Crítica Cinéfila: Gladiator II

Años después de la muerte del admirado héroe Maximus, un esclavo convertido en Gladiador se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, este debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Sir Ridley Scott no hizo su primer largometraje ("The Duellists", de 1977) hasta que tenía 40 años. El director, que cumplirá 87 años este mes, no ha perdido el tiempo seguir añadiendo títulos a su filmografía con una notable selección de películas emblemáticas, entre las que se incluyen "Blade Runner", "Alien", "Thelma y Louise" y muchas más.

Después de "Napoleon", se lanzó a otro proyecto épico con una secuela 24 años después de que Gladiator (2000) se convirtiera en su única película ganadora del Oscar a la mejor película. Scott generalmente se ha resistido a seguir el camino de las secuelas de sus películas, con "Prometheus" (2012) y "Alien: Covenant" (2017) como excepciones, aunque esas dos películas que completan su llamada trilogía Alien llegaron respectivamente 33 y 38 años después de su éxito de 1979. Entretanto, dejó que otros, incluido James Cameron, se encargaran de las secuelas antes de volver a visitar ese mundo en particular.

El regreso al Imperio Romano en "Gladiator II" necesitaba un cuarto de siglo para llegar a la pantalla, hacerlo bien y no decepcionar al creciente grupo de fanáticos de la primera, y al mismo tiempo que se forjaba su propia razón de ser, además de ganar un montón de dinero. Todo esto sin mencionar que hacer una secuela de un espectáculo muy querido que ganó el Oscar a la Mejor Película y recaudó casi 500 millones de dólares en todo el mundo en su momento es un desafío para cualquiera, y mucho menos para un cineasta en el punto de vida de Scott. Demuestra, como siempre, que la edad es solo un número con este fascinante regreso a uno de los géneros de Hollywood largamente apreciados pero generalmente abandonados . Esta es la película que se inventó para mostrar en IMAX.

Es importante destacar que Scott, que parece prosperar con secuencias de batallas gigantescas, sabe que las emociones visuales no son suficientes, hay que tener una historia convincente. Y tiene una con el viaje de Hanno (Paul Mescal), un joven, a la deriva y enojado, bárbaro que lucha contra el ejército romano pero que finalmente es esclavizado y convertido en Gladiador como una atracción estrella para alimentar las necesidades de entretenimiento del público sediento de sangre liderado por los repulsivos emperadores gemelos Caracalla y Geta (Fred Hechinger y Joseph Quinn). La multitud exige más violencia enfermiza que nunca, y los líderes romanos se la entregan. En muchos sentidos, este colapso social es tan pertinente como siempre para el mundo en el que "Gladiator II" se desarrolla.

En cuanto al tiempo, han transcurrido 16 años después de la brutal muerte de Maximus (interpretado en la por Russell Crowe, que ganó el Oscar al mejor actor), que, por supuesto, era un líder del ejército romano que luchaba contra los bárbaros. Maximus se convirtió en gladiador, pero no se opuso al emperador. Eso lo convirtió en un polo opuesto a nuestro nuevo protagonista, Hanno, que se parece más a la frustración de una generación más joven que al orden de cosas que definió a Maximus. La venganza para él es personal.

Todo comienza en Numidia, donde Hanno ha vivido la mayor parte de su vida, solo para ser interrumpido cuando el ejército romano aparece preparado para el primer combate de espadas espectacular y la muerte de su esposa a manos del general Acacio (Pedro Pascal), quien dirigió el ejercito romano.

Capturado y transportado a Roma, sabemos que este es un hombre que estará dispuesto a igualar el puntaje y arrojado a los lobos, por así decirlo. Comenzará con Acacio, que está casado con Lucilla (Connie Nielsen), la hija del difunto emperador Marco Aurelio y cuyo hermano Cómodo y amante Maximus fueron asesinados al final de Gladiador. Ella es astuta en medio de toda la locura que ha envuelto al Imperio Romano, no solo el vínculo con su pasado sino quizás su futuro. Puede ser divertido para los espectadores en las gradas verlo, pero lo es mucho más para Hanno, quien es llevado al establo de gladiadores dirigido por el astuto ex esclavo Macrinus (Denzel Washington), un amo que ha surgido de la nada para convertirse en un exitoso hombre de negocios y astuto emprendedor, no como emperador o político, sino incluso mejor como un personaje antagónico que anhela el control del juego. Él satisface las necesidades de Lucilla, pero también ve a Hanno como una atracción estrella emergente en su establo para ser manipulada. Washington está soberbio, claramente se lo está pasando genial como este complejo villano que busca poder a cualquier precio.

La trama, tal como la ideó el guionista David Scarpa, contiene algunos giros que se adentran en el melodrama que involucra personajes clave y revelaciones que es mejor dejar que la audiencia descubra, pero se puede adivinar que todo se complica emocionalmente.

Uno no se imaginaba a Mescal siguiendo a Crowe en este ring en particular, pero su musculoso y convincente papel como Hanno es lo máximo, tan feroz en todo el manejo de la espada como humano en su interpretación. Hubo momentos en los que incluso hace referencia a Kirk Douglas de la era de Spartacus. Nielsen, uno de los dos únicos actores que vuelven de la primera película (Derek Jacobi, que repite su papel de Graco, es el otro), está espléndida aquí, un ancla importante para la historia familiar detrás de toda la acción, el pegamento que lo mantiene todo unido. Pascal camina por una línea gris y demuestra su valor no solo en las escenas de acción, sino también como un hombre que intenta equilibrar su papel en esta sociedad y lo que se espera de un general, pero también su propia humanidad. No es un truco fácil. Hechinger y Quinn son invaluables como los emperadores gemelos locos que se comen cualquier escenario que puedan encontrar.

Y hablando de escenografía, Scott tiene un equipo de primera en esta película, con algunos artesanos de confianza trabajando con él nuevamente desde Gladiator (2000), incluyendo al diseñador de producción nominado al Oscar Arthur Max y al director de fotografía John Mathieson y a la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar Janty Yates, todos nuevamente en el equipo. Un agradecimiento a los equipos de efectos visuales especiales y al compositor Harry Gregson-Williams por su conmovedora banda sonora.

Gladiator es una película difícil de igualar, pero Sir Ridley Scott demuestra ser un maestro en la creación de una orgía romana de excitación que resulta ser una digna sucesora en todos los sentidos.

Crítica Cinéfila: Alien - Romulus

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo. 

Si usted no cree que el director Fede Álvarez y la saga de Alien son una pareja ideal, le aconsejo que vea su remake de 2013 de "The Evil Dead" antes de seguir leyendo esta crítica. Fue la primera vez en 20 años que se abrió el Necronomicon, y los fanáticos del terror atribuyeron la supervivencia de la querida franquicia a los esfuerzos del joven director. Esa fe fue recompensada con uno de los remakes de terror más efectivos de la historia, y esa capacidad de honrar y modernizar un texto sagrado del género es la explicación más obvia para el éxito de "Alien: Romulus". Como un niño en una tienda de dulces de locos, Álvarez se abalanza sobre un festín de iconografía y criptozoología alienígena con un regocijo, incluso y especialmente en escenas de caos aplastante. "Alien: Romulus" destila la franquicia en su forma más funcional y enfocada. Y una vez que comienza a reproducirse (literal y figurativamente), no se detiene.

De principio a final, "Alien: Romulus" muestra un diseño de producción ejemplar que, si bien hace un guiño a toda la saga, debe mucho más a las texturas de la película original de Ridley Scott. El futurismo industrial de los escenarios originales de Michael Seymour se replica maravillosamente en la estación Renaissance, coloreada por luces de advertencia rojas y los negros delgados que se entrelazan con esa estética tan amenazante como siempre. "Alien: Romulus" también representa lo que es innegablemente la mezcla más cohesiva de la franquicia de técnicas prácticas y generadas por computadora empleadas para dar vida a sus ubicaciones, criaturas y efectos de lesiones. Dicen que la mejor CGI es la que no se nota, y el equipo aquí ha logrado una mezcla en gran medida perfecta de todos esos elementos. La ironía es que tengo que contradecirme inmediatamente: hay algunas veces –especialmente en el tercer acto– en las que se nota claramente que Álvarez está haciendo primeros planos de cabezas de xenomorfos falsos que explotan. Pero esos momentos, o momentos en los que se puede ver cómo se utiliza una miniatura, hacen tanto por evocar las dos primeras películas de la franquicia como cualquier frase icónica o toma recreada.

Álvarez realmente deja que Romulus respire durante su primer acto, tomándose el tiempo para establecer la relación central entre Rain (Cailee Spaeny) y el androide Andy (Daniel Jonsson), quienes viven como hermanos en servidumbre en la colonia Jackson's Star de Weyland-Yutani. Desesperados por dejar la penumbra perpetuamente sin sol, que Álvarez presenta como un infierno de metal digno de un flash-forward de Terminator, Rain y Andy se reencuentran con sus viejos compañeros de búsqueda de tesoros, la tripulación del Corbelan IV. La naturaleza ingeniosa de Rain y su actitud protectora hacia su hermano sintético hacen que el público se ponga de su lado rápidamente y, como intérprete, Spaeny hace un gran trabajo al situar a Rain de manera creíble en el horror del momento a momento de una joven adulta que hace su primera incursión en el gran y aterrador mundo y descubre que es peor de lo que podría haber imaginado.

Rain se centra mucho en las soluciones, lo que le da muchos momentos heroicos a medida que avanza la película, pero el guion de Álvarez y el coguionista Rodo Sayagues no le deja mucho espacio para cambiar a lo largo del camino, o al menos para resaltar lo que la hace tan resistente en primer lugar. Jonsson termina en la cuerda floja más difícil de caminar en su actuación, equilibrando constantemente la vacilación infantil con la eficiencia fría, cotejando qué información debería ofrecer y cuáles de sus directivas fundamentales debería seguir. Pero Jonsson mantiene bien el núcleo de Andy una vez que ese conflicto se vuelve central para la trama. Los cambios impredecibles que acompañan a la película en la personalidad de Andy no solo sirven para aumentar la tensión, sino también como un espejo en el que los personajes humanos se ven reflejados.

En cuanto a la tripulación del Corbelan (los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu)), Álvarez y Sayagues emplean arquetipos que resultarán inmediatamente familiares a los fans de Alien. La reserva de acero de Tyler evoca a Dallas, el filo y el pañuelo de Bjorn evocan tanto a Parker de Alien como a Vasquez de Aliens. Aunque numerosas películas de la franquicia coquetean con las convenciones del slasher, "Alien: Romulus" se compromete más que nunca con la estructura por excelencia del subgénero. Por ello, es aconsejable no encariñarse con nadie que hable principalmente en bromas o en exposiciones. Esa estructura a veces permite que el público se adelante a la trama, pero Álvarez lanza suficientes bolas curvas y desvía la atención para compensarlo.

Álvarez establece el conjunto de forma económica, especialmente durante el viaje de Corbelan hasta el Renaissance, donde los cortes a cada personaje revelan cómo reaccionan en situaciones estresantes, reforzando esos arquetipos justo antes de que el ácido llegue al ventilador. Merced obtiene el material más personalizado, pasando gran parte de la película separada del grupo principal y tratando de ponerse al día de una manera cada vez más horrible. Si bien estos cortes funcionan bien como sus propias pequeñas viñetas de Alien, debe notarse que a medida que surgen a lo largo del segundo acto, fragmentan un poco el enfoque y conducen a los únicos problemas reales de ritmo de Romulus. Sin embargo, eso no quiere decir que no haya utilidad en la forma en que se gasta ese tiempo: la agenda de Kay es más complicada que la de sus amigos, lo que abre la puerta no solo al trabajo temático más descarado de Romulus (cuya naturaleza dejaré vaga), sino también a los giros que dan inicio al enfrentamiento final audaz, cacofónico e insoportablemente tenso de la película.

"Alien: Romulus" rara vez evita la oportunidad de celebrar a sus precursores, en su mayoría para bien, pero, en un caso significativo, definitivamente para mal. Álvarez entiende exactamente cómo y cuándo desplegar las imágenes más icónicas de Alien. Aunque la exploración inicial en el Renaissance abandonado es un asunto tranquilo y tenso, justo debajo de la superficie, puedes sentir la mano de Álvarez estableciendo el espacio. Sistemas de conductos, esclusas de aire, bastones aturdidores, sensores de movimiento, un sintético muerto, tal vez algún que otro ajuste de lanzallamas a lanzacongeladores aquí y allá. Pero Álvarez no pasa demasiado tiempo mostrando estos objetos inanimados; son puramente funcionales y, por lo tanto, no parece que crucen la línea de ser un servicio para los fans por su propio bien.

Por supuesto, Romulus también trae sus propios juguetes y trucos nuevos, el más significativo de los cuales es la gravedad cero. Es desconcertante considerar que la franquicia realmente no haya explotado más la gravedad cero en el pasado, y se usa bien aquí no solo para condimentar algunos encuentros con xenomorfos, sino repetidamente como un obstáculo de reloj que los carroñeros tienen que sortear debido al mal funcionamiento del motor de gravedad del Renaissance.

Y, sin embargo, como se sabe que hace Weyland-Yutani, "Alien: Romulus" no parece poder abandonar algunas ideas que, a primera vista, parecen destinadas a finales confusos. Romulus maneja la mayor parte de su exposición con bastante elegancia al principio, pero Álvarez exagera y se compromete, como se ejecuta aquí, con un vehículo profundamente defectuoso para entregar esa información una vez que estamos en la estación Renaissance. Esta elección de ninguna manera descarrila a Romulus, simplemente se siente como un mal completamente innecesario y la única parte de la película que regularmente rompe la suspensión de la incredulidad. 

"Alien: Romulus" es una película de belleza austera, mezquina y quimérica que evoca la locura genética que siempre deletrea la perdición en estas películas. Fede Álvarez demuestra que su remake de Evil Dead no fue una casualidad: el director se conecta sin problemas con los puntos de referencia narrativos y estéticos de la saga y los dirige hacia finales impresionantes. Ocasionalmente se desvía hacia un callejón sin salida en cuanto al ritmo, pero esos pasos en falso son perdonables considerando la confianza y el juicio con que Álvarez los maneja en otras partes. Con la ayuda de un talentoso elenco de actores jóvenes y un diseño de producción de calidad de referencia, el enfoque de regreso a lo básico de "Alien: Romulus" para el terror de gran éxito reúne todo lo que los fanáticos aman de la franquicia de tono fluido en una sola película.

Crítica Cinéfila: Napoleon

Narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina.

Así es. A sus 85 años, Ridley Scott ha llegado a la última temporada de su carrera cinematográfica, Napoleón es la obra ideal de grandeza invernal para marcarla. El largometraje número 28 de Scott es una trama magníficamente tallada del cine patriarcal con un viento helado silbando sobre sus campos de batalla y alrededor de sus huesos: su paleta es tan fría que incluso el rojo del tricolor tiene a menudo el tono de la sangre seca.

El marketing de Napoleón hizo un gran trabajo al hacer que la visión de Ridley Scott sobre el ascenso y caída del emperador francés pareciera muy grandiosa y seria. Pero la película no es exactamente eso: se trata de una epopeya histórica que busca constantemente formas sutiles de socavar las epopeyas históricas de esos reconocidos militares, siendo este el caso de Napoleón Bonaparte. Si un hombre desembarca solemnemente en una playa de su amada Francia, se inclina y besa el suelo (en una señal de patriotismo ceremonial), ese hombre se limpiará la arena de los labios unos momentos después, y esta es una película que te muestra esto. Sería ir demasiado lejos describirlo absolutamente como una comedia o sátira, pues no sé si realmente fue la intención, pero en el guión de David Scarpa, la dirección de Scott, el ritmo del montaje de Claire Simpson y Sam Restivo, y en la interpretación inexpresiva de Joaquin Phoenix, el impulso de compensar y divertir es demasiado intenso. 

A lo largo de 32 años, desde el estallido de la Revolución Francesa en 1789 hasta la muerte de su personaje principal en Santa Elena en 1821, presenta el ascenso, el reinado y la caída de Napoleón Bonaparte como un psicodrama espinoso y una amplia epopeya militar, en la que las vidas íntimas de sus actores centrales y el destino de la propia Francia se entrelazan instantánea y ansiosamente.

Nos encontramos con el gran hombre durante el apogeo de "El Terror": están cortando cabezas aristocráticas, a izquierda, derecha y centro. Robespierre (Sam Troughton), efectivamente el juez, jurado y verdugo de la nación, se está sintiendo demasiado cómodo en su papel, y una vez que es debidamente izado por su propio petardo, hay un vacío de poder que llenar. Hasta que da un paso adelante el mismísimo Napoleón Bonaparte (Joaquin Phoenix). Se le presenta como un hombre que se divierte con dos cosas: la guerra y el sexo. Las guerras pueden ser básicamente con cualquiera (parecería que adora los conflictos militares), pero el sexo se centra en una persona, la encantadora y ronca Joséphine de Beauharnais (Vanessa Kirby), con quien está obsesionado eróticamente. Napoleón resulta ser muy bueno en las batallas, pero es principalmente malo en el sexo, lo cual es un buen giro si se considera la larga historia del cine de equiparar la habilidad en la violencia con el talento para hacer el amor.

Tampoco es que Napoleón sea representado como un genio militar infalible: Scott muestra la podredumbre que se está gestando, pero no es la misma caracterización de "tirano loco" que tiende a concluir tales arcos. Si bien el Napoleón de Scott se ve a sí mismo siguiendo los pasos de gente como Julio César, es el famoso deseo del emperador romano de que el pueblo de Roma tuviera un solo cuello entre ellos -porque habría hecho que las ejecuciones en masa fueran agradables y simples- lo que encuentra una solución. Resuenan en este particular la exasperación de Napoleón por no poder apuntar personalmente cada cañón individual en el campo de Waterloo.

Napoleón es interpretado con una sorprendente carisma contenida por Joaquin Phoenix, quien vuelve a trabajar con Scott por primera vez desde Gladiator del año 2000. El suave acento californiano no disimulado de Phoenix es uno de una serie de detalles que podrían irritar a los rigurosos históricos. Pero en la pantalla es extrañamente ideal, lo que refuerza la idea de que este matón corso nunca podrá adaptarse del todo al papel para el que la historia lo ha elegido. 

Se logra apreciar el tamaño del hombre casi instantáneamente en el asedio de Toulon, cuando las fuerzas republicanas francesas sitiaron el fuerte del puerto ocupado por los británicos. En plena noche, mientras Napoleón lidera el avance, una bala de cañón atraviesa el hombro de su caballo, aunque casi antes de tocar el suelo, apresuradamente ladra "estoy bien" y sigue adelante, conmocionado pero decidido, y untado con la sangre de su corcel. Toda la secuencia es asombrosa: montada en una escala y marcada con una claridad que hace que la propia realización de la película parezca el trabajo de un estratega militar supremo. Pero, extraordinariamente, Scott sigue mejorándolo.

El guión de David Scarpa retrata a Napoleón como un maestro táctico, pero también vincula su sed de conquista con su deseo frustrado, una vez coronado Emperador, de engendrar un heredero. El útero de su primera esposa, Joséphine es donde debería surgir la línea de sucesión, pero sigue siendo el único terreno resistente a sus reclamos.

No describirías la película como divertida, y en sus (ciertamente raros) momentos más tranquilos, tal vez pueda parecer un poco fría y seria. Pero la manera de ser de Phoenix hace que sus líneas más locas aterricen bien, mientras que el elenco de apoyo está repleto de rostros con carácter en los que entrecerrar los ojos o fruncir el ceño puede ser todo lo que una escena necesita para aligerar el ambiente. 

Ya sea que el tipo haya o no haya dicho alguna vez: “Si quieres que se haga algo, hazlo tú mismo”, esta es sin duda la actitud que encarna mientras se dirige hacia la batalla culminante inmortalizada por la música de ABBA. La interpretación entretenida y plausible que Scott hace de Napoleón es que, como muchos grandes directores de cine, era una especie de microgestor.

Crítica Cinéfila: House of Gucci

Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia".

La película de Ridley Scott es un filme defectuoso que aún así no me habría perdido por nada con toda la anticipación que generó. Lamentablemente, no logra establecerse en un tono constante: demasiado largo e narrativamente indisciplinado mientras se desplaza entre el gran drama y la ópera bufona. Los intercambios ágiles de diálogos recuerdan algunas historias de los 80, cuando las emociones eran tan grandes como las hombreras y el cabello, y los sucesos de mal gusto detrás de la riqueza y la ambición de un imperio empresarial familiar proporcionaban una escandalosa capa para historias de primera plana. La diferencia aquí es que la sórdida saga del amor, la traición y el asesinato se basa en hechos se pierde en una ejecución descuidada. Scott regresa a un territorio similar de riqueza dinástica, crimen y un entorno italiano solo cuatro años después de All the Money in the World, que fue impasible pero al menos competente. Esta vez parece estar dirigiendo episodios de una miniserie con múltiples géneros.

Scott parece extrañamente inseguro de sí mismo aquí, no ayudado por el torpe diálogo del guión peatonal de Becky Johnston y Roberto Bentivegna. Pero no se puede justificar que sea por los desafíos de filmar un drama de conjunto trotamundos que abarca décadas durante una pandemia, y menos aún para un elenco de un calibre impresionante sin escasez de escenografías. Junto con el inevitable y fabuloso diseño de vestuario y producción de época, el punto culminante es la actuación de Gaga.

En una actuación que la mayoría de las veces se marca hasta 110, Gaga ofrece un espectáculo fascinante, que aporta un carisma y un impulso feroz a Patrizia, una contadora de la compañía de camiones de su familia que se casó con Maurizio Gucci en 1972 y ordenó su asesinato en 1995. Incluso cuando está encendiendo un cigarrillo o revolviendo un espresso, Gaga se lanza al personaje con un entusiasmo salvaje. Siempre que está en la pantalla, la película está llena de electricidad. Por el contrario, Driver, en su segundo proyecto consecutivo para Scott después de The Last Duel, está bastante moderado, creando un personaje complejo por medios más matizados. Eso coloca a los dos protagonistas prácticamente en películas diferentes.

Luego están los actores secundarios, liderados por Jeremy Irons como el padre narcisista de Maurizio, el ex actor Rodolfo, con un acento que se desplaza entre el italiano y británico. En otro nivel está el enfrentamiento cómico entre Al Pacino y Jared Leto como el exuberante tío Aldo de Maurizio y su hijo sonso Paolo, respectivamente. Leto gana ese concurso por una milla con una actuación ridiculizada con traje de gordo y prótesis que es simplemente asombrosa, y no en el buen sentido de la palabra. 

Supongo que Gaga y Pacino pueden jugar la carta italoamericana, pero en realidad, House of Gucci no tienen ningún italiano involucrado en la actuación de esta película. Es un infierno de acentos tambaleantes.

Dicho esto, nunca es más divertido que cuando Patrizia de Gaga está tramando con su amiga Pina (Salma Hayek), una psíquica de televisión de bajo costo y una dama de los gatos, para recuperar su cada vez menor influencia dentro de la familia Gucci y, eventualmente, para congelar a Maurizio. Desde su primera aparición, está claro que la película pertenece a Gaga cuando Patrizia atraviesa el depósito de camiones de su padre hacia la oficina, vistiendo un vestido ajustado y tacones, empapándose de los silbidos de lobo y los comentarios lascivos de los conductores con evidente placer. Conoce a Maurizio en una fiesta lujosa en la era disco de Milán y tiene estrellas en sus ojos en el momento en que escucha su apellido.

Ella se interpone en su camino con tanta frecuencia que se ve obligado a invitarla a salir; en poco tiempo le presentará a papá, Rodolfo, hijo del fundador de la casa de moda Guccio Gucci. Ella no puede distinguir un Klimt de un Picasso, pero Rodolfo encuentra a Patrizia encantadora hasta que Maurizio comienza a hablar de matrimonio, momento en el que lo repudia de inmediato. Rodolfo encuentra a Patrizia aceptable como un juguete para su hijo, pero inmediatamente la juzga como una cazafortunas cuando Maurizio la introduce en la familia. Eso sucede en un descarado corte de los dos jorobando locamente en el escritorio de la oficina de Patrizia hasta que ella camina por el pasillo con un elaborado vestido de novia.

En la actuación moderada de Driver, ya sea elegantemente reservada o cautelosa, dependiendo de cómo lo vean, obtenemos un acceso psicológico íntimo a Maurizio a medida que la pasión de los primeros años disminuye y la vulgaridad de Patrizia comienza a irritarse. Esto es notable en la escena de una estación de esquí en St. Moritz con sus amigos ricos, incluida la mujer que reemplazaría a Patrizia, Paola Franchi (Camille Cottin). La bofetada definitiva llega cuando le da a Patrizia una tarjeta de regalo de Bloomingdale's para Navidad. Más de ese tipo de humor astuto podría haberle dado a la película un toque satírico.

Mucho antes de que las fisuras en su matrimonio se vuelvan irreparables, Patrizia empuja a Maurizio a superar su ambivalencia sobre unirse a la empresa familiar, reparando la brecha con su padre justo a tiempo para apoderarse de la participación mayoritaria del anciano en la empresa, aunque con algunos movimientos furtivos. Al principio, encuentra un aliado en el presidente de la compañía, el tío Aldo, mientras van y vienen entre Milán y Nueva York; y se las arregla para trabajar con Paolo, quien tiene la ilusión de ser un diseñador visionario.

No se puede dejar de mencionar al abogado de la familia Domenico De Sole, un papel asegurado en el que Jack Huston apenas se registra, excepto en la medida en que se parece a Tom Ford mucho más que Reeve Carney, quien se convierte brevemente en ese papel.

En la escena de St. Moritz antes mencionada, Patrizia responde a una pregunta sobre los macarrones de merengue que ha traído con un monólogo incoherente sobre un viaje a París con Maurizio. "Estás llenando la historia de detalles innecesarios", le dice en una despectiva cortante. "Solo quieren saber de dónde sacaste los macarrones, cariño". En cierto sentido, eso es lo que hace el guión de Johnson y Bentivegna. Dado que esta es una película y no una miniserie de los 80, está demasiado abarrotada de tramas tan ocupadas que nos siguen alejando del macarrón de la relación que se desmorona de Patrizia y Maurizio. O tal vez es solo que la energía de la película se desploma cada vez que Gaga está fuera de cámara.

Claro, es moderadamente interesante conocer las tribulaciones de Aldo por evasión de impuestos y las artimañas corporativas que lo empujan a él y a Paolo a salir de la compañía cuando Maurizio se asocia con el grupo financiero de Bahrein Investcorp. Pero Scott no puede sacarle mucho jugo a estos desarrollos. Lo mismo ocurre con el cambio de imagen después de que Gucci se haya asociado al prodigio de Texas, Ford (Carney), traído para revolucionar el estilo de la casa, con una aparición misericordiosamente breve de una mala imitadora de Anna Wintour.

A pesar de los fragmentos frenéticos de la trama lanzados entre las pistas musicales de los 80 por Eurythmics, David Bowie, Donna Summer, Blondie, y otros, el ritmo de la película se cuela de una manera increíblemente lenta, incluso cuando debería generar suspenso como el filme anticipado y anticlimático que prometieron. Scott, que se incorporó al proyecto por primera vez en 2006, parece convencido de que está haciendo algo parecido a The Godfather. Pero, en cambio, la acción sigue deslizándose hacia un carácter inadvertido.

El director de fotografía Dariusz Wolski mezcla el brillo con una apariencia de época descolorida para lograr un efecto decepcionante de los 80, pero el diseño de producción de Arthur Max y el vestuario de Janty Yates le agregan muchos de esos detalles lujosos que se esperan cuando uno escucha "Gucci". Al igual que Gaga, que llama la atención en un vehículo que depende mucho más exclusivamente de ella que A Star Is Born, donde el centro de atención se comparte por igual con Bradley Cooper. Su trabajo aquí puede ser masticable, pero está fascinantemente viva en el papel, lo que calienta el hambre de Patrizia y aumenta la desesperación en una película confusa que rara vez se enciende.

Crítica Cinéfila: The Last Duel

 Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. 

The Last Duel trae las escenas de lucha con espadas más brutales en décadas, lo que demuestra que nadie lo hace realmente como Sir Ridley Scott cuando se trata de piezas de la época medieval, quien establece un nuevo estándar para las peleas con espadas en tierra. Aún así, la acción retorcida no es más que un delicioso aperitivo para el plato principal: un exquisito guión parecido a The Handmaiden que muestra una serie de eventos trágicos contados desde tres perspectivas diferentes, con impresionantes actuaciones que cambian sutilmente según quién está contando la historia, mientras que presenta una conmovedora exploración del poder y el género durante un tiempo y sistema donde los personajes secundarios femeninos se sienten como simples accesorios.

Ambientado durante la Guerra de los Cien Años, una época en la que Francia e Inglaterra están envueltos en batallas y conflictos sin fin, es un gran momento para hacerse un nombre y ganarse la vida ganando la gloria y la tierra para su señor feudal, siempre y cuando pague su alquiler a tiempo y da una parte de todo lo que tú y tus vecinos hagan a un conde o duque lejano. Este es un momento en el que todo, incluidas las mujeres, se consideran propiedad. Desde la escena inicial, Scott deja en claro que este es un momento cruel e implacable en la historia, donde miles de personas se reúnen en una plaza pública para ver a dos hombres en una pelea a muerte mientras el rey y su corte miran con deleite. Justo antes de que las lanzas golpeen su objetivo, nos remontamos unos años atrás.

Seguimos al futuro caballero Jean de Carrouges (Matt Damon), un escudero conocido por su habilidad en la batalla. La suya es una tragedia de proporciones griegas, ya que vemos cómo las hazañas de batalla de Jean en nombre del rey solo le provocan dolor y humillación. Primero, la plaga reclama a su familia, trabajadores y cultivos, luego el conde al que se ve obligado a jurar lealtad, Pierre d'Alençon (Ben Affleck) lo trata con desdén. Peor aún, el conde comienza a conspirar con el mejor amigo de Jean, Jacques Le Gris (Adam Driver), quien toma toda la herencia de Jean, la dote de su esposa y, finalmente, su esposa. Cuando Marguerite (Jodie Comer) afirma que fue violada por Le Gris, Jean decide dejar la justicia en manos de Dios, y la hoja de su espada, desafiando a su antiguo amigo a un duelo frente al rey.

Luego volvemos al principio una vez más, mientras revisamos los hechos una vez más, ahora contados desde la perspectiva de Le Gris, al estilo de The Handmaiden o Rashomon. Es un testimonio para los actores que son capaces de ofrecer tres actuaciones distintas y sutilmente diferentes según quién esté contando la historia. Damon ofrece una actuación impresionante que transforma a De Carrouges de un escudero orgulloso y confiado en sus propios ojos, a un patético y ridículo tonto cuando Le Gris cuenta la historia, a un marido obediente aunque enojado, resentido y celoso cuando Marguerite está contando la historia. Driver, por otro lado, actúa como un personaje de Alexandre Dumas que cobra vida, con el carisma de un héroe romántico, combinado con la energía cruda y fuerte de su bosquejo de la época medieval. Podría decirse que es Affleck quien ofrece la actuación más entretenida, profundizando en su personaje libertino de playboy de hace 20 años para un papel deliciosamente y absurdamente cruel, y alegre como el recuento de la perilla rubia blanqueadora.

Aún así, este es inequívocamente el vehículo estrella de Comer, ya que emerge de las sombras en el tercer acto, habiendo engañado intencionalmente a la audiencia actuando en silencio y al margen como poco más que como un apoyo para ayudar a las historias de los dos hombres sobre la lucha y a la muerte por ella. La capacidad de Comer para inyectar humanidad en el personaje de Marguerite con las expresiones más sutiles, revelando lenta pero seguramente más del dolor, las frustraciones y también la alegría de la vida de la recién casada antes de que se cuente su versión de la historia es lo que realmente vende la película, como toda la historia descansa sobre sus hombros. 

El guión, coescrito por Affleck, Damon y Nicole Holofcener (que maneja la versión de los hechos de Marguerite) toma la decisión correcta de no jugar con la ambigüedad sobre si la violación realmente sucedió, sino más bien jugar con la forma en que las normas sociales enseñaron y permitieron a los hombres percibir a una mujer huyendo con miedo como un juego previo inocente, o gritos de terror como una farsa hecha por mujeres casadas como una obligación hacia Dios más que como verdaderas protestas. The Last Duel deja en claro que la razón por la que la versión de los eventos de Marguerite es objetiva es que ella es el único personaje que ve a todos los demás como humanos, reconociendo objetivamente sus cualidades y sus defectos, en lugar de mirar a los demás como propiedad u objetos.

Pero el guión funciona tan bien como lo hace gracias a la dirección de Scott y el director de fotografía Dariusz Wolski, que cambia el encuadre y los ángulos de la cámara de un capítulo a otro, reencuadra los eventos para mostrar cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás. De Carrouges puede ser un hombre grande e impresionante a sus ojos, con sus heroicas escenas de lucha presentadas en cámara lenta y con ángulos bajos que representan su grandeza, pero cuando Le Gris está contando la historia, la cámara retrocede y hace que Jean se encoja como un tonto en un mar de grandeza real. De hecho, el bloqueo, e incluso la edición, se desvanecen en escenas que ya hemos visto, y casi como una novela policíaca, revelan detalles o incluso personas que estaban allí, escondiéndose fuera de la vista de los dos hombres demasiado grandes y ensimismados para fijarse en ellos antes.

Lamentablemente, para una película que intenta tanto ser un tipo diferente de drama medieval para la era #MeToo, The Last Duel no ofrece a sus personajes secundarios femeninos el mismo tratamiento humanista que Marguerite, tratándolos principalmente como dispositivos de trama, apareciendo solo cuando es estrictamente necesario y desapareciendo rápidamente de la vista. Asimismo, la película se centra tanto en la escena de la violación, extendiendo la escena y con la edición de sonido acentuando los gemidos y los gritos, que casi se siente gratuito y contradictorio en una película que supuestamente trata de devolverle la voz a las mujeres y retratarlas como humanas. en lugar de objetos.

Entonces, ¿qué pasa con el duelo titular? Bueno, a pesar de un largo tiempo de ejecución de 152 minutos, la espera vale la pena para ver a Scott flexionar sus músculos de acción de una manera que no se ha visto en el cine convencional de Hollywood desde Kingdom of Heaven . Este no es el tipo de pelea de espadas romántica de algo como El señor de los anillos, o el enfoque exagerado en la sangre de Game of Thrones, pero una lucha a muerte agotadora, brutal y lenta que es tan poco romántica como puede ser una película, con cada corte, barra y puñalada con un tremendo peso visual, auditivo y emocional. Sabes que el equipo de acrobacias hizo su tarea en el momento en que Damon de Carrouges comienza a sostener su espada con una mano en la hoja real, y el resto de la pelea se siente como en tierra, incluso si florece para hacer lo que fue un asunto muy corto, parecen más cinematográficos de lo habitual.

Una película sobre un duelo a muerte por la violación de una mujer, escrita por dos hombres, tenía mucho escepticismo en su contra, pero The Last Duel se levanta contra cualquier escepticismo con un guión complejo y matizado, actuaciones fenomenales que deben ser estudiadas. en clase de actuación, y algunas de las mejores escenas de lucha medievales puestas en pantalla.

All the Money in the World

Film sobre el secuestro en Italia en 1973 de John Paul Getty III y los desesperados esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, el magnate del petróleo John Paul Getty Sr., considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate. (FILMAFFINITY)

Ridley Scott trae a la pantalla grande un segmento de la vida de Getty, quien no solo fue conocido como uno de los hombres más ricos del mundo, sino también por su personalidad que se caracterizaba por su mezquindad, que casi provoca la muerte de a quien él consideraba, uno de sus nietos favoritos.

La historia inicia directamente con el momento en que Getty III fue secuestrado mientras andaba paseando por las calles de Italia. Los secuestradores llamaron a Abigail Getty, su madre, e indicaron que debían pagar 17 millones de dólares por la liberación de su hijo. En medio de su desesperación, ella acude a Getty Sr., con el fin de que el magnate pague el rescate; sin embargo, él se negó a "regalar ese dinero": en principio decía que su nieto no valía esa cantidad y que si fuese a pagar el mismo monto por cada uno de sus nietos (tuvo 14 nietos), estaría en la quiebra; después consideró que el secuestro fuese una farsa; finalmente accedió a pagar solo lo que su nieto heredaría de su fortuna, incluyendo los impuestos de envío. Durante la trama, la historia se va intercambiando entre el secuestro, cómo era la vida de Abigail antes y después de su divorcio con el hijo de Getty, y las ambiciones del magnate con piezas de artes, que después de su muerte fueron trasladadas al que se convertiría en el Museo de Getty.

Christopher Plummer interpreta al Getty, y no es de extrañarse que sus nominaciones en las distintas premiaciones del cine se deban a la exquisitez de su actuación como este personaje. No solo le dio vida al magnate, sino también que transmitió esas razones que hicieron de este hombre una de las personas más ricas del mundo, con un adherido adicional de su arrogancia, tacañez (hasta en palabras y presencia) y personalidad sarcástica. Del mismo modo, Michelle Williams encarna a la nuera de Getty y otorga una de sus mejores actuaciones, donde hay un obvio trabajo de personalización, tanto en el acento como en las acciones "reactivas" frente a las situaciones que vivió; demostró la fuerza y empoderamiento que tuvo Abigail y cómo logró mover cielo y tierra para salvar a su hijo. Mark Wahlberg es Fletcher Chase, el consejero personal de Getty, más tarde asignado al servicio de Abigail, y ex-agente de la CIA; él era un hombre de mucha confianza de Getty.

Una gran sorpresa de la película es Charlie Plummer, quien interpreta al nieto del magnate en la pantalla grande, pero no tiene ningún parentesco con el actor Christopher Plummer. Sin embargo, si así lo fuese, heredaría la entrega a este personaje, en donde tuvo que pasar todas las torturas y malestares que sus secuestradores le sometieron para poder sacarle dinero; Charlie se apodera de su personaje y lo hace creíble, sin exageraciones.

La película posee un guión dividido en tres subtramas: Charlie y los secuestradores, Abigail y Chase, y el Getty y su pasión por el arte. Cada subtrama se introduce, desarrolla y concluye de una manera apropiada y sutil, sin dejar nada al aire, y permitiendo comprender cada uno de los detalles que convirtieron este suceso en una historia importante de contar.

Por otro lado, la trama, desarrollada en los años 70, cuenta con un trabajo de producción, donde el diseño de producción de los escenarios y el diseño de vestuario jugaron un papel importante para la credibilidad de esta película, complementados por la musicalización inspirada en esa época y un manejo de cámara en mano que permite mayor cercanía e intimidad con los personajes y sus situaciones.

All the Money in the World es una película necesaria de ver pues cumple con todas las características adecuadas para una trama interesante: excelente elenco, guion bien contado y un final que mantiene el tono establecido desde el principio de la historia.

Murder on the Orient Express

Durante un viaje en el legendario tren Orient Express, el detective belga Hercules Poirot investiga un asesinato cometido en el trayecto, y a resultas del cual todos los pasajeros del tren son sospechosos del mismo. (FILMAFFINITY)

Esta adaptación de la novela de Agatha Christie y remake de la película de 1974, se centra en el detective Hercule Poirot, un señor que se ha ganado la fama por resolver casos que parecen ser irresolubles; él mismo sabe que es uno de los mejores detectives de su generación. Después de resolver uno de los tantos, es asignado nueva vez a un nuevo caso y decide tomar el Expreso Oriental (Orient Express) para llegar rápidamente a su destino. Todo parece ir como el tiempo manda hasta que una tormenta de nieve obstruye el paso del tren y se descubre que uno de los huéspedes ha sido asesinado. Hercule comienza a investigar quién podría ser el culpable de todos los demás presentes en un lugar donde cualquiera podría ser el asesino.

Esta película tiene la dicha de contar con un elenco totalmente envidiable, protagonizado por Kenneth Branagh, quien también asume el rol de director. Su caracterización de este personaje es uno de los aspectos que más se debe destacar de la trama, pues es desarrollado a un nivel que logra transmitir quién es, dónde estuvo, hacia dónde va y cuáles son los demonios que lo persiguen. Del mismo modo, sus demás personajes son estructurados y orientados en un sentido de que crean ese suspenso y misterio que la trama se propone.

El inicio (o establecimiento) de la historia es un atractivo pues introduce a todos sus personajes, al detective y cómo suele resolver sus casos, y lo asombroso del Expreso Oriental, que además de ser una atracción, también es un lujo para los que son testigos de su partida. Por lo mismo, el misterio del asesinato se va desarrollando a un ritmo en que, en vez de ir respondiendo, va creando más incertidumbre, que llega a ser interesante hasta que finalmente se descubre quién/quienes son los responsables de este crimen. 

A pesar de desarrollarse básicamente en un tren, con excepción del primer acto y la última escena, esto no le restó importancia ni valor narrativo a la trama, ni creó una monotonía sin sentido; muy por el contrario, da esa atmósfera claustrofóbica y necesaria de saber quien es el culpable y la cuestionante de, si vuelve a atacar, quién será el siguiente.

El desenlace y clímax es el punto débil de la película, pues aunque se resuelve, llega flojo y muy fácil, tanto que podría ser considerado aburrido en comparación a todo el desarrollo que tuvo la historia.

Por otro lado, la fotografía es un elemento importante a destacar, ya que muestra la belleza del escenario donde se desarrolla y la ambientación de cada una de sus escenas. Por igual, el diseño de vestuario crea una identificación de la personalidad de cada personaje que se puede identificar y complementar una vez tienen participación en la investigación. La musicalización es otro punto importante, pues fue creando la atmófera de suspenso que planteaba la trama.

La película fue decayendo a medida que el misterio se fue resolviendo, pero eso no le resta lo que en términos visuales y desarrollo narrativo de personajes logró, en mayor parte gracias a la cinematografía realizada por Haris Zambarloukos y la increíble división actoral con la que cuenta.

Blade Runner 2049

Treinta años después de los eventos del primer film, un nuevo blade runner, K (Ryan Gosling) descubre un secreto largamente oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento de K le lleva a iniciar la búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner al que se le perdió la pista hace 30 años. (FILMAFFINITY)

Una de mis mayores preocupaciones con el cine moderno son las secuelas, porque en su gran mayoría están precediendo a clásicos o películas taquilleras extremadamente exitosas, y en otras ocasiones están buscando alcanzar el éxito que sus antecesoras no lograron conseguir. Ambas situaciones son retantes, porque el camino para llegar a la meta de las taquillas y buena crítica no sólo dependerá en qué tanto varíe la imagen para impresionar al público.

Para mi gran decepción, Blade Runner 2049 no cumplió con las expectativas que el trailer y los comentarios de otras personas habían generado en mí. Y mi desencanto no tiene nada que ver con los aspectos técnicos que son los únicos atractivos de la película, para mi. Sino de toda la parte narrativa que la compone.

La historia se desarrolla 30 años después de que Rick Deckard desapareciera junto a Rachael, en una ciudad de Los Angeles devastada por la destrucción medioambiental, envuelta en el desequilibrio químico y consumida por las avanzadas tecnologías. El protagonista, conocido como K o Joe, es un replicante que trabaja y obedece los oficios de la policía local, ubicando y eliminando modelos de replicantes clandestinos más viejos. Después de acabar con uno de sus casos, encuentra por accidente una caja con huesos de una antigua replicante y un descubrimiento que podría "cambiar la sociedad humana y de replicantes como ya es conocida": esta mujer/replicante tuvo un bebé, lo cual era considerado imposible para ese grupo de seres. A partir de ese momento, Joe debe investigar quién fue, dónde está esa criatura, quién fue su padre y cómo esto cambiará al resto del mundo, si es que logra cambiarlo antes de que la película se acabe.

La situación que más me preocupa con esta trama es que sus personajes son apáticos. Y es injustificable que digan que lo son porque no son humanos reales y naturales, cuando en la historia del 1982 nos mostraron que tienen sentimientos y son capaces de sufrir.

Aún con que la película cuenta con actores de fuerte calibre, estos no lograron llenar las interpretaciones como debían: Joe o K (Ryan Gosling) fue un objeto sin sentimientos ni una muestra de interés, ni siquiera cuando creyó que él era ese bebé de replicante y humano; hay otros personajes que se ven muy sobreactuados y otros poco coordinados; el personaje de Jared Leto no le sacaron el provecho y el máximo de lo que sé que hubiese dado y lo convirtieron en un villano pasivo, otorgándole importancia a Luv (Sylvia Hoeks), quién es el único personaje que sí tiene un desarrollo, aun cuando su cambio no es tan notorio. La entrada de Harrison Ford le dio un poco de fuerza a los demás, pero su aparición no es hasta la segunda parte de la película, cuando el ritmo duerme a la mitad de la audiencia con un paso extremadamente lento para lo que en realidad prometía la historia.

La trama no deja de ser interesante, pero está narrada en un tono flojo, falto de carisma y de la intensidad que solamente fueron logradas en las escasas escenas de acción que tuvo. Incluso algunas de ellas no tuvieron la fuerza que ameritaban.

Si le otorgo puntos a favor de esa fotografía colorida que me da la sensación de un tiempo distópico aparentemente creíble, pues da esa tensión en su atmósfera nublada y dañada. A su vez, los efectos especiales de los vehículos, las armas y las tecnologías futuristas fueron otra novedad que lograron lo que quizás la primera Blade Runner intentó hacer (y que en cierta forma, también lo hizo de una manera increíble, en comparación a la fecha en que fue desarrollada). Otro aspecto que me compró fue la musicalización, compuesta por una banda sonora de violines que complementaban el suspenso que trataban de crear en cada escena de la película.

Blade Runner 2049 no es una secuela terrible, pero no es (para mi) una obra de arte, porque aunque haya cumplido con dar una impresionante cinematografía y un elenco envidiable, se queda corta en términos narrativos y de personajes, y tiene la decepcionante capacidad de dormir a su público, si no logra enbobarlo con los aspectos técnicos que sé que muchos les aplaudirán y no le darán importancia a lo que verdaderamente es importante cuando se hace una continuación de una película: darle sentido coherente y entretenido a su historia.