Crítica Cinéfila: Air

Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Hoy en día, hay 37 variaciones diferentes de modelos Air Jordan disponibles. Desde la cancha de baloncesto hasta las calles e incluso la pasarela, las zapatillas Nike se han convertido en un elemento básico de la cultura estadounidense. “Air” del director Ben Affleck invita al público a la sede de Nike para experimentar la historia detrás del popular zapato que fue construido únicamente para el legendario atleta que lleva su nombre: Michael Jordan.

Ambientada en 1984, Affleck interpreta al fundador de Nike, Phil Knight. Un líder ambicioso, rebelde y apasionado al que le gusta vivir y reiterar la famosa cita de Douglas McArthur, "se te recuerda por las reglas que rompes", a Knight le encantaba tomar riesgos. Durante este tiempo, Nike no tuvo tanto éxito como sus competidores Adidas y Converse, y su división de la NBA estaba luchando por contratar a un atleta para patrocinar su equipo. El gurú del baloncesto de Nike, encargado de cambiar ese bajón, fue Sonny Vaccaro (interpretado por Matt Damon). Cuando la junta de Nike comenzó a cuestionar la relevancia de su puesto en Nike, Vaccaro buscó hacer algo salvaje: fichar al novato de los Chicago Bulls, Michael Jordan, para cambiar literalmente el juego de Nike y comercializar una marca en general.

El estilo de dirección de Affleck es muy bueno, con varias tomas aéreas y primeros planos que permiten que los actores realmente brillen. También incluye imágenes antiguas de comerciales famosos, videos musicales y juegos deportivos para preparar el escenario para la era que el público está a punto de volver a visitar o ingresar por primera vez. Los interludios de citas de los 10 principios de Nike también ayudan a los espectadores a comprender el espíritu de los dedicados empleados de la empresa, muchos de los cuales son fanáticos y ex atletas o corredores. Por ejemplo, "nuestro negocio es el cambio", "estamos a la ofensiva, todo el tiempo" y "si hacemos las cosas correctas, ganaremos dinero casi automáticamente", se muestran a lo largo de la película. Varias referencias a la historia de la compañía se mencionan a lo largo de 1 hora y 52 minutos de duración de la película y potencialmente podrían haber sido extraídas de las memorias inspiradoras de Knight "Shoe Dog".

Para fichar a Jordan, Vaccaro tiene que pasar por el arrogante agente de Michael, David Falk (divertidamente interpretado por Chris Messina). Las bromas competitivas entre Vaccaro y Falk comprenden algunas de las mejores escenas cómicas de la película gracias al inteligente guión del escritor Alex Convery. Si bien Falk se preocupa principalmente por las ganancias financieras, el enfoque de Vaccaro para su competencia corporativa es pasar por alto al agente de Jordan y acercarse a sus padres cara a cara, un enfoque audaz que sus colegas consideran poco profesional. Conduciendo a Carolina del Norte, Vaccaro se encuentra con James R. Jordan Sr. (Julius Tennon) y Deloris Jordan (Viola Davis) en un intento por ganárselos. 

Mientras el equipo de Nike se prepara para el gran recibimiento de la familia Jordan, se presenta al público a los otros jugadores clave. Jason Bateman interpreta a Rob Strasser, vicepresidente de marketing, y Chris Tucker a Howard White, el hombre que finalmente se convirtió en vicepresidente de Jordan Brand para Nike. Bateman brinda un enfoque de advertencia pero de apoyo a Strasser, mientras que la energía vibrante y eléctrica de Tucker se abre paso y cautiva a los Jordan como White. La actuación de cada actor en “Air” es fenomenal por derecho propio y trabajan como un equipo para crear una de las historias de éxito empresarial más atractivas de la historia en la pantalla. 

El director de fotografía Robert Richardson captura las escenas iniciales con una neblina granulada, sinónimo de las cintas VHS de la vieja escuela que se usaban para grabar juegos en los años 80. A medida que la imagen se aclara a lo largo de la película, Richardson es capaz de contrarrestar extremadamente bien el diseño del escenario vintage, cortesía del diseñador de producción François Audouy. Los entusiastas de los zapatos y los amantes de las zapatillas deportivas disfrutarán de varios huevos de Pascua en la oficina de Nike, incluidos recortes de periódicos de los días originales de la cinta azul de Nike y varios artefactos de los viajes internacionales de Knight.

La diseñadora de vestuario Charlese Antoinette Jones hace un trabajo increíble al transmitir la época y mostrar toda la ropa vintage de Nike que usa el personal. Este equipo creativo detrás de cámara se destaca por sumergir al público en el mundo de los negocios de los años 80 mientras juega con el amor moderno de la nostalgia. 

La decisión de no tener un actor que interpretara a Michael Jordan (o más bien, no tener un personaje interactivo, por actor de cebo lo había) fue sabia. Affleck claramente tuvo mucho cuidado con este proyecto al respetar a la leyenda y su amada familia. Consultó con Jordan para obtener su bendición para la película, recibir cualquier aporte y honrar la condición de Jordan de que la suprema Viola Davis interpretara a su madre. Si bien muchos pueden suponer que "Air" se trata del juego o del propio MJ, en realidad se trata de los desvalidos de Nike que crean una marca que fue revolucionaria para la época. Antes de Air Jordans, no había habido una estrategia de marketing de este grado. Como dice Strasser, “un zapato es solo un zapato hasta que alguien lo calza”. 

Otro aspecto impactante de la película es cómo la historia se convierte en una familia. Davis aporta una gran calidez y fuerza al interpretar a Deloris Jordan, una mujer que conocía el valor de su hijo y luchó por él para obtener su parte del pastel. Sutil pero severa, su actuación evoca tal empatía y clase mientras Deloris navega por los acuerdos comerciales que se le proponen a ella y a su adorado esposo. 

Cada actor en la última película de Affleck ofrece una actuación poderosa y digna de premios. “Air” es un éxito y, en última instancia, una de las mejores películas deportivas jamás realizadas. Affleck captura con éxito el conmovedor e hilarante marketing de Nike viaje mientras rinde homenaje respetuoso a todos los involucrados. “Air” es una tremenda historia de desvalidos llena de personajes adorables y, realmente, una película sobre leyendas hecha por leyendas. 

Crítica Cinéfila: The Last Duel

 Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. 

The Last Duel trae las escenas de lucha con espadas más brutales en décadas, lo que demuestra que nadie lo hace realmente como Sir Ridley Scott cuando se trata de piezas de la época medieval, quien establece un nuevo estándar para las peleas con espadas en tierra. Aún así, la acción retorcida no es más que un delicioso aperitivo para el plato principal: un exquisito guión parecido a The Handmaiden que muestra una serie de eventos trágicos contados desde tres perspectivas diferentes, con impresionantes actuaciones que cambian sutilmente según quién está contando la historia, mientras que presenta una conmovedora exploración del poder y el género durante un tiempo y sistema donde los personajes secundarios femeninos se sienten como simples accesorios.

Ambientado durante la Guerra de los Cien Años, una época en la que Francia e Inglaterra están envueltos en batallas y conflictos sin fin, es un gran momento para hacerse un nombre y ganarse la vida ganando la gloria y la tierra para su señor feudal, siempre y cuando pague su alquiler a tiempo y da una parte de todo lo que tú y tus vecinos hagan a un conde o duque lejano. Este es un momento en el que todo, incluidas las mujeres, se consideran propiedad. Desde la escena inicial, Scott deja en claro que este es un momento cruel e implacable en la historia, donde miles de personas se reúnen en una plaza pública para ver a dos hombres en una pelea a muerte mientras el rey y su corte miran con deleite. Justo antes de que las lanzas golpeen su objetivo, nos remontamos unos años atrás.

Seguimos al futuro caballero Jean de Carrouges (Matt Damon), un escudero conocido por su habilidad en la batalla. La suya es una tragedia de proporciones griegas, ya que vemos cómo las hazañas de batalla de Jean en nombre del rey solo le provocan dolor y humillación. Primero, la plaga reclama a su familia, trabajadores y cultivos, luego el conde al que se ve obligado a jurar lealtad, Pierre d'Alençon (Ben Affleck) lo trata con desdén. Peor aún, el conde comienza a conspirar con el mejor amigo de Jean, Jacques Le Gris (Adam Driver), quien toma toda la herencia de Jean, la dote de su esposa y, finalmente, su esposa. Cuando Marguerite (Jodie Comer) afirma que fue violada por Le Gris, Jean decide dejar la justicia en manos de Dios, y la hoja de su espada, desafiando a su antiguo amigo a un duelo frente al rey.

Luego volvemos al principio una vez más, mientras revisamos los hechos una vez más, ahora contados desde la perspectiva de Le Gris, al estilo de The Handmaiden o Rashomon. Es un testimonio para los actores que son capaces de ofrecer tres actuaciones distintas y sutilmente diferentes según quién esté contando la historia. Damon ofrece una actuación impresionante que transforma a De Carrouges de un escudero orgulloso y confiado en sus propios ojos, a un patético y ridículo tonto cuando Le Gris cuenta la historia, a un marido obediente aunque enojado, resentido y celoso cuando Marguerite está contando la historia. Driver, por otro lado, actúa como un personaje de Alexandre Dumas que cobra vida, con el carisma de un héroe romántico, combinado con la energía cruda y fuerte de su bosquejo de la época medieval. Podría decirse que es Affleck quien ofrece la actuación más entretenida, profundizando en su personaje libertino de playboy de hace 20 años para un papel deliciosamente y absurdamente cruel, y alegre como el recuento de la perilla rubia blanqueadora.

Aún así, este es inequívocamente el vehículo estrella de Comer, ya que emerge de las sombras en el tercer acto, habiendo engañado intencionalmente a la audiencia actuando en silencio y al margen como poco más que como un apoyo para ayudar a las historias de los dos hombres sobre la lucha y a la muerte por ella. La capacidad de Comer para inyectar humanidad en el personaje de Marguerite con las expresiones más sutiles, revelando lenta pero seguramente más del dolor, las frustraciones y también la alegría de la vida de la recién casada antes de que se cuente su versión de la historia es lo que realmente vende la película, como toda la historia descansa sobre sus hombros. 

El guión, coescrito por Affleck, Damon y Nicole Holofcener (que maneja la versión de los hechos de Marguerite) toma la decisión correcta de no jugar con la ambigüedad sobre si la violación realmente sucedió, sino más bien jugar con la forma en que las normas sociales enseñaron y permitieron a los hombres percibir a una mujer huyendo con miedo como un juego previo inocente, o gritos de terror como una farsa hecha por mujeres casadas como una obligación hacia Dios más que como verdaderas protestas. The Last Duel deja en claro que la razón por la que la versión de los eventos de Marguerite es objetiva es que ella es el único personaje que ve a todos los demás como humanos, reconociendo objetivamente sus cualidades y sus defectos, en lugar de mirar a los demás como propiedad u objetos.

Pero el guión funciona tan bien como lo hace gracias a la dirección de Scott y el director de fotografía Dariusz Wolski, que cambia el encuadre y los ángulos de la cámara de un capítulo a otro, reencuadra los eventos para mostrar cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás. De Carrouges puede ser un hombre grande e impresionante a sus ojos, con sus heroicas escenas de lucha presentadas en cámara lenta y con ángulos bajos que representan su grandeza, pero cuando Le Gris está contando la historia, la cámara retrocede y hace que Jean se encoja como un tonto en un mar de grandeza real. De hecho, el bloqueo, e incluso la edición, se desvanecen en escenas que ya hemos visto, y casi como una novela policíaca, revelan detalles o incluso personas que estaban allí, escondiéndose fuera de la vista de los dos hombres demasiado grandes y ensimismados para fijarse en ellos antes.

Lamentablemente, para una película que intenta tanto ser un tipo diferente de drama medieval para la era #MeToo, The Last Duel no ofrece a sus personajes secundarios femeninos el mismo tratamiento humanista que Marguerite, tratándolos principalmente como dispositivos de trama, apareciendo solo cuando es estrictamente necesario y desapareciendo rápidamente de la vista. Asimismo, la película se centra tanto en la escena de la violación, extendiendo la escena y con la edición de sonido acentuando los gemidos y los gritos, que casi se siente gratuito y contradictorio en una película que supuestamente trata de devolverle la voz a las mujeres y retratarlas como humanas. en lugar de objetos.

Entonces, ¿qué pasa con el duelo titular? Bueno, a pesar de un largo tiempo de ejecución de 152 minutos, la espera vale la pena para ver a Scott flexionar sus músculos de acción de una manera que no se ha visto en el cine convencional de Hollywood desde Kingdom of Heaven . Este no es el tipo de pelea de espadas romántica de algo como El señor de los anillos, o el enfoque exagerado en la sangre de Game of Thrones, pero una lucha a muerte agotadora, brutal y lenta que es tan poco romántica como puede ser una película, con cada corte, barra y puñalada con un tremendo peso visual, auditivo y emocional. Sabes que el equipo de acrobacias hizo su tarea en el momento en que Damon de Carrouges comienza a sostener su espada con una mano en la hoja real, y el resto de la pelea se siente como en tierra, incluso si florece para hacer lo que fue un asunto muy corto, parecen más cinematográficos de lo habitual.

Una película sobre un duelo a muerte por la violación de una mujer, escrita por dos hombres, tenía mucho escepticismo en su contra, pero The Last Duel se levanta contra cualquier escepticismo con un guión complejo y matizado, actuaciones fenomenales que deben ser estudiadas. en clase de actuación, y algunas de las mejores escenas de lucha medievales puestas en pantalla.

Crítica Cinéfila: Zack Snyder's Justice League

Con la determinación de asegurar que el sacrificio definitivo de Superman no fue en vano, Bruce Wayne une fuerzas con Diana Prince para reclutar a un equipo de metahumanos que protejan el mundo de una amenaza inminente de proporciones catastróficas.

Analizar el evento cultural de "Justice League" de Zack Snyder, también conocido como el Snyder Cut, puede requerir una basta experiencia en la legitimación de la cultura de los fanáticos durante los últimos 25 años. Sin embargo, incluso la consideración de su calidad requiere un cierto grado de contexto.

En un nivel, las cuatro horas y seis partes (más un interminable epílogo de 30 minutos) en esta extraña remodelación de material antiguo se ven empañadas por actuaciones demasiado alargadas, subtramas rosas y una construcción de mundos confusa que hace que el Universo Cinematográfico de Marvel parezca la perfección. Sin embargo, el arco general de este "Justice League" es más coherente aquí, proporcionando toques ocasionales de intriga, presunciones visuales inspiradoras, y en ocasiones incluso es divertido, re-centrando el drama en torno a Cyborg, y llevando algunas de las ostentosas secuencias de lucha a su punto de ruptura, "Zack Snyder's Justice League" muestra un esfuerzo genuino para hacer que esta apuesta casi imposible haga clic con la audiencia, incluso con personas ajenas a este tipo de historias, como yo.

Todo eso contrasta enormemente con la versión fantástica que terminó Joss Whedon en 2017, cuando Snyder abandonó el proyecto debido al suicidio de su hija adolescente y al deseo de pasar más tiempo con su familia. Ver "Zack Snyder's Justice League" sin ningún trasfondo probablemente sería una prueba de resistencia seria, incluso cuando la acción se cumple. Pero verlo a la luz de la revoltijo fallido y confuso de la versión de Whedon funciona mucho a favor de Snyder.

La trágica historia de fondo de la experiencia de Snyder en el proyecto no impregna exactamente la narración, pero al elaborar una meditación contundente y extensa sobre el proceso de salvar un mundo roto, se filtra algo. Lanzado exclusivamente en HBO Max, literalmente se convierte Snyder en un nombre familiar, y sin lugar a dudas representa la visión singular de un cineasta cuyo enfoque maximalista puede repeler a tantas personas como deleita, pero ciertamente ofrece un cine genuino de atracción para quienes lo exigieron en primer lugar.

Aún así, hay otra forma de decirlo: la naturaleza prolongada de esta trama de héroes que salvan el mundo a menudo equivale a un ejercicio de estilo. Una vez más, Batman (Ben Affleck) y Wonder Woman (Gal Gadot) reunen a personajes como Aquaman (Jason Momoa), The Flash (Ezra Miller) y Cyborg (Ray Fisher). Juntos, finalmente resucitan a Superman (Henry Cavill) luego de su desaparición al final de Batman vs. Superman (indudablemente terrible y sin humor), justo a tiempo para enfrentar una amenaza que planea destruir la existencia como la conocemos.

La bestia interdimensional que mata mundos conocida como Steppenwolf (Ciaran Hinds) todavía causa estragos en la tierra en su búsqueda para obtener las tres escurridizas "cajas madre" que permitirán al señor supremo Darkseid convertir a toda la humanidad en sus esclavos zombis. Esa es la esencia de lo que está en juego, ya que Snyder alarga el tiempo de ejecución a entender el mundo ordinario de todos los miembros del equipo: momentos operísticos en cámara lenta ambientados en música pop que se deleitan con su genialidad como una especie de tono Comic poético.

Y sí, hay una emoción genuina en algunos de ellos: un Momoa sin camisa bebiendo alcohol mientras el agua se eleva por encima de su cabeza; Lois Lane (Amy Adams) afligida por el dolor, deambulando por la sombría Metrópolis; el vertiginoso Flash de Miller dando vueltas para salvar a la víctima de un accidente automovilístico (Iris West) mientras intenta conseguir trabajo. Momentos como estos ayudan a Snyder a escapar de la estupidez sombría de “Batman v Superman” en favor de tangentes de excesos diseñados para complacer en pequeñas dosis.

No hay duda de que el Universo de Marvel hace mejor este tipo de exuberante creación de mitos, al servicio de una narración que no exige detalles tan exhaustivos. Pero esta variación tiene una nueva adición distintiva. El arco narrativo más fuerte del "Zack Snyder's Justice League" pertenece a un personaje básicamente invisible en la versión anterior: Cyborg, un ex futbolista universitario resucitado como una máquina por su padre científico (Joe Morton). Es difícil saber si Fisher, un recién llegado, ofrece una actuación sustancial, ya que su mitad de la cara está enterrada por el metal y el guión exige una actuación tan moderada y fría, tal cual sea más un robot que un hombre. Pero el personaje es hiperinteligente, la mente arreglada digitalmente lo convierte en la adición más intrigante a este equipo, y los problemas de su padre son mucho más convincentes que la rutina habitual de “Batman inquietante”. Puede que esta no sea la mejor versión posible de Cyborg, pero tiene cierto potencial.

El potencial, de hecho, surge a lo largo de la película. Los tonos grisáceos del director de fotografía Fabian Wagner mantienen una inquietante calidad expresionista a la par con el tono apocalíptico. Steppenwolf y Superman tienen atuendos más llamativos y sombríos, ya que la película abraza más claramente la idea de un mundo oscuro a punto de estallar en un campo de batalla de tierra quemada. Cuando los superhéroes finalmente unen fuerzas, uniéndose para un enfrentamiento dinámico contra Steppenwolf que une cada poder en una unión sagrada, la energía de fuego rápido de cada momento da como resultado la recompensa suficiente para hacer que parte del viaje valga la pena.

Lo malo es que Snyder se precipita hacia la sobrecarga más gratuita de finales falsos, con una serie de secuencias post-créditos metidas en un epílogo que simplemente no se rinde. Al menos tres villanos principales y un héroe han sido exhumados del piso de la sala de montaje por varias razones a medio formar, algunas más divertidas que otras. A medida que estos fragmentos avanzan, finalmente queda claro que "Zack Snyder's Justice League" ha sido diseñada exclusivamente para satisfacer a las personas que exigieron su existencia como un grito de guerra. La película no solo les pertenece a ellos; prácticamente lo lograron.

"Zack Snyder's Justice League" es un producto diseñado para celebrar su propia existencia. Cuando los miembros de la Liga de la Justicia llegan a la conclusión de que una de las cajas madre puede resucitar al Hombre de Acero, se debe a la constatación de que la tecnología puede revivirlo todo. Eso es esencialmente lo que ha hecho Snyder aquí. Esta casa reformada en particular puede no ser el lugar favorito de todos para vivir, pero todo el concepto del Snyder Cut está construido para una era definida por la personalización: ingrese bajo su propio riesgo o no se moleste en hacerlo.

Crítica Cinéfila: The Way Back

Una antigua estrella del baloncesto caída en desgracia y sumido en el terrible mundo de las adicciones trata de volver al sendero correcto como entrenador de un equipo del instituto al que perteneció años atrás. 

Desde los primeros minutos de "The Way Back", se puede ver que el trabajador de la construcción Jack Cunningham es diferente a cualquier personaje que Ben Affleck haya interpretado antes: no está tratando de impresionar a nadie. No hay brillo en sus ojos, no hay comparonería en su paso, no hay energía del "tipo más inteligente en la habitación" en la forma en que se comporta. Murmura cuando habla, bebe una cerveza en la ducha todas las mañanas y le habla al vendedor de la licorería de su vecindario como si esa fuera la única relación estable que aún le queda en la vida.

Nos encontramos con Jack cuando está dando vueltas por el desagüe: todas las noches se dedica a ahogar sus penas en el alcohol, y todas terminan con él siendo llevado a casa desde el abrevadero local por el mismo anciano que solía hacer los honores por su papá. Hay una profunda oscuridad subyacente en la adicción de Jack (cuyos detalles se revelan con un poco de exposición más tarde), pero comprender las razones del comportamiento autodestructivo puede engañar a las personas para que piensen que lo que le ocurre es bajo autocontrol. Una escena defensiva temprana entre Jack y su hermana (Michaela Watkins) deja muy claro que está sufriendo demasiado para que nadie reconozca su dolor. Affleck no es suave aquí; cualquier encanto que tenga Jack se sofoca debajo de sus cicatrices.

Jack necesita el tipo de ayuda que no sabe cómo pedir, y es cuando alguien inesperadamente pone su fe en él. Tiene la sensación de que el padre Edward Devine (John Aylward), el director de la escuela secundaria Bishop Hayes desde hace mucho tiempo, ha sido informado de que la ex estrella de baloncesto más grande de su escuela ha caído en tiempos difíciles, pero también podría ser un acto de la divina providencia. El entrenador anterior del equipo está fuera de la temporada con un ataque al corazón, y necesitan a alguien que lo sustituya de inmediato. Veinticuatro cervezas y una noche oscura del alma más tarde, Jack acepta.

Jack está muy lejos del Bruce Wayne cincelado, el valiente Tony Méndez, o incluso el tramposo auto-parodial que Affleck encarna en "Gone Girl". Affleck se ha vuelto casi irreconocible del ídolo matinal de clase media que Hollywood floreció por primera vez a finales de los 90.

Y, sin embargo, su interpretación convincentemente subestimada en "The Way Back" parece ser lo más personal que haya hecho. Eso no es solo porque el concepto de todo esto es tan difícil de ignorar, y porque Affleck filmó esta película poco después de terminar un período de rehabilitación. De hecho, tiene más que ver con cómo el modesto y conmovedor drama deportivo de Gavin O'Connor se niega a dejar que su protagonista reclame algo de su antiguo personaje de pantalla. Niega a Affleck el estereotipo de su carisma natural, o la posibilidad de esconderse detrás de una historia que es más grande que él. De hecho, esta pequeña y sobria película es tan extraordinariamente efectiva debido a su constante insistencia en que la vida no se puede vivir al revés; que, contrario a su título, no hay vuelta atrás.

La historia cruda y redentora de un alma rota que comienza a reconstruirse cuando lo contratan para entrenar a su antiguo equipo de baloncesto de la escuela secundaria, "The Way Back" solo suena como una película que ya has visto 100 veces porque, a grandes rasgos - es un modelo de muchas películas deportivas. Pero el director de "Miracle", Gavin O'Connor y el guionista Brad Ingelsby remueven las expectativas de varias maneras significativas, evitando los clichés fáciles del género deportivo a favor de una historia que encuentra más drama en simulacros que en jugar el gran juego.

Imagínese si los roles de Gene Hackman y Dennis Hopper de "Hoosiers" se comprimieran en el mismo personaje, y básicamente puede predecir a dónde irá "The Way Back" a partir de ahí. El ritmo de una historia de donqueo sigue a otro: los niños en el equipo son un grupo de haraganes y presumidos que no saben cómo trabajar juntos, y cada jugador se distingue por su propio rasgo definitorio (el mujeriego, el gordo, el egoísta y así). Jack está cargado con el maestro de álgebra de la escuela como su asistente (Al Madrigal cálido), y la fricción entre sus respectivos estilos de entrenamiento es discreta en todo momento. El equipo es pésimo, pero Jack les insulta acerca de la dureza hasta que de repente mejoran mucho.

Un Ben Affleck con la barriga hinchada gritándole a los adolescentes mientras sacaba licor de una botella de agua probablemente sería razón suficiente para recomendar esta película, pero "The Way Back" no queda atrapada en la típica historia que hace milagros en los altibajos de la vida. Nunca hay una sensación de que Jack esté a solo unas pocas victorias de volver a ponerse de pie. Este es el raro drama deportivo que respeta la gravedad de lo que la gente juega y los límites de hasta dónde puede llegar un juego. En otras palabras, es un pequeño infierno con ocasionales rayos de luz en el camino.

La dirección solemne de O'Connor silencia incluso las jugadas de baloncesto más emocionantes hasta que reconozca cómo nada de lo que estos niños hacen en la cancha arreglará por sí solo lo que atormenta a su entrenador. No hay un triple que pueda reparar la relación de Jack con su esposa separada (Janina Gavankar), o un rebote defensivo que pueda curar el agujero en su corazón. Estos niños son simpáticos y fáciles de enraizar, incluso si sus historias individuales no resuenan con las de Jack con tanta fuerza como deberían, pero el guión de Ingelsby nunca olvida que su entrenador tiene más en juego.

De todos modos, "The Way Back" es frustrantemente evasiva cuando se trata del costo de la adicción de Jack; no está claro si le pagan por el trabajo de entrenador, y la película hace todo lo posible para minimizar las tensiones de clase que se dividen alrededor de sus márgenes. Puede sonar como una pequeña objeción, pero esos detalles son más difíciles de perdonar en una película que se enfoca en cómo hacer las cosas bien, sobre la ardua tarea de poner un pie delante del otro cuando todo el mundo se siente como si se estuviera hundiendo. Esta es una película que evita el melodrama esperado en favor de más triunfos y contratiempos cotidianos, y eso solo se siente como un trato desagradable cada vez que se vuelve desastroso sobre los detalles.

"The Way Back" se corrige en gran medida hacia el final, ya que la película pasa más allá de su destino esperado y se convierte en un cuarto acto elegantemente sometido que reafirma la veracidad de esta historia. Las personas siempre están en progreso, esforzándose por lo que han dejado atrás mientras empujan hacia un futuro imaginado, pero el tiempo solo se mueve en una dirección, y el camino hacia la recuperación tiene que apuntar hacia adelante si conduce a algún lugar. Ganar y perder son términos relativos, pero esta es la primera vez en toda la vida que se siente un Affleck que tiene piel en el juego.