Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: The Hunger Games, The Ballad of Songbirds & Snakes

Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir.

La serie original de Los Juegos del Hambre fue un "fenómeno" de política revolucionaria que deslumbró a sectores de jóvenes, primero como una serie de novelas de Suzanne Collins y luego como un cuarteto de películas protagonizadas por Jennifer Lawrence. Los libros de Collins se inspiraron en su propia incomodidad con la política del espectáculo que impulsó la guerra de Irak, una ilusión de patriotismo proyectada en canales de noticias las 24 horas, los 7 días de la semana. Y ahora, justo a tiempo para la precuela de Los Juegos del Hambre, tenemos una generación completamente nueva de adolescentes desilusionados: jóvenes que podrían ver algo reconocible en una historia de demonización y opresión, en la que los ciudadanos adinerados del Capitolio de Panem elijen un tributo de las masas que están alojadas en 12 distritos, y los enfrentan entre sí hasta que queda solo un sobreviviente.

Sin embargo, "The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes", dirigida por el habitual de la franquicia Francis Lawrence, diluye esos mensajes más allá de cualquier uso práctico. Es la historia del origen del principal sociópata de Panem, el presidente Coriolanus Snow (interpretado por Donald Sutherland en las películas originales), que en cambio se siente como la yasificación de un futuro monstruo.

La novela original de Collins, publicada en 2020, fue su intento de comprender cómo un joven de una estirpe que alguna vez fue preeminente, huérfano y abandonado a morir de hambre después de un asalto rebelde al Capitolio, podría verse atraído hacia el mal supremo. Nunca le mostró simpatía, pero obligó al lector a permanecer dentro de su cabeza y ver esos despiadados engranajes en funcionamiento. Sin embargo, el Coriolanus de la película, interpretado por el actor británico Tom Blyth, apenas se lee como manipulador y mucho menos como malvado: un bebé nepo con un ligero aire de (antiguo) privilegio, tal vez, pero sin ninguna malevolencia prematura o un cambio radical y moral. Si este fuera uno de los retratos redentores de villanos de Disney, tal vez estaría bien. Pero este es un tipo que supuestamente, seis décadas después, estaba torturando y envenenando a la gente con salvaje abandono.

Pero si Coriolanus fuera algo más que un antihéroe torturado, se habría entrometido en el objetivo principal de "The Ballad of Songbirds & Snakes": un romance de Romeo y Julieta entre un ciudadano del Capitolio y un tributo a los Juegos del Hambre, entre opresores y oprimidos. Coriolanus, como parte de su educación académica, es reclutado como mentor de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), un tributo del Distrito 12. En realidad, ella es miembro de una grupo nómada llamada Covey, la versión del pueblo romaní de Panem, una elección aparentemente hecho solo para estereotiparla como un espíritu libre caprichoso con un toque alegre de música country. Lucy es la respuesta a una pregunta que seguramente nadie se había hecho hasta ver esta película: "¿Cómo sería si dejaras a June Carter Cash en los Juegos del Hambre?". Ni siquiera avisaron que esta película sería parcialmente un musical...

Lucy es pura niña de teatro, vestida con un delicado vestido de hadas y el rostro recién hidratado; el resto de los tributos parecen baristas que acaban de ser golpeados de cara contra una palma de vaca. Drena los juegos de cualquier intriga, especialmente en este momento de la historia donde están limitados a una arena polvorienta. Cualquier tributo que no sea Lucy está echando espuma por la boca o está silencioso y estoico, por lo que es bastante obvio qué destinos les han asignado. Aquí, todo parece reducido para garantizar que Coriolanus y Lucy tengan tiempo suficiente para observarse y analizarse desde ambos lados de los barrotes de su prisión.

Solo sentimos un breve alivio cada vez que una de las estrellas establecidas de la película aparece en escena: Viola Davis , como la directora de juegos, Dra. Volumnia Gaul, está deliciosamente acampada, con plataformas Dr. Martens y guantes de goma rojos. Peter Dinklage , como el inventor de los juegos, Casca Highbottom, disfruta del hastío. Jason Schwartzman, como el “meteorólogo y mago aficionado” Lucretius Flickerman, consigue algunas frases ingeniosas sorprendentemente buenas. Sus actuaciones insinúan el verdadero narcisismo de Panem, algo que te costará encontrar en cualquiera de los románticos débiles y castrados de The Ballad of Songbirds & Snakes.

Es difícil generar mucha intriga sobre si un adolescente enamorado con un corazón aparentemente gentil y una firme moral traicionará a quienes confían en él y cruzará al lado oscuro cuando su nombre es Coriolanus Snow y sabemos por cuatro películas anteriores que él crecerá hasta convertirse en un señor malvado. Menos aún una vez que se une a las filas fascistas de los “pacificadores” y cambia sus mechones rubios y lacios por un corte de pelo de las Juventudes Hitlerianas.

Esa es solo una de las limitaciones de esta película, una pesada precuela, cuyas ganancias globales de los libros se acercan a los 3 mil millones de dólares, pero esto no hace que la trama mejore. Más allá de la realidad del mercado de que Hollywood nunca conoció una fuente de ingresos distópica que no pudo ordeñar hasta la muerte, hay pocas razones de peso, para que exista la nueva entrega.

Ciertamente no es la espeluznante pero poco imaginativa acción de combate a muerte en la que personajes obedientemente diversos pero apenas dibujados, identificables principalmente por sus discapacidades o grados de brutalidad, se encuentran con sus creadores frente a una audiencia televisiva en vivo. Y definitivamente no Viola Davis devorando el escenario fríamente futurista como una doctora malévola con una peluca aterradora, un penetrante ojo azul hielo y maquillaje de Drag Race, cocinando tormentos cada vez más crueles para desatar sobre los desventurados tributos de los juegos.

Snow recalca los puntos sobre el salvajismo como uno de los instintos básicos de la humanidad en un diálogo enfático que no deja ningún subtexto sin mencionar: "El mundo entero es una arena y necesitamos los Juegos del Hambre cada año para recordarnos quiénes somos realmente". Los sacrificios sangrientos, en esta ecuación, son simplemente “el precio que la gente está dispuesta a pagar por un buen espectáculo”. 

La principal conclusión de The Ballad of Songbirds & Snakes  es la comprensión de que un elemento crítico de lo que hizo que las cuatro películas anteriores de Los juegos del hambre fueran agradables (incluso la entrada final, que se extendió sin recompensa en dos partes) fue el coraje natural y el carisma de Jennifer Lawrence. Su Katniss Everdeen era alguien a quien apoyar, sin mencionar algo raro en ese momento en términos de heroínas de acción ingeniosas cuya inteligencia de batalla nunca aplasta su humanidad.

Katniss, un tributo del Distrito 12, el empobrecido sector minero de carbón de la ficticia autocracia norteamericana Panem, aportó formidables habilidades de tiro con arco perfeccionadas mientras cazaba para poner comida en la mesa familiar. Pero se hizo igualmente notable por su compasión, transmitida en la primera película por su alianza con la preadolescente Rue de Amandla Stenberg y su dolor por la muerte de esta última. Podría decirse que no ha habido un momento más conmovedor en la serie que Katniss mostrando su amor y respeto esparciendo flores sobre el cuerpo de la niña muerta. Si tan solo esta precuela inflada tuviera una escena o dos con incluso una fracción de ese poder emocional... pero es que, siendo bien honesta, ni así se salva.

El trueno orquestal de la partitura de James Newton Howard combina bien con las canciones de Lucy Gray, en las que el productor musical ejecutivo Dave Cobb crea melodías conmovedoras en torno a las letras de Collins, añadiendo fuego al espíritu rebelde de la supuesta heroína. Si tan solo hubiera algo verdaderamente nuevo e innovador en este capítulo que justificara plenamente la resurrección de la franquicia Los Juegos del Hambre ocho años después de Sinsajo - Parte 2. La intención de iluminar las maquinaciones políticas del Capitolio y la importancia de los juegos para mantener la división entre la clase dominante y la plebe impotente produce poco más que una tristeza turgente.

Crítica Cinéfila: Nyad

A la edad de 60 años, y 30 años después de abandonar la natación de fondo para ser una destacada periodista deportiva, Diana Nyad se obsesiona con llevar a cabo la proeza que siempre se le resistió: la travesía nadando de casi 180 km de Cuba a Florida, conocida como 'el Everest de la natación'. Resuelta a ser la primera persona en hacer la travesía a nado sin la protección de una jaula contra tiburones, Diana se embarca en una emocionante aventura de cuatro años con su gran amiga y entrenadora Bonnie Stoll y un equipo totalmente entregado.

Hay muchos parecidos entre las dos obras de los cineastas Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin; la primera proyección de su documental ganador del Oscar, "Free Solo", en Telluride hace cinco años, por lo que parece apropiado que su primer largometraje de ficción,"Nyad", también tenga su estreno mundial en Telluride este año. "Free Solo" siguió la determinación de un alpinista obsesionado, y Nyad sigue a una obsesiva nadadora de maratón y periodista, Diana Nyad, quien decidió nadar desde Cuba hasta Florida, un viaje de 110 millas, cuando tenía más de 60 años.

La película ya ha suscitado cierta controversia, y algunos otros atletas y comentaristas deportivos criticaron algunas de las exageraciones que Nyad había pregonado durante el transcurso de su larga carrera. Pero es un mérito de los realizadores que, aunque quieran celebrar los logros de Nyad, no rehuyen de dramatizar su egoísmo y personalidad combativa. E incluso las personas que puedan tener sentimientos encontrados acerca de la verdadera Diana Nyad quedarán hipnotizadas por la interpretación feroz e intrépida de Annette Bening en el papel principal.

Bening siempre ha sido una actriz que evitaba la vanidad, y aquí está dispuesta a resaltar la determinación y la arrogancia de Nyad. Las relaciones clave de la película son la amistad de Diana con su mejor amiga/"entrenadora", Bonnie Stoll (Jodie Foster), y con John Bartlett (Rhys Ifans), el capitán del barco que condujo sus tres fallidos y finalmente exitoso intento. Nyad corre el riesgo de alienar a estos dos aliados con sus defectos personales. Es un tributo a la actuación de Bening que nos mantenga hipnotizados por Nyad incluso en su forma más obstinadamente testaruda.

Después de todo, el tema es universal: el intento de desafiar la edad y demostrar que no hay fecha de vencimiento para una ambición desalentadora. La película, escrita por Julia Cox, comienza en la fiesta del 60 cumpleaños de Diana, en una escena que reconoce el lesbianismo de la nadadora sin darle importancia. A partir de este primer momento, la amistad entre Diana y Bonnie se dramatiza con cariño pero sin sentimentalismo. La determinación de Diana pone a prueba el vínculo más de una vez, pero la devoción mutua de las dos mujeres resulta muy conmovedora.

Foster no ha tenido muchos papeles sustanciosos en los últimos años, y su interpretación astringente y profundamente sentida nos hace darnos cuenta de lo que nos estábamos perdiendo. No hay vanidad en el trabajo de ninguna de estas actrices aquí. Bening nos convence del impulso de Nyad y de su crueldad, lo que hace que la lealtad de Foster hacia ella sea aún más conmovedora. En una película fuertemente protagonizada por mujeres, también vale la pena reconocer la contribución de Ifans, quien ha tenido una larga carrera pero ofrece quizás su mejor interpretación como el sensato y duro capitán de barco que decide unirse a Nyad en su último intento de cruzar el océano, aunque esté enfermo (Bartlett murió en 2013, después del exitoso nado de Nyad). Y mientras seguimos la famosa cruzada de Nyad, también seguimos sus traumas y pesadillas relacionadas a los abusos que sufrió por parte de su entrenador de natación cuando era una adolescente, siendo un guiño al abuso sexual que muchos atletas han enfrentado. 

Por otro lado, la fotografía de Claudio Miranda (ganador del Oscar por La vida de Pi ) da vida a las escenas de natación. Las escenas del océano se rodaron principalmente en la República Dominicana y siempre son atractivas y, a veces, llenas de suspenso, con tiburones y medusas amenazando el viaje de Diana.

En su primer largometraje de ficción, los directores Vasarhelyi y Chin demuestran el mismo dominio de la narración cinematográfica que animó sus documentales (que incluyen "The Rescue" y "Wild Life" además de "Free Solo"). Quizás el guión podría haberse beneficiado de un toque ligeramente más oscuro, pero como experiencia sensual envolvente y como escaparate interpretativo, Nyad acierta.

Crítica Cinéfila: The Marvels

Carol Danvers, alias Capitana Marvel, ha recuperado la identidad que le arrebataron los tiránicos Kree y se ha cobrado su venganza contra la Inteligencia Suprema. Pero una serie de consecuencias imprevistas la obligan a cargar con el peso de un universo desestabilizado. Cuando el deber la lleva hasta un anómalo agujero de gusano vinculado a una revolucionaria Kree, sus poderes se conectan con los de su superfán de Nueva Jersey Kamala Khan, también conocida como Ms. Marvel, y con los de su sobrina, con la que está distanciada y es ahora astronauta en S.A.B.E.R., la capitana Monica Rambeau. Juntas, las integrantes de este insólito trío tendrán que unir fuerzas y aprender a trabajar en equipo como 'The Marvels' para salvar el universo. 

Captain Marvel de Marvel Studios en 2019, la conversación en torno a la continuación de la escritora y directora Nia DaCosta, "The Marvels", ha estado marcada por una cantidad de críticas que, hasta cierto punto, huele a una gran variedad de misoginia. Últimamente, gran parte de la producción del estudio ha tenido terribles faltas en su fuerza narrativa, que son fuertemente pulidas por efectos visuales para tratar de hacer que el MCU se sienta más cohesivo. Pero después de años de fanáticos autoproclamados que se quejan de la poca frecuencia con la que las series episódicas de Marvel se cruzan con sus películas, ha sido muy extraño ver la forma en que los vínculos de The Marvels con los programas de Disney Plus se han convertido en un golpe en la mente de algunas personas.

Sería justificado no saber qué esperar de The Marvels, dada la cantidad de veces que se retrasó su fecha de estreno y cómo las huelgas de la industria del entretenimiento de este año hicieron imposible que el público escuchara mucho de la película y de su equipo creativo. Pero por muy válidas que sean las preocupaciones sobre esas cosas, The Marvels es en realidad una de las entradas posteriores a Endgame más fuertes de Marvel Studios en todos los aspectos importantes. Eso no quiere decir que la película no esté exenta de defectos: hay unos cuantos.

Sin embargo, al igual que Ms. Marvel antes, The Marvels se siente como un vistazo a al menos uno de los futuros de Marvel, y es brillante si esta es la dirección en la que Kevin Feige y compañía planean llevar la franquicia.

Después de varios años de series y películas de Marvel luchando por establecer una nueva normalidad definitiva para el MCU después de la saga Avengers, "The Marvels" aborda ese desafío de frente al entretejer las historias en curso de Captain Marvel/Carol Danvers (Brie Larson), Monica Rambeau (Teyonah Parris) y Kamala Khan (Iman Vellani). Con Thanos derrotado, los Vengadores todavía siendo una organización extinta y conflictos únicos que surgen en una variedad de planetas alienígenas, la vida en la Tierra ha cambiado para personas como Nick Fury (Samuel L. Jackson).

En cualquier momento dado, siempre hay alguien en algún lugar entre las estrellas que necesita el tipo de ayuda que sólo un equipo de socorristas capacitados como el nuevo equipo SABRE espacial de Fury puede brindar. Sin embargo, la mayoría de las veces, las situaciones también requieren el tipo de asistencia cósmicamente poderosa por la que se conoce a la Capitana Marvel, razón por la cual Fury la mantiene disponible para misiones especiales.

Si bien ver lo que hacen Fury y Carol en el espacio es algo nuevo, una de las cosas más impresionantes de The Marvels en su conjunto es la forma en que se siente como si el guión de DaCosta y las coguionistas Megan McDonnell y Elissa Karasik estuviera tratando de solidificar la dinámica que en realidad solo se indicó en la primera película. Carol sigue siendo una extraña sin importar a dónde vaya, y valora lo fácil que es para Fury seguir viéndola como una persona. Aquí, sin embargo, ella no sólo es categóricamente poderosa y distante; ella es una especie de persona dura que siente empatía pero lucha por comunicarla a las personas que la rodean y que más necesitan escucharla: personas como su colega de SABRE y su sobrina Mónica, quien se esfuerza por evitar a Carol toda la primera apertura de la película.

Incluso más que el desarrollo de la personalidad de Carol por parte de The Marvels, el tiempo que lleva profundizar y agregar textura a la relación de Monica con Carol es un punto brillante debido a lo delgada que se sintió esa dinámica en Captain Marvel, a pesar de ser parte de la intención y el nucleo emocional de la película. Pero esta no parece que esté preparando el terreno adecuadamente hasta que trae a Kamala Khan de Vellani a la escena momentos después de los eventos de Ms. Marvel. Es una elección narrativa que probablemente será un punto delicado para algunos. Pero como yo no he visto Ms. Marvel, no me afectó (a pesar de que no entendía quién era ella, lo cual vuelve a ser un problema porque siguen insistiendo que todos veamos series de Marvel en contra de nuestra voluntad solo para entender las películas nuevas).

Estar familiarizado con la primera temporada de Ms. Marvel y, en menor medida, con WandaVision, ayuda absolutamente a que The Marvels tenga más sentido, particularmente en su acto de apertura, ya que intenta al azar darte una idea de quiénes son sus tres protagonistas como individuos. Pero a través del uso de cosas como los vuelos de fantasía semianimados de Ms. Marvel y la forma en que los personajes a veces simplemente dicen cosas como: "Una bruja me hechizó y ahora tengo poderes basados ​​en la luz", la película ofrece suficientes pistas de contexto que son fáciles de reconstruir sin necesidad de haberlo visto.

Si bien este enfoque contextual basado en pistas para construir un universo compartido es un sello distintivo de la narración de cómics, es algo que las películas de Marvel generalmente han evitado, presumiblemente por la preocupación de que el público simplemente no pueda entenderlo. Pero con The Marvels, el enfoque ayuda a ilustrar cuánto más dinámicos y divertidos pueden ser estos crossovers cuando el estudio pone más fe en las habilidades de comprensión de los espectadores.

Dicho esto, Marvel definitivamente tropieza con algunos elementos importantes, como su ritmo inicial y una edición desigual que a veces hace que sea difícil realizar un seguimiento de qué tan lejanos son los personajes cuando llegan de un lugar a otro tan rápidamente. Pero los riesgos que asume The Marvels tienen éxito con mucha más frecuencia de lo que resultan contraproducentes, que es exactamente el tipo de energía prometedora que le ha faltado a la franquicia más grande últimamente.

Crítica Cinéfila: The Killer

Después de un fatídico error, un asesino se enfrenta a sus jefes y a sí mismo en una persecución internacional que, según él, no es personal. 

La nueva película de David Fincher, The Killer, recuerda su adaptación de "Fight Club", permitiendo al público participar en el monólogo interno de un personaje principal anónimo. En franca voz en off, el asesino titular (Michael Fassbender), relaciona pensamientos que van desde citas para vivir (algunas con atribución, otras con autores olvidados) hasta tácticas centradas en el trabajo y el mantra que mantiene su concentración a lo asignado. "Apegarse al plan. No confíes en nadie. Anticípate, no improvises. Pelea sólo la batalla por la que te pagan”. Habla de lo que llama “el vacío de la vida” y de cómo su capacidad para reconocerlo lo distingue: no entre muchos, sino entre unos pocos.

Sin embargo, a su manera aparentemente intocable, es parte de un grupo aún más exclusivo: es el único, y algo en eso siempre está listo para ser agrietado y roto por el destino. "The Killer" es un increíble regreso para Fincher, quien ha hecho de este tipo de historias en el pasado, pero con esta película, deja al descubierto de manera experta cómo la intocabilidad es desmantelada por la emoción, y cómo eso puede forzar incluso a los más calculados a una búsqueda de una especie de absolución, incluso sangrienta.

El personaje de Fassbender es resueltamente bueno en su trabajo, preciso en todos los aspectos que harían a cualquiera capaz de la compartimentación emocional necesaria para ser un asesino de primer nivel. A pesar de ser un destructor de mundos, el asesino es, al menos, sincero en sus pensamientos y permite que el público lo apoye como un protagonista complicado. Lo encontramos vigilando meticulosamente, haciendo yoga al estilo Patrick Bateman en un escondite abandonado disfrazado de WeWork parisino. Cuando una tarea común y corriente sale mal, se ve obligado a ajustar sus métodos, elaborar un plan para salvarse a sí mismo y obtener una venganza satisfactoria de la única manera que sabe.

El guión de Andrew Kevin Walker, basado en la serie de novelas gráficas francesas de Alexis “Matz” Nolent, logra el tono adecuado, dándole al asesino tanto interioridad como un deseo imperioso de mantener el control de sus circunstancias. El trabajo de Walker incluso aporta un sentido de humanidad al personaje con pequeños relatos dentro de los monólogos del asesino: pequeños momentos en los que vemos que su vida emocional es tan rica como la nuestra.

Fassbender es inteligente y elegante en el papel, brindándonos una actuación silenciosa pero importante que se apoya en las necesidades del lobo solitario de esta perversa línea de trabajo. Por momentos, parece alguien a quien podríamos encontrar simpático si lo encontráramos en la calle; en otros momentos, su brutalidad despiadada está a la vista. Tilda Swinton tiene un pequeño papel en la película, pero no obstante es fundamental, y encarna perfectamente las cualidades de una persona sabia y experimentada pero resignada; es un placer verla aparecer en esta historia, aunque sea solo en una escena. Otra aparición breve pero dulce en The Killer proviene de una fuente menos probable: la periodista de la BBC Fiona Bruce, un casting interesante pero bueno. Su actuación es natural y matizada durante los pocos minutos que pasamos con ella.

Naturalmente, la película está llena de asesinatos, pero cuando los asesinatos aumentan (y lo hacen, precisamente en Florida), la escena de la gran pelea es una alegría. Puede sonar morboso, pero la escena está impecablemente coreografiada, cortada y editada, hasta el punto en que es imposible verla. La violencia es cautivadora, lo que podría decir mucho sobre la sociedad, pero Fincher capitaliza nuestras inclinaciones, incluso las sangrientas, de manera similar a como lo hizo en Fight Club.

Al final de la grandilocuente odisea de Fincher, el asesino nos admite algo. Si nosotros también podemos ver el vacío, entonces tal vez todos seamos en realidad sólo uno de los muchos, y tal vez, sólo tal vez, seamos como él. Es un momento final conmovedor y una inversión de su filosofía original que nos dice algo crucial sobre este personaje: en última instancia, siempre quiso ser uno de los muchos, una de las personas que pueden deshacerse de la piel en la que viven y encontrar algún tipo de paz dentro de ese vacío. Con el final que Fincher y Walker le dan al asesino titular, lleno de satisfacción y una calma profética después de la tormenta, parece que pudo haber cumplido su deseo. ¿En cuanto a nosotros? Nos quedamos repitiendo sus mantras, analizando su trabajo y, al menos en mi caso, con ganas de presionar la repetición de todo el maldito asunto.

La duodécima película del legendario director David Fincher, The Killer, es un regreso a la forma que deja al descubierto cómo las emociones pueden estropear la intocabilidad y convertirla en un impulso fundamental de venganza. Combinando un guión ajustado y efectivo de Andrew Kevin Walker, interpretaciones inteligentes de Michael Fassbender y Tilda Swinton y una edición ingeniosa, esta odisea de asesinos es algo que querrás ver una y otra vez.

Crítica Cinéfila: Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom

¿Jens Soering asesinó a los padres de su novia en 1985 o fue un parricidio? Esta serie documental ahonda en las preguntas en torno al caso que siguen aguardando respuesta.

Después de que una pareja adinerada fuera asesinada en un pequeño pueblo de Virginia en 1985, su hija y su novio se convirtieron en los principales sospechosos, entrando en una batalla tanto hacia la corte como entre ellos dos. Esta nueva serie documental de cuatro capítulos de Netflix, "Till Murder Do Us Part - Soering Vs. Haysom", analiza los asesinatos de Derek y Nancy Haysom, y lo que sucedió cuando su hija Elizabeth y su novio Jens Soering cambiaron sus historias y se enfrentaron entre sí durante el posterior juicio por asesinato. 

Las imágenes de archivo de programas de noticias antiguos revelan que una pareja, Derek y Nancy Haysom, fueron asesinados en su casa. Se muestran fotografías sangrientas de la espantosa escena del crimen, y un locutor de noticias afirma que quien haya cometido este acto violento lo hizo con mucho odio. Derek Haysom era un ejecutivo adinerado que trabajaba para una empresa siderúrgica. Nacido en Sudáfrica, él y su segunda esposa, Nancy, vivían en el condado de Bedford, Virginia, donde tenían una casa extensa y llevaban un estilo de vida algo extravagante. Cada pareja tuvo hijos de matrimonios anteriores, pero también compartieron una hija biológica, Elizabeth. En abril de 1985, Derek y Nancy fueron brutalmente asesinados, degollados y cada uno de sus cuerpos brutalmente apuñalados docenas de veces. A mediados de los años 80, el pánico satánico estaba en pleno apogeo y cada aspecto de la escena del crimen fue examinado con temor de que hubiera matices ocultistas en los asesinatos.

Cuando se le preguntó a Elizabeth sobre su paradero cuando mataron a sus padres, ella afirmó que ella y su novio Jens Soering estaban en Washington DC, pero el kilometraje de su auto alquilado reveló que se desviaron cientos de millas de su camino en ese viaje, lo que despertó sospechas. Una vez que Elizabeth y Jens se dieron cuenta de que estaban siendo investigados y eran los principales sospechosos, huyeron del país y vivieron en el extranjero durante varios años, cometiendo delitos menores en el camino para financiar sus vidas. Cuando fueron atrapados por estafar a tiendas locales en Inglaterra, las fuerzas del orden los encarcelaron y una vez que la policía inglesa investigó su historia, se dio cuenta de que podrían estar tratando con un par de asesinos buscados en los EE. UU.

Elizabeth fue extraditada de Inglaterra más de dos años después de la muerte de sus padres y confesó ser cómplice de asesinato, mientras que Jens confesó haber llevado a cabo los asesinatos, pero la pregunta que permanece a lo largo de la serie es ¿por qué lo hicieron? Si bien gran parte de la serie se centra en su relación disfuncional y codependiente de la pareja, eventualmente surge una nueva pregunta: si fue Elizabeth, y no Jens, quien realmente cometió el asesinato.

Siempre he sido fanática de los documentales y series sobre crímenes reales en los que los propios criminales hablan oficialmente. Incluso si no estás seguro de poder confiar en ellos, es fascinante que estén dispuestos a repetir los crímenes de los que se les acusa, especialmente si se trata de asesinatos de miembros de su familia. En ese sentido, "Till Murder Do Us Part" me recuerda a The Menendez Murders: Erik Tells All de Hulu y American Murder: The Family Next Door de Netflix, donde los mismos asesinos se sentaron en el banquillo de las entrevistas.

Jens Soering pasó más de treinta años en prisión por los asesinatos de Haysom. Ahora un hombre libre, aparece en la serie documental para ofrecer su versión de lo que sucedió antes y después de los asesinatos, y ahora sostiene que, a pesar de su confesión, Elizabeth siempre fue la verdadera autora intelectual de los crímenes. Pero a lo largo de estos cuatro episodios, nos hacen creer que tanto él como Elizabeth eran manipuladores inteligentes y ambos propensos a la ira, y que nuestras lealtades y opiniones sobre ellos deben alternar de un lado a otro. Cada vez que creemos entender algún aspecto del caso, la serie cambia de rumbo. Al principio, Jens actuó solo. Luego Elizabeth lo obligó a hacerlo y luego rompió con él después de que él confesó y consideró que ya no le era útil. Luego está la sugerencia de que mató a sus padres en un ataque de ira provocado por las drogas.

Si bien Jens habla abiertamente durante todo la serie, uno no descarta la idea de que aparezca Elizabeth, aunque es una pena que no lo hace. Tiene sentido que no lo hiciera considerando que Jens ahora la considera completamente responsable de los asesinatos, pero también podría haberle ofrecido la oportunidad de defenderse. El “elenco secundario” de la serie, por así decirlo, todos los oficiales, periodistas y detectives que trabajaron y vivieron el caso, son cruciales para la forma en que se cuenta la historia y contribuyen a la narración efectiva una visión más objetiva y sin tomar bandos exclusivos. Todas estas personas estuvieron increíblemente cerca del caso durante muchos años, y aclarar los hechos es tanto un reflejo de ellos como de nuestro disfrute de la serie. Como ocurre con muchos documentales sobre crímenes reales, hay giros que nunca uno ve venir y una sensación inquietante de que nunca sabremos todos los hechos. A pesar de la falta de un cierre real, "Till Murder Do Us Part" es fascinante y trágica al mismo tiempo.

En un video granulado del juicio de Elizabeth, se le pregunta: "¿Por qué murieron tus padres?", algo que cada uno de los detectives involucrados en el caso, en la actualidad, todavía se pregunta, y nos quedamos en ese suspenso. Sabemos que cometió estos crímenes, ahora sólo necesitamos entender el motivo detrás de ellos.

Si eres fanático de las series criminales de secretos familiares, debes verla ya. La historia detrás de "Till Murder Do Us Part" ha tardado casi 40 años en contarse, y en ese tiempo ha sido revisada y editada (principalmente por Soering). A pesar de que nunca estaremos seguros de lo que realmente sucedió entre Soering, Elizabeth y sus padres, la serie es una auténtica locura de crímenes reales.

Crítica Cinéfila: All The Light We Cannot See

Narra la historia de Marie-Laure, una adolescente francesa ciega, y Werner, un brillante adolescente alemán reclutado como soldado para rastrear emisiones de radio ilegales, cuyos caminos chocan en la Francia ocupada mientras ambos intentan sobrevivir a la devastación de la 2ª Guerra Mundial.

Algunos grandes libros simplemente no son adecuados para la adaptación, aunque eso nunca impidió que Hollywood lo intentara. A juzgar por su portada y su enorme popularidad, el atractivo de llevar a la pantalla algo como "All The Light We Cannot See" de Anthony Doerr es obvio. La novela ganadora del Premio Pulitzer, ambientada en Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, está repleta de personajes fascinantes, lugares pintorescos y un tema recurrente que mezcla la naturaleza humana de hacer lo prohibido con la clandestinidad que salva vidas. Pero si profundizas en sus páginas encontrarás una narrativa densa y no lineal contada en prosa lírica, casi operística. Las características que hicieron de la novela un libro elegante para pasar páginas también hacen que sea extraordinariamente difícil de adaptar.

Esto hace que Steven Knight juegue sus cartas de acuerdo a lo conveniente: ¿es mejor hacer una adaptación que sea propia para el medio aunque no cuente la historia completa, o aferrarse al libro y contar lo más que se puede? Como fiel creyente que cada medio comunica de acuerdo a su audiencia, creo que tomó la decisión correcta, aferrándose a un fragmento de esta increíble novela, dividiéndola en 4 episodios y utilizando algunos de sus momentos más épicos para ilustrar la trayectoria de los protagonistas que tanto querremos salvar.

La serie inicia con un asalto aéreo a la ciudad portuaria francesa amurallada de St. Malo en 1944, en los días previos a su liberación de los nazis. Se siguen las bombas lanzadas desde un escuadrón de aviones estadounidenses mientras caen sobre la ciudad, aterrizando en medio de una historia que ya está en progreso. Una adolescente, Marie-Laure LeBlanc (Aria Mia Loberti), sentada en el ático de una casa, envía un mensaje a su padre desaparecido y a su tío abuelo a través de un transmisor de radio y lee un pasaje de 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. Aunque es ciega y está completamente sola, rápidamente nos damos cuenta de que en realidad es bastante capaz y autosuficiente.

A través de flashbacks, conocemos la historia de fondo de la casa y sus dueños: los tíos abuelos de Marie, los hermanos Madame Manec (Marion Bailey) y Etienne (Hugh Laurie). El padre de Marie, Daniel (Mark Ruffalo), la trajo para quedarse con ellos después de la invasión nazi de París, donde había estado trabajando como maestro cerrajero en el Museo de Historia Natural. Antes de abandonar el museo, se guardó en secreto un famoso y valioso diamante llamado "Mar de Llamas", que se cree que está maldito. Se dice que quienes lo toquen vivirán una larga vida, pero sus familiares estarán condenados a sufrir. El robo los ha convertido en el objetivo de un nazi en particular, el sargento mayor Reinhold von Rumpel (Lars Eidinger), quien cree que la gema lo curará de una enfermedad potencialmente mortal. Mientras Marie se protege sola del bombardeo en su casa, él aterroriza a los ciudadanos de St. Malo, buscándola para apoderarse de la gema.

Al mismo tiempo, en otra parte de la ciudad, un joven operador de radio alemán descubre la transmisión de Marie, pero la oculta a sus superiores nazis. Este es Werner Pfennig (Louis Hofmann, mejor conocido por los espectadores de Netflix como Jonas en la sinuosa serie alemana de viajes en el tiempo Dark). Nuestro segundo protagonista tiene razones para mantener la señal en secreto se van revelando gradualmente a través de flashbacks de su juventud en un orfanato, donde creció con su hermana Jutta (Luna Wedler), hasta que su genio para arreglar radios llamó la atención del tercer Reich. Lo reclutan para asistir a un internado nacionalista y luego lo obligan a unirse al ejército a pesar de ser técnicamente demasiado joven para ser soldado. A pesar de la cruz de hierro clavada en su pecho y el ocasional "Heil Hitler" lanzado para su propia protección, no es un simpatizante nazi. Puede parecer un poco desconcertante apoyarlo al principio, pero la simpatía innata de Hofmann te ayuda a hacerlo.

Desde el momento en que los conocemos, Werner y Marie están claramente en un rumbo de colisión que impulsa el sentido de los episodios, incluso si la serie parece algo desinteresada en seguir lo que resulta ser el hilo argumental más atractivo. Cuando sus caminos finalmente se cruzan, es eléctrico, gracias a la química y las actuaciones de Hofmann y Loberti. Entre el elenco mayoritariamente estelar, Ruffalo se destaca, aunque por momentos muy breves. Ha demostrado en otros proyectos que es más que un actor capaz; simplemente pudo haber sido más aprovechado. El que sí destaca cada vez que lo encontramos, y se convierte en un interesante conector entre Marie y Werner es el increíble e ingenioso profesor que en una de sus grandes narraciones radiofónicas dice una frase que resuena como un eco persistentemente motivador en ambos jóvenes: "la luz más brillante es la que no podemos ver". Además de ser un increíble título que resuena en la mente de dos almas jóvenes aferradas al sonido de un radio, es una referencia, ante todo, a toda la luz que literalmente no se puede ver: las longitudes de onda del espectro electromagnético que están más allá de la capacidad de detección del ojo humano. También es una sugerencia metafórica de que hay innumerables historias invisibles todavía enterradas en la Segunda Guerra Mundial; que las historias de niños comunes y corrientes, por ejemplo, son un tipo de luz que normalmente no se ven. En última instancia, el título pretende ser una sugerencia de que uno dedica demasiado tiempo a centrarse sólo en una pequeña porción del espectro de posibilidades, sin imaginarse el universo de opciones que hay allí afuera.

Los cuatro episodios fueron dirigidos por Shawn Levy, quien utiliza el buen trabajo de escenografía para guiar a sus personajes a contar una historia que pueda dejar a muchos deseosos de leer la novela en la que está inspirada. Las pintorescas calles adoquinadas, los edificios de ladrillo, los malecones de piedra y los interiores de las cabañas francesas le dan a la serie una sensación de habitabilidad y un distintivo sabor europeo. Algunas de las escenas incluso fueron filmadas en el verdadero St. Malo. Hay un bonito montaje al final del episodio final con fotografías de archivo de la ciudad, que es tan central en la historia que es casi un personaje en sí mismo.

Cuando te da la oportunidad de recuperar el aliento, "All The Light We Cannot See" puede transportarte maravillosamente. A lo mejor muchos quieran que esta historia se extienda tanto como su novela para disfrutar de la atmósfera de cualquiera de sus escenarios por un tiempo antes de empujarnos hacia atrás o hacia adelante en el tiempo. Pero eso requeriría extender el material original a varias temporadas, algo que no necesariamente es malo. Lo que sí deben saber todos es que arte de la adaptación consiste en descubrir qué cambios se pueden hacer en el libro sin sacrificar el espíritu de la historia. Creo que Levy encontró un espacio donde, sin necesidad de contar mucho, sacó la pureza de sus personajes, y le da sed de lectura y de curiosidad al más interesado.

Crítica Cinéfila: His Only Son

Después de ser llamado por el Señor, la fe de Abraham se pone a prueba en su viaje de tres días para sacrificar a su hijo.

Uno de los momentos más controversiales de la Biblia cobra vida en "His Only Son", del escritor y director David Helling. El largometraje relata ese fatídico momento en el monte Mariah entre el padre de Israel y lo que debe hacerle a su único hijo, Isaac. Es quizás una de las historias más abrumadoras que tiene la Biblia al día de hoy, sobre todo porque Abraham fue uno de los pocos hombres directamente conectados con Dios.

La película comienza con Dios diciéndole a Abraham (Nicolas Mouawad) que sacrifique a su milagroso hijo, Isaac (Edaan Moskowitz), en un altar en el monte Moriah, como una ofrenda a Él. En este viaje de tres días, el corazón de Abraham pesa cuando este hombre de fe cuestiona a la voz divina que siguió desde que era joven. Mientras se sigue el camino hacia Moriah, Abraham recuerda cómo hace mucho tiempo, cuando él era conocido como Abram y su esposa, Sara, era Sarai (Sara Seyed), Dios les prometió que sería el padre de una gran nación, pero hasta ese momento Sarai no había podido tener un hijo y ambos estaban mucho más allá de la edad fértil. Lo que plantea la pregunta: ¿por qué Dios querría que Abraham sacrificara a su único hijo cuando Dios prometió un futuro fructífero para sus descendientes?

En su mayor parte, "Su único hijo" es un recuento fiel del padre de Israel. La primera mitad es casi demasiado sencilla y nunca se aparta de la interpretación más común de la vida de Abraham. Helling se toma una licencia artística y literaria al abrir la historia con el viaje del sacrificio y luego llena los espacios en blanco a través de flashbacks a lo largo del camino. La vida de Abraham y Sara es de fe y paciencia. Pero la pareja no pudo tener hijos, y en un momento de debilidad, Sara entregó a Abraham a su sierva Agar, creyendo que así se cumpliría la profecía de Dios. Desgraciadamente, esta decisión les atormentaría más tarde.

El escritor y director Helling consigue la narrativa adecuada para su película de hora cuarenta y cinco. Por el título, la historia tiene una inclinación cristiana, particularmente en sus conclusiones. La interrogante de por qué seguir un camino de fe hacia algo que personalmente no motivaría a alguien se llena en muchos de los personajes y en la mayoría de sus acciones, pero quien lo carga con un gran peso emocional que no abandona es el increíble Nicolas Mouawad en un Abraham silencioso y pensativo, quien en sus propios silencios y pensamientos está cuestionando la propia decisión de Dios ante el acto que está próximo a cometer. 

La otra pregunta que Helling deja sobre la balanza: ¿qué tan bien establece "Su Único Hijo" la conexión entre el destino de Isaac y el destino final de Jesús? Pues la metáfora del único hijo sacrificado no solo querían reflejarla hacia Isaac sino también a Jesucristo en la cruz. Helling hace un buen trabajo al establecer esa conexión, aunque hubiese sido más interesante tener más peso allí. 

En general, "His Only Son" se siente profesional y cinematográfico. Aquí los decorados y el vestuario parecen auténticos. También ayuda que la mayor parte de la historia tenga lugar en el desierto. Por otra parte, ¿qué película basada en la fe no tiene por qué emplear técnicas de cine independiente? El gran descontento lo podría causar la cinematografía casi heroica que intentó implementarse, o los efectos visuales (también realizados por Helling... como muchos de los otros créditos) saturados y poco realistas que le daban entrada al Dios sin rostro de Dan Da Silva.

Pero poniendo esto a un lado, Mouawad y Seyed ofrecen actuaciones fantásticas. Abraham no fue un héroe amado mientras caminaba por el desierto, sino un hombre imperfecto que cometió errores casi imperdonables para llegar a este punto. Para los cristianos que buscan nuevas historias bíblicas, no se equivocarán con "Su único hijo". La película cuenta fielmente la historia de Abraham junto con un final muy cristiano y una narración independiente de primer nivel.

Crítica Cinéfila: Hermana Muerte

En la España de la posguerra, Narcisa (Aria Bedmar), una joven novicia con poderes sobrenaturales, empieza a trabajar de profesora en un antiguo convento, ahora colegio para niñas. Conforme pasen los días, los extraños sucesos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan terminarán por llevarla a desenredar la madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus moradoras.

¿Se acuerdan de Verónica? La película de 2017 sobre una niña que llama al sistema de emergencia español pidiendo ayuda por una entidad demoníaca que la está acosando en casa junto a sus hermanos. Pues su director Paco Plaza, quien ya ha hecho un arduo trabajo para posicionarse en el género, rescata uno de sus personajes para contar su historia de trasfondo, una que dejaron deshilada desde esa entrega y que ahora le dedican toda una trama: la Hermana Muerte.

"Hermana Muerte" es la más reciente película española de terror de Netflix, que sigue a una joven novicia que llega a un convento reconstruido después de la devastación de la Segunda Guerra Mundial para servir como escuela para niñas en la España de finales de los años 40. Las persistentes dudas de la hermana Narcisa sobre dedicarse a Dios como monja se ven reforzadas y desafiadas cuando intenta ayudar a una estudiante plagada de extrañas visiones y un supuesto fantasma que acosa a todas las estudiantes y docentes de la escuela. Lo más gratificante es que no es una historia de origen tradicional, sino que se enfoca como la Hermana Muerte se ganó ese interesante apodo y lo que la obligó a quedarse en estas paredes.

La hermana Narcisa (Aria Bedmar) llega a un convento español una década después de ganar notoriedad como una niña que supuestamente tuvo una visión de la Virgen María. Su reputación la precede, lo que significa que las hermanas están muy dispuestas a apresurarla a hacer sus votos con Dios; francamente, Narcisa preferiría tomarse su tiempo y pagar sus deudas, porque no está del todo segura de querer comprometerse con esa vida de monja. Mientras tanto, comienza a enseñar en la escuela del convento, que también ocupa a sus estudiantes con lo que parece una cantidad excesiva de tareas domésticas. Aunque Sor Narcisa siente algo sobrenatural en su entorno (como un mueble en su habitación que parece moverse por sí solo y algunas visiones sangrientas que pueden o no ser alucinaciones), queda claro que una de sus estudiantes lo está experimentando más e intenta ayudarla. En el proceso, la hermana Narcisa descubre algunos de los oscuros secretos habituales que plagan los conventos de las películas de terror.

¿A qué películas le recordará? La conexión más obvia para muchos fanáticos del terror serán las películas de Nun derivadas del Universo del Conjuro, especialmente con The Nun II todavía proyectada en algunos cines (y también transmitiéndose en Max, justo a tiempo para Halloween) y el hecho de que Sister Death también es parte de una serie de películas, funcionando como una precuela mayoritariamente independiente de "Verónica". Dado el nombre de la hermana Narcisa, los cinéfilos también pueden recordar el clásico de 1947 "Black Narcissus", aunque ese thriller psicológico carece de los adornos sobrenaturales de este.

Con un elenco principal y secundario mayoritariamente femenino, todo el elenco se empata para dar actuaciones creíbles, fuertes y conmovedoras, pero Aria Bedmar, que anteriormente trabajó principalmente en televisión, se convierte en una heroína empática como la hermana Narcisa, logrando un equilibrio identificable entre creencia y duda. Pero, sin duda alguna, la imagen de la película habla más que su diálogo, donde los silencios de cada una dicen grandes verdades y preocupaciones particulares. Aunque jugar con imágenes y escenarios religiosos se ha convertido en una rutina en el terror moderno, películas como esta tienden a evitar la explotación total de las monjas; aquí se destaca esencialmente la violencia (incluida una violación) que se vive en estos ambientes, y evitan entrar en temáticas de sexualidad o deseo genuino, que son los grandes clichés de estas tramas. Plaza sigue muy alejado de la costumbre, lo que significa que las monjas siguen en gran medida la suya.

Este director es probablemente mejor conocido por la serie cinematográfica "[REC]". Las estilizaciones de "Hermana Muerte" son más sobrias en comparación: está filmada diferente, inspirada en películas realizadas en el período de tiempo que representa, y Plaza a menudo usa los pasillos, puertas y sombras del antiguo convento para estrechar aún más el marco, creando ventanas dentro de ventanas y una sensación enclaustrada de amenaza. El tono de la película coincide con el malestar de Sor Narcisa; se le trata como una bendición del cielo y un signo de revitalización juvenil en la fe católica, mientras ella duda en secreto si merece o no esta designación, o incluso si está hecha para el convento (aunque es lo suficientemente piadosa como para autoflagelarse y ayunar). El aspecto más innovador de su conflicto (que por lo demás no es muy diferente del personaje de Taissa Farmiga en las películas de "Nun") es una escena sombríamente irónica de la hermana Narcisa intentando ver una figura fantasmal que su estudiante más problemática le está describiendo. Aunque la novicia ha experimentado otras visiones espantosas y pesadillas durante su estancia en el convento, no puede visualizar inmediatamente esta especie de fantasma, persiguiendo a la estudiante. Esa cifra se relaciona con atrocidades en tiempos de guerra que podrían desafiar las propias prácticas de la iglesia, lo que le da a la película una visión interesante y espinosa de cómo las instituciones pueden socavar la fe misma que se supone deben ayudar a preservar.

El resto de la historia es bastante estándar, al menos sobre el papel: una monja valiente investiga sucesos espeluznantes y encuentra una historia de fondo que los explica. Pero Plaza mantiene la película avanzando sin apresurarse. Esta es un terror con imágenes espeluznantes más que una máquina barata de jumpscares, y mucho mejor por ello. Aunque las películas de "Nun" tienen excelentes escenarios y atmósferas, esta tiene una sensación de tensión más sólida de la que aún carecen las películas gringas de terror. Curiosamente, "Hermana Muerte" es parte de su pequeño universo cinematográfico; afortunadamente, sólo la escena final de la película parece causar que aquellos que no están familiarizados con la película anterior ambientada en 1991 se sientan confundidos. Puedo dar testimonio de esto de primera mano, porque no sabía que esta estaba conectada con "Verónica" hasta que terminó, pero aún así la disfruté igual que su material original.