Crítica Cinéfila: Snow White

Una adaptación en acción real del clásico cuento de hadas sobre una hermosa joven princesa que, mientras es acosada por una reina celosa, busca refugio en la casa de siete enanos en la campiña alemana.

La película animada de Disney, Blancanieves y los siete enanitos (1937), se estrenó hace casi 90 años, por lo que es lógico que necesitara una actualización considerable para este remake de acción real. Con toda la agitación que asedia al mundo real, uno pensaría que podría haber cosas más importantes que los alborotos previos al estreno que han plagado a "Blancanieves". Resulta que esta es una adaptación bastante decente de un largometraje animado de Disney. En el fondo, todavía no entiendo realmente la idea de que Disney extraiga su propiedad intelectual animada, y lo hace no porque haya algo inherentemente atractivo en convertir dibujos animados de cuentos de hadas pictóricos en versiones de la vida real menos sublimes y forzadas de sí mismos. Lo que venden los remakes es la novedad de la transformación.

Dicho todo esto, "Snow White" es una película alegre, vivaz y lo suficientemente romántica para ser creíble como para pasar desapercibida, que demuestra ser una excepción a la regla, en gran parte de su trama. Dirigida por Marc Webb ("The Amazing Spider-Man", "500 Days of Summer"), a partir de un guion de Erin Cressida Wilson ("The Girl on the Train"), la película es más ligera, más juguetona, y menos torpe que los remakes de acción real de Disney.

La versión renovada comienza con una joven princesa, Blancanieves (Rachel Zegler), confinada a una vida de servidumbre cuando el rey viudo se casa con una malvada hechicera (Gal Godot). Tras la desaparición del rey, la malvada reina, celosa de la belleza de Blancanieves, envía a su hijastra al bosque con el cazador para que este la mate. En cambio, él le permite que escape y ella es acogida por un grupo de siete desconocidos en el bosque. A partir de aquí, la trama añade nuevos fragmentos que le dan más capas de profundidad a los personajes que ya conocemos, aunque en ocasiones estas capas se superponen con otras sin llegar a un fin. Rachel Zegler, como Blancanieves, tiene un brillo alegre y atractivo, y Gal Gadot, como la Reina Malvada, brilla divinamente con su elegante capa de color púrpura oscuro (corona de vitral, uñas como dagas, labios y ojos negros a juego), como la dominatrix más furiosa del mundo. 

En esta trama, Blancanieves es una joven fuerte que quiere reclamar su corona y liderar a su pueblo, en lugar de una ingenua e indefensa joven que hace tareas domésticas para extraños mientras espera a que un príncipe la rescate. Sus canciones sobre desear amor han sido reemplazadas por otras sobre simplemente desear. Sin embargo, la reina todavía se deja llevar por la vanidad pura y el terror a envejecer. El sexismo está tan arraigado en Blancanieves que no se puede erradicar por completo sin destruir la premisa. Igualmente, la reticencia de Disney a usar personas con enanismo para el alivio cómico parece completamente correcta, pero entonces, ¿qué haces con las otras siete personas del título? ¿Aparte de, en este caso, eliminarlas del título? Aquí la respuesta es crear un septeto de seres no especificados usando CGI, lo cual inicialmente es muy espeluznante, pero con el tiempo te acostumbras. 

La historia de amor sigue bastante intacta. El legendario príncipe ha desaparecido, reemplazado por un noble rufián, Jonathan (Andrew Burnap), a quien Blancanieves conoce por primera vez cuando intenta robar patatas de la despensa del castillo. Su flirteo es muy Disney contemporáneo; me recordó al romance de "Frozen", donde el amor se debate con la tentación del empoderamiento. Es revelador que en una película que revive con exuberancia la mayoría de las canciones clave de la "Blancanieves" original ("Heigh-Ho", "Whistle While You Work"), los cineastas hayan descartado "Someday My Prince Will Come". Esto tiene sentido literal, ya que el príncipe ya no es un personaje.

Sin embargo, el viaje emocional de nuestra heroína sigue siendo vibrante, al igual que el diseño encantador, abierto y siniestro de la historia: la relación de la Reina Malvada con su Espejo Mágico (el rostro de su narcisismo maligno); y la forma en que Blancanieves, después de que su madre, la Reina Buena (Lorena Andrea), muere y su padre, el Rey Buen (Hadley Fraser), es enviado a la guerra (nunca regresa), se convierte en una sirvienta como Cenicienta, solo para descubrir quién es en compañía de sus siete alegres amigos del bosque y el impulso de querer algo mejor, una vez se da cuenta de que no es tan frágil como otros parecen pensar de ella.

Crítica Cinéfila: The Hunger Games, The Ballad of Songbirds & Snakes

Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir.

La serie original de Los Juegos del Hambre fue un "fenómeno" de política revolucionaria que deslumbró a sectores de jóvenes, primero como una serie de novelas de Suzanne Collins y luego como un cuarteto de películas protagonizadas por Jennifer Lawrence. Los libros de Collins se inspiraron en su propia incomodidad con la política del espectáculo que impulsó la guerra de Irak, una ilusión de patriotismo proyectada en canales de noticias las 24 horas, los 7 días de la semana. Y ahora, justo a tiempo para la precuela de Los Juegos del Hambre, tenemos una generación completamente nueva de adolescentes desilusionados: jóvenes que podrían ver algo reconocible en una historia de demonización y opresión, en la que los ciudadanos adinerados del Capitolio de Panem elijen un tributo de las masas que están alojadas en 12 distritos, y los enfrentan entre sí hasta que queda solo un sobreviviente.

Sin embargo, "The Hunger Games: The Ballad of Songbirds & Snakes", dirigida por el habitual de la franquicia Francis Lawrence, diluye esos mensajes más allá de cualquier uso práctico. Es la historia del origen del principal sociópata de Panem, el presidente Coriolanus Snow (interpretado por Donald Sutherland en las películas originales), que en cambio se siente como la yasificación de un futuro monstruo.

La novela original de Collins, publicada en 2020, fue su intento de comprender cómo un joven de una estirpe que alguna vez fue preeminente, huérfano y abandonado a morir de hambre después de un asalto rebelde al Capitolio, podría verse atraído hacia el mal supremo. Nunca le mostró simpatía, pero obligó al lector a permanecer dentro de su cabeza y ver esos despiadados engranajes en funcionamiento. Sin embargo, el Coriolanus de la película, interpretado por el actor británico Tom Blyth, apenas se lee como manipulador y mucho menos como malvado: un bebé nepo con un ligero aire de (antiguo) privilegio, tal vez, pero sin ninguna malevolencia prematura o un cambio radical y moral. Si este fuera uno de los retratos redentores de villanos de Disney, tal vez estaría bien. Pero este es un tipo que supuestamente, seis décadas después, estaba torturando y envenenando a la gente con salvaje abandono.

Pero si Coriolanus fuera algo más que un antihéroe torturado, se habría entrometido en el objetivo principal de "The Ballad of Songbirds & Snakes": un romance de Romeo y Julieta entre un ciudadano del Capitolio y un tributo a los Juegos del Hambre, entre opresores y oprimidos. Coriolanus, como parte de su educación académica, es reclutado como mentor de Lucy Gray Baird (Rachel Zegler), un tributo del Distrito 12. En realidad, ella es miembro de una grupo nómada llamada Covey, la versión del pueblo romaní de Panem, una elección aparentemente hecho solo para estereotiparla como un espíritu libre caprichoso con un toque alegre de música country. Lucy es la respuesta a una pregunta que seguramente nadie se había hecho hasta ver esta película: "¿Cómo sería si dejaras a June Carter Cash en los Juegos del Hambre?". Ni siquiera avisaron que esta película sería parcialmente un musical...

Lucy es pura niña de teatro, vestida con un delicado vestido de hadas y el rostro recién hidratado; el resto de los tributos parecen baristas que acaban de ser golpeados de cara contra una palma de vaca. Drena los juegos de cualquier intriga, especialmente en este momento de la historia donde están limitados a una arena polvorienta. Cualquier tributo que no sea Lucy está echando espuma por la boca o está silencioso y estoico, por lo que es bastante obvio qué destinos les han asignado. Aquí, todo parece reducido para garantizar que Coriolanus y Lucy tengan tiempo suficiente para observarse y analizarse desde ambos lados de los barrotes de su prisión.

Solo sentimos un breve alivio cada vez que una de las estrellas establecidas de la película aparece en escena: Viola Davis , como la directora de juegos, Dra. Volumnia Gaul, está deliciosamente acampada, con plataformas Dr. Martens y guantes de goma rojos. Peter Dinklage , como el inventor de los juegos, Casca Highbottom, disfruta del hastío. Jason Schwartzman, como el “meteorólogo y mago aficionado” Lucretius Flickerman, consigue algunas frases ingeniosas sorprendentemente buenas. Sus actuaciones insinúan el verdadero narcisismo de Panem, algo que te costará encontrar en cualquiera de los románticos débiles y castrados de The Ballad of Songbirds & Snakes.

Es difícil generar mucha intriga sobre si un adolescente enamorado con un corazón aparentemente gentil y una firme moral traicionará a quienes confían en él y cruzará al lado oscuro cuando su nombre es Coriolanus Snow y sabemos por cuatro películas anteriores que él crecerá hasta convertirse en un señor malvado. Menos aún una vez que se une a las filas fascistas de los “pacificadores” y cambia sus mechones rubios y lacios por un corte de pelo de las Juventudes Hitlerianas.

Esa es solo una de las limitaciones de esta película, una pesada precuela, cuyas ganancias globales de los libros se acercan a los 3 mil millones de dólares, pero esto no hace que la trama mejore. Más allá de la realidad del mercado de que Hollywood nunca conoció una fuente de ingresos distópica que no pudo ordeñar hasta la muerte, hay pocas razones de peso, para que exista la nueva entrega.

Ciertamente no es la espeluznante pero poco imaginativa acción de combate a muerte en la que personajes obedientemente diversos pero apenas dibujados, identificables principalmente por sus discapacidades o grados de brutalidad, se encuentran con sus creadores frente a una audiencia televisiva en vivo. Y definitivamente no Viola Davis devorando el escenario fríamente futurista como una doctora malévola con una peluca aterradora, un penetrante ojo azul hielo y maquillaje de Drag Race, cocinando tormentos cada vez más crueles para desatar sobre los desventurados tributos de los juegos.

Snow recalca los puntos sobre el salvajismo como uno de los instintos básicos de la humanidad en un diálogo enfático que no deja ningún subtexto sin mencionar: "El mundo entero es una arena y necesitamos los Juegos del Hambre cada año para recordarnos quiénes somos realmente". Los sacrificios sangrientos, en esta ecuación, son simplemente “el precio que la gente está dispuesta a pagar por un buen espectáculo”. 

La principal conclusión de The Ballad of Songbirds & Snakes  es la comprensión de que un elemento crítico de lo que hizo que las cuatro películas anteriores de Los juegos del hambre fueran agradables (incluso la entrada final, que se extendió sin recompensa en dos partes) fue el coraje natural y el carisma de Jennifer Lawrence. Su Katniss Everdeen era alguien a quien apoyar, sin mencionar algo raro en ese momento en términos de heroínas de acción ingeniosas cuya inteligencia de batalla nunca aplasta su humanidad.

Katniss, un tributo del Distrito 12, el empobrecido sector minero de carbón de la ficticia autocracia norteamericana Panem, aportó formidables habilidades de tiro con arco perfeccionadas mientras cazaba para poner comida en la mesa familiar. Pero se hizo igualmente notable por su compasión, transmitida en la primera película por su alianza con la preadolescente Rue de Amandla Stenberg y su dolor por la muerte de esta última. Podría decirse que no ha habido un momento más conmovedor en la serie que Katniss mostrando su amor y respeto esparciendo flores sobre el cuerpo de la niña muerta. Si tan solo esta precuela inflada tuviera una escena o dos con incluso una fracción de ese poder emocional... pero es que, siendo bien honesta, ni así se salva.

El trueno orquestal de la partitura de James Newton Howard combina bien con las canciones de Lucy Gray, en las que el productor musical ejecutivo Dave Cobb crea melodías conmovedoras en torno a las letras de Collins, añadiendo fuego al espíritu rebelde de la supuesta heroína. Si tan solo hubiera algo verdaderamente nuevo e innovador en este capítulo que justificara plenamente la resurrección de la franquicia Los Juegos del Hambre ocho años después de Sinsajo - Parte 2. La intención de iluminar las maquinaciones políticas del Capitolio y la importancia de los juegos para mantener la división entre la clase dominante y la plebe impotente produce poco más que una tristeza turgente.

Crítica Cinéfila: West Side Story

Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de los 50.

No hay un género de películas que Steven Spielberg no pueda dominar. El único que no ha intentado ha sido western y ya variar con un documental; sin embargo, siempre se mantiene fiel a su estilo por excelencia. Para su primera incursión en el género musical, intenta rehacer un clásico con un sólido conjunto de temas que fueron tan atemporales hace setenta años como lo son hoy: racismo tóxico, pobreza e inmigración. Su remake de West Side Story es una experiencia cautivadora.

Todavía tienes esos Jets pintados con grasa que juzgan injustamente a los nuevos Sharks del vecindario. Dirigida por Riff (un destacado Mike Faist), la película comienza con su escuadrón profanando una pintura de la bandera puertorriqueña en una pared en un estacionamiento de la ciudad de West Side. Estalla una pelea cuando Bernardo (David Alvarez) y sus sharks defienden el honor de su comunidad. Esta pelea es finalmente dividida por el oficial Krupke (Brian d'Arcy James) y el teniente Schrank (Corey Stoll).

Siempre se ha dicho que nunca se debería intentar rehacer un clásico. Es decir, hay suficientes películas horribles, por debajo del promedio, promedio y ligeramente divertidas con muchos defectos que pueden convertirse en mejores películas. Así es como aquí se captura las cualidades centrales que hicieron grande a West Side Story, desde sus temas importantes para mejorar la banda sonora de la película, incluidos los clásicos de Leonard Bernstein-Stephen Sondheim como "Maria" y "Somewhere".

Atrapados en el medio están Tony (Ansel Elgort) y Maria (Rachel Zegler) en libertad condicional. Se encuentran en un baile y se enamoran de inmediato. Por supuesto, Bernardo es muy protector con su hermana. Quiere que se case con un simpático puertorriqueño como su mejor amigo, Chino (Josh Andrés Rivera). Riff interviene cuando Tony transmite su sinceridad de que sus intenciones son honorables y fallan. Entonces, el escenario está listo. Riff y Bernardo elaboran planes para pelear en la antigua fábrica de Salt Mill. Se permite que palos y piedras rompan sus huesos, pero no se permiten armas. Excepto que Riff va y compra una como respaldo.

El guión de West Side Story fue adaptado por el gran Tony Kushner, quien adapta la legendaria obra de teatro y el libro de Aurthur Laurents. Junto con Spielberg, toman dos decisiones audaces para contar historias. Uno, eligen no usar subtítulos. Dos, cambian el personaje tomboy de Anybodys (Iris Menas), que ahora es un personaje de la comunidad LGBTQ+, aun conservando las fortalezas del núcleo musical.

Junto con el director de fotografía de Saving Private Ryan, Janusz Kaminski, toda la experiencia es como dar un paso dentro de una cápsula del tiempo, ya que la historia es lo suficientemente antigua ahora y se siente como ser transportado a esa época. Combinado con una dirección de arte superior, maquillaje y diseño de vestuario, toda la experiencia puede ser fascinante y adictiva.

Si bien Zegler ciertamente tiene las habilidades vocales para deslumbrar en este remake de West Side, es el sorprendente giro de Ariana DeBose lo que le da a West Side Story su nectar. Ella roba el espectáculo de sus escenas con una química palpable con Bernardo, y su potencia cantando y bailando como Anita. Su reacción de resistencia de la que tanto se ha hablado ante la escena del intento de agresión sexual le da a la película una capa de poder adicional que necesitaba. Y no podemos ignorar a Rita Moreno como Valentina, un personaje que nuevo en términos del rol emocional que representa en la historia hacia los demás personajes y se la luce, pues no la habíamos visto en esa posición tan sutil antes.

Sin embargo, mientras las mujeres son las virtudes de esta historia, los hombres se convierten en su defecto. El Tony de Elgort es un personaje muy rígido y, aunque Ansel tiene todos los atributos para ser considerado atractivo, no se entiende esa atracción obsesiva que siente María hacia él. Los demás hombres, a pesar de revivir viejos sentimientos e impulsos de sus antecesores, son más olvidables pues no saben crear esa empatía de pertenencia y propiedad, con excepción de sus gestos en sus bailes y canciones.

El otro defecto que predomina es el mismo que se repite en las anteriores presentaciones. El tema del amor superando al odio juega con el hecho de que después de conocer a Tony por un día, ella ignora el hecho de que él mató a su hermano. Entonces, recapitulemos: María conoció a Tony ayer. El mata a su hermano. Su reacción natural es acostarse con él. Y de paso envía a su cuñada a advertirle que la policía va por él... Solo en novelas de Shakespeare.

Spielberg hace hincapié en tener un elenco completo que representa la cultura hispana tergiversada en la película original. Sin embargo, muchos ignoran que la comunidad Latinx abarca una amplia gama de culturas. Esto quita la individualidad de culturas tan ricas que también incluye a los dominicanos, cubanos, mexicanos y decenas de otros como una caracterización neutral.

Este es un paso en la dirección correcta. Sin embargo, es esencial tener en cuenta que este no es un elenco totalmente puertorriqueño. El mensaje que se presenta aquí es que se trata de una gran cultura. Hay una inmensa cantidad de individualidad que debe celebrarse y entenderse. Pero todavía se requiere la necesidad de aumentar la competencia cultural en Hollywood.

Aún así, West Side Story de Steven Spielberg tiene potencial. Un remake magistral de gran presupuesto con opciones de narración audaces. El remake de West Side Story demuestra que no es necesario modificar un clásico, pero  necesita hacer un esfuerzo consciente para corregir sus errores y preservar su alma.