Crítica Cinéfila: East of Eden

A comienzos del siglo XX, una mujer de espíritu independiente separa a dos hermanos y desencadena una historia que marcará a dos generaciones.

La adaptación de "East of Eden" de Elia Kazan, de 1955, es un audaz melodrama de prestigio, del tipo que Hollywood rara vez produce hoy en día. Es un homenaje suntuoso al pasado, con una interpretación atormentada e impactante de James Dean que se convirtió instantáneamente en un icono, tanto por dentro como por fuera. Sin embargo, como adaptación cinematográfica de la novela clásica de John Steinbeck, es muy lamentable. La película de dos horas toma la amplitud bíblica y la riqueza generacional del libro y, al abordar solo su último tercio, la reduce a una historia de amor sentida con algunos problemas paternos ocasionales. Está tan alejada de los mejores aspectos de la obra original que apenas justifica su título.

Unos 70 años después, Zoe Kazan, nieta de Elia, se acerca mucho más a abordar con éxito y a comprender las profundidades del libro de Steinbeck en su producción de Netflix de siete partes.

Esta adaptación, realizada principalmente por Kazan —Alexander Chee coescribió un episodio clave a mitad de temporada—, con Garth Davis y Laure de Clermont-Tonnerre en la dirección, aún no logra captar la esencia de la novela, y ninguna interpretación individual puede igualar la inquietud transformadora que encarna Dean. Sin embargo, es rica, moralmente compleja y está repleta de actuaciones memorables, en particular la de la protagonista y productora ejecutiva Florence Pugh, así como la de Hoon Lee en un papel que, injustamente, fue eliminado por completo de la película.

"East of Eden" es una de esas obras narrativas complejas en las que cualquier descripción de la trama no logra captar la totalidad del panorama, y ​​en la que reducir esa narración a una simple "trama", como sucede con frecuencia aquí, resulta limitante. Ni siquiera siete episodios bastan para plasmar fielmente el libro, pero dudo que más tiempo en pantalla hubiera marcado la diferencia. Se trata de una reinterpretación del Libro del Génesis ambientada en la expansión occidental del sueño americano a finales del siglo XIX y principios del XX, contada principalmente a través de las vidas de dos pares de hermanos cuya lucha por el afecto paterno desemboca en una tragedia, facilitada por una antihéroe particularmente venal.

La historia comienza con los hermanastros Adam (Christopher Abbott) y Charles (Mike Faist) Trask, quienes crecen bajo la atenta mirada de su padre, Cyrus (Tracy Letts), un héroe de la Guerra Civil con una sola pierna que los guía con rigor militar. Adam es inteligente y bondadoso, pero su gentileza raya en la pasividad. Charles es sombrío y taciturno, pero hábil en las actividades propias de un hombre. Los hermanos toman caminos diferentes, pero terminan compartiendo la granja familiar en Connecticut.

Una noche, Cathy (Pugh) llega a su puerta, horriblemente golpeada y aparentemente sin recordar nada de su pasado. Adam, un cuidador nato, se enamora al instante, pero Charles percibe algo oscuro y posiblemente monstruoso en Cathy, pues él mismo padece demonios similares. Finalmente, la historia se traslada al valle de Salinas en California, donde conocemos al jovial y patológicamente desafortunado Samuel Hamilton (Ciarán Hinds), quien ayuda a Adam a encontrar una impresionante propiedad, y al fiel mayordomo Lee (Lee), quien se presenta como un empleado doméstico que habla un dialecto coloquial, pero que rápidamente se convierte en el corazón esencial de la serie.

Más adelante, la serie llega a los acontecimientos de la película, que de repente cobran mucho más sentido en este contexto: vemos a los hijos de Adam, Cal (Joseph Zada) y Aron (Joe Anders), con Zoe Phillips como Abra, la joven que se interpone entre ellos, lidiando con un legado que comienza con su padre y su tío, pero que en realidad se remonta a Caín (cuyo destino bíblico "al este del Edén" da nombre al libro/serie) y a Abel.

Kazan y el coproductor ejecutivo Jeb Stuart ofrecen una adaptación bastante fiel de la trama de la novela, aunque han omitido gran parte de la historia relacionada con la familia Hamilton, el clan secundario más vinculado al linaje de Steinbeck. Gran parte de los diálogos son idénticos a los originales, con solo pequeñas modificaciones para suavizar, o al menos explicar, el personaje de Cathy (interpretado por Pugh) y un interludio añadido para situar a Lee en el centro de la historia.

Los saltos temporales de la serie provienen directamente de Steinbeck, y de la propia Biblia, donde lapsos de cientos de años pueden ser rápidamente resumidos en una lista de "genealogías" y personajes o incidentes que son fundamentales para religiones enteras o escuelas de pensamiento espiritual pueden ser cubiertos en unos pocos versículos.

Al final, todas las piezas encajan, pero hay algunos desvíos y omisiones que, en el momento, resultan frustrantes; sobre todo, la inevitable decepción que supondrá que Netflix promocione la serie como un triángulo amoroso entre los personajes interpretados por Pugh, Abbott y Faist, lo cual, sin duda, no es cierto. No ayuda en nada que Abbott ofrezca una actuación melancólica y monótona —aunque su interpretación es buena, resulta limitada y restrictiva—, mientras que Faist logra que Charles sea peligrosamente emocionante. Si empiezas a verla pensando que es una serie que se reparte a partes iguales entre Abbott y Faist y sus personajes, casi te garantizo que te decepcionará.

No.

Pugh, en su primer papel televisivo extenso desde "The Little Drummer Girl" de 2018, arremete contra una de las grandes y desconcertantes antagonistas de la ficción, una mujer tan decidida y malvada que hace que Becky Sharp de Vanity Fair parezca una niña exploradora. Pero Cathy no es una villana, aunque su voz en off comience con una observación sobre los monstruos que nacen de padres humanos. Es una mujer que se niega a ser limitada por las expectativas y comportamientos de hombres inferiores y, en el proceso de seguir su propio camino, decide, con una franqueza desarmante, que no se molestará en adherirse a la moral patriarcal. Kazan añade un origen de "cómo llegó a ser así" que no creo que fuera necesario explicar explícitamente, pero no arruina al personaje ni perjudica a Pugh.

Una de las cosas que más me gustan de Pugh como actriz es que no oculta nada. Cuando está alegre, irradia alegría. Cuando está triste, se le nota en cada sollozo. Cuando hace pucheros, son pucheros de arriba abajo. Y cuando se burla, puede derribar edificios enteros. Que Pugh interprete a un personaje que, por su propia naturaleza, duda en revelar la verdad es una elección interesante que pone la responsabilidad en todos los que la rodean y que no reconocen lo que es tan obvio para los espectadores. Cathy da miedo cuando miente, pero da aún más miedo cuando dice la verdad, con una honestidad sin tapujos que es puramente Pugh. Es tan buena que incluso en la segunda mitad de la serie, cuando Cathy ya no es convincente, sigue funcionando.

La monotonía abatida de Abbott, como uno de los hombres que no logran reconocer la verdadera naturaleza de Cathy, desequilibra la serie. En parte es intencional, pero aún así podría haberse evitado.

Afortunadamente, ahí es donde entran en juego Hinds y, sobre todo, Lee. Kazan no ha encontrado la manera de que Hamilton haga gran cosa —con su familia prácticamente eliminada de la historia, es un agente inmobiliario glorificado que va y viene, pero que solo ocasionalmente llega a ser un catalizador—, pero su energía extrovertida es un contrapunto fundamental a la melancolía constante de Abbott.

Lee, que ha estado excelente en "Banshee","Warrior" y "Your Friends & Neighbors" de Jonathan Tropper y que ha estado infrautilizado en otros proyectos, es la verdadera revelación. En el guion, el personaje es una evasión y subversión de estereotipos, pero aquí es excepcionalmente humano, beneficiado por las escenas adicionales que Kazan y Chee aportan al quinto episodio. Si bien algunos espectadores disfrutarán de los triángulos amorosos o del ascenso/descenso de Cathy al estilo del talentoso Sr. Ripley —un episodio con la estrella invitada Martha Plimpton como una bondadosa madame de burdel es una delicia oscura— casi todas mis escenas favoritas se centran en Lee, incluyendo una encantadora conversación entre Lee y el radiante recién llegado Phillips, un escalofriante monólogo autobiográfico y una discusión sobre semántica bíblica entre Lee y Hamilton.

Es esta conversación la que restituye el concepto/palabra hebrea de «timshel», o «tú puedes», a la historia: la evocación más pura del libro y de la exploración que hace la serie del destino, el libre albedrío y la mutabilidad de la naturaleza humana. La conversación y la palabra misma, que da título al séptimo y último episodio, desvelan los fundamentos bíblicos y las complejidades que rigen a muchos de los personajes principales.

No es intrínsecamente cinematográfico que los personajes divaguen sobre la traducción bíblica. Por eso, los directores Davis y de Clermont-Tonnerre siempre pueden recurrir a la siguiente vista impresionante de Nueva Zelanda o a una pieza de arquitectura de principios de siglo cuidadosamente encuadrada, mostrando una cantidad de puertas impecablemente iluminadas que evocan a John Ford o, más recientemente, la obra de Jane Campion, especialmente en "The Power of the Dog", que utilizó localizaciones similares, si no idénticas. Todas las pausas en el tiempo y el ritmo se suavizan gracias a la exuberante y suntuosa banda sonora de Laura Karpman.

En su traducción, la versión de Zoe Kazan de "East of Eden" pierde parte del humor del libro y de la fluidez narrativa, elementos que sustentan y realzan la escalada de tragedia y catarsis. Sin embargo, conserva mucho. A diferencia de la película de 1955, esta adaptación parece comprender por qué el libro es un texto especial y, gracias a Pugh y Lee, ofrece numerosos elementos propios que le aportan un toque distintivo.

Crítica Cinéfila: Challengers

Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo 'Challenger' -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi.

Cualquiera que haya jugado tenis sabe que el juego comienza con amor y progresa rápidamente. En la película "Challengers" de Luca Guadagnino, los rivales son los ex compañeros de dobles Art Donaldson (Mike Faist) y Patrick Zweig (Josh O'Connor), mejores amigos desde los 12 años, que tomaron caminos separados  luego de que ambos jugadores se enamoraran de la misma mujer. Patrick llegó primero a su corazón, pero Art terminó casándose con ella y su sentido de competencia no ha hecho más que intensificarse desde entonces.

Como compañeros de cancha en la misma academia de tenis, los chicos debieron haber escuchado este viejo gemido: ¿Cómo se llama a una chica que se para entre dos jugadores en una cancha de tenis? En el drama erótico de Guadagnino, Zendaya interpreta a la chica en esa posición, sentada precisamente en el punto medio entre Art y Patrick en su gran partido. La cámara no gira, pero su cabeza sí, girando con cada toma. Esta es Tashi Duncan, un adolescente prodigio del tenis convertida en entrenadora profesional. Más de una década antes, los dos adversarios compitieron por su número. Ahora parece que están jugando por su corazón.

Muchos pensarían que la trama de “Challengers” puede parecer anticuada y, sin embargo, hay una chispa moderna en el enfoque de Guadagnino que eleva el material y lo vuelve fresco. Detrás de cada momento de alta velocidad y cada raqueta aplastada se esconde una emoción cruda, lo que resulta en el triángulo amoroso centrado en los deportes más apasionantes y divertidos desde “Bull Durham”. Y gracias a sus tonalidades románticas, también tiene sus momentos emotivos. Es esa rara película en la que deja a cualquiera ansioso con tan solo mirarla.

“No soy un rompehogares”, bromea Tashi a Art y Patrick la noche que la conocen, 13 años antes. Escrito como si fuese una competencia de tenis, el guión de Justin Kuritzkes rebota de un lado a otro en el tiempo, pidiéndonos que giremos nuestros cerebros como lo hace el público en el primer partido de la película. En el tenis profesional, los eventos de challengers son como las ligas menores, donde los talentos de segundo nivel demuestran su valía. Este enmarca la película, mientras Tashi parece dividida entre su esposo y su ex-pareja.

Mejor conocido por dirigir el clásico queer de 2017, "Call Me by Your Name", Guadagnino sabe un par de cosas sobre la tensión homoerótica, y el comentario "rompehogares" de Tashi revela que ella siente un vínculo inusualmente fuerte entre los dos chicos. Las primeras escenas entre Art y Patrick son algunas de las más entrañables de la película, mientras los adolescentes ruedan y se cuelgan unos de otros como bulliciosos perros labradores. Después de ganar, Patrick arrastra a Art al partido de chicas para ver a su último amor platónico.

Observando desde las gradas, con las piernas abiertas indecentemente, los dos tenistas devoran con la vista a Tashi mientras el viento agita  en el aire su falda corta. Nada de esto es accidental: ni la forma en que vestuarista Jonathan Anderson se enfoca en las piernas de gacela de Zendaya, ni la forma en que el director de fotografía Sayombhu Mukdeeprom enmarca las entrepiernas de los chicos, y ciertamente no en el momento en que Patrick aprieta la pierna de su amigo mientras Tashi les muestra cómo, en su forma más hermosa, el juego puede ser una experiencia extática.

Más tarde esa noche, en una fiesta patrocinada por Adidas para Tashi, los chicos se turnan para intentar conseguir su número. Están motivados por las hormonas. Ella es más estratégica (el puro control involucrado en la actuación de Zendaya es asombroso, transformando a este aspirante a trofeo en quien establece las reglas). "No sabes qué es el tenis", desafía Tashi a Patrick, y luego explica: "Es una relación". Líneas como esta, que explican todo el conflicto con luces de neón parpadeantes, se encuentran a lo largo del guión de Kuritzkes, sobretodo en un desenlace extasiante. Pero la ejecución de Guadagnino también tiene que ver con el subtexto, calibrando aspectos de tal manera que el lenguaje corporal dice mucho.

Lo mismo ocurre con lo que promete ser la escena más candente del año, en la habitación del hotel de los chicos, mientras Tashi se sienta en la cama entre los dos y los convence, o los entrena, para que se besen. “Challengers” no es una película gay per se, pero deja esos detalles lo suficientemente ambiguos como para que uno pueda leerlo como la reciente “Close” de Lukas Dhont, sobre una amistad tan estrecha que los compañeros de los chicos se burlan de ellos por ello.

A lo largo de 131 minutos, “Challengers” oscila entre lo que equivale a una revancha romántica y viñetas íntimas anteriores. En todo momento, incluso fuera de la pantalla, Tashi sigue siendo el punto de apoyo. En el presente, Art, cuyo torso muestra signos de múltiples cirugías, ha estado en una mala racha, lo que delata una pérdida de pasión por el juego. La pasión no es un problema para Patrick, que tiene más confianza tanto en su swing como en su sexualidad.

La película requiere actuaciones intensamente físicas por parte de los dos actores masculinos, quienes al final parecen tambaleantes y exhaustos. Faist (una estrella de Broadway a quien “West Side Story” de Spielberg presentó a los cinéfilos) tiene un arco de personaje relativamente tradicional, esperando pacientemente su turno y evolucionando a medida que avanza la línea de tiempo. O'Connor (cuyo giro ardiente en el cine independiente gay "God's Own Country" le consiguió el papel de "The Crown") parece animal e inmaduro en comparación, ya que su personaje de chico malo se niega a crecer o darse por vencido.

La cronología de “Challengers” es más complicada de lo que puede parecer a simple vista, lo que termina siendo uno de los placeres de la película, ya que todos los involucrados (escritor, director y elenco) se esfuerzan por elevar lo que podría haber sido un romance plano. En cambio, el resultado se acerca más a las películas artísticas europeas de Bernardo Bertolucci, François Ozon y Abdellatif Kechiche, tan centrada en colillas, cestas y varias otras partes del cuerpo, menos lujuriosas que sensuales como se presenta aquí.

Otro cineasta podría haberse sustraído para poner la historia en primer plano, mientras que Guadagnino va a lo grande, liderando con estilo (y una partitura de moda de Trent Reznor y Atticus Ross). De acuerdo con el tema atlético, hace todo tipo de cosas locas con la cámara, incluida una composición enmarcada desde la perspectiva del árbitro en mitad de la cancha que se acerca a la red para encontrar a Tashi entre la multitud. De vez en cuando, ella y otros personajes golpean las bolas amarillas fluorescentes directamente contra la pantalla, haciéndonos estremecernos en nuestros asientos. Al final, “Challengers” ha asumido el punto de vista de la pelota (o tal vez el de la raqueta) mientras Guadagnino sumerge al público en el partido culminante de la película.

Lejos de la típica película de deportes, “Challengers” se preocupa menos por la resolución que por la dinámica en constante cambio entre los jugadores. La presión aumenta y el sudor brota, mientras la pareja alguna vez conocida como “Fuego e Hielo” se enfrenta nuevamente. Ya sea que el público se identifique como el Equipo Patrick o el Equipo Art, Guadagnino hace un truco arriesgado pero inspirado, anotando él mismo el tiro ganador.

Crítica Cinéfila: West Side Story

Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de los 50.

No hay un género de películas que Steven Spielberg no pueda dominar. El único que no ha intentado ha sido western y ya variar con un documental; sin embargo, siempre se mantiene fiel a su estilo por excelencia. Para su primera incursión en el género musical, intenta rehacer un clásico con un sólido conjunto de temas que fueron tan atemporales hace setenta años como lo son hoy: racismo tóxico, pobreza e inmigración. Su remake de West Side Story es una experiencia cautivadora.

Todavía tienes esos Jets pintados con grasa que juzgan injustamente a los nuevos Sharks del vecindario. Dirigida por Riff (un destacado Mike Faist), la película comienza con su escuadrón profanando una pintura de la bandera puertorriqueña en una pared en un estacionamiento de la ciudad de West Side. Estalla una pelea cuando Bernardo (David Alvarez) y sus sharks defienden el honor de su comunidad. Esta pelea es finalmente dividida por el oficial Krupke (Brian d'Arcy James) y el teniente Schrank (Corey Stoll).

Siempre se ha dicho que nunca se debería intentar rehacer un clásico. Es decir, hay suficientes películas horribles, por debajo del promedio, promedio y ligeramente divertidas con muchos defectos que pueden convertirse en mejores películas. Así es como aquí se captura las cualidades centrales que hicieron grande a West Side Story, desde sus temas importantes para mejorar la banda sonora de la película, incluidos los clásicos de Leonard Bernstein-Stephen Sondheim como "Maria" y "Somewhere".

Atrapados en el medio están Tony (Ansel Elgort) y Maria (Rachel Zegler) en libertad condicional. Se encuentran en un baile y se enamoran de inmediato. Por supuesto, Bernardo es muy protector con su hermana. Quiere que se case con un simpático puertorriqueño como su mejor amigo, Chino (Josh Andrés Rivera). Riff interviene cuando Tony transmite su sinceridad de que sus intenciones son honorables y fallan. Entonces, el escenario está listo. Riff y Bernardo elaboran planes para pelear en la antigua fábrica de Salt Mill. Se permite que palos y piedras rompan sus huesos, pero no se permiten armas. Excepto que Riff va y compra una como respaldo.

El guión de West Side Story fue adaptado por el gran Tony Kushner, quien adapta la legendaria obra de teatro y el libro de Aurthur Laurents. Junto con Spielberg, toman dos decisiones audaces para contar historias. Uno, eligen no usar subtítulos. Dos, cambian el personaje tomboy de Anybodys (Iris Menas), que ahora es un personaje de la comunidad LGBTQ+, aun conservando las fortalezas del núcleo musical.

Junto con el director de fotografía de Saving Private Ryan, Janusz Kaminski, toda la experiencia es como dar un paso dentro de una cápsula del tiempo, ya que la historia es lo suficientemente antigua ahora y se siente como ser transportado a esa época. Combinado con una dirección de arte superior, maquillaje y diseño de vestuario, toda la experiencia puede ser fascinante y adictiva.

Si bien Zegler ciertamente tiene las habilidades vocales para deslumbrar en este remake de West Side, es el sorprendente giro de Ariana DeBose lo que le da a West Side Story su nectar. Ella roba el espectáculo de sus escenas con una química palpable con Bernardo, y su potencia cantando y bailando como Anita. Su reacción de resistencia de la que tanto se ha hablado ante la escena del intento de agresión sexual le da a la película una capa de poder adicional que necesitaba. Y no podemos ignorar a Rita Moreno como Valentina, un personaje que nuevo en términos del rol emocional que representa en la historia hacia los demás personajes y se la luce, pues no la habíamos visto en esa posición tan sutil antes.

Sin embargo, mientras las mujeres son las virtudes de esta historia, los hombres se convierten en su defecto. El Tony de Elgort es un personaje muy rígido y, aunque Ansel tiene todos los atributos para ser considerado atractivo, no se entiende esa atracción obsesiva que siente María hacia él. Los demás hombres, a pesar de revivir viejos sentimientos e impulsos de sus antecesores, son más olvidables pues no saben crear esa empatía de pertenencia y propiedad, con excepción de sus gestos en sus bailes y canciones.

El otro defecto que predomina es el mismo que se repite en las anteriores presentaciones. El tema del amor superando al odio juega con el hecho de que después de conocer a Tony por un día, ella ignora el hecho de que él mató a su hermano. Entonces, recapitulemos: María conoció a Tony ayer. El mata a su hermano. Su reacción natural es acostarse con él. Y de paso envía a su cuñada a advertirle que la policía va por él... Solo en novelas de Shakespeare.

Spielberg hace hincapié en tener un elenco completo que representa la cultura hispana tergiversada en la película original. Sin embargo, muchos ignoran que la comunidad Latinx abarca una amplia gama de culturas. Esto quita la individualidad de culturas tan ricas que también incluye a los dominicanos, cubanos, mexicanos y decenas de otros como una caracterización neutral.

Este es un paso en la dirección correcta. Sin embargo, es esencial tener en cuenta que este no es un elenco totalmente puertorriqueño. El mensaje que se presenta aquí es que se trata de una gran cultura. Hay una inmensa cantidad de individualidad que debe celebrarse y entenderse. Pero todavía se requiere la necesidad de aumentar la competencia cultural en Hollywood.

Aún así, West Side Story de Steven Spielberg tiene potencial. Un remake magistral de gran presupuesto con opciones de narración audaces. El remake de West Side Story demuestra que no es necesario modificar un clásico, pero  necesita hacer un esfuerzo consciente para corregir sus errores y preservar su alma.