Crítica Cinéfila: Michael

El viaje de Michael Jackson más allá de la música, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en una visionaria estrella cuya ambición creativa despertó un incansable afán por consagrarse como el mayor icono de la industria del entretenimiento.

Con "Michael", definitivamente estamos viendo una película biográfica de música pop para revivir el poder y la gloria de una estrella que admiramos. También experimentamos una sensación de descubrimiento, pues queremos ver a ese artista de cerca, como nunca antes. Y aún así, Michael Jackson es un caso especial. Creció bajo los focos, una superestrella del pop mundial desde los 10 años, y cuando llegó a la edad adulta y lanzó su carrera como solista, se convirtió en el ídolo pop más observado de su época. Su asombroso genio, su personalidad esquiva pero reservada, sus cirugías estéticas, sus problemáticos lazos familiares, sus legendarias excentricidades: todo fue tratado como en una película biográfica en tiempo real.

Michael Jackson fue —y sigue siendo— el artista de música pop más trascendente desde los Beatles, lo que significa que es casi inevitable que "Michael", la película biográfica de Antoine Fuqua, aborde dramas, tanto dentro como fuera del escenario, que ya no sean sumamente familiares. Dado que la película evita cualquier referencia a las acusaciones de abuso sexual infantil que persiguieron a Jackson desde 1993 (acusaciones que se han vuelto aún más notorias desde su muerte en 2009), podría decirse que esto deja a "Michael" con un vacío en su esencia. En resumen, esta no es una película sobre el lado oscuro de Michael Jackson. Y honestamente, se le agradece.

La sorpresa de "Michael" es lo bien que funciona y lo absorbente que resulta como película biográfica convencional. Es básicamente una versión de la historia de Michael Jackson al estilo de las películas para televisión de los 80, con actuaciones más pulidas y una fotografía más elegante. Recorre los grandes éxitos de su carrera, desde el video de "Don't Stop 'til You Get Enough" hasta su memorable interpretación de "Billie Jean" en el especial del 25 aniversario de Motown, y reduce sus demonios internos a uno solo: Joe Jackson, su padre, un estafador curtido, interpretado con prótesis por Colman Domingo como el monstruo manipulador del que Michael luchó por liberarse. La película está llena de montajes que utilizan los éxitos de Jackson de una manera obvia y complaciente con los fans. Cuenta con una aparición estelar de Mike Myers como Walter Yetnikoff, presidente de CBS Records, para la inevitable escena en la que Michael presiona a Yetnikoff para que coaccione a MTV y emita los vídeos de Michael.

Sin embargo, si te centras en lo convencional de "Michael" o en lo que la película omite, podrías perderte la urgencia conmovedora de lo que sí incluye: el viaje de Michael Jackson para convertirse en sí mismo liberándose del pasado. Creo que el público va a acoger ese viaje, y a "Michael" en sí, con gran entusiasmo.

Lo que da cohesión y significado a la película es la maestría e intensidad de la interpretación de Jaafar Jackson. Jaafar, el hijo de 29 años de Jermaine Jackson, es sobrino de Michael Jackson y nunca antes había actuado en una película. Pero logra captar a la perfección la imagen, la voz, los movimientos electrizantes y, sobre todo, la mezcla de delicadeza y fortaleza que definieron a Michael. Jaafar no es tan atractivo ante la cámara como Michael (de la misma manera que Austin Butler no era tan divino como Elvis), pero su ternura, un poco más terrenal, le permite resaltar la vulnerabilidad de Michael. Y la película, a su manera, transmite la energía de Michael Jackson. Nos muestra cómo, al igual que Brian Wilson o Little Richard, fue un artista con una visión moldeada por sus heridas.

La película comienza en la sala de estar de la casa de la familia Jackson en Gary, Indiana, en 1966, donde Joe somete a sus cinco hijos a un ensayo como si fuera un ritual de iniciación militar. Joe es el entrenador y el mánager, el que cree que sus chicos pueden sacar a la familia Jackson de la miseria de la clase media baja que de otro modo sería su destino como afroamericanos. Joe tiene un sueño: el sueño americano. Pero otra forma de decirlo es que los Jackson 5, liderados por Michael y sus movimientos a lo James Brown y su virtuosismo de soprano soul sin precedentes (ningún niño en la historia ha cantado con esa fraseología adulta ), serán su salvación. Joe es más duro con Michael, a quien golpea con su cinturón. No hay ambigüedad sobre lo que esto es (es maltrato infantil), pero lo más desgarrador es que Juliano Valdi interpreta al joven Michael como un niño dulce demasiado sensible para relacionarse con otros niños. Por eso la fama lo llena. Convierte su "singularidad" en su propia identidad.

Tras capturar el ascenso de los Jackson 5, “Michael” nos transporta a 1978, cuando Michael se une al productor Quincy Jones (Klendrick Samson) para grabar “Off the Wall”. Jaafar Jackson capta a la perfección la voz aguda y melosa de Michael, pero también nos muestra cómo evoluciona esa famosa personalidad. Cuando Michael comienza a convertir la casa de los Jackson en Encino en un zoológico, llenándola con una llama, una jirafa y Bubbles, el chimpancé, estos animales son sus únicos amigos, pero también expresan su agresividad interior. En un bufete de abogados, Michael entabla amistad con John Branca (Miles Teller), un abogado del mundo del espectáculo de pelo revuelto que representó a los Beach Boys y a Neil Diamond, e inmediatamente le ordena a Branca que despida a Joe como su mánager, lo cual Branca hace con una notificación de despido de una sola frase enviada por fax. Esto le da a Michael el espacio emocional necesario para concebir y grabar “Thriller”.

Hay una secuencia genial donde Michael entra en un club de Los Ángeles, con auténticos pandilleros, y crea la coreografía del video de "Beat It" a partir de sus movimientos. Busca una estética dance-pop que canalice la ira de la realidad; esa se convertirá en su sello distintivo. Sin embargo, incluso cuando Michael toma el control de su vida y su imagen (lo vemos operarse la nariz, aunque, de hecho, se había sometido a más retoques estéticos en ese momento, y la película atribuye todo su blanqueamiento de piel al vitíligo), el espectro de su padre autoritario sigue presente. Después de que "Thriller" le dio inicio a la era de la Michaelmanía, Joe cierra un trato con Don King (Deon Cole), a espaldas de Michael, para que este se vaya de gira con los Jackson 5. El contrato de Michael con Pepsi forma parte de eso, y la representación que hace la película del horrible accidente que sufrió durante la filmación de un comercial de Pepsi —una chispa le prendió fuego al cabello y al cuero cabelludo— hace que el trauma parezca una consecuencia del karma de Joe.

En la película, al ver la incandescente interpretación de Michael de "Human Nature" en el escenario, vemos cómo incluso allí fue capaz de expresar su sublime arte. Y entonces… ignora a Joe. Para siempre. Tras un salto temporal a una interpretación de Michael de "Bad" en el escenario, la película nos deja con las palabras: "Su historia continúa…". En otras palabras, "Michael" podría ser la primera película biográfica concebida como una franquicia. Normalmente, sería escéptica al respecto. Pero si los cineastas deciden continuar la historia de Michael Jackson, no será solo una extensión de marca, sino una oportunidad: tal vez para adentrarse en ese lado oscuro después de todo.

Crítica Cinéfila: Wicked: For Good

Segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical de Broadway. El capítulo final de la historia jamás contada de las brujas de Oz comienza con Elphaba y Glinda distanciadas y viviendo las consecuencias de sus respectivas decisiones. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, ambas deberán unirse una vez más. Con su singular amistad convertida en el punto de inflexión de su futuro, tendrán que mirarse a los ojos con honestidad y compasión para afrontar su transformación personal y cambiar el destino de todo Oz.

El tiempo estándar para los intermedios en Broadway oscila entre 15 y 20 minutos, tiempo suficiente para estirar las piernas, quizás comer algo e ir al baño. ¿Un año entero? Es posible que a cualquiera se le olvide hasta los puntos argumentales y las maquinaciones de los personajes más importantes de cualquier espectáculo. Tal es el caso de " Wicked : For Good" de Jon M. Chu, la segunda entrega de su planeada adaptación en dos películas del aclamado musical "Wicked".

Mientras que la primera parte pertenecía en gran medida a Elphaba, la marginada de Oz de piel verde e incomprendida de Cynthia Erivo, la continuación pone en primer plano a su antigua némesis convertida en su amiga, Glinda, de Ariana Grande. 

Erivo sigue siendo una potencia, con una energía que sacude los cielos y una fuente de intensidad emocional espontánea que nunca se agota. La paradoja es aún más evidente: a pesar de la infamia de Elphaba como la llamada Bruja Malvada del Oeste, la bondad y la justicia inherentes a su oposición a las crueles injusticias y a un gobierno cada vez más autoritario terminan siendo su salvación, aunque ella cargue con la culpa como chivo expiatorio de la historia. Pero la engreída rubia hueca de Grande gana importancia aquí cuando Glinda asume la responsabilidad de difundir la bondad en Oz, mientras experimenta una aplastante decepción romántica que la humilla y desinfla su vanidad.

La película comienza de forma impresionante: meses después de que Elphaba (Erivo) y Glinda (Grande) eligieran caminos completamente diferentes durante una desgarradora separación en la Ciudad Esmeralda, ambas siguen firmemente aferradas a sus respectivos roles.

Elphaba es ahora la Bruja Mala del Oeste, ayudada en parte por la incansable labor de su antigua mentora, Madame Morrible (Michelle Yeoh), quien se ha dedicado a difundir desinformación aterradora a todos los ozianos, con el fin de apoyar a un déspota perdedor (Jeff Goldblum como El Maravilloso Mago de Oz, en esta ocasión aburrido y olvidable). Esto la lleva a asumir misiones descabelladas para lograr su objetivo de derrocar al Mago y deshacer sus numerosas fechorías. La principal preocupación de Elphaba es liberar a los Animales, quienes han sido reclutados para una terrible esclavitud, principalmente porque el Mago comprende perfectamente que para mantener unida a la gente, un enemigo común (real o imaginario) es la clave.

Si Elphaba ha aceptado su papel de villana de Oz, Glinda ha ido un paso más allá como la mayor santa del país. Como Glinda, la Bruja Buena, se pasa el día paseando por Oz, intentando animar a una población que ha sido obligada a temer ciegamente a su mejor amiga. Es un trabajo horrible, si se puede conseguir. Tanto Elphaba como Glinda se han visto obligadas a asumir roles que, si bien en general les sientan bien (Elphaba es una luchadora y líder nata, Glinda valora mucho hacer sentir bien a la gente), en realidad solo sirven para dividir, asustar y herir. ¿Cómo se solucionará esto?

Dos horas después, la respuesta es bastante parecida al aclamado musical, solo que con un par de canciones nuevas (ambas de Stephen Schwartz, incluyendo "No Place Like Home" y "The Girl in the Bubble"), una puesta en escena curiosamente plana y la pregunta constante: ¿por qué se divide en dos partes? Chu y sus guionistas no temen en absoluto ahondar en las terribles implicaciones políticas de los mensajes deshonestos, la politiquería violenta, el ascenso de charlatanes al poder y el abuso de quienes son de alguna manera "diferentes", pero choca con lo más ligero a cada paso. Sí, es difícil tomarse demasiado en serio una película que incluye una canción que dice: "Hay puentes que cruzas/No sabías que cruzabas/Hasta que los cruzaste". 

En “Wicked: For Good”, hay mucha continuidad de la primera, pero la duración no es justificable cuando el ritmo va cayendo y lo que uno busca en una historia, aún sea una segunda parte, ya se ha contado en su antecesora. Lo que funcionó en “Wicked” sigue funcionando. El reparto de Erivo y Grande es lo máximo, y el profundo respeto y amor que comparten los intérpretes, dentro y fuera de la pantalla, realmente mantiene a flote estas dinámicas. Elphaba y Glinda son el alma de esta historia, y es difícil imaginar otro dúo que las represente mejor (o con mejor canto).

Sin embargo, y a pesar de prolongar la duración total de ambas películas a casi cinco horas (el musical dura dos horas y 45 minutos, con un intermedio de 15 minutos), aún quedan grandes preguntas. Pero la decisión de Chu de comenzar "Wicked: For Good" con poco material para ponerse al día es refrescante, aunque su audacia efímera. 

Si bien esta entrega de la franquicia, por necesidad, debe expandirse aún más al vasto mundo de Oz, a menudo se siente ligada a los lugares que ya hemos visitado. La Ciudad Esmeralda y Munchinkland siguen teniendo un lugar destacado, e incluso la querida Universidad Shiz aparece en un flashback (innecesario, junto con otro flashback a la encantadora infancia de Glinda). Breves incursiones al escondite del bosque de Elphaba son un cambio de aire bienvenido (como escenario de una famosa escena de amor entre ella y Fiyero, interpretado por Jonathan Bailey), al igual que otra visita a un tramo remoto del Camino de Baldosas Amarillas, pero estos cambios son escasos y se echan mucho de menos.

Incluso las escenas que implican exploraciones más profundas de nuestros espacios conocidos, incluyendo una escena ambientada en la Ciudad Esmeralda, resultan algo extrañas, cautivadas por un bloqueo extraño que impide al público apreciar la totalidad de una ubicación y oculta puntos focales clave. Sí, en la gran secuencia musical donde experimentamos con mayor intensidad la fuerza del miedo de los ozianos ("La Marcha de los Cazadores de Brujas") y la furia del Boq de Ethan Slater, quizás estaría bien ver alguna expresión facial. Lo mismo ocurre con una secuencia clave en la que Fiyero queda alterado para siempre, y que parece haber sido filmada a ocho kilómetros del Camino de Baldosas Amarillas. Si queremos ver más, no debería ser porque veamos mucho menos de lo absolutamente necesario. Otra toma de campos de tulipanes inmensos no constituye un verdadero viaje a Oz, ni a "Wicked".

Aun así, lo que une a estas dos películas es innegable: la fuerza y ​​el talento de las protagonistas Cynthia Erivo y Ariana Grande. Ambos personajes están firmemente encasillados en sus papeles en Oz, y aun así, Erivo y Grande nunca se sienten tan limitadas, ni en su conmovedora actuación ni en sus imponentes letras.

Al igual que "Wicked", "Wicked: For Good" se convierte en un dueto masivo entre ambos, tan emotivamente impactante que hasta el corazón más hueco derramará una lágrima durante "For Good". Es un momento culminante, sin embargo, también se siente solitario. ¿Vale la pena esperar un año completo y una segunda parte solo por eso? ¿De verdad era necesario extenderlo a una segunda parte?

Crítica Cinéfila: A Complete Unknown

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Si tienes más de 60 años, es probable que algunos capítulos de tu vida hayan sido influenciados por la música de Bob. Si tienes menos de 30, seguro lo escuchaste gracias a ese miembro cool de tu familia. La historia de la vida de un hombre nacido como Robert Zimmerman tiene que servir de inspiración para alguien, pero ¿a quién? Hay que tomar decisiones, comprimir los plazos, sopesar los hechos frente a la leyenda.

Adaptando la excelente historia de Elijah Wald de 2015 “Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties”, “A Complete Unknown” opta por la leyenda, y lo hace de manera bastante hábil para los que desconocen su historia y que nunca entenderán por qué hubo tanto alboroto. Dirigida por James Mangold (“Walk the Line”), es una película biográfica de dos horas y 20 minutos, ágil, melodiosa y muy entretenida, con un chico popular y talentoso como protagonista para atraer a la Generación Z.

¿Y cómo está el chico? Está bastante bien, aunque su interpretación no tiene arco, por loque será la segunda mejor de la película. La historia sigue a un joven Bob Dylan durante cinco años de su vida, tocando la guitarra y la armónica, y trabajando duro para conseguir esa voz tan particular que aún hoy lo caracteriza. El esfuerzo técnico ha dado sus frutos, pero, lo que es más importante, Chalamet transmite la presencia de este jovencito folkie advenedizo: la seguridad y el mal humor, el oído que escucha más los cantos de sirena en su cabeza que a cualquiera de los presentes en la sala. La ética de trabajo y el desprecio, la inquietud y las máscaras, las letras ardientes y la voz de un joven profeta malhumorado: todo está ahí, excepto por la ligereza y la picardía que poseía Dylan en sus primeros años, antes de que todos lo confundieran con Dios.

"A Complete Unknown" abarca desde su llegada a Greenwich Village en 1961 como un don nadie de Minnesota de 19 años hasta su traición al resurgimiento del folk en Newport '65, coloca al cantante en el centro de una contracultura joven, seria y harta. La música se ve como una conexión con una versión más antigua y oprimida de los Estados Unidos: es una música de protesta contra la proliferación nuclear y en apoyo de los derechos civiles, y al principio Dylan encaja perfectamente.

El guión de Mangold y Jay Cocks muestra a Bob apareciendo junto a la cama del hospital de Nueva Jersey de Woody Guthrie (interpretado por Scoot McNairy), que está en cama debido a la enfermedad de Huntington. Pete Seeger (Edward Norton) también está allí, y el chico canta a los hombres mayores una canción —“Song for Woody”— que conmueve tanto a Seeger que lleva a Dylan a casa con su esposa, Toshi (Eriko Hatsune), y su familia para pasar la noche. 

Los meses de aprendizaje de Dylan, perfeccionando su personalidad y sus habilidades, se resumen en una aparición en el café del Village en la que cuatro personas importantes para la historia están convenientemente presentes: Robert Shelton, el escritor del New York Times cuyo artículo de septiembre de 1961 sobre Dylan impulsó su carrera; el poderoso productor discográfico John Hammond (David Alan Basche); Albert Grossman (Dan Fogler), que se convertirá en el manager de Dylan; y Joan Baez (Monica Barbaro), que se convertirá en su amante y rival.

“A Complete Unknown” transmite dos ideas importantes: que el resurgimiento del folk fue una reelaboración sobria y bastante privilegiada de material, y que Dylan revolucionó todo al escribir sus propias canciones. La película transmite el impacto electrizante que “Blowin' in the Wind” y “Masters of War” tuvieron en sus primeras audiencias; para cuando Dylan presenta “The Times They Are a-Changin'” en Newport '64, el público la ha adoptado como himno incluso antes de que llegue a la segunda estrofa. Para mucha gente, Dylan era un salvador; para la vieja guardia de la escena folk, era cada vez más una amenaza. La trama refleja con precisión el respeto que sentían por el joven Dylan personas como Seeger y Alan Lomax (Norbert Leo Butz), el legendario músico de campo y pilar del Newport Folk Festival. Y dramatiza con precisión su preocupación cuando el joven Jeremiah, entre ellos, siguió desafiante su propio camino.

“¿Qué quieres ser?”, pregunta Bobby Neuwirth (Will Harrison), uno de los pocos en el círculo de Dylan que lo trataba simplemente como un amigo. “Lo que sea que no quieren que sea”, espeta Dylan. Como su ídolo Marlon Brando, rechazó la fama, y ​​en ese rechazo parecía más glamoroso, más necesario que nunca. 

Enfrentado a una multitud que persigue a su nuevo gurú por la calle exigiéndole la verdad, el Dylan de Chalamet se esconde tras unas gafas de sol, una mueca de desprecio y un rock and roll que, para los folkies de clase media, era la música de los matones. Aparece en el estudio de grabación con un grupo de chicos malos, entre ellos el guitarrista Mike Bloomfield (Eli Brown) y Al Kooper (Charlie Tahan), que se sienta al órgano en “Like a Rolling Stone” porque los productores le han dicho expresamente que no lo haga. La música es cruda y eléctrica, y sumamente enfadada. 

En esta película, el jefe es Pete Seeger. Un Norton perfecto convierte esa traición en el aspecto más inesperadamente trágico de “A Complete Unknown”. Seeger —el dulce, santurrón y nada irónico Pete— fue indispensable para llevar la música folk y su conciencia socialmente progresista a las masas de jóvenes nacidos en el baby boom. En la actuación de Norton, se ve cómo la tristeza se apodera de los ojos del hombre mayor cuando Dylan abandona su talento por algo que Seeger no puede entender que es mayor: la fusión de folk y rock, pop y poesía, la conexión con las masas y un sentido de rebelión mucho más profundo. Disfruté la actuación de Chalamet, pero la de Norton me afectó en el mejor de los sentidos, tan perfectamente captura la generosidad, la piedad y la incomprensión casi total de Pete ante lo que está sucediendo: toda su generación se volvió obsoleta de la noche a la mañana.

¿Qué le falta a “A Complete Unknown”? La adicción de la época y una inmersión más profunda en la escena folk. Me habría gustado que Joe Tippett apareciera más de dos veces brevemente como el cantante folk Dave Van Ronk, y digamos que una película sobre un hombre que escribió más (y mejores) canciones de despedida que canciones de amor no va a dar mucho espacio a las mujeres de su historia. Suze Rotolo, la novia que se aferra a Dylan en la portada de su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, la han cambiado (aparentemente a petición del cantante) como Sylvie Russo (Elle Fanning); ella y Baez luchan una batalla perdida por la atención del cantante y de la película.

Más evidente aún es el clímax del Newport Folk Festival de 1965, cuando la multitud de folkies responde a la explosión sónica de “Maggie's Farm” con abucheos y casi disturbios. ¿Importa que gran parte del problema fuera que el sistema de sonido de un festival acústico no estaba a la altura del desafío y que redujo la revolución del rock de Dylan a un fango sonoro? ¿O que un miembro del público que gritara “¡Judas!” no se produjera hasta un año después y en otro país? La ironía es que la gran película biográfica de Bob Dylan ya existe: “I'm Not There” de Todd Haynes de 2007, una película tan desafiante como cualquier canción de Dylan y que responde a los trucos de toda su carrera al elegir a seis actores para interpretarlo, entre ellos Cate Blanchett y un joven negro.

Esa película, el libro de Wald y el documental de Martin Scorsese de 2005 “No Direction Home” son todo lo que se necesita si se quieren conocer los hechos y los restos, las joyas y los binoculares de la ascensión de Dylan. “A Complete Unknown” sólo cuenta la historia. Pero tal vez eso sea suficiente para que una nueva generación sienta la alegría de su apostasía en un momento en que el mundo parece estar una vez más al borde del precipicio de la artimaña, la traición y el desastre. Si es así, ¿qué siente al ver esta trama?

Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.

Crítica Cinéfila: Emilia Pérez

Sobrecualificada e infravalorada, Rita es una abogada de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar al temido jefe de un cartel a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser.

Como una rosa que florece en medio de un campo minado de bombas, es un milagro que exista “Emilia Pérez” de Jacques Audiard: una ópera pop del sur de la frontera sobre una metamorfosis muy improbable y la redención personal que despierta en un criminal de sangre fría. Con un Palma de Oro entre sus piernas y el atrevimiento para abordar su tercera película en una cultura y un idioma que no son los suyos (después de “Dheepan” y “The Sisters Brothers”), el director de “A Prophet” lleva a la audiencia al reino machista de los cárteles mexicanos, donde Manitas del Monte, un temible capo de la droga con una parrilla plateada y una voz agravada, quiere salir, no porque haya tenido una crisis de conciencia, sino porque ha decidido abrazar su verdadero yo: quiere ser mujer.

La deslumbrante y divisiva película de Audiard —protagonizada por Zoe Saldaña como la abogada que ayuda a Manitas en su transición y Selena Gomez como la madre de sus dos hijos— no se adhiere estrictamente a los códigos establecidos por GLAAD y otros defensores de los derechos LGBTQ, y sin embargo, “Emilia Pérez” surge como un retrato poderoso y sin filtros de alguien que desafía varios estereotipos a la vez. Eso es un testimonio de la protagonista Karla Sofía Gascón (que interpreta a Manitas/Emilia) y la audacia de Audiard, que tuvo el buen sentido de incorporar la experiencia personal de Gascón al personaje.

El cineasta tomó la idea de la novela “Écoute” del editor de Le Monde, Boris Razon, en la que la misión del personaje es solo una de las innumerables preguntas que se plantean sobre la identidad. Pero “Emilia Pérez”, en su mayoría en español, no es tanto una adaptación, sino una interpretación totalmente diferente de esa idea extravagante: ¿qué pasaría si tomaras al chico del cartel de la masculinidad tóxica y lo convirtieras en una mujer, no a la Griselda Blanco (“La madrina de la cocaína”), sino de tal manera que eclipsara el personaje original agresivo?

Una de las observaciones útiles que la comunidad trans ha compartido sobre películas como “Girl” y “The Danish Girl” es que el público en general tiende a estar más preocupado por la transición en sí que por las personas que se sienten realizadas por ese proceso. En “Emilia Pérez”, es fundamental para el viaje del personaje, pero eso es solo el primer acto de una historia mucho más grande. Quién sabe cómo juzgará la sociedad la representación de Audiard dentro de dos años o dos décadas, aunque el proyecto es coherente con una carrera dedicada a imaginar entornos alejados del suyo y sumergir al público en esos mundos, sin psicología reduccionista ni juicios.

Audiard comienza presentando al personaje de Saldaña, Rita, una abogada defensora que ayuda a los sinvergüenzas a salir libres, justificando sus dudas a través de una canción. Sobreestresada y subestimada, Rita acepta la propuesta sospechosa de un cliente potencial, lo que significa que la llevarán a quién sabe dónde con una capucha sobre la cabeza. Ultra cuidadosa para evitar un posible asesinato, Manitas le hace jurar a Rita que guardará el secreto antes de decirle por qué la han convocado: "Quiero ser una mujer", gruñe un hombre que parece que no dudaría en hacer que la maten. Y luego Manitas se abre la camisa y revela su compromiso con Rita (pero no ante la cámara).

Al principio, todas las referencias a Manitas son masculinas, lo que es cierto incluso entre los médicos de reasignación de género a los que Rita viaja por todo el mundo para entrevistar. “Cambiar el cuerpo cambia la sociedad”, canta Rita al cirujano en Tel Aviv (interpretado por Mark Ivanir), quien finalmente acepta realizar el procedimiento, lo que indica hacia dónde se dirige la historia. No es como si Manitas pudiera contarle a alguien lo que está haciendo, ya que cuenta con que Rita finja su muerte y reubique a su familia en Suiza. De hecho, cuando el ex capo se reúne con Rita unos años después en Londres —ahora radiante, imberbe y rebautizada como Emilia— la abogada se pone tensa, temerosa de que haya venido a borrar el último rastro de su pasado. En cambio, Emilia le pide a Rita que traiga a su esposa/viuda Jessi (Gómez) y a sus hijos de regreso a México. Según notas de prensa, Gascón (que interpreta a Emilia) todavía vive con la madre de su hija, y aquí surge una dinámica similar, ya que Emilia se presenta como una tía perdida hace mucho tiempo.

La escena que mejor se vio en Cannes muestra a Rita observando con cautela esta reunión, mientras Emilia da la bienvenida a Jessi y a los niños a su vida. ¿La reconocerán? “Hueles a papá”, le dice uno de sus hijos a Emilia en una hermosa canción de cuna (al revés). “Emilia Pérez” habría sido una película muy diferente si Manitas hubiera encontrado el coraje de confiar en la familia. No hacerlo establece las apuestas para el resto de la película: ¿Podrá Emilia seguir siendo su tutora? ¿Qué sucede si Jessi, que la cree muerta, se escapa con su nuevo amor, Gustavo (Édgar Ramírez)?

La subtrama de Jessi-Gustavo justifica lo que seguramente se convertirá en el himno de la película, el ardiente “El Camino” de Selena Gomez, cuya letra se traduce como “Quiero amarme completamente” (Clément Ducol y Camille coescribieron las canciones de la película con Audiard). ¿Y dónde encaja la vida personal de Rita en todo esto? Si “Emilia Pérez” no fuera un musical, el público podría no aceptar un descuido tan evidente, y sin embargo, la forma permite a Audiard excluir grandes franjas de la historia de fondo, como casi la totalidad del pasado criminal de Emilia. Renunciar a su identidad como jefa de un cártel no significa que no fuera responsable de innumerables asesinatos en su vida anterior. Emilia quiere restablecer selectivamente lo que hubo antes, gastando el dinero sucio ganado antes de su transición y prodigando atención a sus hijos mientras ignora casi por completo a la madre.

Estos dobles estándares añaden dimensiones fascinantes a la segunda mitad de la película, especialmente después de que Emilia decide fundar La Lucecita, una ONG diseñada para ayudar a los familiares en duelo a encontrar a sus parientes "desaparecidos". En el proceso, Emilia también encuentra el amor. Aparte de una escena en la que Rita se preocupa de que la pareja de Emilia (Adriana Paz) haya descubierto las cosas, Audiard no se distrae con ese viejo arquetipo. Una vez más, habría sido bueno ver a Emilia confesarse con otros, pero la película no trata el miedo a ser descubierto como un punto de suspenso. En cambio, Audiard se pregunta cuánto cambian realmente las personas cuando hacen ese tipo transición. En el caso de Emilia, menos de lo que le gustaría, pero lo suficiente como para inspirar un cambio positivo en la sociedad.

Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: The Color Purple

En 1909, Celie, una chica negra norteamericana, es entregada en matrimonio por su maltratador padre a un granjero local, Albert, que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y su liberación llega en forma de una cantante de jazz. 

Para una historia tan llena de trauma y dolor (violencia, sufrimiento, racismo, secuestro de niños, abuso conyugal), la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Alice Walker ganadora del Premio Pulitzer de 1982, "El color púrpura", es una experiencia sorprendentemente alegre y satisfactoria. La conclusión predominante son sus temas resonantes de espiritualidad, autodescubrimiento, redención y resiliencia. Basada en el musical de Broadway de 2005 que fue revivido con gran éxito 10 años después, la producción marca un paso seguro hacia un lienzo mucho más grande para el artista multimedia Blitz Bazawule. Hace un guiño elegante a la huella de la película de Steven Spielberg de 1985 mientras forja vigorosamente su propia identidad.

El musical teatral presenta canciones de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray y un libro de Marsha Norman, que acredita tanto la novela de Walker como el guión de Menno Meyjes para la película de Spielberg como material fuente. El dramaturgo Marcus Gardley escribió la última adaptación, que se mantiene fiel a las versiones anteriores de la historia y a su retrato indeleble de las vidas de las mujeres negras en el sur rural de principios del siglo XX. Donde podría decirse que esta nueva película gana en complejidad es en su mayor comprensión de los personajes masculinos clave y la viveza con la que da forma al entorno en torno a la importancia de la cultura popular, la música y la fe.

Fantasia Barrino asumió el papel principal de Celie en el segundo año de la presentación original del programa en Broadway. Ella demostró ser no sólo una vocalista potente sino también una actriz instintiva, aprovechando con ternura y vulnerabilidad lo que parecía una fuerte conexión personal con la historia. Su actuación fue cruda y real, colocando a Celie más firmemente en el centro emocional de un musical en el que la protagonista pasa mucho tiempo como una figura pasiva al margen. Ese es uno de los riesgos inherentes de tener personajes secundarios que roban escenas como la indomable Sofía y el extravagante cantante de juke-joint Shug Avery.

En un impresionante debut cinematográfico dramático, Barrino hace un conmovedor viaje del surgimiento de Celie, de las dificultades y la opresión a la independencia, su orgullosa autoestima y su amor desbordante. Incluso si la película de Bazawule vuelve a tomarse su tiempo para centrar a Celie en su propia narrativa, pocos se quejarán cuando comparta la atención con la maravillosa Danielle Brooks, una fuerza titánica que retoma el papel de Sofía que interpretó en Broadway en la reposición de 2015; y con una igualmente divina Taraji P. Henson, que muestra un carisma indescriptible, una musicalidad exultante y un glamour estridente al nivel que Shug lo requiere.

Como Mister, el marido que adquiere a Celie por el precio de una vaca y un par de huevos y luego la trata como a un caballo de batalla que golpea a su voluntad, Colman Domingo es adecuadamente despreciable. Pero también es un hombre dañado que heredó los peores rasgos de su padre dominante y mezquino (Louis Gossett Jr.). No puede estar con Shug, la mujer que ama de verdad, que va y viene de su vida cuando le place y está destinada a seguir siendo esquiva. Domingo localiza un anhelo inarticulado debajo del quebrantamiento de Mister que hace que su eventual expiación sea creíble y conmovedora.

El hijo de Mister, Harpo, también adquiere más matices en la caracterización de Corey Hawkins, sin mencionar que se basa en el trabajo del actor de "In the Heights" que pone en más evidencia sus habilidades para cantar y bailar. Impulsado por su corazón y no por los condicionamientos sociales de su educación, Harpo parece decidido a romper el ciclo de los hombres regidos por su dureza. Tropieza gravemente y se arrepiente al instante al sucumbir a nociones anticuadas sobre cómo mantener a raya a su luchadora esposa Sofía. Pero hasta ese error de juicio, que provocó la estruendosa negativa de Brooks a dejarse subyugar en una de las canciones más destacadas, "Hell No!" — su matrimonio es el feliz opuesto de la unión sin amor que tienen su padre y Celie.

Bazawule y Nick Baxter han escrito una nueva canción para Harpo, “Workin'”, interpretada mientras construían el local de música junto al pantano que lo encamina en su camino empresarial. La marcada diferencia entre Mister y su hijo mayor se resume con humor cuando Harpo y los hombres de su equipo de construcción son dejados de lado mientras Sofia y las mujeres toman el control. Esa canción casi desechable, como muchos de los interludios musicales, es impulsada por la enérgica coreografía de Fatima Robinson en un número de producción sólido. Si hay un defecto persistente en el enfoque de Bazawule hacia el material, es la sensación desde el principio de que no todas las canciones necesitan ser tan grandes.

Hay un espectáculo innegable en los feligreses arremolinados que se dirigen al servicio dominical, una cuadrilla de percusivos blandiendo picos, un grupo de mujeres lavando ropa contra la cortina de una cascada (estas últimas imágenes evocadas de la imaginación de Celie) o el júbilo general de “Shug Avery Comin' to town." Pero la película podría haberse beneficiado de la colocación anterior de una o dos baladas íntimas, particularmente en términos de acceso emocional a una protagonista que, por diseño narrativo, tarda mucho en encontrar su voz.

El florecimiento estilístico de Celie imaginándose a sí misma y a Shug en un tocadiscos de gramófono también parece fuera de sintonía con el resto de la película. Es como si Bazawule no pudiera decidir entre integrar dramáticamente las canciones o desviarse hacia desvíos fantasiosos, una distracción innecesaria que también ocurre a mitad del espectacular tema de Henson, "Push Da Button". El toque del director es más consistente en las escenas dramáticas, donde la narración y las actuaciones son lo suficientemente fuertes como para superar los errores.

Phylicia Pearl Mpasi es conmovedora como la joven Celie, cuyo corazón se abre cuando su adorada hermana menor Nettie (Halle Bailey) es arrancada de su vida. También es un testimonio de la encantadora presencia de Bailey (Nettie es alegre, extrovertida y segura de sí misma en formas que su oprimida hermana puede admirar pero aún no emular) que el anhelo representado por la ausencia de Nettie en la vida de Celie se sienta palpablemente en todo momento.

Esa ausencia se ve mejorada hasta cierto punto por la entrada explosiva de Sofía, cuya actitud de no aceptar nada que Brooks transmite con gusto y dominio naturales. Su contagioso humor y efervescencia hacen que sea aún más aplastante ver al personaje brutalizado por su franqueza con la condescendiente esposa del alcalde (Elizabeth Marvel). Aún así, incluso si Sofía queda deprimida durante gran parte de la historia, la radiante actuación de Brooks es una de las principales fuentes de la ligereza de la película, atravesando constantemente como rayos de sol a través de las nubes.

La otra persona que abre los ojos hipnotizados de Celie a un modelo diferente de feminidad dueña de sí misma es Shug, quien captura su imaginación incluso antes de conocerse, a partir de una fotografía enmarcada que Mister guarda junto a su cama. Henson convierte a Shug en un faro de calidez y vitalidad sensual, incluso cuando aparece en la casa de Mister necesitando secarse después de una borrachera. Nunca se burla de Celie ni la trata como a una inferior, sino que toma bajo su protección a la servil esposa de su amante intermitente con una edificante hermandad, brindándole una felicidad que no ha conocido desde la partida de Nettie. Si bien el elemento lésbico de la relación de la novela de Walker se ha diluido aún más con cada recuento, no se borra del todo, y el dúo rapsódico de Barrino y Henson en "What About Love?" es un punto de inflexión emocional cuando la esperanza comienza a iluminar la vida de Celie.

Las señales de su emancipación están escritas en gran medida, primero en una conmovedora reescenificación de la clásica escena de la comida familiar en la que finalmente se enfrenta a Mister. Para entonces, todos los presentes en el público compartirán la indignación de Celie, su recién adquirida autoridad y el derecho que Dios les ha concedido a exigir retribución, interpretada con fuego formidable por Barrino y reproducida con humor salado por Brooks mientras Sofía más o menos regresa de la muerte.

Shug también celebra la liberación de Celie una vez que sale de la bota de Mister en Memphis, rindiendo un cariñoso homenaje cantando “Miss Celie’s Blues (Sister)”, una de las melodías de Jones heredadas de la película de Spielberg. El otro es "Maybe God is Tryin’ to Tell You Somethin’", un himno que marca el final del exilio de Shug como una "mujer suelta" marginada y su renovada aceptación por parte de su padre predicador (David Alan Grier). Los atuendos de la vestuarista Francine Jamison-Tanchuck para Shug son deslumbrantes, particularmente el impresionante conjunto rojo que usa para su debut como atracción estrella en Harpo's, haciendo una gran entrada en barco.

Cualquiera que aprecie el estilo disfrutará con los pantalones de cintura alta de los años 40, utilizados como símbolo de autorrealización triunfante femenina, y el excelente trabajo de Jamison-Tanchuck resulta especialmente vibrante una vez que el negocio de sastrería de Celie despega. “Miss Celie's Pants” es un número de producción exuberante donde la gran energía se siente totalmente ganada. A partir de ahí, Barrino navega por la transición hacia la independencia y la orgullosa autoestima con un sentimiento de éxtasis en "I'm Here". Ella interpreta la gran versión de la canción directamente ante la cámara, lo que le permite a Celie tomar posesión decisiva de su historia y hacer la transición a un acto final que se convierte en una declaración total de gratitud y elogio.

Si bien Bazawule y sus compañeros productores musicales ejecutivos Baxter y Bray honran la mezcla estilística del musical de gospel, pop, R&B, blues, jazz y melodías de espectáculos de Broadway, también hay un bienvenido sabor contemporáneo en algunos de los números aquí, en particular “Keep It Movin'” dirigido por la joven Nettie de Bailey con una voz preciosa.

Además de Grier, Gossett y Marvel, el casting de lujo, incluso para papeles menores, incluye a Ciara interviniendo para una breve aparición como la Nettie adulta; Gabriella Wilson, también conocida como HER, como Squeak, la novia de Harpo; Aunjanue Ellis-Taylor (tan intensamente conmovedora en Origin de Ava DuVernay) como la madre de Celie en flashbacks; y Jon Batiste, luciendo fabuloso con trajes elegantes como Grady, el elegante esposo de Shug.

La experiencia de Bazawule como artista con múltiples guiones (anteriormente codirigió el álbum visual de Beyoncé "Black Is King", hizo su debut cinematográfico en 2019 con la fábula afrofuturista con buenas críticas "The Burial of Kojo" y también actúa como artista de grabación de hip-hop "Blitz the Ambassador") garantiza que la película no sólo suene genial sino que también luzca suntuosa. El uso de la luz y el color en la cinematografía de Dan Laustsen es cautivador, y el diseño de producción de época de Paul Denham Austerberry añade un atractivo toque de magia teatral a escenarios auténticos. Las características de la ubicación, como una playa de Georgia con enormes marañas esculturales de madera flotante o árboles cubiertos de musgo español, son hermosas.

Es prácticamente imposible resistirse a la explosiva recuperación de la vida en las enormemente satisfactorias escenas finales de la película, que deberían cumplir el doble objetivo de reinventar "The Color Purple" para una nueva audiencia y, al mismo tiempo, darle un brillo fresco y brillante a la historia para la generación que creció con la versión de Spielberg.