Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: The Smashing Machine

La historia real del luchador Mark Kerr (Dwayne Johnson), figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.

Golpes al cuerpo y múltiples rodillazos a la cabeza pueden romperle los huesos a cualquier persona, pero los sobrenombres son los que realmente hieren al pionero luchador de la UFC Mark Kerr, una bestia de hombre que podía aplastar a sus oponentes en el ring y desmoronarse tan pronto como salía de él.

En la cautivadora y poco convencional película biográfica de Benny Safdie, "The Smashing Machine", Kerr oscila entre lo frío y lo caliente, lo pasivo y lo agresivo, relajado en el sofá y pulverizando una puerta en su sala de estar, mostrando una fragilidad mucho mayor que sus enormes bíceps. Interpretado por Dwayne Johnson en la actuación más absorbente del luchador convertido en actor hasta la fecha, el campeón de artes marciales mixtas es la base de una película de lucha con altibajos que toma muchas referencias del género, pero nunca consigue un nockout al estilo de Rocky pues ni siquiera intenta ser como Rocky.

Siendo el primer largometraje del director sin la compañía de su hermano Josh, la película conserva mucho de lo que hizo que el trabajo de los Safdie fuera tan original: un realismo melancólico y estilizado; un elenco que mezcla actores entrenados con gente común; un ambiente deprimente animado por destellos de humor crudo y energía cinética; e historias contadas por protagonistas a menudo adictos a algo. Los deportes también han sido un elemento básico de Safdie, desde su melancólico documental de baloncesto "Lenny Cooke" hasta la obsesión de Adam Sandler con la NBA en Gems, y esto puede explicar por qué ambos hermanos eligieron hacer debuts en solitario sobre dos tipos muy particulares de atletas profesionales. En el caso de Josh, sería una estrella de tenis de mesa de la década de 1950 en su próxima "Marty Supreme", mientras que Benny se centra aquí en un exluchador universitario que se bate en duelo en los primeros años de la UFC, cuando los luchadores estaban lejos de ser nombres familiares y el deporte aún no era un gigante multimillonario (sin mencionar uno de los favoritos del actual presidente de Estados Unidos).

Ambientada entre 1997 y 2000, una época en la que Kerr se abrió paso a puñetazos, cabezazos y grappling en torneos en Estados Unidos, Brasil y Japón, el guion de Safdie subraya cómo la UFC comenzó como una organización marginal cuyas peleas mal pagadas solían terminar en sangre. La violencia era lo que atraía y repelía al público, y finalmente le pasa factura a Kerr, quien practica artes marciales mixtas como una disciplina que requiere un entrenamiento riguroso, algo que hace con su mejor amigo y compañero luchador de MMA, Mark Coleman. Este último es interpretado por el exluchador de la UFC Ryan Bader en una actuación convincentemente sólida, mientras que el entrenador de Kerr en sus combates finales es la leyenda de la UFC Bas Rutten. Esto significa que tres de los cuatro miembros principales del elenco de "The Smashing Machine" son auténticos pesos pesados ​​con orejas de coliflor abultadas (las de Johnson fueron creadas de forma impresionante por el diseñador de prótesis Kazu Hiro, quien hace al actor casi irreconocible). Y, sin embargo, Safdie consigue grandes actuaciones en todos ellos, centrándose en la camaradería macabra que comparten: cómo pueden parecer muy malos en el ring, pero son más bien gigantes amables en persona.  

De hecho, Kerr es tan encantador que suele ser pisoteado por su novia de toda la vida, Dawn (Emily Blunt), quien termina representando una amenaza mayor para él que cualquiera de sus oponentes. Agresiva, insistente, masticando chicle constantemente de forma desagradable, pero también comprensiva y cariñosa cuando Kerr atraviesa momentos difíciles a lo largo de la narrativa, Dawn es tanto la piedra angular de la altísima carrera del luchador como su talón de Aquiles.

Safdie escenifica sus disputas con la misma intensidad que las del octágono, en una película que oscila entre los golpes contundentes que Kerr soporta como luchador profesional y la angustia mental que Dawn le causa en casa. Esto no significa que ella sea la única responsable de todo el drama doméstico: Kerr está bajo tanta presión que puede resultar insoportable, pasando de entrenamientos intensivos en los que juzga qué tan bien Dawn prepara sus batidos de proteínas por la mañana, a atracones de opiáceos que lo dejan en coma en el suelo del baño. Aun así, la película juega con las cartas en contra de su protagonista femenina, obligando a Blunt a interpretar a una mujer que parece hacerle más daño que bien al hombre que ama.

Las numerosas debilidades de Kerr son también las fortalezas de una historia en la que las peleas se pierden con más frecuencia que se ganan. "The Smashing Machine" puede tomar prestados algunos clichés del género deportivo, como un divertido montaje de entrenamiento con la versión de Elvis de "My Way", o múltiples escenas de periodistas entrevistando a los boxeadores en Japón. En realidad, es una película que trata mucho menos sobre la victoria atlética que sobre la vulnerabilidad humana, y por lo tanto se alinea con otras películas de los hermanos Safdie sobre perdedores empáticos que sufren todo lo que la vida les depara.  

Johnson rara vez ha interpretado a un perdedor, pero siempre ha sido agradable, mostrando una enorme sonrisa que complementa sus enormes pectorales en escenas de acción que nunca le permitieron mostrar mucho alcance. Consigue llegar a lo profundo sin exagerar, cautivando al público con su amabilidad como un guerrero benigno que sufre escena tras escena, triunfando brevemente en el ring antes de sucumbir a la adicción o al dolor romántico. Al igual que Mickey Rourke en "The Wrestler" —una película de la que Safdie parece inspirarse en algunos detalles—, el actor ofrece una mezcla embriagadora de sangre, sudor, lágrimas, proteínas y una impotencia total.

Esos elementos impulsan a Kerr mientras finalmente deja su adicción a los opiáceos y se dirige al tipo de final que esperarías de cualquier buena película de lucha, con la oportunidad de enfrentar a su mejor amigo Coleman en un campeonato en Tokio organizado por Pride (un grupo japonés rival que la UFC absorbió en 2007). Pero "The Smashing Machine" es más "Toro Salvaje" que "Rocky", negándose a darles a los fanáticos del combate lo que quieren en un final que duplica el realismo, sin mencionar los traumas causados ​​por tanta violencia.

El realismo también es una parte importante de la estética sucia y poco llamativa de la película. El director de fotografía Maceo Bishop (quien trabajó con Safdie en su serie de Showtime, "The Curse") captura la acción al estilo documental con teleobjetivos y mucho granulado, mientras que el diseñador de producción James Chinlund destaca lo poco glamoroso que es el mundo de Kerr, desde el precario estadio de baile donde gana sus primeras peleas de MMA hasta la casa de Arizona que comparte con Dawn. El vestuario de Heidi Bivens muestra cómo finales de los 90 no fue precisamente un bastión de sofisticación, al menos en el mundo de las artes marciales mixtas.

Para una película protagonizada por un actor que se hizo famoso por sus combates simulados en la WWE, el mayor atributo de "The Smashing Machine" quizás sea que gran parte de ella no se siente para nada falsa. Excluyendo parte del drama con Dawn, que se exagera un poco en el último acto, Safdie logra que las luchas de Kerr sean lo más realistas posible. Cuando, en un cambio de último momento que supone otro arrebato de realismo, el verdadero Kerr reemplaza brevemente a Johnson, han pasado 25 años y no se parece en nada al hombre que hemos estado viendo por dos horas. Sin embargo, parece llevar el peso del mundo sobre sus hombros.

Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.

Crítica Cinéfila: Jungle Cruise

 Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

En "Jungle Cruise", una aventura de Disney que demuestra cómo basar una película de una atracción en un parque temático puede ser ahora una ocurrencia más natural que adaptarla de una novela.` Emily Blunt interpreta a la Dra. Lily Houghton, una investigadora-exploradora de Londres que es tan intrépido, a su manera recatada, como Indiana Jones, y Dwayne Johnson es Frank Wolff, el amistoso capitan ambulante de un barco fluvial que la transporta por el Amazonas en el apogeo de la Primera Guerra Mundial en búsqueda de una flor mágica que podría curar cualquier enfermedad.

Él usa un sombrero como el que usó Humphrey Bogart en "The African Queen", y ella usa pantalones, que, por supuesto, fueron una adaptación temprana de Katharine Hepburn. Para cualquier persona lo suficientemente mayor, o lo suficientemente centrada en películas antiguas, como para preocuparse, se podría decir que las bromas entre estos dos evocan a Bogart y Hepburn. Frank es un charlatán que llama a Lily "Pantalones" y le cuenta chistes horribles. Ella lo llama "Skippy" y le frunce el seño. Y mientras se atacan con entusiasmo y un toque de veneno, puedes sentarte y sentir, en algunos momentos, como si estuvieras en una comedia romántica.

Pero es como ver una comedia romántica atada a una montaña rusa con un visor de realidad virtual. "Jungle Cruise" es una historia de amor, una película de acción hecha para 4DX, un cuento de hadas al estilo de "Piratas del Caribe" con un conquistador fantasmal Edgar Ramírez y su secuaces mitad criaturas de jungla, y Dios sabe qué más. Blunt hace picadillo a Frank, pero te deja saber que a ella le gusta de todos modos, y Johnson sabe cómo ofrecer un desprecio genial que todavía duele. Tienen química, de eso no hay duda, pero de una manera divertida el toque romántico de “Jungle Cruise” juega como un truco más nivel Disney. Prácticamente puede tocar las frases ingeniosas cuando salen de la pantalla.

Disfruté la película más que las dos películas recientes de “Jumanji”, porque puedes notar que hay algo en juego, y el director, Jaume Collet-Serra, lo escenifica todo con cierta bravura. Dejando el muelle en la jungla brasileña donde Frank interpreta a PT Barnum para turistas incrédulos, nuestros héroes partieron en su barco de vapor apenas apto para navegar, solo para tener que apartarse del camino de un torpedo lanzado por el príncipe Joachim, un megalómano teutónico interpretado por Jesse Plemons con una sonrisa burlona.

Hay una secuencia turbulenta en la que el barco acelera hacia una cascada, y una divertida escena que nos engaña haciéndonos pensar, por un momento, que la película va a explotar el estereotipo lamentablemente desactualizado de una tribu "primitiva" de caníbales con máscaras de calaveras. Lily ha traído a su hermano, MacGregor, a dar un paseo, y él es un mimado que piensa que no es una cena a menos que estés usando un esmoquin; interpretado por Jack Whitehall, en una actuación precisa que se beneficia de no tener que reprimir la implicación de que el personaje es gay, aunque podría haberse beneficiado aún más si su discurso de apertura a Frank no bailara alrededor del tema de manera tan tortuosa, como la vieja represión.

“Jungle Cruise” es una película que implícitamente pregunta: ¿Qué hay de malo en un poco de escapismo a la antigua? La respuesta es: absolutamente nada. Espere que arroje a la audiencia con entretenimiento de una manera tan animada pero agitada que a veces puede desear estar usando equipo de protección. Lily tiene en su poder una punta de flecha mística, que todos quieren, porque es el tótem que la llevará a las Lágrimas de la Luna, un árbol legendario (como la Fuente de la Juventud) con propiedades curativas mágicas. Eso suena a Disney MacGuffin, y lo es, excepto que lo que me llamó la atención después de un tiempo es que la verdadera preocupación de “Jungle Cruise” no es el romance, ni siquiera la aventura, sino la metamorfosis. Las enredaderas de árboles crecen y se envuelven alrededor de exploradores históricos; un tigre temible se revela como un minino; un personaje clave resulta tener 400 años; un paseo en un parque temático se convierte en una historia de amor y luego regresa.

Crítica Cinéfila: Jumanji, the next level

En esta ocasión, los 'jugadores' vuelven al juego, pero sus personajes se han intercambiado entre sí, lo que ofrece un curioso plantel: los mismos héroes con distinta apariencia. Pero, ¿dónde está el resto de la gente? Los participantes sólo tienen una opción: jugar una vez más a esta peligrosa partida para descubrir qué es realmente lo que está sucediendo. 

La película de 2017 Jumanji: Welcome to the Jungle terminó definitivamente para una extensión de marca. Un cuarteto de héroes adolescentes, después de haber sobrevivido a la experiencia de ser absorbidos por la versión de videojuego del misterioso y malévolo Jumanji, lanzan una bola de boliche sobre el cartucho del juego de la era de los 90 con la esperanza de asegurarse de que nunca más les moleste. Pero Welcome to the Jungle fue un éxito inesperado, recaudando casi mil millones de dólares en todo el mundo. Por supuesto, Sony ha traído de vuelta al mundo de Jumanji para una película de seguimiento, Jumanji:  The Next Level. Sin embargo, lo que se sintió sorprendentemente encantador hace dos años ahora se siente mucho más desesperado.

Tres de los cuatro adolescentes de la experiencia Jumanji se sienten bastante cómodos en sus vidas. Fridge (Ser'Darius Blain) persigue el fútbol, ​​Bethany (Madison Iseman) realiza obras de caridad en todo el mundo, y Martha (Morgan Turner) se ha vuelto más extrovertida en su vida universitaria. Pero el pobre Spencer (Alex Wolff) todavía se siente muy incómodo en la Universidad de Nueva York, hasta el punto de que sabemos que mantuvo las partes rotas de Jumanji en su hogar de infancia. Al regresar a casa para las vacaciones, Spencer lo vuelve a armar, y cuando desaparece, sus amigos intentan volver a ingresar al juego para salvarlo. Solo Martha y Fridge regresan a Jumanji, con dos visitantes inesperados: el abuelo malhumorado de Spencer, Eddie (Danny DeVito), y un viejo enemigo del abuelo, Milo (Danny Glover). 

Como probablemente pueda notar, dado que la mecánica de la trama anterior ni siquiera explica por qué estos adolescentes han sido traídos de regreso a Jumanji o la amenaza vagamente definida que tienen que anular, hay muchas cosas sucediendo en The Next Level. Desafortunadamente, el subproducto de toda esta historia enrevesada no tiene ningún sentido. Incluso una premisa ridícula como esta necesita tener alguna lógica interna, como por ejemplo, crear un giro en el que dos personajes puedan ingresar a un charco de agua inexplicablemente encantado para cambiar de cuerpo. La única razón insondable para este giro es que el guión se había quedado sin buenas ideas. Los escritores acreditados de la película, el director Jake Kasdan, así como Scott Rosenberg y Jeff Pinkner, parecen haber arrojado un puñado de ideas como esta a la pared y esperaban que bastaran.

Hay que reconocer que hay dos ideas legítimamente buenas en The Next Level que hacen que la mayoría de los primeros 75 minutos de la película sean divertidos. Es tan simple como esto: ¿qué pasa si Dwayne Johnson tenía que actuar como Danny DeVito, y qué si Kevin Hart tenía que actuar como Danny Glover? Sí, estos son conceptos de una sola nota, pero Johnson y Hart se sumergen en sus roles reinventados con tanta alegría. Hart, en particular, es realmente hilarante como el locuaz, lento y desconcertado Milo. Ambos hombres tienen que interpretar personajes que se sienten completamente perdidos: cuando los cuatro habitantes del mundo real aterrizan en Jumanji, los siguientes 10 minutos se dedican a explicar la premisa de la película a DeVito-aka-Johnson y Glover-aka-Hart, pero de una manera sorprendentemente divertida.

Las sorpresas van en ambos sentidos, por supuesto. Bienvenido a la jungla fue, como se mencionó, un gran éxito. Del mismo modo, tiene sentido comercial lógico para Sony agregar una secuela de la película, y parece lógico que el presupuesto para esta película aumente en conjunto.

Aunque el siguiente nivel tiene un grupo de secuencias de acción, que incluye una persecución con avestruces viciosas y una carrera loca a través de puentes de madera móviles mientras los protagonistas están acosados ​​por mandriles sedientos de sangre, no tiene el presupuesto CGI para igualar. La caza del avestruz, en particular, es una escena deslumbrante para la vista. Los efectos recuerdan a los de otro vehículo de Dwayne Johnson: su primer papel protagónico en The Scorpion King. Esa película tenía un CGI terrible debido a un bajo presupuesto y porque la tecnología CGI solo había avanzado a principios de la década de 2000. Es difícil descubrir cuál es la excusa de esta película.

Jumanji: The Next Level fue inevitable tan pronto como quedó claro que Welcome to the Jungle serviría como una sólida competencia de temporada de vacaciones en la taquilla. Sin embargo, el problema es que la inevitabilidad de esta película no generó inspiración creativa para sus cineastas. Los actores principales son indudablemente un juego, Dwayne Johnson y Kevin Hart son muy divertidos cuando llegan a hablar de personalidades tan diferentes, y debido a que hay tantas ideas descartadas, la película rara vez es aburrida. Pero The Next Level está complicada en sus intentos de hacer que sus personajes del mundo real y sus elecciones sean remotamente convincentes. Si hay una tercera película, deberían por lo menos hacer un mayor intento en la historia, para comenzar.

Crítica Cinéfila: Fast & Furious presents: Hobbs & Shaw

Hobbs y Shaw, tan distintos como siempre, son reclutados por una organización de origen no determinado para detener a una amenaza internacional.

Loretto siempre decía "la familia es lo más importante". Y por esta razón, las películas de Fast & Furious han arrastrado está temática, convirtiéndola en el centro de cada uno de sus conflictos generales y dándole a la audiencia las escenas más emocionantes de la saga. A pesar del bullicio de los carros y las carreras poco creíbles pero reales, el cariño de la fanaticada fue más por la familia que los personajes habían presentado a toda la audiencia. Pero cuando se trata de un spin-off de la franquicia, con dos personajes a los que no se les conoce su familia, la temática se rompe y el forcejeo es notorio.

Luke Hobbs (Dwayne Johnson) es un leal policía, miembro de los Servicios de Seguridad del Cuerpo Diplomático de EEUU. Por su parte, Deckard Shaw (Jason Statham) es un solitario mercenario, ex miembro del Cuerpo de élite del ejército británico. De entrada, no tienen nada en común. Además, desconfían el uno del otro, y los insultos y golpes entre ambos no han cesado desde que se conocieron. Eso sí, cuando el mundo se enfrente a una terrible amenaza que podría cambiar nuestro planeta para siempre, estos dos adversarios no tendrán más remedio que unir sus fuerzas. Su objetivo será detener a Brixton (Idris Elba), quien se ha hecho con una peligrosa arma biológica. Hobbs y Shaw tendrán que dejar a un lado su enemistad para salvar el mundo.

El mayor problema de esta película no es el hecho de que es un spin-off innecesario para la franquicia de Fast & Furious, sino que resulta ser una advertencia vociferada de "nunca hagan esto en casa". Es una exageración a todo vapor de lo que el cuerpo humano es capaz de lograr. Por más agilidad y dobles que hayan de por medio, las fatalidades que deberían haber en esta película son muy precarias, incluyendo las de sus protagonistas, quienes por más entrenamiento físico que ambos tengan, es imposible que sobrevivan a todo esto. 

Pero lo aún más intolerable es la cantidad de chistes y sketches de toda la trama. Los guionistas Drew Pearce (Iron Man 3, Mission Impossible: Rogue Nation) y Chris Morgan (quien ha escrito las últimas ocho películas de Fast & Furious, y la que estrenará el próximo año), han decidido dedicar el 50% de la energía de la película en las discusiones baratas y tiraderas de muy bajo nivel entre Hobbs y Shaw, dejando bien claro el odio que estos personajes sienten entre ellos, a pesar de que esto no es información novedosa. Los insultos llegan a un nivel que parecen cambiar de género, y pasar de acción a comedia con tiros y carreras. Esto también va de la mano con la introducción innecesaria de agentes nuevos, protagonizados por Ryan Reynolds y Kevin Hart, en la que su objetivo no es más que agregarle un poco de comedia a algunas de las escenas más "tensas" de la película.

Los problemas de los personajes se extienden a sus pensamientos machistas, irónico porque los personajes femeninos, desde la hermana de Shaw (Vanessa Kirby) y Madam M (Eiza González) hasta la madre de Hobbs (Lori Pelenise Tuisano) y la madre de Shaw (Helen Mirren), tienen todas una actitud matriarcal y de superioridad que no solo con la fuerza bruta derrotan a toda persona que se le cruce por el camino.

Quien se salva de toda la parte negativa de la historia es Idris Elba, el único que verdaderamente trae algo novedoso a la pantalla, representando un agente mercenario del futuro, casi un terminator en estos años, imposible de noquear con un puñetazo de la Roca, y planificado en cuestión de segundos. Se hace llamar el Black Superman y se ha ganado el título sin necesidad de la capa y el traje.

Al final, Hobbs & Shaw es el recuerdo de elementos de Fast & Furious que nunca funcionaron en mí, y un ejemplo importante de que las películas de acción están tomando un giro nuevo que en algunas ocasiones funciona, pero en la mayoría no. Más puñetazos, el doble de diálogos: una historia que no era necesaria contar. Ah! Y el típico zoom cinematográfico al aceite de arranque de los carros.

Crítica Cinéfila: Fighting With My Family

Paige y su hermano Zak están extasiados cuando tienen la oportunidad única en la vida de probar para la WWE. Pero cuando solo Paige se gana un lugar en el programa de entrenamiento competitivo, debe dejar a su familia y enfrentarse a este nuevo mundo despiadado.

Florence Pugh dirige el ring en Fighting With My Family, una comedia de lucha libre con mucho corazón junto con algunos clichés de películas de deportes agradables. Basada en la familia Bevis, un estrecho clan de Norwich unido por su amor compartido por el falso entretenimiento violento, la película se beneficia de la actuación carismática de Pugh y la alegre mezcla del escritor y director Stephen Merchant de sentimientos que complacen al público, risas irónicas y auténtica dulzura.

Después de su estreno en Sundance, Fighting With My Family aterrizará en los cines de EE. UU. El 14 de febrero, antes de venir al Reino Unido un par de semanas después. Producida por WWE Studios y Dwayne Johnson, la película es sin duda un atractivo para los fanáticos de la lucha libre, y el breve cameo de The Rock solo puede ayudar a aumentar la popularidad, pero claramente avanza alegremente gracias a la flotabilidad incontenible de Florence Pugh.

Pugh interpreta a Saraya (quien adopta el nombre artístico de Paige), la cual lucha con su hermano mayor Zak (Jack Lowden), ambos soñando con ser parte de la WWE (World Wrestling Entertainment). Animados por sus padres Ricky (Nick Frost) y Julia (Lena Headey), entran en una competencia para ser considerados para la compañía, que es juzgada por el entrenador de mano dura Hutch (Vince Vaughn). Paige llega a la siguiente ronda, que tendrá lugar en Florida, pero Zak es rechazado y su aspiración de vida ha sido rota en pedazos.

Incluso aquellos que no ven la hora de la lucha libre saben que es mayormente falso o, como lo describen los personajes de la película, "arreglado". Pero Merchant no desprecia el espectáculo, lo cual, para ser justos, no lo es, una postura sorprendente ya que WWE supervisó el proyecto. Aún así, se conecta a esta historia de familia y lo que sucede cuando una persona alcanza su sueño y la otra no. Aunque el filme es principalmente una comedia, también hay algunos momentos conmovedores cuando Paige y Zak descubren que sus vidas van en direcciones opuestas: la de ella hacia una posible fama y fortuna, y la de él a una vida de paternidad ahora que él y su novia, con quien acaba de tener un hijo.

Fighting With My Family se desarrolla como muchas películas de deportes: por ejemplo, Paige se enfrenta a Hutch de manera similar a como Rocky y Mickey solían enredarse mientras que Vaughn eleva el personaje con sus habituales entregas sarcásticas. El guión cubre todas las bases predecibles, como los tantos montage de entrenamientos, cuando Paige comienza a dudar de sí misma y necesita las charlas motivadoras de los demás, y otra muy popular como cuando los miembros de la familia apoyan antes de entrar al ring para el gran partido final.

Pero lo que hace que la película avance alegremente es el talento actoral de Pugh. Paige proviene de una familia de clase trabajadora amorosa pero cruda, y lo que pronto descubre mientras audiciona para WWE es que se enfrenta a mujeres mucho más esculturales, exmodelos, bailarinas y porristas, y ella es la única que realmente sabe luchar, mientras el resto han sido escogido porque se ven bien. Pugh, mejor conocida por su sutil y malvado twist en Lady Macbeth, tiene que ofrecer más de una actuación de estrella de cine, y ella se encarga de la tarea con habilidad. Sentimos la inseguridad de Paige con estas otras mujeres, y es emocionante ver que el personaje encuentra su voz a medida que crece su confianza.

También es bueno que Lowden sea su hermano mayor, que no sabe qué hacer consigo mismo después de que Hutch lo haya sobrepasado. Fighting With My Family es la rara película deportiva que pasa tiempo considerando la vida de alguien que no alcanzará sus sueños, y Merchant le da a la trama una verdadera reflexión, no solo examinando el desaliento de Zak sino también cómo afecta su relación con su hermana.

El cineasta también se asegura de proporcionar risas en todo momento, y algunos se refieren a la reacción de los hermanos al conocer a Dwayne Johnson. A veces, Fighting With My Family puede ser rutinario en su conspiración y obvio en sus ritmos emocionales. Pero la película nunca simula su afecto por estos personajes tan atractivos.

Jumanji: Welcome to the Jungle

Cuatro adolescentes son absorbidos por un videojuego, en el que se convierten en avatares de personajes arquetípicos. Allí vivirán múltiples aventuras, al tiempo que buscan cómo salir de allí para volver a su mundo. (FILMAFFINITY)

Para los tantos que crecieron con la película Jumanji (1995), el hecho de que se estrenara una secuela de este juego significaba dos posibles caminos: demostrar que nada va a superar a la original, o adaptar la idea del juego a un público modernizado. Lo interesante es que la película se ha encaminado a ambas ideas y se ha convertido en una de las películas más taquilleras de inicios del 2018. ¿Por qué? Porque es una aventura divertida y con un elenco sumamente reconocido.

La trama inicia en 1996, un año después de las eventualidades de la primera película. Un hombre encuentra el juego de mesa enterrado en la playa y lo lleva a su casa para su hijo. Allí, y al ver que nadie se interesa en jugarlo, Jumanji se transforma mágicamente en un videojuego y así logra capturar su primera víctima. Veinte años después, la historia traslada a la audiencia a sus protagonistas: Spencer, un joven con una fobia terrible a todo lo que le rodea; Anthony, un atleta que depende de las tareas de Spencer para mantener sus notas; Bethany, una adolescente nomofóbica (miedo a andar sin el celular) y Martha, una chica tímida en contra de los deportes. Por coincidencias de su día, el cuarteto termina en detención y deben pasar el día limpiando uno de los almacenes de la escuela, donde Spencer encuentra el videojuego de Jumanji. Curiosos, se suman a jugarlo, sin imaginarse que serían succionados por el juego y se convertirían en el personaje que han seleccionado.

Una vez dentro de Jumanji, deben de asumir el reto en equipo, dejar a un lado sus diferencias y devolver el diamante a donde pertenece, para así regresar sanos y salvos al mundo real; allí se enfrentarán a un sinnúmero de obstáculos que deberán evitar y al hecho de que deben terminar el juego antes de que se les acaben las vidas que les han asignado.

A pesar de que no considero la película lo suficientemente lógica como su antecesora, es necesario admitir que sabe jugar sus cartas para entretener el público. La idea de reunir estos personajes e invertir completamente sus personalidades, una vez entran al juego, es interesante y le da sentido al arco que cada personaje debe lograr al final de la historia para, no solo sobrevivir, sino también ser una mejor persona una vez regresen a la vida real.

Gracias al increíble elenco, protagonizado por Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan y Nick Jonas, logra divertir pero a la vez presentar las dificultades de cada uno y cómo deben enfrentarlas y sobrepasarlas. Mi mayor crítica sobre los personajes es que en muchas de las ocasiones parecía más una sátira que una aventura con aspectos de comedia. Eso le restó valor narrativo a algunas de sus decisiones, que parecían más una broma posible en un videojuego que una elección lógica a sus acciones.

Así mismo, algunos aspectos de la trama se desconectan de lo que se conoce de Jumanji, por su primera película: el juego de mesa aparece mágicamente en una playa, cuando lo último que se vio es que posiblemente estaba en el Desierto y no se explica con lógica como el juego se convierte en un videojuego (a menos que hayan intentado justificar que se adapta a cada generación). Es necesario destacar que establece de una manera creíble y reconfortante el hecho de que alguien estuvo alguna vez dentro de este juego y que dejó rastros en él, y que ese alguien es nuestro querido Alan Parish (Robin Williams).

En cuanto a los aspectos técnicos, como los efectos visuales y la fotografía, son su mayor atractivo y son los principales puntos que recalcan que esta película no es una sátira. Así mismo, el diseño de producción de la jungla da a la audiencia una experiencia distinta de este universo, demostrando cuáles son los peligros que Alan tuvo que vivir y los distintos escenarios que forman parte de sí.

Quizás Jumanji: Welcome to the Jungle no sea una película que ganaría premios en ninguna ceremonia, pero no se le puede quitar el mérito de que es entretenida, engancha a la audiencia en la historia y es capaz de mantener su ritmo y tono hasta el final de la historia, sin aburrir ni distraer con detalles "insignificantes".

Rapido y Furioso 8 (Fate to the Furious 8)

Con Dom y Letty de luna de miel, Brian y Mia fuera del juego y el resto de la pandilla exonerada de todo cargo, el equipo está instalado en una vida aparentemente normal. Pero cuando una misteriosa mujer (Theron) seduce a Dom (Diesel) para regresar nuevamente al mundo del crimen, se ve incapaz de rechazar la oportunidad, traicionando así a todo el mundo cercano a él. A partir de ese momento todos se enfrentarán a pruebas como nunca antes habían tenido. Desde las costas de Cuba y las calles de Nueva York hasta las llanuras del mar de Barents en el océano Ártico, nuestra fuerza de élite recorrerá el globo para impedir que un anarquista desencadene el caos en el mundo... y por supuesto para traer de vuelta a casa al hombre que les hizo una familia. (FILMAFFINITY)

No soy fanática de casi ninguna película de acción, mucho menos de esta franquicia. Siempre me he encontrado que es una saga donde solo se ven carros corriendo, mujeres a medio vestir y palabras muy técnicas para mi vocabulario. "¡Eso es solo chulería! Una forma de vender taquillas". Hasta que tuve que ver todas las películas antes de ver esta y entender que no solo se trata de eso.

El equipo de Toretto ha pasado de ladrones de piezas de vehículos a ladrones de vehículos, fugitivos, ladrones de cajas bancarias, ladrones de softwares de jackeos, agentes en cubierto y, finalmente, gente "normal". Se suponía que ya no había nada que inquietara la vida de estos personajes, principalmente la del protagonista, hasta que llega Cipher a su vida, le muestra algo en un celular y se lo lleva. Así nada más... o eso fue lo que nos decían todos los trailers y clips. Debo admitir que los promotores supieron como mantener en sigilo cada detalle de lo que realmente era la película, pues el que la vea entenderá que no explica ni el 10% de la trama.

Por supuesto, sigue apareciendo el reguero de vehículos con marcas que no conozco, la típica carrera callejera ilegal y sin reglas, los traseros meneándose en la mismita cámara con el verdadero close up y la destrucción masiva (y verdaderamente innecesaria) de carros que creo nunca podría comprar en mi vida. Pero ya eso no es lo fundamental en esta historia, nunca lo fue y es lo que nadie ha podido entender: lo que realmente importa es el discurso de "la familia" de Dominic Toretto, lo cual es su mayor fortaleza y su gran debilidad en esta ocasión. Cuando la película llega al punto de giro y explica la verdadera razón por la que el protagonista ha "cambiado de equipo", solo uno puede sentir pena por él y esperar que pueda resolverlo todo. Claro... es algo obvio en esta saga, ¿o no ha logrado sobrevivir a narcotraficantes, un avión en llamas y un edificio desplomándose?

En la parte técnica, el manejo de la fotografía y el trabajo de los efectos especiales es lo que más me llamó la atención, principalmente en las escenas de New York y el Océano Artico, que para mí las más importantes y las de mayor peso, tanto a nivel narrativo como comercial. A su vez, los movimientos de cada personaje y vehículo parecían ir coreografiados con la "banda sonora" de la película, muy adecuada para el género, la trama y la franquicia a nivel general.

Una vez más, nos encontramos con un cast entregado a esta historia, nuevos rostros como el de Charlize Theron (quien es el mejor personaje de la película) y Kristofer Hivju, pero en realidad quien se roba toda la fama en esta ocasión es el nuevo chamaco del equipo (ya me entenderán cuando vean la película). A nivel general, hay un mejor tratamiento de los personajes, en comparación con las películas anteriores, y un toque mejorado de los chistes. Alguien me dijo que Bryan O' Conner hacía falta... pero creo que soy una insensible, pues ni me había dado cuenta de su ausencia.

Si van a ir al cine por los carros, les aviso que esto es solo el 25% de la película, así que motívense por otra cosa. Hagan como yo: dejense llevar por lo que en realidad le da sentido a esta franquicia; no la critiquen por lo que debió ser, mejor aplauden lo que ya es.

Soy la menos indicada para decirles si es la mejor o la peor, lo único que puedo decirles es que para mi funciona. Esta mejor estructurada que las demás, tiene un mayor enfoque y no pierde la esencia de lo que ha establecido desde hace años. Vale la pena verla.