Crítica Cinéfila: La Máquina

Después de una pérdida devastadora, Esteban “La Máquina” Osuna atraviesa un mal momento en su carrera de boxeador. Por suerte para él, su manager y mejor amigo Andy Luján está decidido a que recupere su gloria pasada. Pero cuando una perversa organización aparece en escena, la pelea de revancha se vuelve mortalmente peligrosa. Mientras lucha por relanzar su carrera, Esteban debe al mismo tiempo lidiar con sus propios demonios personales y proteger a su familia, que incluye a su exesposa Irasema, una periodista que se encuentra a punto de colisionar con el lado oscuro del mundo del boxeo.

En varios aspectos narrativos, "La Máquina" se siente como una serie mexicana que es adaptada de una versión original gringa o europea. Pero la conspiración deportiva/thriller con tono cómico melodramático que desafía el género podría encontrar una audiencia más grande con su ritmo mayormente rápido y su variedad de giros razonablemente inesperados, así como con su siempre bienvenida reunión de viejos amigos, colaboradores y socios de producción Gael García Bernal y Diego Luna , cuyo poder estelar lleva fácilmente esta miniserie de seis partes.

Bernal interpreta a Esteban “La Máquina” Osuna, una leyenda del boxeo mexicano que se acerca al final de una carrera condecorada después de un abrupto nocaut en el primer asalto. Esteban, un drogadicto en recuperación que sufre el efecto de más de 70 peleas profesionales, está ansioso por recomponer su vida después de divorciarse de la despampanante periodista Irasema (Eiza González).

Pero Andy (Luna), el amigo y manager de Esteban obsesionado con el Botox, está decidido a traer a La Máquina de regreso al ring para una revancha, una repetición que podría lanzarlo a un nuevo nivel de fama, o bien envolverlo en un complot de largo alcance que pone su vida y las vidas de todos sus seres queridos en peligro.

Las cosas se complican aún más cuando Irasema comienza a investigar un caso que involucra a algunas de las instituciones más poderosas del México loco por el boxeo, y cuando las décadas de trauma neurológico acumulado en Esteban lo dejan luchando por distinguir entre la realidad, la fantasía y los oscuros secretos de su pasado.

"La Máquina" no es una telenovela en cuanto a estilo y estructura, aunque la legendaria del formato Lucía Méndez ofrece una actuación agradablemente pícara y que se come el escenario como la madre controladora de Andy. Pero guiada por el creador Marco Ramírez ("Daredevil" de Netflix ), hace algo que las mejores telenovelas hacen: tirar por la ventana las reglas de clasificación tradicional. Es una comedia de amigos y es un drama problemático y realista sobre la explotación y la corrupción en la industria del boxeo mexicano. Tiene rastros de romance, aunque Dariam Coco como la nueva novia de Esteban es quizás el activo menos servido de la serie, y tiene momentos de tensión y violencia elevadas.

El director Gabriel Ripstein ("Narcos") es el encargado de controlar el tono y, en general, lo hace bien. El estreno, que mete al menos tres o cuatro horas de acción en 52 minutos, es el menos exitoso de los seis episodios. Incluye dos combates de boxeo cruciales (uno de ellos se muestra ampliamente en pantalla, mientras que el resultado del otro se revela solo en un corte abrupto) y sus montajes de entrenamiento que lo acompañan, al tiempo que nos presenta a la mayoría del elenco y siembra la mayoría de los hilos serializados en curso. Es entretenido, pero de una manera entrecortada y apresurada. 

A partir de ahí, sin embargo, "La Máquina" hace algo muy inusual para las series de streaming y cable: sigue expandiendo su mundo a medida que desarrolla su historia, y aun así los episodios se vuelven más cortos, más centrados y más seguros. Los personajes que comienzan siendo tontos y caricaturescos se vuelven conmovedores. Las decisiones adquieren consecuencias viscerales y rápidamente recompensadas. Los misterios se vuelven demasiado misteriosos. Una vez uno llega al quinto episodio, es difícil predecir cómo se resolverían las tramas más importantes de la temporada en el final, incluso después de un capítulo que ata muy bien algunos conflictos cruciales basados ​​en los personajes.

Igualmente importantes para reconciliar los elementos dispares de la serie son Bernal y, especialmente, Luna. En manos de la mayoría de los actores, Andy sería un personaje tonto, en particular dadas las capas de maquillaje y prótesis que se utilizan para capturar su vanidad en pos de la juventud. Y Luna no tiene miedo de hacerlo ridículo, en particular en una escena de creciente humillación ambientada en un evento por lo demás sombrío. Sin embargo, incluso mientras acepta los labios inflados de Andy, el peluquín despeinado y el bronceado de maniquí, Luna encuentra constantemente lo que es trágico en este hombre que quiere ser un buen gerente, amigo, esposo y madera de padre, pero se encuentra fracasando en cada una de ellas.

Bernal, que se entregó por completo a un tipo diferente de lucha física en la película biográfica de lucha libre "Cassandro", no es tan convincente con el lado boxístico de "La Máquina". Pero si los guantes se ven demasiado grandes y su juego de pies se siente demasiado lento, eso simplemente subraya lo pasado del mejor momento de Esteban. Es en las sienes canosas y los ojos fugaces e inseguros donde Bernal ubica la tristeza y la decencia inestable de su personaje.

Si juntamos a Bernal y Luna, son dinamita como siempre. Además, elevan a todos los que los rodean, especialmente a González, que exhibe una ferocidad herida que sus actuaciones en inglés rara vez han explotado. El hecho de que Irasema sea periodista y parte proactiva del desenlace de la conspiración, en lugar de solo una ex que sufre desde hace mucho tiempo, también es una elección inteligente, aunque esa es la historia que parece tener menos probabilidades de dar sus frutos en un final presumiblemente apresurado.

Además de esas tres estrellas principales, La Máquina cuenta con un sólido trabajo de reparto por parte de Andrés Delgado como el extraño cuñado de Andy, Saúl; Karina Gidi como la esposa de Andy, Carlota, en otra parte del espectáculo que se mueve entre el humor y el patetismo; y Jorge Perugorría, que de manera divertida rompe las expectativas como Sixto, el entrenador de Esteban.

Algunos que se encariñen con la historia querrán que "La Máquina" tuviese más de seis episodios para contarse. Intenta hacer tantas cosas, y supongo que algunas de sus facetas más desafiantes (los efectos de la encefalopatía traumática crónica en los boxeadores, la lucha de clases que forma parte del romance de un siglo de México con la dulce ciencia, las subtramas románticas y periodísticas antes mencionadas) podrían perderse en diversos grados. Pero seis episodios son suficientes para ver cómo esta narrativa se iba concretizando, para convertirse en una serie con mucha química y poca predicción.

Crítica Cinéfila: Three Body Problem - 1ra Temporada

Una decisión tomada en China en los años 60 trasciende el tiempo y el espacio, obligando a unos científicos a afrontar la peor amenaza para la humanidad en el presente.

En física, el "problema de los tres cuerpos" es lo que se llamaría un verdadero quebradero de cabeza: un enigma científico que tiene que ver con las posiciones y velocidades de tres cuerpos de masa cuando se atraen entre sí con la gravedad. Es una cuestión de siglos de antigüedad de la teoría del caos; un enigma matemático, aparentemente irresoluble. Y sólo un poco más complicado que adaptar la novela de Liu Cixin de 2008, "El problema de los tres cuerpos", a una serie. El libro (y sus secuelas posteriores) abarca desde la historia hasta la muerte por calor del universo; incluye una densa charla sobre astrofísica teórica; y se fija, en un punto, en la décima dimensión. ¿Cómo exactamente se hace una serie a partir de eso?

"Ambicioso" no es suficiente, lo que quizás convierte a los showrunners de "Game Of Thrones", David Benioff y DB Weiss, junto con Alexander Woo de "True Blood", en los productores ideales para la enorme apuesta multimillonaria de Netflix. Los tres creadores tienen experiencia con presupuestos gigantes; conocen bien cómo darle a la audiencia una secuencia de escneas asombrosas; pueden luchar con material fuente extenso y difícil de manejar; pueden construir el mundo; pueden desarrollar el personaje. Para tomar prestada una frase, consideran el caos una escalera fácil. 

En muchos sentidos, este es un cambio notable con respecto a esas dos series. Hay mucho contenido en estos ocho episodios, tanto en tonos, estilos y géneros. Es en parte un servicio de procedimientos policiales, en parte una epopeya de ficción histórica, en parte un misterio de rompecabezas, en parte una aventura de descubrimiento científico, en parte una ciencia ficción de invasión alienígena. Comienza con una serie de muertes de científicos, aparentemente conectadas, que son investigadas por el observador detective Da Shi, al estilo Raymond Chandler (Benedict Wong); termina con el amanecer de una guerra intergaláctica. Que se sienta coherente es un logro. En el fondo se encuentra la cuestión de qué significa ser humano. 

La fundamentación a la pregunta inicial es una de las mayores contribuciones de los showrunners. El libro de Liu estaba más enamorado de sus conceptos que de sus personajes. Esta adaptación simplifica, combina o inventa cinco personajes principales, interpretados por Jess Hong, Jovan Adepo, Eiza González, John Bradley y Alex Sharp, para que sean todos de la misma promoción de graduados de Oxford. Siempre que aceptes la pulcritud ligeramente conveniente de esa elección, son fuertes sustitutos de la audiencia, lo que le da una sensación humana de incredulidad a todo. Algunas de las relaciones se sienten un poco trilladas (un triángulo amoroso parece innecesario y trivial), pero hay momentos de verdadero trabajo. Hong y Sharp emergen como los MVP, ambos ofreciendo actuaciones cálidas, magníficamente presentadas, llenas de humor y humildad.

El resultado es algo más accesible que el libro (no se necesita un doctorado para comprender o disfrutar esta serie), incluso cuando se centra en personas increíblemente inteligentes que se dedican a la resolución de problemas de alto concepto mientras juegan con Apple Vision Pros nivel alien. Sin embargo, todavía se pueden encontrar los temas más importantes de Liu. Esta es una adaptación internacional en inglés de un libro chino, pero conserva sus alegorías sociales e históricas: la serie, como el libro, comienza con la violencia de la Revolución Cultural de China, y nos invita a establecer comparaciones entre humanos y extraterrestres, y estructuras de poder: el espectro de un régimen opresivo, la aterradora deferencia hacia un culto y a la personalidad, que se forja de un nuevo mundo a cualquier precio.

Tampoco escatima en el factor sorpresa del libro. Hay una sensación colosal de escala y ritmo en todo momento. El episodio 5, en particular, tiene una secuencia que rivaliza con la Boda Roja por su nivel de violencia y sangre. Esta temporada inicial sigue un patrón familiar de Thrones, anticipando sus grandes momentos mientras termina con una nota más reflexiva. Casi decepcionantemente, ese final se siente más silencioso, ofrece algunas respuestas pero muchas más preguntas, sentando las bases para temporadas futuras actualmente no confirmadas. Hay un enorme potencial aquí. Si lo logran, este podría ser una de las mejores series de ciencia ficción de todos los tiempos. Pero primero necesitan aterrizar el avión. Netflix, te lo rogamos: no nos dejes colgados. No hagas de esto un problema más sin solución. Tenemos suficientes.

Crítica Cinéfila: Godzilla vs. Kong

Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes —provocado por fuerzas invisibles— es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra.

La organización intergubernamental Monarch, junto con la sombría corporación Apex, intenta transportar a King Kong de regreso a su hogar. Pero cuando el simio gigante se encuentra con su compañero titán Godzilla, se restablece un antiguo conflicto, preparando el escenario para un enorme puñetazo.

El primer encuentro entre Godzilla y King Kong, los icónicos mega-monstruos del cine japonés y estadounidense, respectivamente, fue en King Kong Vs. Godzilla (1962). La premisa era que un hombre de negocios pensaba que un par de monstruos masivos peleando sería una buena publicidad; si bien el presupuesto de efectos visuales puede haber cambiado en las seis décadas posteriores, esto es esencialmente más de lo mismo: una pelea de boxeo llamativa y de renombre para atraer a los apostadores.

Exactamente por qué están peleando esta vez nunca se aclara del todo. Más allá de algunos diálogos murmurados sobre "antiguas rivalidades", todo se siente más bien diseñado a la inversa, una combinación puramente para saciar a los estudios hambrientos del próximo evento crossover más ambicioso de la historia. Aún así, los fragmentos de lucha son, con mucho, los momentos más agradables de la película. En comparación con las otras entradas en esta ejecución de reinicio, las peleas son modestamente más sustanciosas: más coherentes que Godzilla: King Of The Monsters, más musculosas que Kong: Skull Island. 

Pero, te hace pasar lucha por diversión. Pasan más de 40 minutos de tiempo de ejecución hasta que los dos titanes se encuentran realmente, y esos minutos se sienten como un trabajo duro, ya que nos presentan un nuevo conjunto de unidades de entrega de exposiciones que podrían describirse caritativamente como 'personajes'. Cada vez que los monstruos no están en la pantalla, de hecho, es agotador. Cada película de 'MonsterVerse', desde el reinicio de Godzilla 2014 de Gareth Edwards en adelante, ha tenido problemas para saber qué hacer con los personajes humanos en el suelo y, de alguna manera, este es el peor ofensor hasta ahora.

Solo podemos llorar por los actores de formación clásica que se vieron obligados a ofrecer un diálogo agresivamente estúpido sobre la “inversión de la gravedad” y los “enlaces ascendentes psiónicos”. Lástima, en particular, del pobre Brian Tyree Henry , que interpreta a un podcaster de teorización de la conspiración extraído directamente de estereotipos obsoletos; y Rebecca Hall , que parece tener el papel que anteriormente tenía Ken Watanabe de intentar impartir algo de seriedad a lo que realmente es un esfuerzo muy tonto.

Hay indicios de una película más intrigante. Una inmersión (literal) profunda en la construcción de mundos de ciencia ficción dura es un buen golpe de rareza, si es que nunca se explora por completo; y una secuencia de apertura de Kong dándose una ducha en una cascada en una pista de doo-wop de los años 50 no es nada si no inesperada.

En última instancia, la verdadera batalla aquí no es entre Godzilla o Kong, sino entre las dos películas dentro de la película: un tributo de gran presupuesto y amor a las películas B del pasado, y una ciencia ficción aplastantemente mediocre e inflada de clichés. Lamentablemente, gana el monstruo equivocado.

Godzilla vs. Kong principalmente cumple su promesa de un gran monstruo luchando contra otro gran monstruo. Solo depende de si estás dispuesto a soportar la configuración tan mala que lo rodea.

Crítica Cinéfila: I Care a Lot

Marla Grayson no tiene escrúpulos a la hora de beneficiarse de los demás. Después de haberse aprovechado de docenas de jubilados como tutora legal, ella y su compañera Fran ven a Jennifer Peterson como la nueva víctima: una gallina de los huevos de oro a la que pueden desplumar fácilmente. Pero mientras intentan llevar a cabo su plan, Marla y Fran descubren que la señora Peterson no es lo que creían, y que sus actos han entorpecido la labor de un importante criminal. 

Los criminales vienen en diferentes formas en I Care A Lot, un thriller que se vuelve ridículo y didáctico por sus elecciones narrativas nerviosas y un giro vigorosamente amoral de Rosamund Pike. El guionista/director J. Blakeson nos presenta a una tutora legal conspiradora que arrebata los activos de sus clientes mayores, hasta que su último objetivo demuestra tener algunos amigos bien conectados (y muy peligrosos). El creciente juego del gato y el ratón entre la intrigante Pike y el mafioso ruso de Peter Dinklage tiene sus placeres, pero la supuesta astucia del guión y el mensaje sobre la corrupción del sueño americano hacen que sea difícil preocuparnos tanto como deberíamos por los protagonistas.

Once años después de su debut cinematográfico The Disappearance Of Alice Creed, Blakeson regresa al festival, impulsado por el poder de Pike y Dinklage. La realidad poco conocida pero horrible de los guardianes depredadores le da actualidad a I Care A Lot, pero es más probable que el público sintonice la batalla de ingenio entre los dos combatientes de la película y se le olvide encontrar a un héroe. La realidad es que no hay ninguno en esta ocasión.

Pike interpreta a Marla, una tutora legal que se hace cargo de los activos y la capacidad de toma de decisiones de los clientes mayores que no tienen a nadie más en su vida. Idealmente, el sistema está configurado para proteger a los vulnerables, pero Marla lo explota para su propio beneficio, ejecutando una estafa en la que ella y su compañera Fran (Eiza González) se aprovechan de las personas mayores ricas, convenciendo a un juez de que su cliente no es apto mentalmente. Pronto, Marla está enviando sus pupilos a hogares de ancianos y vendiendo todas sus posesiones, embolsando las ganancias para ella. Y todo es completamente legal.

Todo "cambia" cuando Marla posa su ojo ojo en Jennifer (Dianne Wiest), una mujer adinerada sin familia; en otras palabras, la marca perfecta. Pero después de vaciar las cuentas de Jennifer, atrae la atención de Roman (Dinklage), un gángster que asegura que Jennifer es su madre. Quiere que Marla la libere de la casa de retiro, pero Marla, que no se asusta fácilmente, se niega.

El guión de Blakeson tiene algunas ideas ambiciosas, pero la más intrigante es su decisión de jugar con nuestras lealtades. Después de una secuencia de apertura que ilustra la monstruosidad de Marla, defraudando a los indefensos y esencialmente encerrándolos contra su voluntad, parece un alivio cuando Roman aparece para rescatar a la pobre Jennifer. Pero complica mucho nuestros sentimientos sobre los dos personajes al posicionar a Marla como una mujer ingeniosa que ha tenido que luchar contra el sexismo para tener éxito, mientras que Roman es un narcotraficante que ha hecho y hace cosas terribles (incluso hay un hint de mulas y tráfico de mujeres). Aunque sus antecedentes no podrían ser más diferentes, estos dos tienen mucho en común cuando se trata de vivir fuera de la ley.

De paso, la arrogancia tímida de la película se ve afectada desde el principio. I Care A Lot trabaja para vendernos su ambiente moderno y sardónico, incluidos pequeños asuntos cursis, como que el temible mafioso de Dinklage sea un gran fanático de los pasteles. Del mismo modo, el diálogo ocasional sobre cómo, en Estados Unidos, todo el mundo tiene un ajetreo probablemente sería más efectivo si no fuera tan descarado y autocomplaciente. Y mientras que las apuestas crecen en la películ, la cinematografía de Doug Emmett enfatiza la naturaleza elegante y sin alma de estos personajes y su entorno, haciendo que los inventos de la trama causen frustración a la audiencia (o por lo menos a mí) en todo momento.

Dinklage no puede elevar su papel unidimensional, pero lo que nos llama la atención es Pike, quien opera de manera similar a su papel nominado al Oscar en Gone Girl. En ambas películas, cuanto más diabólicos se vuelven sus personajes, más nos fascina lo incompresibles que son. Marla es un riff astuto de la villana estereotipada al estilo de la bruja de Narnia, y Pike nunca suaviza a esta intrigante para que se vuelva más "agradable". En verdad, Marla resulta tan despiadada como Roman. Aunque los ejecutores de Roman pusieron su vida en peligro, ella permanece imperturbable, maniobrando alrededor de estos asesinos con la misma confianza tranquila que utilizó para burlar al sistema legal. Una materialista despiadada, Marla se impone a nuestro respeto y nuestra empatía al demostrar la profundidad de sus bien afinados instintos de supervivencia. Y a medida que llegamos al final, todo parece muy fácil de lograr para ella, o mejor dicho, demasiado asequible.

Lamentablemente, a medida que la película avanza hacia su enfrentamiento final, I Care A Lot se vuelve cada vez más sermoneador sobre la codicia y el capitalismo, reduciendo a los personajes a portavoces de temas no terriblemente interesantes de Blakeson. Al final, Roman no puede cortarle las alas a Marla, pero la pseudo-profundidad del cineasta finalmente lo hace. Al final, el twist de sacrificio es lo mejor logrado de toda la historia.

Crítica Cinéfila: Fast & Furious presents: Hobbs & Shaw

Hobbs y Shaw, tan distintos como siempre, son reclutados por una organización de origen no determinado para detener a una amenaza internacional.

Loretto siempre decía "la familia es lo más importante". Y por esta razón, las películas de Fast & Furious han arrastrado está temática, convirtiéndola en el centro de cada uno de sus conflictos generales y dándole a la audiencia las escenas más emocionantes de la saga. A pesar del bullicio de los carros y las carreras poco creíbles pero reales, el cariño de la fanaticada fue más por la familia que los personajes habían presentado a toda la audiencia. Pero cuando se trata de un spin-off de la franquicia, con dos personajes a los que no se les conoce su familia, la temática se rompe y el forcejeo es notorio.

Luke Hobbs (Dwayne Johnson) es un leal policía, miembro de los Servicios de Seguridad del Cuerpo Diplomático de EEUU. Por su parte, Deckard Shaw (Jason Statham) es un solitario mercenario, ex miembro del Cuerpo de élite del ejército británico. De entrada, no tienen nada en común. Además, desconfían el uno del otro, y los insultos y golpes entre ambos no han cesado desde que se conocieron. Eso sí, cuando el mundo se enfrente a una terrible amenaza que podría cambiar nuestro planeta para siempre, estos dos adversarios no tendrán más remedio que unir sus fuerzas. Su objetivo será detener a Brixton (Idris Elba), quien se ha hecho con una peligrosa arma biológica. Hobbs y Shaw tendrán que dejar a un lado su enemistad para salvar el mundo.

El mayor problema de esta película no es el hecho de que es un spin-off innecesario para la franquicia de Fast & Furious, sino que resulta ser una advertencia vociferada de "nunca hagan esto en casa". Es una exageración a todo vapor de lo que el cuerpo humano es capaz de lograr. Por más agilidad y dobles que hayan de por medio, las fatalidades que deberían haber en esta película son muy precarias, incluyendo las de sus protagonistas, quienes por más entrenamiento físico que ambos tengan, es imposible que sobrevivan a todo esto. 

Pero lo aún más intolerable es la cantidad de chistes y sketches de toda la trama. Los guionistas Drew Pearce (Iron Man 3, Mission Impossible: Rogue Nation) y Chris Morgan (quien ha escrito las últimas ocho películas de Fast & Furious, y la que estrenará el próximo año), han decidido dedicar el 50% de la energía de la película en las discusiones baratas y tiraderas de muy bajo nivel entre Hobbs y Shaw, dejando bien claro el odio que estos personajes sienten entre ellos, a pesar de que esto no es información novedosa. Los insultos llegan a un nivel que parecen cambiar de género, y pasar de acción a comedia con tiros y carreras. Esto también va de la mano con la introducción innecesaria de agentes nuevos, protagonizados por Ryan Reynolds y Kevin Hart, en la que su objetivo no es más que agregarle un poco de comedia a algunas de las escenas más "tensas" de la película.

Los problemas de los personajes se extienden a sus pensamientos machistas, irónico porque los personajes femeninos, desde la hermana de Shaw (Vanessa Kirby) y Madam M (Eiza González) hasta la madre de Hobbs (Lori Pelenise Tuisano) y la madre de Shaw (Helen Mirren), tienen todas una actitud matriarcal y de superioridad que no solo con la fuerza bruta derrotan a toda persona que se le cruce por el camino.

Quien se salva de toda la parte negativa de la historia es Idris Elba, el único que verdaderamente trae algo novedoso a la pantalla, representando un agente mercenario del futuro, casi un terminator en estos años, imposible de noquear con un puñetazo de la Roca, y planificado en cuestión de segundos. Se hace llamar el Black Superman y se ha ganado el título sin necesidad de la capa y el traje.

Al final, Hobbs & Shaw es el recuerdo de elementos de Fast & Furious que nunca funcionaron en mí, y un ejemplo importante de que las películas de acción están tomando un giro nuevo que en algunas ocasiones funciona, pero en la mayoría no. Más puñetazos, el doble de diálogos: una historia que no era necesaria contar. Ah! Y el típico zoom cinematográfico al aceite de arranque de los carros.

Baby Driver

Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad. (FILMAFFINITY)

Las películas de persecuciones son las que le han dado sentido y verdadero éxito taquillero a Hollywood. La gran mayoría de sus filmes de acción incluyen una que otra escena maratónica de buenos contra malos, o viceversa. Y créanme cuando les digo que no soy la mejor referencia para decirle cuáles son las más sobresalientes; aunque, a veces me mata la curiosidad, la atracción a un actor o actriz, o el trailer. En el caso de Baby Driver, me atrajeron todos los aspectos anticipativos a su estreno, y lo mejor es que superó todas las expectativas que tenía.

Baby (Ansel Elgort) es un adolescente que se dedica a ser "chofer" de asaltantes. Su talento es escapar de los policías a través de sus maniobras frente al volante. Después de cada asalto, él junto al equipo se dirigen hacia donde Doc, quien es el líder y es quien decide dónde y cuándo será el siguiente. Para la mala suerte de Baby, él es el amuleto de suerte de que cada fuga sea exitosa y cada día es más difícil que pueda salirse de esta vida criminal que lleva para poder saldar una cuenta pendiente. 

Ansel Elgort se encarga de darle vida a un personaje que, después de un accidente automovilístico en donde sus padres perdieron la vida, sufre de tinnitus (percepción de ruidos en la cabeza) y vive aislado de toda la sociedad que lo rodea, a excepción de su padrastro sordomudo Joe (CJ Jones), y envuelto en lo único que lo rescata de sus zumbidos internos: la música. Esta es una de las mejores interpretaciones de Ansel, saliéndose del estereotipo de personaje que ya había establecido en The Fault in Our Stars y la saga Divergente. A parte del atractivo que le da al personaje (que seguro a todas las chicas les encantará), hace de Baby un chico simpático, divertido y auténtico. Además la química que tiene Baby con Debora (Lily James) es envidiable y sobresaliente.

El elenco es complementado por Kevin Spacey como Doc (a quien siempre le quedará bien el papel de "malo", pero con un giro interesante al final), Jon Hamm como Buddy (otro giro bastante interesante cuando la situación cambia totalmente para el personaje) y Jamie Foxx como el psicópata de Bats, que me recordó su papel en Django Unchainned, pero con una dosis adicional de locura.

Lo mejor de esta película está básicamente en la interesante coreografía creada entre la banda sonora y las acciones de cada personaje, donde cada uno tiene el rol de medir sus líneas y movimientos acorde a la música, que es en muchas ocasiones dirigida por los iPods de Baby. A su vez, cada persecusión y cada escena tiene su canción, que determinará el ritmo de las secuencias y el final de cada una. Aquí se ve el trabajo de montaje que hubo y unos juegos con la fotografía que logran mantener arriba el nivel de entretenimiento de la película. Todo estuvo muy bien pensado, incluso los diálogos más sencillos de los personajes.

Edgar Wright, su director y escritor, demuestra con este último filme, que la música forma parte fundamental de su creatividad cinematográfica, pero aún más destacable y necesaria en esta última producción, la cual es, para mi, su mejor obra hasta ahora.

El trabajo de todos los elementos de esta película, que logró crear una sinfonía interesantísima entre las acciones, los puntos de giro y la banda sonora, hace de Baby Driver un filme sumamente divertido, creativo y entretenido, donde se nota un derroche interesante de talento, tanto en sus actores como en su producción.