Crítica Cinéfila: The Invite

Una pareja invita a los vecinos a su casa, lo que desencadena una velada llena de giros inesperados, revelando emociones profundamente reprimidas y una sexualidad inexplorada en esta historia que explora las complejidades de las relaciones de hoy en día. Basada en la obra de teatro Cesc Gay 'Los vecinos de arriba', que dio origen a su película 'Sentimental' (2020).

Cuando uno va al cine sabiendo que trata sobre dos parejas que se reúnen para una cena, existen ciertas expectativas sobre lo que va a suceder, expectativas que están prácticamente arraigadas en nuestro ADN cinematográfico. Uno espera que los diálogos, durante un tiempo, sean ligeros, divertidos, mordaces y cáusticos. Uno espera que, a medida que avanza la noche, las máscaras de cortesía se desmoronen, revelando algo más doloroso y quizás brutal bajo la superficie. Uno espera que haya una coquetería seria (entre quienes no son pareja) y que todo termine estructurado como una especie de juego de la verdad. Y uno espera que, al final, haya destrucción… pero quizás, en esa destrucción, una especie de sanación.    

“The Invite”, dirigida por Olivia Wilde (“Don't Worry Darling”) a partir de un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y protagonizada por Wilde y Seth Rogen como una pareja de San Francisco, casada desde hace mucho tiempo, que se queja constantemente, y que invita a cenar a sus vecinos de arriba, es una película que cumple con todas las expectativas. Sin embargo, lo hace de una manera tan original, tan llena de sorpresas, tan fresca y actual en su visión de cómo funcionan (o no) las relaciones, que uno la ve completamente absorto y encantado.

Parte de lo novedoso de la película es su tono, que es a la vez mordazmente divertido y sutilmente serio. Es como si estuviéramos viendo una nueva versión de "Who's Afraid of Virginia Woolf??" al estilo de Woody Allen en "Husbands and Wives". La influencia de Allen se hace patente, sobre todo, en la caracterización de Joe (Rogen), un antiguo músico de indie rock que ahora es profesor asociado en un conservatorio de música cerca de Berkeley (atormentado por el hecho de que no sea ni de lejos tan bueno), y Angela (Wilde), que se graduó en la escuela de arte pero nunca siguió sus pasos, salvo por el cariño con el que ha amueblado y reformado su apartamento. Ella es un manojo de nervios, mientras que Joe es un cascarrabias bromista al estilo de Allen y Larry David, aunque su pesimismo es tal que sus chistes desprenden un matiz de desesperación tóxica.

La pareja tiene una hija de 12 años que está en una pijamada, y viven en un apartamento espacioso y acogedor que Joe heredó de sus padres, lo que lo hace sentir como un fracasado. También le preocupa que, tras un álbum con un pequeño éxito, sus sueños de indie rock se esfumaran. En cuanto Joe llega a casa y Angela le informa de que los vecinos vendrán esa noche, empiezan a discutir (sobre si ya se lo había dicho, sobre que Joe se comió un pepinillo del plato de aperitivos, sobre la alfombra que acaba de comprar, sobre la bicicleta plegable que le hace doler la espalda y que no consigue plegar, sobre el hecho de que él no compró una botella de vino). Pronto nos damos cuenta de que estos dos se pelean por cualquier tontería, por insignificante que parezca, porque ahora esa es su forma de conectar.

Sin embargo, a pesar del rencor contenido que se muestra, lo que nos atrae de "The Invite" es la fluidez de los diálogos; los personajes a menudo se interrumpen entre sí de forma muy realista, con la dosis justa de ingenio y rivalidad para que incluso la ira doméstica, presentada con tanta autenticidad, resulte un placer. Es el sonido de dos personas que ya no se soportan, pero también el de una comunicación tan cargada de melancolía que suena a jazz. (La película comienza con un collage de imágenes con una versión jazzística de «Isn't It Romantic?», ​​y sí, el uso de esa canción es sumamente irónico).

Entonces llega la otra pareja. Pína (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton) son todo lo contrario a Joe y Angela: tranquilos, glamurosos y armoniosos. Ella es psicoterapeuta y sexóloga, él es un bombero jubilado (aunque se comporta más como un gurú de la Costa Oeste), y sabemos que disfrutan de una vida sexual intensa, porque ya ha sido motivo de una fuerte discusión: hacen tanto ruido por la noche que Joe quiere quejarse, mientras que Angela, una complaciente compulsiva, se horroriza ante la idea de que mencionarlo pueda interferir con los orgasmos de otra mujer. Al menos esa es su justificación; también da la impresión de que simplemente es demasiado tímida para atreverse a hablar del tema.

En cuanto aparecen estos dos, Joe empieza a provocar a Hawk, porque esa es su manera de ser, y empezamos a percibir la sutileza con la que estos cuatro se van a relacionar. Joe no tiene pelos en la lengua, pero Hawk dice que eso es lo que le gusta de él. Suena sarcástico, hasta que nos damos cuenta de que lo dice en serio. Pina, que es española, mantiene la conversación seria (aunque no del todo honesta), mientras que Angela es un manojo de nervios exuberante cuyo instinto es ocultarlo todo.

No se puede hablar de lo que sucede en "The Invite" sin dar spoilers, así que aquí va. El tema del sexo excesivamente ruidoso es algo que Pína y Hawk sacan a colación por su cuenta, lo que disipa la tensión durante aproximadamente un minuto. Pero luego revelan por qué su sexo es tan ruidoso: son lo que antes se llamaba swingers, solo que estos dos ahora se presentan como adictos "ilustrados" de la Nueva Era al sexo en grupo. "En realidad no se trata de penetración", dice Pína. "Bueno, un poco sí", dice Joe. El diálogo que sigue es casi impactante por su hilaridad casual, porque McCormack y Jones, en un acto brillante de guion, han imaginado los encuentros eróticos de esta pareja de una manera casi cinematográfica, como expresiones de su carácter. La película nos pide que nos riamos de la locura y la aventura sexual sin reducirla a una broma. Y eso es antes de que Pína y Hawk hagan la verdadera invitación de la película: ¿Quieren Joe y Angela unirse a ellos en un cuarteto?

Eso suena a la premisa de cierto tipo de película de Sundance; llamémosla "atrevida y divertida". Pero, afortunadamente, "The Invite" no es esa película. Wilde, como directora, la filma con una asombrosa sensación de autenticidad. El apartamento donde transcurre toda la película parece real, con historia; la iluminación es perfecta. Y la reacción de Joe y Angela a la invitación de sus vecinos no se reduce a una sola cosa. Su respuesta se despliega como una flor. Trata sobre la lujuria, la soledad y las posibilidades, sobre las razones por las que podrían desear tener una orgía, y sobre cómo la película va a aprovechar esta situación, sin caer en lo fácil ni simplificarla demasiado.

Los cuatro actores son increíbles. Rogen, aunque arraigado en su personaje clásico de racionalidad gruñona, nunca lo había explorado con tanta profundidad. Wilde, una actriz espectacular, dota a Angela de tantos matices de deseo, infelicidad y sueños a los que aún se aferra, que su actuación es como un borrón que poco a poco se enfoca con belleza. Norton nos hace reír con la certeza zen de vaquero de Hawk, hasta que escuchamos su propia historia en un monólogo que uno escucha en un silencio hipnotizado. Y Cruz, cuya Pína es la catalizadora de todo esto, proyecta una fuerza vital erótica que viene acompañada de su propio juego. Es Pína quien dice, en esencia, que algunas relaciones necesitan morir para poder renacer como algo diferente. 

"The Invite" es maravillosamente entretenida, pero parte de la razón es que creo que mucha gente se verá reflejada en esta película, que, a pesar de su bravura mordaz, es lo suficientemente humana como para jugar un juego de verdades que resuena con autenticidad.

Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Evil Dead Burn

Tras la muerte de su marido, una mujer busca consuelo junto a la familia de él en su aislada casa familiar. Pero cuando, uno tras otro, empiezan a quedar poseídos, la reunión se convierte en un reencuentro familiar sacado directamente del infierno. Entonces descubre que los votos que hizo en vida... siguen siendo vinculantes incluso después de la muerte.

Es hora de desempolvar las tarjetas de la biblioteca y volver a consultar ese ejemplar desgastado del  Necronomicón Ex-Mortis. No es que el infame "Libro de los Muertos" tenga mucha relevancia en "Evil Dead Burn", la sexta entrega de la longeva saga de terror sobrenatural de Sam Raimi, que comenzó allá por 1981. La única información útil que se revela en sus siniestras páginas esta vez es la existencia de una antigua daga, el único medio para matar a un demonio definitivamente. Como era de esperar, el clan de demonios recién convertidos no se detendrá ante nada para encontrarla antes que la superviviente, que milagrosamente no está infectada.

Puede que el director Sébastien Vanicek  haya surgido bastante después de la ola del Nuevo Extremismo Francés de finales de los 90 y principios de los 2000 —su primer largometraje, la impactante película de terror sobre arañas descontroladas de 2023, "Infested", pero su gusto por la carnicería espeluznante, la crueldad despiadada, las vísceras derramadas y la violencia hipergráfica que rechina los huesos está firmemente arraigado en esa escuela. Esta es una película que se regocija en su propia crueldad.  El exceso es claramente la consigna del director, lo que pareció encajar a la perfección con los gustos del público aficionado al cine de terror sangriento al extremo. Cada nueva escena de cráneos aplastados, derramamiento de sangre viscoso e improvisación creativa con armas fue recibida con puños en alto, gritos de aprobación y más de un par de exclamaciones de asco. 

El hecho de que el guion de Vanicek y su compatriota francés Florent Bernard no ofrezca casi nada novedoso en términos narrativos es probablemente irrelevante, aunque a esta nueva entrega independiente le habría convenido un principal agente del mal más consolidado, como la monstruosa madre de Alyssa Sutherland en la entrega anterior, "Evil Dead Rise" de Lee Cronin. Esta vez es el padre quien empieza a sembrar el caos en otra familia, aunque la creciente cantidad de demonios hace que pronto se convierta en parte de la banda demoníaca, y no en la principal amenaza.

Al igual que su predecesora de 2023, "Evil Dead Burn" comienza con la rápida eliminación de personajes secundarios en un bonito paraje junto a un lago, donde los amigos Jared (Keanu Karim) y Leo (Tapiwa Soropa) están pescando. Cuando Leo se aleja para contestar una llamada de su novia, Jared pezca algo tan pesado que hace que su caña se doble, y empieza a recoger lo que él supone que será una gran captura. Pero no. Desde el principio, Vanicek demuestra que no se anda con rodeos, con una muerte brutal. Cuando Leo regresa, ya es demasiado tarde para ambos.

La portadora de la muerte (Greta van den Brink), tras levitar sobre el lago y llegar a la carretera, sirve de enlace con los personajes principales cuando un coche a toda velocidad la atropella. El conductor es Will (George Pullar), un impulsivo que se marcha furioso de un club en medio de una discusión con su esposa francesa, Alice (Souheila Yacoub), abandonando la celebración del cumpleaños de su hermano Joe (Hunter Doohan), que estaba allí con su novia Thya (Luciane Buchanan). El choque de Will con el demonio desata una venganza incendiaria, sumando así tres muertes incluso antes de que aparezca el título principal.

Los primeros indicios de que Will era un marido maltratador parecen tener un precedente en el carácter irascible de su padre, Edgar (Erroll Shand), cuya amabilidad se reserva principalmente para su perro. Hasta que incluso ese vínculo se torna hostil. En el funeral de Will también conocemos a su madre, Susan (Tandi Wright), una mujer de carácter duro y afligida, cuyas palabras durante su elogio fúnebre —«Daría todo por que volviéramos a estar juntos»— resultan presagiadas. Edgar insiste en quedarse a solas un momento con su hijo muerto antes de que el ataúd sea introducido en el horno crematorio. Se sobresalta al oír un golpe que parece provenir del interior del ataúd cerrado, pero el caos que se desata permanece invisible, solo audible en la inquietante banda sonora de Samy Bardet. 

De vuelta en la destartalada casa familiar, Edgar se vuelve aún más hosco, arremetiendo contra el bondadoso Joe por ser un estudiante mediocre comparado con su hermano y provocando que Thya se preocupe por la cercanía de Ed a objetos punzantes. Solo la abuela (Maude Davey), que habla sin parar debido a su avanzada demencia, parece ajena a la tensión. Sin embargo, y aunque ya lo intuirás, si crees que la falta de lucidez, una silla de ruedas y una pierna protésica impedirán que un octogenario cascarrabias se convierta en una fiera con la fuerza de un luchador de peso pesado, probablemente nunca hayas visto una  película de "Evil Dead". Y si la has visto, seguramente podrás predecir la secuencia de sucesos espeluznantes que siguen. 

Vanicek y Bernard establecen las conexiones necesarias con la mitología de Evil Dead  al situar la casa destartalada donde el abuelo historiador de Will y Joe realizó una extensa investigación sobre el Necronomicón antes de abandonar a la familia para viajar por el mundo en busca de información sobre un misterioso culto conocido como El Círculo de los Sabios, una adición insignificante a la mitología. Si bien Susan ha insistido repetidamente en que Joe se deshaga de la colección de notas, dibujos, artefactos y un detallado álbum de recortes del abuelo, él solo cumple a medias.

Naturalmente, alguien, en este caso Alice, saca el temido libro de una bolsa de basura, lee que las fuerzas demoníacas se invocan con un conjuro y procede a pronunciar esas palabras sin sentido en voz alta. Un gran error, aunque posiblemente solo un poco más tonto que Susan, que coloca los cubiertos del lavavajillas con la hoja de los cuchillos hacia arriba. 

Junto con el tema poco desarrollado de las mujeres que se han endurecido para sobrevivir a hombres abusivos, la desconfianza xenófoba hacia los extraños influye en la fría actitud de los padres de Will hacia Alice desde el principio. La abuela no discrimina, lanzando insultos con igual virulencia tanto a Alice como a Thya. Pero la hostilidad de Susan es más directa, mirando de reojo a su nuera incluso en el funeral. La actuación de Wright es divertida porque parece solo un poco menos rencorosa en su modo benigno que cuando se deja llevar por el programa demoníaco y empieza a gritarle a Joe: "¡Tráeme la daga Kandariana!". 

A medida que los miembros del grupo se vuelven feroces uno a uno y la matanza se intensifica, es obvio quién será el último en pie. La diversión, como siempre, reside en descubrir qué objetos serán reutilizados como armas. Entre los objetos se incluyen un reposacabezas de asiento de coche desprendido, una elegante pluma estilográfica que Will le regaló a Joe, un candelabro espantoso, un sacacorchos y un trozo de porcelana de un inodoro roto. No es común ver hilos de hilo de pescar sueltos con anzuelos que atan a un personaje como si fuera un asado. Por supuesto, también hay guiños a la querida motosierra de la época de Raimi con herramientas eléctricas como una desbrozadora y un taladro percutor de alta potencia.

Vanicek y el director de fotografía Philip Lozano aumentan la energía visual para que esté a la altura de la acción incesante: mucho trabajo de cámara frenético en mano; tomas de seguimiento vertiginosas; una toma única virtuosa; un zoom a alta velocidad a ras de suelo (sello distintivo de la serie) a través de bosques; y el encuadre desorientador habitual, sobre todo cuando los personajes empiezan a trepar por las paredes y los techos como arañas o a deslizarse por el tejado.

La banda sonora del dúo experimental francés Double Danger (también compositores de  Infested) intensifica la acción, pasando de una electrónica inquietante a una histeria digna de Black Mass con elementos corales satánicos. La preferencia por los efectos prácticos sobre los generados por ordenador resulta satisfactoria, destacando el impresionante trabajo de la diseñadora de maquillaje Jane O'Kane.

Hay momentos de humor negro, pero solo un chiste, el del salvaescaleras motorizado de la abuela, resulta realmente hilarante. Vanicek parece más interesado en mostrar escenas sangrientas, hasta el punto de que la película se asemeja más a una sucesión de secuencias hiperviolentas que a una historia con sustancia. Esto también deja a los actores con poco margen para definir sus personajes, limitándolos a interpretar estereotipos, aunque la actriz suiza Yacoub resulta convincente en su papel de Alice, demostrando su resiliencia sin restarle importancia en ningún momento a la tortura mental y física de pesadilla que sufre.

Extraño el espíritu pícaro, el sentido del humor travieso y la comedia descarada que definían las originales de Raimi, sin mencionar la locura desquiciada del querido personaje principal de Bruce Campbell, Ash. (Raimi y Campbell son productor y productor ejecutivo, respectivamente). Las nuevas versiones de la saga, comenzando con el reinicio suave de Fede Álvarez de 2013, "Evil Dead", han abandonado en gran medida sus raíces como comedia de terror en favor de una matanza orgiástica. Sin duda hay un público para eso, pero es un estilo completamente distinto que honra los primeros capítulos solo de nombre.

Crítica Cinéfila: Moana

Moana (Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

“Moana” es un remake de acción real de Disney que escapa a la melancolía de los remakes de acción real de Disney; de hecho, los supera con creces. Es la mejor de estas películas que he visto. Hay que admitir que no estamos hablando de un árbol muy difícil de subir. Y es un árbol bastante extraño, ya que este es toda una categoría en la que la definición es que es completamente innecesaria. Estas películas no aportan nada (excepto a los ingresos de Disney). En casi todos los casos, los remakes restan. Todas han tenido cualidades en común: son realistas, son torpes, son entretenidas, te hacen añorar la original. Se podría decir que son existencialmente mediocres. Pero en el caso de "Moana", quizás por primera vez, si me dijeran que un niño que nunca ha visto la versión animada va a ver la nueva versión, diría: "Todo bien". Porque la nueva "Moana" realmente captura la esencia de "Moana": la belleza, la personalidad cómica, el encanto de los cuentos de hadas.

Es muy probable que no sea la persona más adecuada para criticar imparcialmente a Moana, porque la versión original está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos. Pero hay varias razones para decir por qué esta nueva versión está muy bien hecha. En la lamentable historia de los remakes de acción real de Disney, existe una escala de éxito (o fracaso), y puede parecer que todo se reduce a la suerte. "La Bella y la Bestia" fue pesada a nivel narrativo. "Aladdín" tenía el carisma de Will Smith, pero carecía del genio de Robin Williams. "Little Mermaid" no pudo competir con la magia de la animación submarina. "Snow White", aunque criticada por muchos, fue para mí uno de los remakes más interesantes, con un lírico vibrante que emanaba del brillo de Rachel Zegler (y también disfruté de los Siete Enanitos, así que ódienme).

Las escenas iniciales de la nueva “Moana”, ambientada en la isla polinesia de Motunui, tienen un toque de esa sensación de números musicales con actores en vivo que funcionaban mejor en la original. Pero en cuanto Rena Owen toma el protagonismo como Tala, la enérgica abuela de Moana (una anciana rebelde que pondrá en marcha esta historia), su chispa juguetona de hippie madura conecta con el público. Y entonces Catherine Laga'aia, la actriz australiana que debuta en la pantalla como Moana, sube al escenario para cantar “How Far I'll Go”. Su voz resuena como una campana, sus rasgos delicados irradian expresividad a la vez que lucen exquisitamente estilizados, y la canción es tan conmovedora que logra su cometido: transportarnos a la imaginación de una niña isleña.

Y aquí reside la clave del éxito de la película. Pensé que el remake de "The Lion King" de 2019 había funcionado bien, porque incluso ese remake era, en esencia, una película de animación versión Animal Kingdom. En la nueva "Moana" hay muchísimos efectos especiales generados por ordenador, ejecutados con gran maestría, lo que ayuda al director, Thomas Kail, a crear una atmósfera vibrante y llena de vida: las olas de cristal que se reúnen para "hablar" con Moana, los piratas de coco conocidos como los Kakamora, el tatuaje ilustrativo en constante movimiento en el pectoral izquierdo de Maui, el gigantesco cangrejo Tamatoa, que acumula joyas (con la voz de Jemaine Clement), y la capacidad de Maui para transformarse en animales. Todo ello crea un universo fluido que se sitúa a medio camino entre la acción real y los efectos visuales.

Pero el arma artística definitiva es el propio Maui. Es un personaje magnífico, y en la “Moana” original era una estilización explícita de Dwayne Johnson, quien a su vez es una especie de ser humano estilizado. En aquel entonces, era como si estuviéramos viendo a Dwayne Johnson y escuchándolo (su interpretación de “You’re Welcome” tenía una majestuosidad natural). Así que cuando el verdadero Dwayne Johnson ahora se mete en la piel de Maui, con su cuerpo absurdamente musculoso, su larga melena rizada y su actitud de monomanía cascarrabias, decir que encaja a la perfección es decir que estamos presenciando una epifanía en una nueva versión de acción real: un semidiós rápido pero contagiosamente obstinado, tan inolvidable como siempre. De hecho, el verdadero Johnson no puede evitar proyectar un toque más de rebeldía, lo cual es excelente. Que Maui y Moana tengan una verdadera batalla de voluntades es el corazón dramático de “Moana”.

Los musicales envejecen bien, o no, y la década transcurrida desde el estreno de "Moana" ha sido más que benévola con las canciones de Lin-Manuel Miranda y Opetaia Foa'i. Las canciones de "Moana" son amigables, con un éxtasis que te sorprende. Y la historia de Moana aventurándose más allá del arrecife, desafiando el odio tribal arraigado de su padre, el jefe Tui (John Tui), para convertirse en la guía que lleva dentro, se presenta con una complejidad que la convierte en algo más que una parábola convencional de empoderamiento femenino, porque es cuestionada a cada paso: por Maui, por sí misma, por el universo oceánico. El gigantesco demonio de fuego Te Kā, al que Moana debe vencer para devolver el corazón de Te Fiti, es prácticamente idéntico al de la película original, lo cual es ideal. Y también lo es la explosión de vegetación en la isla al final, cortesía de Te Fiti, quien en realidad es la madre tierra. 

"Moana" nunca logra que la acción real sea más cautivadora que la animación. En cierto modo, estas películas siempre serán innecesarias. El remake de "Moana" no va a reemplazar a la original (porque esa es perfecta). Pero se gana un lugar junto a ella.

Crítica Cinéfila: Avatar - The Last Airbender, 2da temporada

Aang, Katara y Sokka viajan por el Reino Tierra en busca de un maestro para que Aang aprenda Tierra-control. En su camino conocen a Toph, quien se une al equipo para enseñarle. Juntos deben llegar a la ciudad de Ba Sing Se para detener a la Nación del Fuego, enfrentándose a la policía secreta Dai Li y a la princesa Azula.

Al ver la primera temporada de Avatar, tuve una mezcla de emociones: fue una temporada televisiva que no sabía si debía ser cruda y oscura para los adultos que vieron la original hace 20 años, o si debía replicar la diversión y el humor para una nueva generación de niños. Al final, encontró el equilibrio entre ambos tonos; por suerte, cuando el mundo más lo necesitaba, el avatar regresó.

La segunda temporada de "Avatar: The Last Airbender" mejora prácticamente todos los aspectos de la primera, de forma realmente impresionante. El ritmo es mucho mejor; la condensación de las tramas crea una historia más sustanciosa que permite a cada personaje tener su propio arco argumental satisfactorio; y hay algunas subtramas originales que suponen una mejora genuina respecto al material original. La serie también resuelve por fin su problema de tono al hacer que la historia madure. Al igual que la serie animada original empezó a madurar en el segundo libro de su historia, la versión de acción real también adopta un enfoque más serio con sus personajes ya adultos —literalmente, en el caso del estirón de Gordon Cormier, que la temporada intenta explicar torpemente— y la historia madura junto con ellos.

Al ser el segundo libro un capítulo tan extenso de la saga de Aang, resulta difícil adaptarlo, ya que abarca demasiados lugares e historias secundarias. La adaptación de acción real opta por centrarse casi de inmediato en la parte de Ba Sing Se, aumentando la emoción y los peligros de la metrópolis. Funciona, pues nos permite comprender bien el funcionamiento interno de la capital del Reino Tierra y su cultura, la vida protegida de sus ciudadanos y la vasta red de secretismo y vigilancia a la que están sometidos.

La temporada logra un buen equilibrio al dotar a la trama principal de urgencia, a la vez que justifica la ralentización del ritmo para que los personajes tengan tiempo suficiente para explorar la ciudad y desarrollar sus propias historias. Resultan especialmente interesantes las subtramas de Aang, quien se ve obligado a jugar a la política con Long Feng para intentar conseguir una audiencia con el rey; la de Toph y sus dificultades con su terrible historia familiar; y los intentos de Zuko e Iroh por empezar una nueva vida. Y no dejó de dar ciertas pinceladas al creciente interés amoroso de Aang hacia Katara y lo que eso significará en la siguiente temporada.

Miya Cech hace un trabajo excelente como Toph, encarnando la dureza y la destreza del personaje, pero también su vulnerabilidad, especialmente cuando se trata de su familia. Y hablando de familia, la Nación del Fuego sigue siendo uno de los puntos fuertes de esta adaptación. Azula, interpretada por Elizabeth Yu, es una villana fenomenal, y en esta temporada tiene un papel más importante que nos permite comprender su resentimiento hacia Zuko y sus padres, así como su desesperada y despiadada búsqueda de aprobación. Dallas Liu es un Zuko impecable, y su interpretación de la historia de Zuko es un placer de ver incluso en este nuevo formato. Sin embargo, en esta ocasión, es el tío Iroh, interpretado por Paul Sun-Hyung Lee, quien se lleva las mejores partes de la historia.

Esta serie sabe cuándo remezclar las tramas y cuándo añadir ideas originales para que los elementos posteriores tengan mayor impacto, como en el caso de Iroh. La segunda temporada profundiza en la historia de Iroh con el Reino Tierra, no solo con la pérdida de su hijo, sino también recordándonos explícitamente que antes de ser un tío divertido y sabio, fue un criminal de guerra. "Avatar: The Last Airbender" confronta a Iroh y lo obliga a afrontar las vidas que destruyó y las atrocidades cometidas bajo su mando. Se basa en momentos sutiles e implícitos del material original, presentándolos de una manera que Nickelodeon no habría permitido.

Lamentablemente, no todo es perfecto. Visualmente, la serie se ambienta mayormente de noche con una iluminación deficiente que dificulta seguir la acción. Los doblajes y los combates lucen genial, pero hay cierta torpeza en los efectos especiales y algunas criaturas en acción (aunque Wan Shi Tong se ve fantásticamente terrorífico). Peor aún es el uso constante de imágenes generadas por computadora, aunque hay escenas ambientadas en escenarios físicos que no sean simplemente habitaciones cerradas y que se sienten bastante creíbles. Destaco personalmente el planetario.

Asimismo, aunque gran parte del material añadido y la reorganización de los elementos originales dan como resultado una buena historia en general, la adaptación se resiente al forzar algunos de esos elementos en lugares quizás inadecuados. Esto se nota especialmente con la desaparición de Appa; ocurre al principio de la serie animada y se convierte en un elemento clave de la mayor parte del Libro Dos, pero la serie de acción real la deja para los últimos episodios de la temporada; sin embargo, es una oportunidad para crear situaciones y confrontaciones más complejas entre los personajes, sobre todo en el Aang de Gordon Cormier. Aunque pierde gran parte de su impacto emocional y se percibe como un giro forzado e inesperado cuando ya existen suficientes subtramas que impulsan la historia hacia su conclusión, el corazón sigue estando presente en cada momento, y en cada episodio. 

Y aunque el mayor problema de esta adaptación sigue siendo como se siente obligada a incluir cada detalle memorable de la serie animada original, incluso si para cuando se incluye, ya no tiene sentido, "Avatar: The Last Airbender" regresa con una segunda temporada muy mejorada que encuentra un buen equilibrio entre momentos divertidos y una historia más oscura y madura. El ritmo genera una sensación de urgencia que, a la vez, permite el desarrollo de tramas secundarias, incluyendo un papel más importante para el tío Iroh, que no solo es lo mejor de la temporada, sino que supera al material original.

Crítica Cinéfila: Supergirl

Tomando como referencia la reciente miniserie escrita por Tom King, esta película promete una visión diferente de lo que la mayoría piensa cuando le viene a la mente la prima de Superman. 'Veremos la diferencia entre Superman, que fue enviado a la Tierra y criado por unos padres cariñosos desde que era un bebé, y Supergirl, criada en una roca, una astilla de Krypton, y que vio morir y ser asesinados de formas terribles a todos los que la rodeaban durante los primeros 14 años de su vida para luego venir a la Tierra. Ella es mucho más dura y no es la Supergirl a la que estamos acostumbrados'.

¿Oscuro y crudo? Ya se ha hecho. ¿Sombrío e indecente? Eso es relativamente nuevo. Tal es la sorpresa tonal de "Supergirl" de Craig Gillespie, una entrega que se suma al creciente —y renovado— universo de DC Studios y que, afortunadamente, no se siente atada a las aventuras (y películas) que siguen a primo Superman (David Corenswet, quien aparece a lo largo de esta entrega como un personaje secundario).

Los fans de "Superman" de James Gunn ya tienen una idea de lo que le espera a Kara (Milly Alcock), la prima sarcástica de Superman, que apareció al final de su última película, borracha y furiosa. En su primera película en solitario, se la ve disfrutando al máximo (más o menos) en planetas lejanos. ¿Tiene un sol rojo? Ahí es donde quiere ir, porque allí sus poderes kryptonianos no funcionan y puede emborracharse de verdad. Y Kara, aunque aparentemente "celebra" su cumpleaños, en realidad solo busca un poco de olvido.

No hace falta conocer los detalles exactos de su vida —aunque el guion de Ana Nogueira los revelará mediante un flashback conmovedor a mitad de la película— para intuir por qué Kara está tan triste. Al fin y al cabo, ella y Clark son los últimos supervivientes de un planeta muerto (bombardeado, destruido, aniquilado), y aunque la infancia y la adolescencia de Kara transcurrieron de forma diferente a las de Clark, ambos comparten un profundo sentimiento de pérdida. Sin embargo, Kara también carga con mucha rabia, y si intenta ahogarla, eso da una buena pista de lo que le atormenta. Pero ella es buena persona, aunque ser buena persona puede ser muy difícil.

No ayuda que el último deseo de la madre moribunda de Kara fuera precisamente ese: que sea buena. No educada, ni fácil, ni suave. Eso ha demostrado ser una tarea ardua, pero cuando una huérfana valiente (una niña recién convertida en huérfana, como vemos en una secuencia estremecedora que deja claro que aquí va a haber un verdadero derramamiento de sangre) irrumpe en el bar remoto donde Kara y su fiel cachorro Krypto se están emborrachando, anunciando su plan para acabar con el asaltante intergaláctico que mató a toda su familia, Kara no puede evitarlo. La misión de Ruthye (Eve Ridley) no despierta nada en Kara de inmediato, pero sí enciende una chispa.

Y cuando Krem de las Colinas Amarillas, interpretado por Schoenaerts, inyecta a Krypto un veneno mortal (el antídoto cuelga literalmente del cuello del villano) y se lleva la nave espacial de Kara (y, por lo tanto, prácticamente todo lo que posee, incluido su traje de Supergirl), la chispa se enciende por completo. Mientras Kara y Ruthye se embarcan en un viaje vertiginoso a través de un universo bastante desagradable, el ADN de "Mad Max" de la película se hace presente. Desde los bandidos amantes del metal y con sus armaduras hasta su afición por los vehículos tuneados y su aterrorizada camarilla de "novias" robadas, "Supergirl" se parece mucho más a "Fury Road" que a "Guardians of the Galaxy".

Aun así, algunas cosas resultan familiares, como las secuencias de acción de la película, que se apoyan en la velocidad de Kara mientras los demás parecen lentos. Gillespie, al igual que Gunn, es un experto en seleccionar canciones, y la peculiar selección musical que salpica la película puede interpretarse como algo quisquilloso (una versión acústica de "The Middle") o genuinamente inspirador (como "Silver Lining" de Rilo Kiley). Sin embargo, los escenarios sí se sienten diferentes, en particular la sórdida ciudad moribunda en la que Kara y Ruthye persiguen a Krem (como un "Blade Runner" destrozado) y la extensión desolada a la que los salvajes bandidos las arrastran (con el sol verde casi aniquilando a Kara).

A pesar de la naturaleza relativamente modesta de la misión de las chicas —una venganza profundamente personal y la búsqueda de un antídoto para el veneno de su perro—, "Supergirl" no puede escapar de otros clichés del género de superhéroes. Es decir, ¿les interesaría conocer a otro querido personaje de cómic ? Por suerte, la única estrella de DC que aparece en esta es Lobo, interpretado por el favorito de los fans, Jason Momoa, y está completamente loco. Claro, ayuda a las chicas en momentos oportunos y siempre parece estar cerca cuando necesitan más potencia de fuego, pero también está totalmente chiflado y es propenso a irse literalmente hacia el atardecer en su supermotocicleta espacial. 

Pero lo que distingue a "Supergirl" —y lo que, lamentablemente, podría alejar a los fans que buscan algo similar— es su interés por mantener un enfoque íntimo mientras plantea preguntas trascendentales. La aventura de Kara y Ruthye rara vez es divertida, llevándolas a menudo a los rincones más oscuros del universo y sus numerosos habitantes. Por una vez, el universo no está en juego, pero eso no significa que no haya consecuencias reales. Alcock, encargada de interpretar a un personaje que podría resultar antipático para algunos, encuentra tanto la dimensión humana como el carisma extraordinario necesarios para que valga la pena apoyar a Kara.

Mientras Kara lucha con su deseo fundamental de salvar a Krypto (el único pedazo de hogar que siente que le queda, una afirmación desgarradora), inevitablemente tiene que lidiar con salvar algo mucho más nebuloso: el alma de Ruthye y, eventualmente, la suya propia. Este tipo de preocupaciones siempre están presentes de forma sutil en las historias de superhéroes —suelen encajar perfectamente bajo el lema de "¿qué significa ser un superhéroe?"—, pero la película de Gillespie las aborda de manera más evidente. Esperamos que cualquier otra película independiente de "Supergirl" sea un poco más pop y "divertida" que esta primera (y esperamos que haya más), pero también esperamos que mantengan la pregunta crucial de esta: ¿Qué significa ser bueno ? No es fácil.

Crítica Cinéfila: Toy Story 5

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Tras cinco películas, elegir tu favorita de "Toy Story" se siente misión imposible. Puede que tengas una, pero ¿por qué elegir solo una? Estas películas conforman un canon mayor que la suma de sus partes, a veces hilarantes y a veces delirantemente ingeniosas. Lo cierto es que todas las películas de "Toy Story" son hermosas, brillantes y diferentes entre sí, y ahora más que nunca funcionan a la perfección. Son una visión: de la infancia y la ternura nostálgica, de egos que chocan y de humor físico desenfrenado, de puro encanto cinematográfico. En ese sentido, Toy Story 5 es un resumen sublime, una película que refleja toda la saga en su espejo mágico y (quizás) un final perfecto.

A lo largo de 30 años, las películas de "Toy Story" han evolucionado hasta convertirse en su tema central: la pérdida. La tristeza que conlleva, pero también su inevitabilidad (así que quizás no sea tan triste como pensamos al principio). Los juguetes, como Woody y Buzz, siempre peleando, o Jessie, la vaquera, que ahora es la protagonista, han visto crecer a sus dueños y dejarlos atrás. Esto hace que los juguetes se sientan casi como padres, viendo a sus hijos partir hacia el mundo. Las películas abordan el espectro de la obsolescencia, pero también su contraparte positiva: el renacimiento.

En “Toy Story 5”, surge un nuevo tema que resulta inquietante y conmovedor para su época: la desaparición del juego. Bonnie (con la voz de Scarlett Spears), de 8 años, sigue jugando con Jessie (Joan Cusack), la vaquera pelirroja, y su fiel caballo, Bullseye (Alan Cumming). Pero parece incapaz de hacer amigos con los demás niños del barrio. ¿Por qué? Porque ya nadie juega con juguetes. Los niños están todos pegados a sus pantallas, una invasión tecnológica que la película muestra como causante de un cambio radical en las relaciones infantiles.

“¡La era de los juguetes ha terminado!”, exclama un viejo juguete desechado con melancolía. Como si se dieran por vencidos, los padres de Bonnie le compran una Lilypad, una tableta parlante para niños (con la voz de Greta Lee) con un marco de rana verde. Bonnie se vuelve adicta rápidamente, descubriendo que al comunicarse con otros niños en línea, puede hacer “amigos” al instante. En 15 minutos, ya tiene una cita para jugar. Pero como la película sabe muy bien (y como muchos adultos han olvidado), los amigos que se hacen a través de una conexión tecnológica no son lo mismo que los amigos con los que compartes el mismo espacio, los amigos con los que realmente juegas.

De lo que habla “Toy Story 5” es de lo que se conoce como juego imaginativo, y eso no es solo una actividad. Es toda una dimensión, una forma para que los niños tomen el universo que tienen en su cabeza y lo extiendan al mundo. Cuando el juego imaginativo se manifiesta en “Toy Story 5”, la película lo representa con secuencias de gran comedia, llenas de colores fluorescentes brillantes, donde la acción parece provenir directamente de la mente de un niño, de una manera hilarante.

Pero el mundo ya no está organizado para apoyar esto. Después de una pijamada organizada a través de una tableta infantil, las nuevas "amigas" de Bonnie, que son como niñas malas de 8 años (un subproducto de la era digital), se burlan de ella por seguir aferrándose a sus viejos juguetes. Jessie y Bullseye terminan de vuelta en la granja donde la niña original de Jessie, Emily, vivió una vez, y donde ahora hay una niña de 9 años llamada Blaze (Mykal-Michelle Harris). Pero traer a Bonnie de vuelta al mundo del juego imaginativo no será una tarea fácil. Se necesitarán las maquinaciones de Jessie y Woody (Tom Hanks), que ahora es un vaquero "viejo" calvo; todos nuestros viejos amigos de juguetes familiares; un trío de dispositivos tecnológicos primitivos: un entrenador de orinal llamado Smarty Pants (Conan O'Brien), una cámara infantil llamada Snappy (Shelby Rabara) y un hipopótamo GPS llamado Atlas (Craig Robinson), que están a medio camino entre los mundos analógico y digital; y un ejército de Buzz Lightyears atrapados en modo de demostración, que han sido agrupados en el Multi-Buzz, una fuerza de combate supervisada por su intrépido líder (Tim Allen).

Andrew Stanton, el legendario director de Pixar de “Wall-E”, toma ahora las riendas de una película de “Toy Story” por primera vez (aunque trabajó en todas las anteriores), y ha creado una película con una densidad ambiciosa y deliciosa. Donde una película menor habría convertido la historia en una batalla entre los buenos de la vieja escuela (los juguetes) y los malos de la nueva escuela (las pantallas), “Toy Story 5” no demoniza la vida tecnológica, sino que la representa como un nuevo reino metafísico del cosmos infantil. La trama es elaborada, pero todo se reduce a Jessie y su equipo tratando de organizar una cita para jugar entre Bonnie y Blaze, porque son niñas que aún tienen la cabeza en el mundo real. Joan Cusack, soltando “ain't” y “don't” y frases como “¡Santo caramelo!”, convierte a Jessie en una chica de pueblo, gruñona pero contagiosa. Tiene un romance con Buzz (que está deseando pedirle matrimonio) que se vuelve conmovedoramente divertido. Mientras tanto, Hanks dota al vulnerable pero testarudo Woody de una deliciosa resiliencia propia de la vejez.

“Toy Story 5” es una película que te llena de alegría, pero también tiene momentos que te impactan profundamente. Porque esta película plantea una pregunta crucial: ¿Cómo se conectarán los niños entre sí en una era que los presiona para que crezcan demasiado rápido virtualizándose? El mensaje de la película es: tómate tu tiempo, sé tú mismo y juega. La diversión que recibes es igual a la diversión que creas. 

Crítica Cinéfila: Scary Movie 6

Veintiséis años después de conseguir escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de terror está a salvo. Marlon Wayans (Shorty), Shawn Wayans (Ray), Anna Faris (Cindy), y Regina Hall (Brenda) se reúnen en Scary Movie junto a favoritos que vuelven y nuevas caras frescas para acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas, spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Nada es sagrado. Ningún tópico sobrevive. Se cruzan todas las líneas. Los Wayans están de vuelta para cancelar la cultura de cancelación.

Es un mal momento para " Scary Movie " (2026), un nostálgico regreso de la franquicia que, considerando el contexto actual, resulta bastante bueno. En términos generales, la parodia funciona mejor cuando es anárquica, y en el caso de los Wayans, el humor negro inteligente siempre ha sido parte de su atractivo. Pero ver a los creadores de la saga regresar a "Scary Movie" después de casi 25 años, solo para ver cómo su parodia cae ahora en manos de las grandes corporaciones, es, cuanto menos, desalentador. 

La buena noticia es que los Wayans han recuperado en gran medida  el control de la franquicia que crearon, tras las infames disputas con los responsables de la era Weinstein, que provocaron la expulsión del equipo creativo principal antes de "Scary Movie 3". El reparto finalmente se ha reunido, con Marlon Wayans y Shawn Wayans junto a las estrellas Anna Faris y Regina Hall. Para los fans de "Scary Movie" de toda la vida, este acontecimiento por sí solo tiene suficiente peso emocional como para justificar una visita al cine.

A pesar del tiempo transcurrido entre "Scary Movie 6" y la última aparición de los cuatro protagonistas en "Scary Movie 2" (2001), la química entre los actores principales se mantiene prácticamente intacta. El director Michael Tiddes, quien nunca dirigió una entrega de "Scary Movie" pero se convirtió en un colaborador clave de los Wayans en las décadas posteriores, logra recordar a los espectadores por qué estos intérpretes se convirtieron en íconos de la comedia. Sin embargo, ya sea que los Wayans estuvieran protegiéndose de la influencia de Paramount o aceptándola a la hora de plasmar sus ideas en el guion, su irregular regreso no resulta del todo convincente. 

Faris sigue siendo la MVP como Cindy Campbell, por supuesto. La sobreviviente de "Scary Movie" ha funcionado durante mucho tiempo como el arma secreta de las películas, e incluso dejando atrás sus orígenes en "Scream" para adentrarse en el arquetipo de sobreviviente madura popularizado por Jamie Lee Curtis en "Halloween" (2018), Faris encuentra formas sorprendentes de hacer que los chistes insulsos o sosos parezcan sinceros. Hall está igualmente encantadora como la favorita de los fans, Brenda Meeks, quien, por alguna razón, está enmarcada aquí por una versión extendida de "Ma" de Octavia Spencer que es hilarante.

Mientras tanto, Olivia Rose Keegan resulta una elección de casting inspirada para el papel de Sarah, la hija de Cindy. La actriz de 26 años imita a Faris a la perfección, y cuando "Scary Movie 6" se centra en los personajes que conectan, funciona. Pero Shorty Meeks, el personaje de Marlon obsesionado con la marihuana, y Ray Wilkins, el personaje de Shawn que no es gay pero definitivamente lo es, tienen dificultades para encontrar su punto álgido cómico en arcos argumentales que se sienten anticuados en comparación con el resto del guion de los Wayans, coescrito por Marlon, Shawn, Keenen Ivory Wayans, Craig Wayans y Rick Alvarez.

Más jóvenes recién llegados se unen al elenco para dar forma al transparente homenaje de Paramount a sí misma, mientras "Scary Movie 6" toma forma en torno a la anterior "Scream 6" del estudio de 2023. Esa presencia juvenil se siente casi demasiado actual, ya que la sátira de la película se centra desproporcionadamente en discursos seleccionados de los últimos años. Un chiste de fondo sobre "Final Destination Bloodlines" funciona de maravilla, y un chiste especialmente cruel dirigido al reinicio de "I Know What You Did Last Summer" del año pasado exige grandes carcajadas. Hay una broma brutal sobre "John Wick" y la cultura de los spin-offs en Lionsgate. Además, una referencia a la sensación independiente de 2014 "It Follows" que es objetivamente errónea y bastante divertida. 

Los cameos de famosos en “Scary Movie 6” también son, en general, excelentes, comenzando con una genial escena inicial que deja claro de inmediato que los Wayans siguen teniendo buen ojo para el casting de estrellas. Dicho esto, el tan esperado regreso de esta sátira familiar no parece del todo seguro de qué historia quiere contar sobre el género de terror en sí. La “Scary Movie” original llegó al final de una década dominada por las películas de asesinos en serie: una tendencia que ya había sido sutilmente criticada cuando se estrenó “Scream” por aquel entonces.

Por el contrario, los últimos trece años, aproximadamente, en el cine de género desde la verdaderamente terrible "Scream 5" han sido notablemente complejos y dinámicos. Desde el auge de los autores independientes en Neon y A24 hasta el discurso del "terror elevado" que lo acompañó, las películas de miedo han ido ganando reconocimiento artístico gradualmente, al tiempo que han seguido impulsando la industria en taquilla. "Scary Movie 6" ignora en gran medida esa historia, el dominio del universo de "The Conjuring" y Blumhouse, las producciones originales de plataformas de streaming, la explosión del terror con influencias de internet y mucho más, presentando una cronología incompleta que no engañará a la mayoría de los fanáticos del género.

"Art the Clown" hace acto de presencia, y algunos se sorprenderán cuando mencionen "Saltburn" de Emerald Fennell. Sin embargo, las omisiones son llamativas, ya que personas influyentes en las redes sociales, usuarios de Letterboxd, críticos de YouTube, fanáticos del crimen real y otros actores clave en la difusión de pesadillas contemporáneas quedan indemnes. "Scary Movie 6" hace referencia a "M3GAN", "Smile", "Candyman", "Longlegs", "The Substance", "Sinners", "Get Out", "Weapons" y más, lo que resulta en una película extrañamente cargada de premios que parece diseñada para satisfacer los gustos de Paramount por encima de los de cualquier otra persona.

En cierto modo, «Scary Movie 6» se asemeja menos a una parodia de la cultura del terror real y más a una vaga representación de lo que algunos ejecutivos de Hollywood consideran una película de terror moderna. Esta visión limitada trasciende la cultura pop y se adentra en la política. Cabe destacar que los Wayans no rehúyen por completo la controversia. Hay chistes sobre Black Lives Matter, Trump, los pronombres, ICE, Diddy, Drake, Michael Jackson, #MeToo e incluso una referencia al infame «Chamán MAGA», que se hizo tristemente célebre el 6 de enero. 

Los Wayans demuestran una audaz disposición a adentrarse en terrenos incómodos en un momento en que muchos artistas evitan hablar de tales tensiones, y eso tiene un mérito innegable. Algunos chistes particularmente escandalosos sobre raza se colaron en el montaje final de la película, aunque gran parte de su material más arriesgado resulta extrañamente forzado en lugar de provocador o imprudente. Los capítulos originales de "Scary Movie" de los Wayans eran vulgares, caóticos y ofensivos, precisamente porque los comediantes no se dejaron tentar por la falsa promesa de la simpatía universal. Pero "Scary Movie 6" parece haber forzado su transgresión más que la naturalidad que surgía de la producción en estas circunstancias. Y, sin embargo, las escenas de acción funcionan mejor que muchas de las sátiras escritas más ingeniosas de la película. Probablemente no fue casualidad. Dirigidas por David Zucker, "Scary Movie 3" y "Scary Movie 4" demostraron a la franquicia que los gags visuales tenían mayor impacto en el público general que el mordaz comentario social de los Wayans, lo que sugiere una frustrante contradicción que aún persiste en la última entrega. 

"Scary Movie 6" pretende ser la primera en decir lo indecible, pero al mismo tiempo parece más nerviosa que nunca por descubrir hasta dónde puede llegar sin consecuencias. En ningún otro lugar se hace más evidente esa tensión que en la relación, a veces exasperante, de la película con las recientes secuelas de "Scream" de Paramount. La influencia de esa franquicia se cierne sobre casi todo en "Scary Movie", y un chiste de última hora que involucra un sustituto apenas disimulado de una decisión controvertida sobre un personaje de "Scream 7" probablemente genere controversia. Dicho esto, los Wayans nunca abordan directamente el debate del mundo real que rodea a Ghostface, a pesar de que "Scream 7" fue duramente criticada a principios de este año después de que Melissa Barrera fuera despedida de la franquicia por publicaciones en redes sociales sobre Gaza. 

Nadie debería esperar un análisis geopolítico profundo de "Scary Movie", y solo un tonto se ofendería por lo que los Wayans no ridiculizaron en esta película. Sin embargo, la buena sátira a menudo se define tanto por lo que excluye como por lo que critica, y al negarse a abordar cualquier controversia real en Paramount (a pesar de una frase muy floja que involucra a Neve Campbell), "Scary Movie 6" logra parecer a la vez irreflexiva e inofensiva.

Al ver “Scary Movie 6”, es prudente reflexionar sobre el futuro de la parodia cinematográfica. No porque la obra parezca explícitamente censurada, sino porque, en muchos sentidos, parece manipulada. Si la sátira estadounidense llega cada vez más a los cines reformada por la ideología corporativa y la gestión de marcas, nuestra comprensión compartida de la historia reciente del cine podría volverse preocupantemente selectiva. En ese sentido, los Wayans regresaron para un último “whatsuuup” que demuestra que podían recuperar la franquicia, aunque no su perspectiva original que tanto impactaba.

Crítica Cinéfila: Disclosure Day

Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega... el día de la revelación.

Ha pasado mucho tiempo desde que Steven Spielberg dirigió una película tan característica de su estilo como  "Disclosure Day", que reflexiona sobre cómo reaccionaría la humanidad ante la prueba de la existencia de vida extraterrestre. Algunos podrían argumentar que "War of Worlds", el trepidante thriller de acción apocalíptico de 2005, encaja a la perfección. Pero para quienes crecimos con los clásicos del director, Spielberg suele significar  "Jaws" para el terror,  "Raiders of the Lost Ark" para la aventura de estilo retro y "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T." para la pura sensación de asombro que evoca un universo que expande radicalmente nuestro mundo.

En lo que respecta a superproducciones cinematográficas que imaginaban nuevas fronteras, "Jurassic Park"  podría colarse en ese selecto grupo. Pero este thriller de 1993, que fusionaba la prehistoria con la tecnología futurista, ya se adentraba en terrenos más oscuros, donde la deslumbrante innovación científica chocaba con la codicia corporativa, la arrogancia y el sabotaje industrial, y el asombro daba paso al miedo.

Para muchos de nosotros, las películas de los años 70 y 80 afianzaron nuestro amor por el cine, y pocas experiencias formativas son tan fascinantes, cautivadoras y, si se quiere, puras como las de un Spielberg clásico. Pocos directores contemporáneos, si acaso alguno, han sabido aprovechar la capacidad del cine para asombrarnos y cautivarnos como lo hace el Spielberg de esas décadas, en parte porque, a pesar de su maestría narrativa, es tan ingenuo como cualquiera de nosotros (algo que queda patente en "The Fabelmans"), contemplando boquiabierto el espectáculo de la gran pantalla.

Spielberg trabaja en parte en esa línea con "Disclosure Day", y se pueden encontrar similitudes con  "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T.".  Pero, como corresponde a un cineasta que se acerca a los 80, la inocencia asombrada ahora coexiste con una madurez más reflexiva, especialmente al abordar el secretismo, la manipulación y el engaño del poder gubernamental. Al igual que las primeras películas de ciencia ficción de Spielberg, esta nueva película me recordó constantemente las cuestiones morales y filosóficas planteadas por la brillante "Minority Report" de 2002 .

Ambas películas comparten una energía febril, un dominio absoluto de las secuencias de persecución viscerales y escenas de acción magníficamente coreografiadas. Pero el corazón del film, como en todas las mejores obras de Spielberg, reside en el drama humano, plasmado en las conmovedoras interpretaciones de Emily Blunt y Josh O'Connor, con Colin Firth interpretando un papel atípico como el villano, aunque este último cree estar actuando por el bien del país. Existen alegorías que pueden interpretarse sobre cómo el miedo a lo desconocido engendra crueldad y explotación, pero "Disclosure Day" es ante todo una historia trepidante con raíces temáticas en la esperanza, la verdad, la empatía y quizás incluso la espiritualidad. Spielberg siempre ha sido un cineasta populista, pero el grado en que él y el guionista David Koepp involucran al público para armar el rompecabezas es estimulante. 

Nos adentramos en la historia sin preámbulos, después de que una agencia gubernamental secreta llamada WARDEX, dirigida por Noah Scanlon (Firth), secuestre a Jane Blankenship (Eve Hewson) para llegar hasta su escurridizo novio, Daniel Kellner (O'Connor). Kellner es un antiguo genio de la tecnología de WARDEX, contratado directamente del estacionamiento de la prisión el día de su liberación tras cumplir ocho años de condena por delitos cibernéticos. La división guarda pruebas secretas de fenómenos aéreos no identificados (UFO) y visitas de seres no humanos a la Tierra que se remontan a la administración de Nixon. Ahora acusado de traición, Daniel ha robado un poderoso dispositivo de origen extraterrestre que la división le pagaba por proteger. Cree que la gente tiene derecho a saber sobre el encubrimiento de cinco décadas y planea publicar datos y archivos de vídeo clasificados de WARDEX.

Spielberg nos mantiene en vilo al comenzar la película en un combate de lucha libre, un lugar concurrido que Daniel ha elegido para realizar el intercambio: el dispositivo a cambio del regreso de Jane. Pero la operación secreta no sale como Scanlon había planeado. Daniel huye con Jane y el dispositivo, poniendo en marcha la trepidante persecución que caracteriza la película. El principal aliado de Daniel es Hugo Wakefield (Colman Domingo), director de Activos Biológicos de WARDEX, quien se ocultó junto con una docena de empleados y ahora comparte el mismo objetivo. Daniel protesta diciendo que no tiene ninguna experiencia como agente de campo, pero Hugo insiste en que conserve el dispositivo y espere que lo encuentren antes que Scanlon.

Mientras tanto, Margaret Fairchild (Blunt), una meteoróloga de la televisión de Kansas City cuyo novio Jackson (Wyatt Russell) se resiste a su deseo de mudarse a un mercado más grande, experimenta cambios repentinos. Después de que un cardenal rojo entra volando a su apartamento y se posa en la mesa de la cocina, Margaret adquiere misteriosamente la capacidad de hablar ruso y coreano, y de comprender la mente de cualquiera con quien se encuentre, simplemente con contacto visual. Mientras está al aire, a punto de dar su habitual y animado pronóstico del tiempo, se distrae y comienza a emitir extraños chasquidos, un idioma ininteligible para todos excepto para Daniel, quien lo reconoce al instante como un código.

Presionada por Hugo para que destruyera su teléfono y huyera rápidamente de Kansas City antes de que WARDEX la encontrara, Margaret también se lanza a la carretera, acompañada inicialmente por un desconcertado Jackson. La conexión entre Margaret y Daniel y su origen constituyen el misterio central del guion de Koepp, basado en una historia de Spielberg. La forma en que estos dos, aparentemente desconocidos, se conocen y las distintas funciones que desempeñan en la comprensión de una especie alienígena confieren a la película una gran carga emocional.

Spielberg hace un claro guiño a "Close Encounters of the Third Kind", llegando incluso a hacer que los extraterrestres se parezcan a los visitantes de ese clásico imperecedero de 1977, mientras que la agencia secreta empeñada en contener la fuga de información recuerda a "E.T.". Pero es importante señalar la distinción de que esta no es ninguna de esas películas emblemáticas. La abundancia de ciencia ficción sofisticada en el último medio siglo significa que prácticamente cualquier forma de vida alienígena o nave espacial que los cineastas puedan imaginar ya se ha visto, lo cual no quiere decir que el trabajo del diseñador de producción Adam Stockhausen en esta última no sea impresionante. Inevitablemente, ahora es mucho más difícil sorprendernos.

Durante casi toda la película, nuestra visión de los visitantes interplanetarios se limita a vídeos en blanco y negro de baja resolución de los años 70, proyectados en monitores que antes estaban guardados bajo llave en las bóvedas de WARDEX. Pero, al menos para este espectador, esa exposición limitada sirvió para resaltar las implicaciones humanas, especialmente cuando Scanlon empieza a usar un dispositivo idéntico al que tiene Daniel para acceder a la mente de las personas cercanas a los fugitivos y que puedan revelar su paradero.

Si bien la combinación del ritmo vertiginoso de la editora Sarah Broshar y la potente banda sonora de John Williams (una de las mejores del veterano compositor) garantiza una experiencia emocionante de principio a fin, las secuencias de acción trepidantes resultan especialmente emocionantes. Destaca una persecución a alta velocidad en la que Margaret y Daniel saltan de un coche a un tren en marcha mientras el despiadado jefe de seguridad de Scanlon, Boyd (Henry Lloyd-Hughes), los persigue e intenta matarlos.

El reparto es inmejorable. Jane, interpretada por Hewson, una antigua novicia que perdió su vocación, es a la vez una brújula moral y una amenaza cuando Scanlon la manipula mentalmente; sirve como vehículo para las preguntas de la película sobre la fe y la necesidad humana de creer en algo más allá de nuestra existencia. Domingo interpreta a Hugo como el más lúcido y sensato, pero a la vez inesperadamente tierno, guiando a Margaret y Daniel hacia una comprensión más profunda de su pasado y de lo que viven en el presente. 

Firth resulta escalofriante, llevando su semblante severo y sumamente inteligente hacia terrenos cada vez más siniestros y aportando matices y gravedad a los extremos a los que Scanlon está dispuesto a llegar para cumplir su cometido, cueste lo que cueste. El éxito de WARDEX en la ingeniería inversa de tecnología extraterrestre alimenta la atmósfera subyacente de paranoia y conspiración nefasta propia de los años 70 que impregna la película.

O'Connor es uno de nuestros actores más emotivos y sensibles, aparentemente incapaz de una nota falsa; aporta convicción y una profundidad de sentimiento a Daniel que se intensifica con cada nueva información sobre quién es y de dónde provienen sus habilidades. Una secuencia en la que escapa por poco de ser arrestado en una granja aislada en la zona rural de Virginia Occidental junto a Jane es otro momento de gran tensión, magistralmente ejecutado.

Sin embargo, quien realmente se roba toda la atención es Blunt, sencillamente impresionante y más magnética que nunca, inyectando un torbellino de emociones en Margaret mientras es arrastrada por instintos aterradores que no puede controlar, y ganando terreno con determinación a medida que su situación —pasada y presente— se va esclareciendo. El acto final, que lleva a Margaret de vuelta al punto de partida, es profundamente conmovedor, aunque los pasos que Koepp da para llegar allí a veces resulten confusos. 

En cuanto a la técnica, Spielberg está en su mejor momento. Trabajando con su director de fotografía de siempre, Janusz Kaminski, quien aquí pinta con una paleta de colores apagados realzada por una iluminación exquisita, el director planifica cada plano para lograr el máximo impacto dramático, con una cámara que se mueve con una gracia y un control que reafirman su reputación como un narrador visual consumado. Para cualquiera que haya disfrutado de sus películas, "Disclosure Day" será una adición esencial a la rica filmografía de Spielberg.