Crítica Cinéfila: The Odyssey

Tras la guerra de Troya, el legendario Odiseo emprende el largo y peligroso regreso a su hogar en Ítaca, donde su esposa Penélope y su hijo Telémaco lo esperan desde hace mucho tiempo mientras resguardan el reino de los numerosos pretendientes que acechan el trono. Sin embargo, el camino de vuelta se convertirá en una epopeya legendaria en la que deberá enfrentarse a dioses hostiles y criaturas mitológicas que pondrán a prueba no solo su ingenio y valentía, sino también su propia humanidad.

Han pasado más de 70 años desde que Hollywood intentó por última vez una adaptación fiel de la "Odisea" de Homero, una eternidad inconcebible si se tiene en cuenta su estatus como narrativa épica fundamental —el viaje del héroe que pone fin, y a la vez inicia, todos los viajes del héroe— y la tendencia actual de la industria a reciclar cualquier material argumental medianamente probado hasta que se desintegra por completo. ¿Es la familiaridad ya conocida del texto lo que lo ha protegido del agotamiento cinematográfico total, o su enorme e imponente peso? Sea como sea, hacer una película completa de "La Odisea" en el año 2026 es, a la vez, un trabajo para los temerarios y los tradicionalistas más acérrimos.

Entra en escena Christopher Nolan, el hombre que ha construido una carrera multimillonaria sobre esas dos virtudes. Es un creador de éxitos de taquilla que los hace prácticos como antes, pero también de una forma diferente a como nadie los ha hecho antes, y que ha extraído una singular reputación de autor de géneros, como el de superhéroes o biopics, que no suelen favorecer un enfoque idiosincrásico. Es de esperar, entonces, que la versión de Nolan de Homero sea exhaustiva, sólida y atenta tanto al detalle académico como a la técnica cinematográfica clásica; tampoco sorprende que se haya adaptado a la predilección del director por la narración no lineal y compleja, con una línea temporal desordenada que es una proeza de intrincado tejido y destejido que rivaliza con el sudario de Penélope, complicando aún más incluso el recurso del texto.

Decir que el resultado es un logro extraordinario es quedarse corto. Con una visión verdaderamente grandiosa y audaz, "The Odyssey" emociona generosamente durante casi sus tres horas de duración: cada minuto ofrece al público una escena impactante que, en casi cualquier otro gran éxito de taquilla veraniego, sería un clímax memorable. Si bien el lenguaje de la epopeya de Homero se ha simplificado y modernizado en el guion de Nolan, la magnitud y la escala de la narración no se han visto comprometidas: es tan grandiosa, en términos de alcance mitológico y consecuencias humanas, sin mencionar la enorme cantidad de sucesos que contiene, que nos recuerda por qué otros cineastas menos intrépidos se han mantenido al margen.

Pero si bien esta “odisea” es consistentemente absorbente y frecuentemente deslumbrante, nunca llega a conmover del todo; mantiene la vista y el oído tan ocupados, mientras estimula la mente con sus intrincados juegos estructurales, que casi no te das cuenta, o no te importa, que tu corazón no esté completamente entregado. Casi. “The Odyssey” se agita escena tras escena, ya que el tan ansiado regreso a casa de su héroe, que vaga sin rumbo, se ve repetidamente obstaculizado por una serie de crueles obstáculos, avanzando con la frustrante e inexorable tensión de una pesadilla. Esta es una película que, de no ser por su célebre origen, bien podría titularse “Una batalla tras otra”. Pero ya tenemos esa película también.

La trama despierta nuestra simpatía, en gran parte gracias a la inspirada elección de Matt Damon, el hombre común, discreto pero robusto y capaz del cine estadounidense contemporáneo, como el siempre frustrado Odiseo, rey de Ítaca y conquistador de Troya. Hay una tristeza abatida y curtida en su semblante, e incluso en su físico, que crea una figura mucho más conmovedora que el guerrero delgado y hambriento de Kirk Douglas en el mucho más condensado "Ulises" de 1954. El tiempo se ha derrumbado, y él también, en los años cada vez más difusos que siguen a su ya larga participación en la Guerra de Troya. Algunos espectadores pueden sentir que ese lapso cronológico se ve atenuado por los repetidos cambios estructurales y círculos de Nolan y la editora Jennifer Lame, lo que deja a la película, especialmente en su primera mitad más frenética, casi sin tiempo presente. Pero resulta una forma eficaz de canalizar la propia confusión y desorientación de nuestro héroe, su sensación de ser zarandeado sin cesar por los elementos, las mareas y los caprichos de los dioses.

Sin embargo, si bien en ese momento nos preocupa su supervivencia, es más difícil sentir la misma emoción por su regreso a un reino donde su esposa Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) apenas logran mantener el fuerte, rechazando los agresivos avances del intrigante pretendiente Antínoo, interpretado lascivamente por Robert Pattinson como un villano de pantomima en toda regla. El guion de Nolan es más agudo y sorprendente en cuestiones de honor y traición entre hombres que en relaciones familiares más vagamente esbozadas: dice mucho de la magnífica interpretación de John Leguizamo como Eumeo, el sirviente ciego de Odiseo, frágil, tembloroso pero firmemente íntegro, que su paciente añoranza por su amo sea la emoción más palpable de la película.

Para bien o para mal, sin embargo, "The Odyssey" impresiona sobre todo en sus momentos más crudos y viscerales: esas escenas en su estructura episódica que muestran al artista más extravagante que hay en Nolan. La casi captura del ejército de Odiseo por el cíclope gigante Polifemo (interpretado, con una ayuda digital asombrosa, por Bill Irwin) se realiza con el entusiasmo desenfrenado y estridente propio de las películas de monstruos, solo ligeramente atenuado por un regusto de compasión hacia la bestia. Otra secuencia extendida de peligro surrealista, cuando los hombres caen bajo el hechizo literal de la hechicera depredadora Circe, es tan extraña y oscura, a la vez que hilarantemente sensual, como cualquier cosa que Nolan haya dirigido, impulsada por una Samantha Morton cruda, astuta y volátil, que ofrece la actuación más memorable de la película. La secuencia del caballo de Troya, presentada tras una intrigante introducción que involucra al vulnerable soldado sacrificial Sinon, interpretado por Elliot Page, es tan emocionante y divertida como cabría esperar. Y no se puede dejar de mencionar la carrera en el inframundo donde cientos de almas de sus guerreros fallecidos lo acosan por haber abandonado sus cuerpos sin una digna sepultura.

“The Odyssey” es, pues, un auténtico festín de placeres cinematográficos grandilocuentes y estruendosos, tan descaradamente lujosos y seguros de sí mismos que se permite el lujo de desperdiciar una parte significativa de su elenco estelar en cameos superfluos. Zendaya es, sin duda, quien menos participa aquí como una visión recurrente de Atenea, aunque los vestidos de diosa de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick, de una belleza austera, no son un añadido de última hora; incluso en un tenso doble papel como las hermanas Helena y Clitemnestra, uno desearía ver más de Lupita Nyong'o, aunque la concepción de los personajes hace que la guerra cultural de derecha declarada por su elección sea absurda. Si la ves en Dolby o en IMAX, en particular, las vistas extensas, quemadas y descoloridas de arena, matorrales y mar de Hoyte van Hoytema invitan a una verdadera admiración; lo mismo ocurre con el profundo pulso electro-orquestal de la banda sonora de Ludwig Göransson. Hay tanto que sentir aquí a nivel sensorial que la película se sale con la suya con su frialdad ligeramente distante y que roza lo inquietante; salimos con la sensación de haber estado en el infierno y haber vuelto, y de una manera estimulante. Bravo, Chris.

Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: Tenet

Armado con tan solo una palabra –Tenet– el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal.

Algunas películas están siendo enviadas a plataformas de streaming y otras se están reteniendo hasta el invierno y más allá, pero Warner Bros. ha mantenido su plan de que "Tenet" debería ser un éxito del año sin importar la temmporada donde esto ocurra. Esta es una estrategia arriesgada, dado lo nerviosas que pueden estar las personas por sentarse en una sala con un grupo de extraños durante dos horas y media, pero la extravagancia de ciencia ficción de Christopher Nolan tiene el espectáculo y la grandiosidad apocalíptica de la "película de eventos" para tentar a la gente a ir a los cines. Sin embargo, simplemente no ha ocurrido y Tenet ha salido en digital, claramente demostrando que era mejor esperar a ir una sala de cine.

Hay una razón sólida por la que “Tenet” podría generar ganancias: aunque no muchas personas paguen por verlo, algunas de esas personas pagarán por verlo una y otra y otra vez con la esperanza de que, eventualmente serán capaces de averiguar qué está pasando. Creanme... ya la he visto 3 veces.

"Tenet" provoca mucha confusión, dibujos en el cuaderno para conectar hilos sueltos y hasta análisis de discusión más profundos que Inception, pero en el fondo está la idea simple, aunque extravagante, de que algunos objetos misteriosos se mueven hacia atrás en el tiempo a la misma velocidad que todo lo demás avanza. Un agente de la CIA no identificado al que le llaman el protagonista (John David Washington) recibe información sobre estos objetos por parte de una científica (Clémence Poésy) que sabiamente le aconseja: “No intentes entenderlo". Más allá de la historia, también es un consejo para la audiencia.

Si intentara entenderlo, probablemente se reiría en su cara, pero Nolan se sale con la suya con su ilógico concepto central, como lo hizo en “Inception”, al hacer que todos sus personajes lo acepten sin dudarlo. En cuanto la científica le muestra al protagonista una bala que entra en el cañón de un arma en lugar de salir de él, hablan de “material invertido” y “municiones invertidas” con la cara seria, y en el caso de Poésy, un aire irritable de aburrimiento como que esto es muy obvio.

La búsqueda de la fuente de estos dispositivos para rebobinar el tiempo lo lleva a un traficante de armas ruso (Kenneth Branagh) con una esposa miserable (Elizabeth Debicki). Pero antes de que alguien pueda abordar el tema de las "municiones invertidas", el Protagonista tiene que embarcarse en varias otras misiones con sus fondos aparentemente ilimitados y su increíblemente capaz compañero británico (Robert Pattinson).

“Tenet” es una de esas ingeniosas fantasías de cumplimiento de deseos en las que alguien dirá que necesita cuatro camiones, 10 hombres y una maleta llena de explosivos para llevar a cabo un atraco, y en la siguiente escena, todo lo que ha pedido será listo y esperando. Ningún equipo no está disponible; no hay secuaces detenidos en la aduana. El diálogo se reduce a una exposición superficial, y los personajes saltan de India a Italia, de Noruega a Ucrania tan fácilmente que bien podrían tener un teletransportador escondido junto a sus municiones invertidas.

En otras palabras, "Tenet" es un brillante thriller de espionaje internacional que, como "Inception", rinde un elaborado homenaje a la serie de James Bond. Nolan ofrece casi todo lo que podrías esperar del género, desde lugares magníficamente pintorescos hasta frenéticas persecuciones de autos, desde brutales peleas en restaurantes y cocinas hasta, lo mejor de todo, un salto en bungee hacia arriba en lugar de hacia abajo en un rascacielos de Mumbai.

También ayuda que el arrogante Washington y el sonriente Pattinson hagan un doble acto agradable. Pero todo sucede tan rápido, con explicaciones tan breves y tan poco espacio para respirar, que la historia es difícil de seguir y, por lo tanto, difícil de cuidar. Los espectadores descubrirán de repente que no están interesados ​​en la acción porque todavía están confundidos acerca de por qué todos estaban discutiendo sobre plutonio y algoritmos en la escena anterior, y quiénes eran todos en el enfrentamiento de apertura de la ópera. Y eso es antes de que lleguen al viaje en el tiempo. Lo siento, yo sigo igual de confundida.

Nolan, quien escribió y dirigió "Tenet", mantiene el "material invertido" como un diálogo tan vago durante casi dos horas, concentrándose en cambio en la batalla de ingenio entre el Protagonista y el oligarca ruso. Es solo en la última media hora que finalmente se enfoca en esos momentos temblorosos y tambaleantes. El resultado es, de nuevo, tan apresurado que resulta incomprensible. En el camino se puede disfrutar de una divertida y desconcertante diversión. Como lo hizo en "Memento", Nolan dobla la narración para que tengas que pensar de nuevo en escenas anteriores, y emplea una de las técnicas cinematográficas más antiguas y fascinantes: ejecutar el metraje al revés.

Pero, para citar a la científica, "No intentes pensar en eso". Las reglas del viaje en el tiempo parecen reescribirse con cada escena, y la pieza culminante involucra a multitudes de comandos idénticos, sus rostros ocultos por cascos, lanzándose por un polvoriento campo de batalla donde el tiempo retrocede, avanza y posiblemente ande de lado simultáneamente. Es emocionante ver cómo los edificios se derrumban y luego se vuelven a ensamblar inmediatamente después, pero si los tres períodos de tiempo simultáneos en "Dunkirk" o la estructura mezclada de "Memento" te desconcertaron, entonces "Tenet" te hará suplicar.

No hay muchos directores a los que se les confíe una producción tan masiva. Debe celebrarse la ambición de Nolan. Pero es difícil deshacerse de la sospecha de que "Tenet" equivale, en última instancia, a una imitación de Bond con un truco de ciencia ficción.

Puede que se haga eco de la astucia de "Looper" de Rian Johnson en su vertiginoso desprecio por la cronología lineal, pero la trama es más confusa que compleja, con menos que decir sobre el flujo del tiempo como lo lograron "Interstellar" o "Memento". Al final, "Tenet" no es una de las películas más satisfactorias de Nolan, y no lo digo porque no la haya visto en una sala de cine, como debió haber sido, sino porque la narrativa parece estar en contra de la comprensión humana. Pero después de haberlo visto cuatro o cinco veces más, tal vez cambie de opinión.

Dunkerque (Dunkirk)

Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. (FILMAFFINITY)

La Segunda Guerra Mundial siempre será un escenario con muchas historias por contar. Y mientras pasa el tiempo, más tramas salen a la luz gracias al cine. Pero debo reconocer que cada quien tendrá su estilo para contarlas, y hasta ahora, pocos superan o podrán superar la forma en que Christopher Nolan decidió escribir y proyectar a Dunkirk.

Esta película narra el momento en que soldados británicos y franceses se encontraban varados en las costas de Dunkerque (Francia), en espera de rescate, mientras los alemanes llevaban la delantera en la guerra. La historia narra lo que ocurría horas antes de que fuesen rescatados por los civiles de ciudades aledañas a Dunkerque, desde tres puntos de vista distintos. Es en ese preciso detalle que Nolan juega con el elemento cinematográfico que ha caracterizado su estilo: el tiempo. 

En vez de estar contada de una forma lineal, Dunkirk es narrada en tres tiempos distintos: una hora (los pilotos), un día (los navegantes) y una semana (los soldados), que aunque a primera vista parezca una historia sin objetivo, en realidad son tres puntos que se irán conectando y entrelazando a medida que avanza la película. Una vez más, este director británico pone en práctica nuestro nivel de atención y nos hace preguntarnos: ¿quiénes son nuestros verdaderos aliados, en situaciones de crisis? No hace falta diálogos, identificar roles protagónicos o que los personajes nos contaran las razones que los llevaron a estar en Dunkerque, lo importante era lo que ocurría en ese corto lapso de tiempo que los alineó a todos en un mismo lugar.

De una manera sencilla, pero muy bien pensada, este filme posiciona el tema bélico en un subgénero distinto, en el que no le vemos la cara al enemigo, pero sí nos mantiene en suspenso, a la espera de los bombardeos que saldrán de repente, por cielo, mar y tierra, generando una buena carga de tensión gracias a la perfecta combinación de los close-ups claustrofóbicos y una banda sonora de violines que saca a cualquiera del sillón.

Sin embargo, y a pesar de que la fotografía y la musicalización son los aspectos más aplaudidos de Dunkirk, me atrevo a decir que es la narrativa y el montaje los que se ganan todos los puntos, pues se va desarrollando de una manera poco común para lo que ya se ha visto, pero atractiva, diferente e inquietante; que no nos hace preguntarnos cuál es el pasado o el futuro, y nos mantiene en el presente de ese momento en las costas de Dunkerque.

Una vez más, Christopher Nolan y su equipo de producción, compuesto por el cinematógrafo Hoyte van Hoytema y el compositor Hans Zimmer, nos envuelven en una historia en la que el tiempo es el verdadero protagonista y que, con el sonido constante del reloj, nos obligan a quedarnos hasta el final, hasta que cada soldado haya sido rescatado.