Crítica Cinéfila: Steve

Steve, director de un reformatorio para chicos problemáticos, lucha por seguir adelante con su trabajo mientras intenta controlar su salud mental. Al mismo tiempo, Shy, un estudiante problemático, navega entre sus tendencias violentas y su fragilidad, dividido entre su pasado y sus perspectivas de futuro.

La mayoría de las escuelas tienen uno o dos alumnos problemáticos. En Stanton Wood, eso es todo lo que hay. Dirigido por Steve —en quien el actor principal, Cillian Murphy, canaliza todo tipo de conflictos irreconciliables—, este es el reformatorio de último recurso. Es el lugar al que se envía a "jóvenes muy perturbados" con un alto coste para los contribuyentes ingleses, con la esperanza de que el reducido pero dedicado equipo de profesores y terapeutas de la asediada institución pueda ayudarlos a controlar su agresividad y a prosperar.

Steve es un diamante en bruto profundamente conmovedor y magníficamente actuado, Es mejor que cualquier cosa que la plataforma de Netflix ha impulsado para mejor película hasta la fecha. Con ADN en común con "Adolescence" (temáticamente, al menos) y "The Bear" de FX (en términos de estilo), "Steve" representa una especie de reunión entre Cillian Murphy, su coprotagonista Emily Watson y el director belga Tim Mielants, quien hizo el desgarrador drama del año pasado sobre Magdalene Laundries "Small Things Like These". 

La película transcurre durante uno o dos días en un colegio llamado Stanton Wood; corre el año 1996, y un equipo del programa de televisión Point West ha llegado para grabar un reportaje para la edición nocturna. Parecen venir de buena fe, intrigados por el buen trabajo que realiza el director Steve (Murphy) con niños de entornos desfavorecidos. Pero en un vídeo posterior, el presentador revela la verdadera razón de su presencia: «Algunos lo llaman una última oportunidad, otros un costoso vertedero de causas perdidas». Dado que el programa cuesta al contribuyente 30.000 libras al año, no sorprende que los recursos hayan disminuido últimamente, y esta noticia sin duda no ayudará.

Comienza con Steve conduciendo, pero no para ir al trabajo. Primero va a un campo donde Shy, uno de sus estudiantes, fuma un porro y baila drum'n'bass con auriculares. Steve lo convence con delicadeza de que vuelva a la escuela, donde el equipo de rodaje está causando estragos. La textura de las imágenes es adecuadamente granulada, como VHS, pero se integra a la perfección con el estilo vérité de la película, un mar inquieto de cámara en mano que se agita más a medida que lo hace su protagonista. El detonante es una reunión con la junta directiva de la escuela —que parece más un fideicomisario que un trabajador social— donde se revela que el imponente pero destartalado edificio escolar se venderá a finales de año.

La reflexiva y conmovedora película de Mielants trata sobre las repercusiones de ese encuentro, y mientras Steve lucha por aceptar que el trabajo de su vida está a punto de desvanecerse ante sus ojos, también vemos las imágenes del equipo de televisión de los jóvenes a su cargo. Son un grupo extraño, física y emocionalmente, y a veces pueden ser encantadores, divertidos y descarados. También pueden ser mordaces y, en una nueva y perturbadora tendencia, propensos a volverse violentos, como atestigua la psicóloga de la escuela (Emily Watson). La ayudante de la escuela, Amanda (Tracy Ullman), puntualiza la situación con un breve resumen de sus funciones. "Soy mitad directora de prisión, mitad enfermera, mitad hacha de guerra, mitad momia... Y los adoro".

¿Quién querría dedicar tanto tiempo a niños como estos, en un programa educativo descrito como "espectacularmente insostenible"? Cillian Murphy, luciendo barba y recuperando un peso saludable tras Oppenheimer, se esfuerza por explicarlo y, al hacerlo, se integra en el papel. Sin embargo, incluso los mártires tienen un límite, y cuando la ira contenida de Steve encuentra una salida en la bebida y los medicamentos, empezamos a descubrir un poco más sobre su trágica historia y el acontecimiento que cambió su vida y que ahora lo define.

Hay material suficiente para una estrella sentimental, pero Cillian Murphy comparte generosamente el protagonismo con un elenco pequeño pero notable. El principal es Ullman, quien, al igual que Murphy, de alguna manera nunca se deja intimidar por los frenéticos altibajos de la vida escolar, y luego están los propios chicos, un grupo heterogéneo cuyas neurosis y camaradería recuerdan al pabellón psiquiátrico de "One Flew Over the Cuckoo's Nest" de Milos Forman.

Sin embargo, aquí no aparece la enfermera Ratched, pero sí el bondadoso Steve, que cuida de todos, especialmente de Shy, quien les oculta un secreto a los demás. Debido a sus ataques de violencia, su madre le ha dicho que ella y su padrastro ya no lo verán: ni llamadas ni visitas. En esencia, Steve es una celebración agridulce del arte de estar ahí para los demás en sus momentos más oscuros, aunque reconoce que a veces se necesita la paciencia de un santo para hacerlo.

De ahí el cambio de título. Si Shy era el tema del escueto libro de Porter, aquí la atención se centra en el director, exhausto, que ha luchado por los estudiantes durante todos estos años. El libro de Porter comienza con Shy cargando una mochila llena de piedras. En la película, Shy es interpretado por Jay Lycurgo, un joven actor que se revela como un actor sensible e intimidante, y la mochila no aparece hasta la mitad, cuando el equipo de rodaje husmea sin permiso en la habitación de los estudiantes. Esto podría ser una escena de una película de terror de metraje encontrado, ya que la cámara escanea la habitación de Shy, revelando lo perturbado que debe estar. De alguna manera, Steve no ha captado las señales, que Jenny lleva semanas intentando advertirle.

Mielants ensambla los elementos en un intrincado collage posmoderno (aunque mayormente lineal), elevando lo que de otro modo podría haber resultado un poco teatral (dada la ubicación única) al mezclar los testimonios de los diversos personajes, demasiado tristes para la televisión, con momentos privados ingeniosamente observados. El director de fotografía Robrecht Heyvaert hace malabarismos entre los dos formatos, SD Betacam y película, mientras la editora Danielle Palmer alterna entre arrebatos escandalosos para el equipo del documental —incluyendo un ataque brutal a un policía militar de visita (Roger Allam)— y momentos robados de intimidad que solo nosotros vemos.

Así es como nos enteramos de una llamada telefónica personal entre Shy y su madre. Y es así como sabemos que Steve ha estado robando sorbos de las botellas de alcohol que tiene guardadas por la escuela: su forma de lidiar con la culpa y sus propios problemas de adicción. Hay un cliché inquietante en las películas de internados: se necesita que alguien se suicide para lograr un cambio real en una institución disfuncional. "Steve" explota esa preocupación hasta cierto punto, pero finalmente hace algo inesperado con ella, desviando el enfoque (como hizo el título) de Shy a Steve.

Para muchos, “Oppenheimer” fue la mejor interpretación de la carrera de Murphy. En cualquier caso, las dos colaboraciones recientes del actor irlandés con Mielants demuestran humildad (las películas pequeñas no son precisamente proyectos rentables) y cuánto más tiene que ofrecer. Es raro ver a la estrella joven con el rostro desaliñado o cediendo el protagonismo a una sala llena de desconocidos, pero Steve es un hombre que se entrega demasiado, y se necesita un hombre con el compromiso de Murphy para darnos cuenta de su origen.

Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: A Quiet Place Part II

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

¿A quién (que sea fanático del cine de terror/scifi) no le gustó "A Quiet Place" de 2018? Todo el que tuvo la oportunidad de ir al cine a ver esta primera película de John Krasinski reconoce que fue una experiencia cinematográfica increíble/terrorífica, por eso no es duda que para este verano - un año después de que originalmente debía estrenarse - el director John Krasinski nos está dando lo que realmente nos hemos estado perdiendo durante toda esta pandemia: monstruos alienígenas con gruñidos, pesadillas y colmillos temibles que llenan una pantalla grande de tensión silenciosa.

La secuela de ciencia ficción y terror de supervivencia "A Quiet Place Part II" no está a la altura de la sensación refrescante o la novedad innovadora del éxito original de 2018, donde el silencio es verdaderamente dorado en una existencia postapocalíptica llena de criaturas ciegas que atacan cosas ruidosas y humanos más ruidosos. Pero las criaturas siguen siendo extrañas, los paisajes sonoros siguen siendo interesantes, Emily Blunt continúa elevándose a un nivel Sigourney Weaver, y esta vez la historia expande el mundo, además permite que los niños se hagan cargo de algunas de las aventuras de vivir o morir. También funciona como una solución escalofriante para el público que vuelve a abrir los cines.

El seguimiento se remonta al primer día de la invasión en un prólogo asombroso y desconcertante: un día de baseball de ligas pequeñas en un pueblo pequeño se convierte en una carnicería absoluta y un caos cortesía de las bestias extraterrestres que acaban de llegar a la Tierra, y la familia Abbott, incluido su padre Lee (Krasinski), la madre Evelyn (Blunt), la hija sorda Regan (Millicent Simmonds) y su hijo Marcus (Noah Jupe) - se quedan luchando por ponerse a salvo. La acción luego cambia al presente, el día 474, que comienza donde terminó la película original, con Evelyn y los niños (incluido su bebé recién nacido) empacando lo que pueden y partiendo después de que Evelyn derrotara a uno de los demonios y Lee se sacrificara para salvar a los niños.

Al menos han descubierto cómo matar a los monstruos que los cazan: la combinación que provoca la onda sonora del implante coclear de Regan y un amplificador hace que las criaturas levanten su armadura impenetrable, y luego un disparo de escopeta en la cara las aniquila. Pero después de permanecer con vida aislados en su granja, ahora los Abbott tienen que lidiar con lo mucho que ha cambiado el mundo, incluido sus compañeros sobrevivientes. Uno de ellos es Emmett (Cillian Murphy), un viejo amigo que perdió a toda su familia y se convierte en un aliado reacio después de que Marcus resulta herido cuando su pierna queda atrapada en una trampa para osos.

La familia navega por su nueva realidad, y eso significa averiguar en qué personas confiar, tomar algunas decisiones incorrectas y, en general, tratar de no morir.

Puede que Krasinski todavía sea un cineasta algo nuevo, pero este señor es un maestro en aumentar la tensión simplemente con el tintineo de botellas o el graznido de los pájaros en los momentos adecuados en un escenario que a menudo hace honor al nombre de “Quiet Place”. Y si no has estado en una sala de cine en 438 días, los sonidos más pequeños son aún más discordantes.

El egresado de "The Office" mantiene tu estómago tan tenso que harás un buen entrenamiento de abdominales durante las escenas en las que Regan se enfrenta a una criatura en un tren abandonado lleno de cadáveres (la pareja de Simmonds y Murphy lleva a las mejores escenas de la película) o cuando Marcus tiene para mantener a su hermanito a salvo de una muerte segura mientras se esconde en un horno. Por mucho que la primera película tratara sobre los padres que se convirtieron en héroes, “Part II” pone énfasis en la próxima generación que tiene que heredar lo que queda del mundo.

El nuevo "Quiet Place" no tiene nada de lujoso, ni es necesario: agregando algunas arrugas nuevas y saliendo de la claustrofobia al estilo "Alien", pero es una secuela sólida que sonará lo suficientemente bien para gente que, como los Abbott, también se está aventurando en un mundo que se siente un poco distinto.

Crítica Cinéfila: Anna

Bajo la hipnotizante belleza de Anna Poliatova (Sasha Luss) se esconde un secreto que la lleva a poder desatar una imparable agilidad y fuerza, convirtiéndose así en una de las asesinas a sueldo más temidas por los gobiernos de todo el planeta. 

Anna se siente como un intento modernizado de La Femme Nikita, una película que hablaba sobre una joven francesa huérfana que lleva una doble vida: amante cariñosa y dedicada, y espía/asesina asignada del gobierno. Lo decepcionante no es solo que Luc Besson no pudiera simplemente rehacer la famosa película de Nikita, sino que hiciese su peor versión.

Anna (Sasha Luss), una drogadicta de Moscú cuyo ingenio y calma la llaman la atención de un fantasma de la KGB (Luke Evans), y antes de que alguien se dé cuenta, está operando en París como una modelo de élite que se dedica también a asesinatos por encargo.

No hay subtexto, no hay tensión; en ningún momento te preocuparás de que Anna pueda ser atrapada o asesinada, porque todo el trato de Besson son escapes, amputaciones y falsificaciones de último segundo. La única variación que juega en La Femme Nikita es que no sigue una línea cronológica, prefiriendo mostrar un evento impactante en el presente, para luego volver a varios meses antes, cuando se sentaron las bases para cualquier cambio o traición que ya se hayan presenciado en pantalla, y creanme que estos viajes en el tiempo no pudiesen haber mareado más.

Besson parece pensar que es una elección estructural atrevida, pero todo lo que hace es enseñar a no tomar nada a su valor nominal. No se dan razones para que alguien se preocupe por el por qué de cualquier cosa, entonces, ¿por qué alguien estaría invirtiendo en cómo hacerlo? El vacío de Anna, combinado con su tiempo de ejecución de dos horas otorga un momento para uno analizar que uno no se estaría perdiendo de nada si hubiese evitado mirar esta película.

¿Por qué se ha diseñado Helen Mirren para que se parezca a Fran Leibowitz como la administradora de la KGB de Anna? ¿Por qué tantos montajes de asesinatos que terminan cuando Anna estrangula a su víctima? Y si quiere hablar sobre detalles de la época, Anna tiene lugar entre 1985 y 1991, en la era de Glasnost: Mikhail Gorbachev está en el poder y la URSS se está abriendo a Occidente. Pero esta película está perdida sin horizontes ni seguimientos a la realidad del mundo en aquel entonces. Y no solo eso... Besson se equivoca con los detalles del período más básico: los moscovitas comunes tienen IBM ThinkPads y WiFi, las salas de situaciones de la CIA tienen pantallas planas y los teléfonos móviles de todos son considerablemente más pequeños de lo que hubieran sido. 

Besson pasó la mayor parte del año pasado involucrado en situaciones sobre MeToo, hasta el punto en que afectó la estrategia de distribución estadounidense de Anna. Mientras más dura Anna, más incómodas se sienten las opciones de Besson, pues al final del día, es una mujer balanceándose entre dos hombres y un patriarcado de espías. Luss, que se parece a Milla Jovovich (la ex esposa del cineasta), se ve casi exclusivamente como un objeto físico, deseado y utilizado por casi todos. Lo más cercano que tiene la película a un tema es la idea de que siempre está trabajando para alguien que promete su libertad; da un paso atrás y se da cuenta de que está siendo intercambiada entre divisiones e instituciones como una posesión. Incluso el romance de Anna con otra modelo (Lera Abova) es, en última instancia, solo transaccional: a Anna se le ha ordenado usarla como cobertura, porque las novias disuaden a los depredadores.

Besson podría argumentar que todo este fetichismo está al servicio de su héroe que finalmente reclama su propia agencia, pero es la razón más fina, y no explica realmente por qué la cámara ve a Anna como un objeto a lo largo de la imagen.

Por su parte, Luss no juega en los clichés. Ella le da a Anna un núcleo de rabia y vigilancia que apoya perfectamente todo el trabajo físico que debe hacer en el transcurso de la película. La mayoría son cosas muy comunes para correr y saltar, hasta que se presencia una secuencia en la que Anna se inspira en John Wick a través de un restaurante lleno de matones, armada solo con una pistola vacía; al final de la secuencia, está cortando gargantas con platos rotos y matando a su marca con un tenedor. Sin embargo, es difícil leer a la actriz, pues sus emociones son muy planas, sin siquiera intentar expresarse.

Pero esa es la única escena en Anna en la que todo se junta y se ve la película que podría haber sido: robusta, implacable, inteligente y divertida. Mientras tanto, es una historia vacía, confusa  y sin un fin determinado.