Crítica Cinéfila: Don't Worry Darling

Alice (Pugh) y Jack (Styles) están felizmente casados ​​y locamente enamorados, y viven en un remoto pueblo empresarial en el desierto. Pero Alice comienza a sospechar que no todo va bien con la compañía, Victory, o su carismático fundador, Frank (Pine).

El debut como directora de Olivia Wilde en Booksmart (2019), es un encantador retrato de la vida adolescente que constantemente elude las expectativas de un prospecto camino a la adultez con un efecto hilarante. Con un concepto y tono en un giro de 180 grados, esta segunda dirección es mucho más ambiciosa y más difícil de adoptar al instante. La buena noticia es que muestra una ambición considerablemente enfocada y está anclada en una actuación extraordinaria de Florence Pugh.

La película abre en la comunidad aparentemente ideal de Victory, un oasis empresarial en un desierto hostil donde los hombres trabajan cada día y las mujeres existen para apoyarlos. Alice (Pugh) y su marido Jack (Harry Styles) parecen preparados para grandes cosas y pasan las tardes de fiesta con colegas y amigos, o intimando entre ellos. Pero después de que la amiga de Alice, Margaret (KiKi Layne) tiene un colapso y Alice decide visitar el desierto prohibido para todos los habitantes, ella comienza a experimentar los mismos síntomas que su amiga, quedando en evidencia que algo está mal en este aparentemente paraíso. ¿Por qué vio un accidente de avión que nadie más notó? ¿Qué significa? En el fondo se vislumbra el fundador de Victory, Frank (Chris Pine), la figura magnética de todo el lugar, que parece desafiar a Alice a seguir buscando.

Es una pieza extraordinaria de construcción del mundo, con Wilde y el director de fotografía Matthew Libatique capturando los pasteles bañados por el sol de la Moderna de mediados de siglo mientras logran sugerir algo oscuro y peligroso detrás de esta máscara vintage. Hay referencias obvias, desde Valley Of The Dolls a The Stepford Wives hasta las líneas limpias y los colores brillantes de How To Marry A Millionaire. Pugh, con su cabello perfectamente peinado y despeinado y sus grandes ojos, parece estar justo en el medio de este paraíso, hasta que lo destroza todo. Su actuación con sospechas y su desesperación crece, es impecable. Styles es sólido en el papel menos exigente de su esposo, pero no hay duda de que esta es su película, y todos los demás están ahí para apoyarlo. 

Esta es una historia repleta de grandes ideas, desde una crítica al capitalismo y la familia nuclear hasta cuestiones relacionadas con el control coercitivo e incluso la radicalización en línea, pero no todas están completamente formadas. Hay cuestiones sobre el uso de niños para controlar a las mujeres, de una manera que es profundamente incómoda, y cuestiones sobre la complicidad femenina en el patriarcado que no se fusionan del todo. Además de esto, la historia deja más interrogantes que reflexiones, dejando muchos cabos sueltos tanto de las actitudes de algunos personajes como de elementos narrativos que se presentaron allí y no tuvieron una resolución satisfactoria.

Hay una falta de cohesión en todo el último acto. Las revelaciones que vienen se sienten menos estremecedoras de lo que deberían, aunque el gran twist es inesperado hasta cierto punto. Tal vez porque estamos insensibilizados a la misoginia, de modo que lo que viene es al mismo tiempo demasiado familiar y externo. Pero puede ser simplemente que, después de una acumulación lenta que se deleita en los detalles y las grietas que se extienden gradualmente en la psique de Alice, todo sucede demasiado rápido para sentirse tan personal o tan inmediato como lo que sucedió antes. La confrontación de Alice contra su contraparte es casi inexistente, nunca llega a entenderse y, por lo tanto, la sensación de cierre nunca llega. Ese podría ser el punto de Wilde: estas son, después de todo, preguntas confusas y fuerzas nebulosas que van mucho más allá del individuo, pero al final hay una sensación persistente de que algo permanece sin decir y sin darse cuenta.

Pugh es excelente, mientras que Wilde da un paso adelante con confianza hacia un tema y un presupuesto más grandes para ofrecer una película elegante y hermosa. No pega bien el aterrizaje, pero su vuelo hasta ese punto es fascinante.

Crítica Cinéfila: Monster - The Jeffrey Dahmer Story

La historia del monstruo de Milwaukee contada desde la perspectiva de las víctimas y la incompetencia policial que permitió al nativo de Wisconsin emprender una matanza de varios años. 

Uno de los reyes de la televisión del drama criminal se ha enfrentado a una verdadera historia de terror estadounidense con Dahmer/Monster: The Jeffrey Dahmer Story. Creada por Ryan Murphy e Ian Brennan, esta miniserie de Netflix de 10 episodios intenta volver a contar los asesinatos de Dahmer desde el punto de vista de las víctimas, lo cual se convierte en una perspectiva que puede resolver un gran problema con los programas de crímenes reales.

La serie limitada del creador de American Horror Story y American Crime Story , Ryan Murphy, está protagonizada por Evan Peters en el papel principal y sigue los infames asesinatos del Monstruo de Milwaukee, cuyos crímenes abarcaron 13 años, entre 1978 y 1991. Esta no es la primera vez que el público ha visto a Jeffrey Dahmer dramatizado en la pantalla, con el notorio asesino en serie interpretado previamente por Jeremy Renner en Dahmer de 2002 y por Ross Lynch en My Friend Dahmer de 2017. Sin embargo, una técnica de narración diferenciará a Monster: The Jeffrey Dahmer Story de otros espectáculos de crímenes reales.

El primer tráiler de Monster: The Jeffrey Dahmer Story presenta a los espectadores su primer vistazo a la siniestra representación de Evan Peters de Jeffrey Dahmer en la serie, así como a la alumna de Scream Queens, Niecy Nash, al actor de Dear White People, Shaun J. Brown, y al coprotagonista de The Shape of Water, Richard Jenkins. Este también incluye algunas imágenes desgarradoras que sugieren un tono muy oscuro para la serie, incluida una escena en la que el asesino en serie titular acuna un cadáver y otra en la que sirve un sándwich de carne humana, con una versión de fondo distorsionada del éxito de 1982 de Yazoo, "Don't Go". "Monster: La historia de Jeffrey Dahmer", una serie limitada de 10 partes, pondrá a las víctimas y vecinos de Dahmer al frente y al centro, demostrando que Murphy ha tomado medidas para evitar un problema mayor con el género y el estilo de contar estas historias.

El primer episodio es el final de las atrocidades de Jeffrey, cuando su última víctima logra escapar y atrae a la policía hacia el lugar de los hechos. A partir de ahí, cada episodio es un recuento de como Jeffrey y sus víctimas llegaron a ese punto. De una manera morbosa, la audiencia va a crear una leve empatía con el Jeff de Peters, un joven que desde muy chiquito sufrió el abandono de las personas que debían protegerlo, y por eso surgió un apego obsesivo hacia lo que le llamaba la atención. En un momento de la serie él expresa la razón de que exparciera los restos de un cuerpo calcinado, con el propósito de que él lo sintiera presente con él. Ya a partir del 5to episodio, el enfoque toma un giro, y se van distinguiendo que atrae a Jeffrey: lo prohibido o "exótico" (no se da a entender que él eligiera sus "presas" porque eran de razas sociales aún más marginadas en ese momento de Estados Unidos, aunque más tarde si lo acusan de que lo hizo porque sabía que no lo iba a capturar tan fácil por esas desapariciones). 

Cada episodio recorre a Jeffrey desde la perspectiva de víctimas, vecinos, personas allegadas y personas afectadas. La historia en particular que seguro va a conmover aún más a la audiencia va a ser la de Tony Hughes en el episodio Silenced, donde se ve la historia casi completa desde los ojos de este modelo sordomudo que cruzó camino con Jeffrey, y cómo trató de mantener las relaciones con más calma y desarrollo, cambiando el modus operandi y hasta manera de pensar de Jeff. Es un episodio sumamente doloroso, incluso si se ve desde el punto de vista de Tony. Así mismo, la actuación de Nash como Glenda es ese grito de despertar de la serie completa donde demuestra la homofobia y racismo existentes en la comunidad policial, no solo de aquel entonces sino aún en el presente.

Pero a quien verdaderamente hay que reconocerle el trabajo actoral limpio y efectuoso es a Evan Peters, quien ya había trabajado con Ryan Murphy durante todas las temporadas de American Horror Story. Aquí, se adentra tanto en la piel, actitud y ritmo de Jeffrey, que es demasiado creíble. En el último episodio, que sigue el momento de conversión cristiana de Jeffrey, también permite observar que tanto ha reflexionado el personaje sobre sus hechos, y cómo lo que él ha hecho también ha afectado a toda su familia.

Los dramas y documentales sobre crímenes reales, especialmente aquellos centrados en asesinos en serie, a menudo han sido objeto de escrutinio por prestar demasiada atención al asesino y no centrarse lo suficiente en las historias detrás de aquellos a los que le arrebataron la vida. El estilo de narración desde el punto de vista de Monster: The Jeffrey Dahmer Story puede evitar activamente este problema, contando la historia desde la perspectiva de las víctimas, lo que brindará a los espectadores una mirada profunda a la vida de estas personas antes de su prematura muerte y así también la historia de fondo de Dahmer que lo llevó a estas afecciones y atractivos. Esta técnica demuestra que, aunque sigue centrándose en los terribles asesinatos, la nueva serie de Ryan Murphy muestra cierta sensibilidad por las personas afectadas por los crímenes de Dahmer. Monster: The Jeffrey Dahmer Story será potencialmente un pionero para los dramas de crímenes reales en el futuro.

Crítica Cinéfila: Do Revenge

Cuando se conocen de forma fortuita, Drea y Eleanor deciden forjar una amistad secreta para vengarse cada una de los acosadores de la otra.

La primera película de Netflix de Jennifer Kaytin Robinson, Someone Great (2019), fue tan inspiradora que Taylor Swift escribió una canción completa al respecto. Para mantener las conexiones de Swift, "Better Than Revenge" de Speak Now se siente como la contraparte obvia de Do Revenge. Al igual que la canción de Swift, la película de Robinson ofrece un crescendo en capas de ira, traición y cálculo, que culmina en una historia que es un poco problemática, pero sigue siendo inquebrantablemente entretenida.

Dirigida por Robinson y coescrita por Celeste Ballard, Do Revenge está protagonizada por Camila Mendes como Drea, marginada de sus compañeros después de que su ex novio falsamente feminista filtrara un video privado a toda la escuela. Más tarde conoce a Eleanor (Maya Hawke), una joven que recién ingresa a su prestigiosa escuela privada, y quien se convirtió en una antisocial por una chica que la acusó que trató de abusar de ella, convirtiéndola en un estereotipo lésbico depredador. Las dos traman un plan para vengarse de aquellos que las lastimaron y, como sugiere el título, vengarse de cada uno.

Lo más importante de la película es su buen establecimiento pintado en colores pastel y brillante. El diálogo y la comedia son cualquier cosa menos secos (a diferencia de la desafortunada peluca de Hawke) y en el diseño de vestuario se remontan a películas clásicas de los 90 como Clueless, pero con un toque Gen Z. Siguiendo los pasos de Crush, Do Revenge satiriza la experiencia única de la era de Internet de la Generación Z, sin dejar de ser lo suficientemente sincera como para no sentirse como una parodia completa. Con una moda deslumbrante, un lagarto hilarantemente llamado "Ganadora del Oscar Olivia Colman" y un cameo digno de uno de los pilares de la escena adolescente de los 90 (Sarah Michelle Gellar), los elementos más absurdos de esta son los más divertidos, y su humor sardónico se presta a su ironía retorcida, todo subrayado por su banda sonora asesina. Esta película ha sido anunciada como hitchcockiana y cumple con los giros y vueltas implícitos, incluso si algunos son un poco predecibles.

Do Revenge merece sus flores por no tener miedo de hacer que sus protagonistas se vean desquiciadas y desagradables, incluso si su apresurado tercer acto hace que su viaje hacia la redención parezca un poco cliché. Debido a la rapidez con la que la película termina, el final feliz no se siente completamente ganado, ya que los arcos de redención de los protagonistas que siguen al giro del tercer acto suceden en fugaces líneas de diálogo entre giros completos de 180 en la caracterización; en un momento están amenazando con enviar a alguien a la cárcel a través del chantaje, al siguiente están frente al atardecer. A pesar de resolver rápidamente una historia al servicio de otra, Do Revenge todavía ofrece una conclusión adecuada para una ambiciosa comedia negra. Mendes y Hawke brillan, y su química permite que su amistad se sienta rica y genuina, fundamentando la película con estos dos "almas gemelas jodidas".

Dicho esto, para una película cuyos personajes están tan preocupados por su propia óptica, pasé mucho tiempo tratando de entender lo que esta película intenta decir, especialmente sobre sus personajes queer. Los momentos se sienten hechos a la medida para una audiencia queer, y no de la manera familiarmente engañosa y complaciente, sino de una manera que se siente auténtica. Pero como el tipo de historia que podría haberse hecho fácilmente de mala fe y en un esfuerzo por confrontar los estereotipos dañinos sobre las mujeres queer, Do Revenge a veces termina cayendo de cabeza en ellos. Mientras Eleanor lidia con eliminarse ese sello del pasado que ha internalizado tan profundamente, la película convierte esas inseguridades y miedos en algo malvado. A pesar de que a los personajes queer se les debe permitir que el mismo talón gire, la película hace que su giro se sienta alucinantemente repentino, y su redención aún más desconcertante.

Sin embargo, los pequeños detalles antes mencionados sugieren en gran medida que las intenciones eran puras y que la historia simplemente fue víctima de la vaguedad que requería la estructura de esta película. Si eres una mujer queer despreciada, esta película es catártica, sea esa la intención de la película o no. Porque, después de tantos años de ver cómo se desarrolla el arquetipo psicópata lésbico, es satisfactorio ver a una mujer queer sobrevivir a su plan de venganza, incluso si la película la distorsiona brevemente en una caricatura.

En cierto modo, Do Revenge hace cosas increíblemente desordenadas en nombre de la venganza, pero que al final no es completamente irredimible. La fantasía de Eleanor, construida después de años de ser etiquetada como la depredadora, fue la más satisfactoria, incluso cuando la película hace todo lo posible para que parezca inquietante. Del mismo modo, la fantasía de Drea también se siente catártica, ya que se la pega al manipulador masculino titulado que siempre ha salido impune, especialmente porque ella es el único personaje en esta escuela de élite fuera de la categoría riquita de sus compañeros. Un intercambio temprano entre Eleanor y Drea resume el intento de su película de desenmascarar varias complejidades morales: "Se siente tan problemático". “¡Lo es, pero es divertido!”

Do Revenge es una divertida comedia oscura, con dos historias de venganza lo suficientemente satisfactorias como para convertirla en la última incorporación al universo cinematográfico "Good For Her". Tiene suficiente sarcasmo mordaz para enganchar a los espectadores desde el salto, y suficiente corazón para mantenerlos cerca hasta el final. La venganza puede ser un plato que se sirva mejor frío, pero se deleita con el calor ardiente de la adolescencia y, en última instancia, brinda un buen momento enojado, desordenado y catártico.

Crítica Cinéfila: Pinocchio

Versión en acción real y CGI del aclamado cuento sobre una marioneta que se embarca en una trepidante aventura para convertirse en un niño de verdad. La historia también presenta a otros personajes, como Gepetto, el carpintero que fabrica a Pinocho y lo trata como a su propio hijo; Pepito Grillo, que hace las veces de guía y “conciencia” de Pinocho o el Hada Azul.

Pinocchio ha sido el outcast durante mucho tiempo dentro del universo clásico de Disney, a pesar de haber sido una de las primeras películas animadas que solidificaron la reputación de Walt Disney como un maestro narrador y formaron la base de los cuentos de hadas cinematográficos estadounidenses. Es difícil encontrar a alguien que reclamen hacer una adaptación del original de 1940, la segunda película animada jamás realizada por Disney, como su favorito. Muchos lo encontraron aterrador e inquietante. Es una historia extraña de un títere de madera inteligente que sueña con ser un niño de verdad, le crece la nariz cuando miente, y es testigo de cómo niños rebeldes se transforman en burros y son tragados por una ballena.

Por lo tanto, tiene sentido (e imaginemos que por razones comerciales) que la inevitable nueva versión live-action de Pinocho pase por alto los cines y se dirija directamente a Disney+. Es un ajuste extraño, menos publicitado que las demás versiones recientes, ni una película para niños ni una película para toda la familia. Hay una extrañeza en todo el procedimiento: un clásico no querido, lijado de la novela original de 1883 del autor italiano Carlo Collodi, visualmente estimulante pero emocionalmente aburrida.

La rotación de acción en vivo de Disney ha dado como resultado, en el mejor de los casos, adaptaciones fieles que luchan por capturar la magia de la animación (El Libro de la Selva y Aladdin) y, en el peor, robos no solicitados que se adentran profundamente en el valle inquietante (Dumbo, The Lion King, Cenicienta). Pinocho, dirigida por Robert Zemeckis, quien la co-escribe con Chris Weitz, se inclina más hacia la primera versión, aunque se ve obstaculizada por el hecho de que nunca deja de ser extraño, a nivel visual, ver una marioneta de madera CGI interactuar con humanos reales.

El atractivo central de la película es el reencuentro de Zemeckis con Tom Hanks, como el solitario carpintero Geppetto, y Pinocho ofrece indicios de ese sentimentalismo que llevó a sus colaboraciones anteriores: Forrest Gump, Cast Away, The Polar Express. Hanks es el ideal platónico de una figura conmovedora para los niños, y no puedes evitar animarlo a actuar con valentía en medio del CGI, intentando y ocasionalmente logrando anclar esta historia de un títere parlante a la emoción humana real. La película es más efectiva cuando Hanks se entrega por completo al papel de un hombre solitario que ha perdido a su hijo (un niño real, una vez, y ahora uno de madera) y desea desesperadamente volver a ser padre, tratando a sus mascotas y creaciones como su familia inanimada (aquí una gran nostalgia hacia Cast Away).

Ese deseo, desde "lo más profundo de su corazón", se hace realidad a través de la magia del hada azul (Cynthia Erivo), envuelta en un brumoso brillo y entonando "When You Wish Upon a Star", la canción característica de las producciones de Walt Disney, que se originó en la película de 1940. Cricket (Joseph Gordon-Levitt) quien queda encargado del manejo de los deberes morales de Pinocho hasta que este sea un niño real, también actúa como narrador y, por lo tanto, como principal interlocutor entre el diálogo moderno y el escenario del siglo XIX, para niños y padres.

Otros momentos hacen referencia al presente, y en particular al espectro de la fama que destroza la conciencia. “Ser famoso es ser real”, le dice a Pinocho el estafador zorro Honest John (Keegan-Michael Key), atrayendo al niño con la fama y la oportunidad de “ser un influencer”. Una escena en la que Pinocho se agita en el escenario entre carcajadas en un espectáculo de marionetas dirigido por el monstruoso Stromboli (Giuseppe Battiston) sugiere un metacomentario sobre el espectáculo explotador. Se pueden ver ecos de una acumulación de Twitter en el “rincón del desprecio” de la engañosa isla del placer del cochero (un diabólico Luke Evans) para niños destructivos e inconscientes.

Ninguno de estos es ofensivo o desafinado, particularmente para una historia cuyo personaje central carece de mucha caracterización o encanto; hasta el acto final, el pobre Pinocho es golpeado principalmente por las maquinaciones de los demás. El personaje nunca guía la historia, y de paso se abandona ese mensaje moral de la historia original de las consecuencias que puede tener cuando actúas al contrario de lo que te dicen tus padres. La película de Zemeckis lo compensa un poco en el arte: el espectáculo de Pleasure Island es visualmente deslumbrante, y el escape de Geppetto de la ballena acelera a cualquier miembro de la audiencia. El gato CGI de Geppetto, Figaro, pasa de ser una distracción falsa a entrañable, al igual que una servicial gaviota llamada Sofia (Lorraine Bracco). Sobre todo, Kyanne Lamaya se destaca como Fabiana, un personaje inventado que se hace amiga de Pinocho en el show de Stromboli.

A menudo, es difícil saber a qué culpar cuando los remakes de acción en vivo de Disney fracasan. ¿Es que la animación permite una suspensión de creencias que los actores humanos no pueden sostener? ¿Un problema con el material de origen? ¿Un aire de estrategia corporativa a todo el asunto? En el caso de Pinocho, es una combinación de los tres. De cualquier manera, algo está mal: la película está elaborada de manera competente, debidamente actuada, claramente trabajada con alma y, sin embargo, como su estrella, carece de un corazón palpitante.

Crítica Cinéfila: Barbarian

Una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquila una casa para pernoctar. Pero cuando llega a altas horas de la noche, descubre que la casa está doblemente reservada y que un hombre extraño ya se está quedando allí. En contra de su buen juicio, decide pasar la noche allí, pero pronto descubre que hay mucho más que temer que un invitado inesperado.

Imagínese aparecer en un alquiler de Airbnb, solo para descubrir que otro huésped ya está allí. ¿Qué haría? ¿Regístrese de todos modos y espere lo mejor? ¿O tomar la confusión como una señal y largarse? En “Barbarian”, Tess (Georgina Campbell) toma la decisión equivocada. Ya es tarde y decide quedarse, a pesar de que el extraño que comparte la casa es interpretado por Bill Skarsgård (el actor que encarnó a Pennywise en el reciente remake de “It”). Para el público, este casting es una pista de que Tess tendrá una estadía aterradora. Pero igualmente sería un error pensar que la descubierto solo por el cast.

Para Tess, hay muchas otras señales de alerta en la forma en que se comporta su inesperado compañero de cuarto. ¿Debería realmente creer que reservaron dos veces el mismo lugar en un barrio abandonado de Detroit? ¿O hay otra razón por la que está allí? ¿Y si es una especie de violador o asesino serial? ¿Es la cerradura endeble de su dormitorio suficiente para protegerla en caso de que él se vuelva violento? Tess tiene ciertos instintos de supervivencia (es lo suficientemente inteligente como para rechazar un trago de una persona que supuestamente se llama "Keith"), y también tiene empatía, que se convertirá en una especie de característica definitoria más adelante, cuando las cosas se salgan de control y solo quieras que se vaya de la ciudad lo más rápido posible.

El guionista y director Zach Cregger asume que la audiencia ha visto "Psicosis" o, si no, que el trauma psíquico de esa película se ha filtrado en la cultura cinéfila lo suficiente como para que toda mujer del siglo XXI viaje lo suficientemente alerta para dudar de cualquier extraño dulce y aparentemente inofensivo que se encuentre en el camino. Al igual que ese clásico de Alfred Hitchcock, "Bárbaro" también se reinicia abruptamente después de un primer acto largo y engañoso. Ambientada en el casi abandonado distrito de Brightmoor de Detroit, esta introducción es deliciosamente incómoda y juega con los temores de que las mujeres no están seguras entre hombres desconocidos, pero no indica en absoluto hacia dónde se dirige la película. 

Sí, hay un monstruo al acecho en esta casa, pero no es este hombre y ningún hombre puede ayudar a Tess a derrotarlo. la sensación de pavor que crea el cineasta es en base al material del que están hechas las mejores películas de terror. Para el público femenino, esto corresponde a un miedo del mundo real de cómo no convertirse en una víctima más de #MeToo, y luego sorprende con un tipo de terror muy diferente.

Esa primera noche, Tess nota una puerta al final del pasillo que parece abrirse sola. Al día siguiente, en contra de su buen juicio, la abre para descubrir un siniestro sótano que no ha sido avisada por sus anfitriones. Abajo, hay pasillos, túneles y pasadizos secretos que probablemente es mejor dejar sin explorar, aunque eso no le impide investigar. A la vuelta de una esquina oscura, Tess descubre una especie de sala de detención, abandonada a excepción de un catre sucio, una cámara vieja y una huella de mano mugrienta en la pared. ¿Qué tipo de forraje de pesadilla sucedió aquí? Si sale con vida, ¿debería mencionar la cámara de tortura en su reseña de invitado?

Justo cuando el público comienza a sentirse apegado a Tess y Keith, Cregger corta abruptamente al propietario de la casa, AJ (Justin Long), un actor de Hollywood conduciendo por la costa de California. Mientras habla por teléfono con sus representantes, de repente se encuentra con lo que los hombres del siglo XXI parecen temer más: las acusaciones de conducta sexual inapropiada. Todo iba muy bien en su carrera, y ahora, más rápido de lo que se puede imaginar, todos sus proyectos están en espera. Incluso su gerente está cortando lazos. Cregger fue inteligente al reclutar a Long para ese papel, ya que el actor es muy simpático, pero también es el aparentemente muy simpático hombre blanco.

Por un tiempo, Cregger abandona la historia de Tess para concentrarse en la llegada de AJ. El cambio de tono de alguien que nos importa a esta herramienta es alarmante. Aquí, en lugar de preocuparse por lo que sucederá con el personaje, es posible que el público se encuentre deseando que suceda algo terrible. Cregger establece todo tipo de sentimientos complicados a medida que la creciente idiotez de AJ toma el lugar del acto de apertura más inteligente y sutil. Tenga la seguridad de que tiene toda la intención de pagar esas frustraciones, uniendo las dos historias a través de una tercera: un flashback al estilo de Brian De Palma ambientado décadas antes, en el que un depredador se aprovecha de las mujeres locales.

El instinto de Cregger para el suspenso es tan efectivo que es difícil creer que antes de “Barbarian”, el director trabajó principalmente en la comedia pero ya nos hemos topado con directores que han tenido la misma trayectoria. Lo que sí resulta atractivo es cómo este comediante desarrolla el tema del acoso y abuso desde tantos puntos de vista, y lo aterriza en un género de terror gore donde los personajes intercambian su rol, y algunos pasan de ser víctimas a depredadores. Las líneas de tiempo son fáciles de rastrear pues van creando la base para entender los motivos y las acciones de quienes se siguen en pantalla. 

Los cinco puntos del review van sobre todo para el Departamento de Arte quienes, bajo el mando de Peter Krumov, quienes no solo crearon un laberinto subterraneo dentro de la misma casa sino que crearon toda una atmósfera terrorífica en el distrito abandonado de Brightmoor, acompañado de la cinematografía de Zach Kuperstein. La película fue realizada en Bulgaria, Michigan y Malibú, haciendo que se convierte en un ejercicio malcomunado entre logística y creatividad para que todos los escenarios se sientan dentro de un mismo universo cinematográfico.

Por otra parte, un sentido del humor deliciosamente retorcido corre debajo de la superficie. De hecho, la imagen de alguien (o algo) corriendo bajo la superficie es una de las emociones más escandalosas de la película. El público puede estar esperando algo sobrenatural, pero aquí también, "Psicosis" parece ser el punto de referencia, ya que "Barbarian" genera conmoción sobre conmoción, brindando a los espectadores otra madre que no olvidarán pronto.

Crítica Cinéfila: The Mystery of Marilyn Monroe - The Unheard Tapes

Documental que explora el misterio de la muerte del icono del cine Marilyn Monroe a través de entrevistas inéditas con su círculo más cercano.

La prensa sensacionalista es un ente tan potente que puede influir en la forma en que uno piensa sobre los temas que entran en esas secciones. “ The Mystery of Marilyn Monroe: The Unheard Tapes ” es un documental que se sumerge en lo que consideramos los aspectos más chabacanos y sensacionalistas de la historia de Marilyn Monroe. Sigue su muerte, el 4 de agosto de 1962, por una sobredosis de barbitúricos; la espantosa espiral descendente de depresión y narcóticos que condujo a ella; y el chisme más escandaloso jamás relacionado con Marilyn Monroe: sus aventuras clandestinas con John F. Kennedy y Robert F. Kennedy.

A simple vista podría parecer que "El misterio de Marilyn Monroe" suene como un cliché de crímenes reales de tipo guilty-pleasure, por ser una de esas exposiciones glorificadas de la televisión sensacionalista con una cachetada de credibilidad investigativa. Sin embargo, es una película muy buena. Es más, no hay razón para seguir fingiendo que lo que le pasó a Marilyn Monroe es una casualidad. 

En verdad, todos los aspectos de su vida estaban conectados entre sí: su papel como el mayor símbolo sexual del siglo XX; el fulgor derretido y la magia que exudaba en la pantalla, que eran inseparables de sus dotes como actriz; la infancia desolada que la dejó sintiéndose, durante la mayor parte de su vida adulta, sola, abusada y abandonada; el desfile de hombres poderosos y famosos con los que estuvo involucrada; y adónde condujo todo eso: a una caída que, en su tragedia, tuvo tanto significado como su vida, que es una de las razones por las que sus aspectos más explosivos se consideraron demasiado peligrosos para el consumo público. “El misterio de Marilyn Monroe” es la rara exposición sensacionalista que quiere dejar las cosas claras, y lo hace. Enfrenta las preguntas clave, así como las teorías de la conspiración de si fue o no asesinada, y por qué. Y cuando salga del otro lado, puede sentir, por primera vez, que realmente sabe lo que sucedió, y que todo tiene un sentido terrible.

La película fue dirigida por Emma Cooper, quien hace un excelente trabajo al evocar la gloria de Marilyn y su humanidad. Los clips de archivo que ha reunido entretejen el glamour sinigual de Monroe con la forma en que, en momentos privados, emite un tipo de luminiscencia tan conmovedora. Pero Cooper también está trabajando con el periodista de investigación Anthony Summers, cuyo libro de 1985 Goddess, the Secret Lives of Marilyn Monroe es la base del documental. Muchas de las noticias aquí, en otras palabras, están lejos de ser nuevas. Pero escuchamos clips de las entrevistas sobre las que Summers construyó su libro: habló con mil personas cercanas a Marilyn o que estaban conectadas de alguna manera con ella, con la narración de 650 de las entrevistas grabadas.

Al escuchar los comentarios grabados, podemos juzgar la veracidad de lo que estamos escuchando. Cooper presenta una técnica sorprendentemente efectiva, con actores, hablando por teléfono, sincronizando los labios con las cintas, en clips que se filman con los colores apagados y granulados. Podría clasificar esta mejora como una distorsión dramática, pero transmite las palabras que escuchamos con una claridad cada vez mayor que ayuda a disolver la línea entre el pasado y el presente. El efecto de la técnica es transformar toda la película en un documental noir, una inmersión en la oscuridad de los años 40/50.

La película recorre toda la vida de Marilyn, pero lo hace a través de la lente de sus relaciones con los hombres, basándose en la idea de que su búsqueda de la figura paterna incondicional que nunca tuvo la condujo a un patrón autodestructivo de rechazar a los salvadores imperfectos. Marilyn sabía cómo manipularse a sí misma a través de las víboras de Hollywood (el sorprendente clip que vemos de ella cantando "Everybody Needs a Da Da Daddy" en la película de Columbia de 1949 "Ladies of the Chorus" tiene una resaca casi confesional). Pero una vez que alcanzó el estrellato, se obsesionó con convertirse en una buena actriz, razón por la cual fundó su propia productora. Sus matrimonios fallidos con Joe DiMaggio y Arthur Miller, por supuesto, han sido ampliamente documentados, con sus elementos de destino cruel (durante el rodaje de “Some Like It Hot” estaba embarazada del hijo de Miller pero abortó). Pero en "El misterio de Marilyn Monroe", son vistos en retrospectiva casi como peldaños hacia sus asuntos con los Kennedy.

La relación de Monroe con JFK en realidad se remonta a principios de los años 50, cuando ella acababa de hacerse famosa y él era un senador apuesto y rico, no muy conocido, que se juntaba con ella en sus excursiones a California. Pero en 1961 y 1962, después de que Kennedy se convirtió en presidente, Monroe estaba teniendo aventuras simultáneas con los dos hermanos Kennedy. Ella estaba jugando con fuego y ellos también.

Se podría decir que el misterio esencial que acecha la vida de Monroe es si su muerte fue accidental o un suicidio. Tal como siempre se ha visto, su muerte, por medio de pastillas, desdibujó la línea entre la causalidad y la desesperación pasiva. Sin embargo, el singular misterio oculto de la vida de Monroe es la cuestión de si, y cómo, sus peligrosas relaciones con Jack y Bobby estaban conectadas con su muerte. Si hubo una conexión, eso lleva a pensar que hubo juego sucio. En otras palabras: ¿la mataron porque sabía cosas que debían silenciarse?

“El Misterio de Marilyn Monroe” presenta pruebas convincentes, comenzando con el testimonio de los miembros de la familia del psiquiatra de Monroe, Ralph Greenson, sobre cómo su relación con los Kennedy la hizo decaer. Es uno de esos nidos de avispas de principios de los años 60 de política de trastienda, sexo y encubrimiento. Los Kennedy, debido a la tenacidad de Bobby como fiscal general, se habían convertido en enemigos de Jimmy Hoffa, el presidente de los Teamsters. Para quitarse de encima a los Kennedy, Hoffa buscaba suciedad en ellos. Así que contrató al detective privado Fred Otash (entrevistado por Summers) para poner micrófonos ocultos en la propiedad de Malibu de Peter Lawford, que los Kennedy usaban como su retiro de playboy, y también para que pusiera micrófonos ocultos en la casa de Marilyn. Había micrófonos debajo de las alfombras, en los candelabros, en las lámparas del techo.

Creemos que estamos escuchando el comienzo de una teoría de conspiración, y en cierto modo lo estamos. Pero Summers afirma explícitamente que Monroe no fue asesinada. El resultado de su enredo del destino fue simplemente que a los Kennedy, que habían estado tentando al destino manteniendo relaciones simultáneas con la estrella de cine más codiciada del mundo, se les dijo que necesitaban cortar los lazos con ella; se había vuelto demasiado arriesgado. Y así lo hicieron. Y la devastó. Viniendo después de un año de comportamiento errático, donde apenas había terminado el rodaje de "The Misfits", ser abandonada por los Kennedy la hizo caer en picada. Ella murió poco después.

Solo queda una fotografía de Marilyn Monroe con JFK y RFK, tomada en una fiesta la noche del famoso mitin de cumpleaños de JFK en el Madison Square Garden (aquella en la que Marilyn dio su famosa serenata con “Feliz cumpleaños, Sr. Presidente”). Y hay una razón por la que solo hay una fotografía. Summers descubre evidencia de cómo el escenario oficial del descubrimiento de la muerte de Monroe era una mentira. Fue un encubrimiento. Monroe había muerto y había sido encontrada horas antes.

Sin embargo, lo que se estaba encubriendo no era un juego sucio. Fue la participación de Monroe con los Kennedy, que estaba en el centro de la historia. Nunca se pudo permitir que saliera a la luz, por lo que se eliminó de la historia. Fue reprimido por el gobierno, los medios de comunicación, la mitología. “The Mystery of Marilyn Monroe: The Unheard Tapes” llena el final de la vida de Marilyn y, al hacerlo, le otorga a su tragedia, en toda su aparente sordidez, la dignidad de la comprensión emocional. También captura cómo, hasta el final, su historia fue más grande que ella, una historia casi tan grande como Estados Unidos.

Temporada de Premios: Ganadores a la 74ta entrega de los Premios Emmy

La 74ª entrega anual de los premios Emmy finalmente concluyó su etapa de galardones después de una apretada transmisión de tres horas que vio a varios ganadores repetidos, junto con unas cuantas sorpresas.

Durante la ceremonia presentada por Kenan Thompson en el día de ayer, "Ted Lasso" de Apple TV+ ganó el premio a la mejor serie de comedia por segundo año consecutivo, "The White Lotus" de HBO Max se llevó la mejor serie limitada y "Succession" de HBO obtuvo el premio a serie dramática por segunda ocasión.

Durante esta entrega, la estrella de "Squid Game" de Netflix, Lee Jung-jae, se convirtió en el primer actor asiático en ganar el premio al actor principal en un drama, y la cuarta persona asiática en ganar un Emmy de actuación, mientras que la estrella de "Euphoria" de HBO, Zendaya, se convirtió en la primera mujer negra en ganar el premio a la actriz principal en un drama, y la ganadora más joven en recibir dos Emmys en la misma categoría.

La estrella de "Hacks", Jean Smart, ganó el premio a Mejor Actriz en una Comedia por el programa de HBO Max, y Jason Sudeikis de "Ted Lasso" una vez más obtuvo el máximo honor como actor en una Comedia.

Amanda Seyfried quedó como mejor actriz principal en una serie limitada por su interpretación de la fundadora de Theranos, Elizabeth Holmes, en "The Dropout" de Hulu, y la actriz favorita de los fans en "The White Lotus", Jennifer Coolidge, ganó como actriz de reparto en una serie limitada. Por el lado de los actores, los honores fueron para Michael Keaton por "Dopesick" de Hulu y Murray Bartlett por su papel secundario en "The White Lotus" de HBO.

Se lograron avances en la diversidad en las categorías que no son de actuación cuando Hwang Dong-hyuk de “Squid Game” se convirtió en el primer director asiático en ganar la categoría de serie dramática, y el primer director en ganar por una serie en un idioma no inglés, y la creadora y estrella de "Abbott Elementary", Quinta Brunson, ganó por guión de serie de comedia

Además, los Emmy otorgaron el Premio de los Gobernadores 2022 al Instituto Geena Davis sobre Género en los Medios.

Aquí la lista de los ganadores de la última noche de premios:

Drama Series: “Succession” (HBO)

“Better Call Saul” (AMC)   

“Euphoria” (HBO)  

“Ozark” (Netflix)   

“Severance” (Apple TV+)   

“Squid Game” (Netflix)   

“Stranger Things” (Netflix)   

“Yellowjackets” (Showtime)

Comedy Series: “Ted Lasso” (Apple TV+)

“Abbott Elementary” (ABC)   

“Barry” (HBO)

“Curb Your Enthusiasm” (HBO)   

“Hacks” (HBO)   

“The Marvelous Mrs. Maisel” (Amazon Prime Video)

“Only Murders in the Building” (Hulu)

“What We Do in the Shadows” (FX)   

Limited or Anthology Series: “The White Lotus” (HBO)

“Dopesick” (Hulu)   

“The Dropout” (Hulu)   

“Inventing Anna” (Netflix)   

“Pam and Tommy” (Hulu)   

Lead Actress in a Drama Series: Zendaya (“Euphoria”)

Jodie Comer (“Killing Eve”)   

Laura Linney (“Ozark”)  

Melanie Lynskey (“Yellowjackets”)  

Sandra Oh (“Killing Eve”)  

Reese Witherspoon (“The Morning Show”)   

Lead Actor in a Drama Series: Lee Jung-jae (“Squid Game”)

Jason Bateman (“Ozark”)  

Brian Cox (“Succession”)  

Bob Odenkirk (“Better Call Saul”)  

Adam Scott (“Severance”)  

Jeremy Strong (“Succession”)  

Supporting Actress in a Drama Series: Julia Garner (“Ozark”)

Patricia Arquette (“Severance”)

Jung Ho-yeon (“Squid Game”)

Christina Ricci (“Yellowjackets”)

Rhea Seehorn (“Better Call Saul”)

J. Smith-Cameron (“Succession”)

Sarah Snook (“Succession”)

Sydney Sweeney (“Euphoria”)

Supporting Actor in a Drama Series: Matthew Macfadyen (“Succession”)

Nicholas Braun (“Succession”)

Billy Crudup (“The Morning Show”)

Kieran Culkin (“Succession”)

Park Hae-soo (“Squid Game”)

John Turturro (“Severance”)

Christopher Walken (“Severance”)

Oh Yeong-su (“Squid Game”)

Directing for a Drama Series:

Squid Game • Red Light, Green Light • Netflix • Siren Pictures for Netflix — Directed by Hwang Dong-hyuk

Ozark • A Hard Way To Go • Netflix • MRC for Netflix — Directed by Jason Bateman

Severance • The We We Are • Apple TV+ • Endeavor Content / Red Hour Productions in association with Apple — Directed by Ben Stiller

Succession • All The Bells Say • HBO/HBO Max • HBO in association with Project Zeus, HyperObject Industries, Gary Sanchez Productions — Directed by Mark Mylod

Succession • The Disruption • HBO/HBO Max • HBO in association with Project Zeus, HyperObject Industries, Gary Sanchez Productions — Directed by Cathy Yan

Succession • Too Much Birthday • HBO/HBO Max • HBO in association with Project Zeus, HyperObject Industries, Gary Sanchez Productions — Directed by Lorene Scafaria

Yellowjackets • Pilot • Showtime • SHOWTIME Presents, Entertainment One — Directed by Karyn Kusama

Writing for a Drama Series:

Succession • All The Bells Say • HBO/HBO Max • HBO in association with Project Zeus, HyperObject Industries, Gary Sanchez Productions — Written by Jesse Armstrong

Better Call Saul • Plan And Execution • AMC • High Bridge, Crystal Diner, Gran Via Productions and Sony Pictures Television — Written by Thomas Schnauz

Ozark • A Hard Way To Go • Netflix • MRC for Netflix — Written by Chris Mundy

Severance • The We We Are • Apple TV+ • Endeavor Content / Red Hour Productions in association with Apple — Written by Dan Erickson

Squid Game • One Lucky Day • Netflix • Siren Pictures for Netflix — Written by Hwang Dong-hyuk

Yellowjackets • F Sharp • Showtime • SHOWTIME Presents, Entertainment One — Written by Jonathan Lisco, Ashley Lyle, Bart Nickerson

Lead Actress in a Comedy Series: Jean Smart (“Hacks”)

Rachel Brosnahan (“The Marvelous Mrs. Maisel”)  

Quinta Brunson (“Abbott Elementary”)  

Kaley Cuoco (“The Flight Attendant”)  

Elle Fanning (“The Great”) 

Issa Rae (“Insecure”)  

Lead Actor in a Comedy Series: Jason Sudeikis (“Ted Lasso”)

Donald Glover (“Atlanta”)   

Bill Hader (“Barry”)  

Nicholas Hoult (“The Great”)

Steve Martin (“Only Murders in the Building”)   

Martin Short (“Only Murders in the Building”)  

Supporting Actress in a Comedy Series: Sheryl Lee Ralph (“Abbott Elementary”)

Alex Borstein (“The Marvelous Mrs. Maisel”)

Hannah Einbinder (“Hacks”)

Janelle James (“Abbott Elementary”)

Kate McKinnon (“Saturday Night Live”)

Sarah Niles (“Ted Lasso”)

Juno Temple (“Ted Lasso”)

Hannah Waddingham (“Ted Lasso”)

Supporting Actor in a Comedy Series: Brett Goldstein (“Ted Lasso”)

Anthony Carrigan (“Barry”)

Toheeb Jimoh (“Ted Lasso”)

Nick Mohammed (“Ted Lasso”)

Tony Shalhoub (“The Marvelous Mrs. Maisel”)

Tyler James Williams (“Abbott Elementary”)

Henry Winkler (“Barry”)

Bowen Yang (“Saturday Night Live”)

Directing for a Comedy Series:

Ted Lasso • No Weddings And A Funeral • Apple TV+ • Apple presents a Doozer Production in association with Warner Bros. Television and Universal Television — Directed by MJ Delaney

Atlanta • New Jazz • FX • FX Productions — Directed by Hiro Murai

Barry • 710N • HBO/HBO Max • HBO in association with Alec Berg and Hanarply — Directed by Bill Hader

Hacks • There Will Be Blood • HBO/HBO Max • Universal Television in association with Paulilu, First Thought Productions, Fremulon Productions, 3 Arts Entertainment — Directed by Lucia Aniello

The Ms. Pat Show • Baby Daddy Groundhog Day • BET+ • 20th Television, DAE Light Media, Imagine Television, Lee Daniels Entertainment — Directed by Mary Lou Belli

Only Murders In The Building • The Boy From 6B • Hulu • 20th Television — Directed by Cherien Dabis

Only Murders In The Building • True Crime • Hulu • 20th Television — Directed by Jamie Babbit

Writing for a Comedy Series: 

Abbott Elementary • Pilot • ABC • Delicious Non-Sequitur Productions in association with Warner Bros. Television and 20th Television — Written by Quinta Brunson

Barry • 710N • HBO/HBO Max • HBO in association with Alec Berg and Hanarply — Written by Duffy Boudreau

Barry • starting now • HBO/HBO Max • HBO in association with Alec Berg and Hanarply — Written by Alec Berg, Bill Hader

Hacks • The One, The Only • HBO/HBO Max • Universal Television in association with Paulilu, First Thought Productions, Fremulon Productions, 3 Arts Entertainment — Written by Lucia Aniello, Paul W. Downs, Jen Statsky

Only Murders In The Building • True Crime • Hulu • 20th Television — Written by Steve Martin, John Hoffman

Ted Lasso • No Weddings And A Funeral • Apple TV+ • Apple presents a Doozer Production in association with Warner Bros. Television and Universal Television — Written by Jane Becker

What We Do In The Shadows • The Casino • FX • FX Productions — Written by Sarah Naftalis

What We Do In The Shadows • The Wellness Center • FX • FX Productions — Written by Stefani Robinson

Lead Actress in a Limited Series or Movie: Amanda Seyfried (“The Dropout”) 

Toni Collette (“The Staircase”)  

Julia Garner (“Inventing Anna”)  

Lily James (“Pam and Tommy”)  

Sarah Paulson (“Impeachment: American Crime Story”)

Margaret Qualley (“Maid”)  

Lead Actor in a Limited Series or Movie: Michael Keaton (“Dopesick”)

Colin Firth (“The Staircase”)  

Andrew Garfield (“Under the Banner of Heaven”)  

Oscar Isaac (“Scenes From a Marriage”)  

Himesh Patel (“Station Eleven”)  

Sebastian Stan (“Pam and Tommy”) 

Supporting Actress in a Limited Series or Movie: Jennifer Coolidge (“The White Lotus”)

Connie Britton (“The White Lotus”)

Alexandra Daddario (“The White Lotus”)

Kaitlyn Dever (“Dopesick”)

Natasha Rothwell (“The White Lotus”)

Sydney Sweeney (“The White Lotus”)

Mare Winningham (“Dopesick”)

Supporting Actor in a Limited Series or Movie: Murray Bartlett (“The White Lotus”) 

Jake Lacy (“The White Lotus”)

Will Poulter (“Dopesick”)

Seth Rogen (“Pam & Tommy”)

Peter Sarsgaard (“Dopesick”)

Michael Stuhlbarg (“Dopesick”)

Steve Zahn (“The White Lotus”)

Directing for a Limited or Anthology Series or Movie:

The White Lotus • HBO/HBO Max • HBO in association with Rip Cord, The District and Hallogram Inc. — Directed by Mike White

Dopesick • The People vs. Purdue Pharma • Hulu • 20th Television, Danny Strong Productions, John Goldwyn Productions, The Littlefield Company — Directed by Danny Strong

The Dropout • Green Juice • Hulu • Searchlight Television, 20th Television — Directed by Michael Showalter

The Dropout • Iron Sisters • Hulu • Searchlight Television, 20th Television — Directed by Francesca Gregorini

MAID • Sky Blue • Netflix • John Wells Productions, LuckyChap Entertainment, Warner Bros. Television for Netflix — Directed by John Wells

Station Eleven • Wheel Of Fire • HBO/HBO Max • HBO Max presents a Paramount Television Studios production in association with Tractor Beam Productions, Shadowfox Productions, Stone Village Television, Inc., Pacesetter Productions, and Super Frog — Directed by Hiro Murai

Writing for a Limited or Anthology Series or Movie:

The White Lotus • HBO/HBO Max • HBO in association with Rip Cord, The District and Hallogram Inc. Written by — Mike White

Dopesick • The People vs. Purdue Pharma • Hulu • 20th Television, Danny Strong Productions, John Goldwyn Productions, The Littlefield Company — Written by Danny Strong

The Dropout • I’m In A Hurry • Hulu • Searchlight Television, 20th Television — Written for Television by Elizabeth Meriwether

Impeachment: American Crime Story • Man Handled • FX • 20th Television and FX Productions — Written by Sarah Burgess

MAID • Snaps • Netflix • John Wells Productions, LuckyChap Entertainment, Warner Bros. Television for Netflix — Written by Molly Smith Metzler

Station Eleven • Unbroken Circle • HBO/HBO Max • HBO Max presents a Paramount Television Studios production in association with Tractor Beam Productions, Shadowfox Productions, Stone Village Television, Inc., Pacesetter Productions, and Super Frog — Written by Patrick Somerville

Competition Program: “Lizzo’s Watch Out for the Big Grrrls” (Amazon Prime Video)

“The Amazing Race” (CBS)  

“Nailed It!” (Netflix)  

“RuPaul’s Drag Race” (VH1)  

“Top Chef” (Bravo)  

“The Voice” (NBC) 

Variety Talk Series: “Last Week Tonight With John Oliver” (HBO)

“The Daily Show With Trevor Noah” (Comedy Central)  

“Jimmy Kimmel Live!” (ABC)  

“Late Night With Seth Meyers” (NBC)  

“The Late Show With Stephen Colbert” (CBS)  

Outstanding Writing for a Variety Special:

Jerrod Carmichael: Rothaniel • HBO/HBO Max • HBO in association with Rotten Science Jerrod Carmichael, Written by

Ali Wong: Don Wong • Netflix • A24 for Netflix Ali Wong, Written by

The Daily Show With Trevor Noah Presents: Jordan Klepper Fingers The Globe – Hungary For Democracy • Comedy Central • Central Productions, LLC Ian Berger, Writer Devin Delliquanti, Writer Jennifer Flanz, Writer Jordan Klepper, Writer Zhubin Parang, Writer Scott Sherman, Writer

Nicole Byer: BBW (Big Beautiful Weirdo) • Netflix • All Things Comedy for Netflix Nicole Byer, Written by

Norm Macdonald: Nothing Special • Netflix • Irwin Entertainment for Netflix Norm Macdonald, Written by

Variety Sketch Series: “Saturday Night Live” (NBC)

“A Black Lady Sketch Show” (HBO/HBO Max)

Guión de Cinéfila: 10 ejercicios de escritura súper efectivos contra el estancamiento creativo

Erasé una vez, yo tenía una idea chulísima. Pero eso fue todo. Por más que intentaba lanzarme a su historia, nunca sabía cómo avanzarla. Y llegué a pensar que tendría que abandonarla, deprimiéndome porque (en mi mente) se sentía como si estuviese abandonando a mi propio hijo y sin ánimos de volver a buscarlo...

Pueden estar seguros de que si eligen escribir un guión, se encontrarán con uno o dos momentos en los que se estancarán, con pocas posibilidades de avanzar la historia, e incluso con grandes posibilidades de que abandonen el guión por completo. Todo el mundo experimenta el famoso “bloqueo creativo”. Abordar ese tipo de obstáculos es importante, pero no siempre es fácil hacer una escritura convencional. Es por eso que hay ejercicios de escritura que pueden usar para superar esos obstáculos. Estos me han funcionado y me ayudaron a terminar mi idea chulísima; seguro también les ayudará a ustedes.

1. Escribir una escena usando solo diálogo

A veces, las personas se atascan en los detalles de sus acciones y dejan que el diálogo se convierta en una ocurrencia tardía. Por lo tanto, comienza a sentirse forzado y poco interesante. En otros casos, los escritores no piensan lo suficiente en las acciones que suceden durante una escena. Al hacer un ejercicio de solo diálogo, puede comenzar a abordar cualquiera de estos problemas.

Escribe con la intención de mantener el diálogo natural, pero ten en cuenta lo que los personajes están haciendo todo el tiempo. Tal vez el diálogo cambie para mencionar la acción de forma natural y que posiblemente los elimines más tarde, pero no escribirás la acción directamente. Concéntrese en que la conversación haga todo el trabajo y vea si tiene sentido después. Al leerlo, ¿puede ver que se transmitieron todos los detalles necesarios?

2. Contar la misma escena usando solo acción

De la misma manera que algunas personas pueden escribir escenas de solo diálogo para dejar de dejar que su diálogo o acción sufran, también puedes hacerlo con escenas de solo acción.

Elige una escena que hayas planeado escribir con diálogo. Luego, en su lugar, omita todos los diálogos e intente transmitir las ideas correctas con solo acción de todos los personajes involucrados. ¿Qué falta? En la mayoría de los casos, la comunicación no verbal entre tus personajes puede revelar mucho. Entonces, si siente que falta algo en su escritura, tal vez solo necesite concentrarse en cómo la acción envía su mensaje. Para cuando utilices esto como una escena real con diálogo, tu acción se adaptará bien a las necesidades de la escena.

3. Desarrolla tus escenas en fichas

Un enfoque comprobado por los escritores de la industria es el tablero de ritmo. Al escribir cada escena en una ficha y colocarlas en columnas secuenciales para el principio, el medio y el final de su historia, puede ver de un vistazo lo que tiene su historia en cada acto. Mejor que eso, esto te ayuda a asegurarte de que cada escena tenga una dinámica emocional.

Abordar una historia incluye escribir lo que sucede en cada escena, quién está en la escena y en qué dirección se mueve emocionalmente la escena. Es decir, ¿las cosas mejoran o empeoran en esta escena? Al realizar un seguimiento de esta dinámica emocional, puede asegurarse de que su historia realmente atrape a la audiencia cuando lo desee.

4. Haz los perfiles de personajes

¡Escribe sobre tus personajes! Todo el mundo ha hecho esto en la escuela primaria una o dos veces, pero ahora debes hacerlo con tus propios personajes. 

Escribe sobre las necesidades, los deseos y las cosas que aman y odian cada personaje. Si tiene elementos de la historia de fondo para incluir, compártelo en unas pocas oraciones. Haz que sus perfiles sean fáciles de leer y detallados, pero no dedique demasiado tiempo a un personaje si tiene muchos. Si tu historia tiene un amplio elenco de personajes principales, querrás asegurarte de que cada uno tenga motivaciones, antecedentes y relaciones importantes registradas en papel, que los diferencien entre ellos y que representen su importante necesidad de existencia en la trama. 

Este es un ejercicio que lo insisto en todos mis estudiantes y que me obliga y me ayuda como escritora a explicar cómo piensan mis personajes y por qué reaccionan o accionan de maneras particulares. Pero ojo... no es que se va a colocar la historia de vida de los personajes dentro del guión, solo los detalles que ayudarán a entenderlos en la trama.

5. Crea un esquema narrativo

Comienza con una oración que describa cada acto de la historia. Una oración con una acción clave por acto idealmente le dará 3 o 5 oraciones para comenzar a escribir las escenas. Luego, divide esa oración principal: si una oración dice "el equipo lleva a cabo un atraco a un banco", puedes dividirla en escenas individuales que impliquen el atraco. En primer lugar, el equipo llegaría al banco. Otra escena sería cuando casi los atrapan. Por muchas escenas que haya, cada una recibe una oración completa, y de paso se identifican cuáles no serán necesarias. A medida que expanda cada acto, la dirección de la historia se volverá más clara para usted, al igual que sus próximos pasos.

6. Traza las líneas dramáticas

Cada historia tiene la oportunidad de construir más de un hilo conductor. De hecho, es mejor si tienes subtramas. Sin ese elemento, su historia se convierte en una narrativa básica y, por lo general, no mantiene el interés de la audiencia. A la hora de incluir subtramas, hay que saber cómo se desarrolla cada una. Ahí es donde puede usar una escaleta.

Comience con la narrativa principal, luego comience a mostrar cada evento que sucede dentro de la trama principal de principio a fin. Luego, considere lo que sucede para crear cada subtrama. Escríbelos como en líneas de tiempo paralelas a la principal. Al seguir esto, puede comenzar a trazar cada relación de causa y efecto en la historia. 

7. Empezar con el final

¿Dónde ves que termina tu historia ? Si no lo sabe, tal vez debería comenzar allí primero. Escribir el final ayuda a garantizar que entiendas a dónde irá tu historia. Al comenzar con el final y luego volver a comenzar el guión en la página 1, ya tienes un marco que te guía a través de los elementos más importantes de la trama. Allí podrás comenzar a conectar los puntos con eventos entre el principio y el final. 

8. Presenta la premisa

Describe tu historia en una oración, también conocida como la premisa. Cuando hayas hecho eso, deberías empezar a presentársela a la gente. Cuando les cuentes a tus amigos, familiares, colegas o incluso extraños de qué se tratará tu historia, es posible que tengan preguntas. 

Toma nota de esas preguntas y verifica si necesitas pensar en las respuestas. Si no tuviste que pensar en esas respuestas cuando estabas hablándoles de la historia, concéntrate en cómo puedes escribir esas respuestas en tu historia. Las preguntas de las personas revelarán cuánto de tu historia realmente sabes, y dónde podrías necesitar dedicar más tiempo a pensar.

9. Dibujar una escena importante

Este no es un ejercicio de escritura  per sé, pero es de gran ayuda. Cuando pienses en una escena importante en tu guión, podrías considerar dibujarla. No es necesario ser un gran artista.

Si tiene las imágenes dibujadas de manera que puedes saber lo que está sucediendo (y cómo se supone que sucederá en la pantalla), puedes tener una mejor idea de cómo escribir esa escena. Si estás frustrado con la descripción y la escritura de acción, especialmente de una escena realmente complicada, esta es una excelente manera de relajarte y sacudirte las telarañas en tu mente.

10. Escritura libre de una escena varias veces

La escritura libre puede proporcionar muchos resultados interesantes. Cuando escribes libremente, simplemente escribes sin pensar, escribiendo palabras en lugar de elaborar estrategias mientras escribes. Prueba esto con una escena que tengas en mente. Comienza a escribir libremente, sin dejar espacio para el pensamiento o la retroalimentación.

Una vez que hayas escrito la escena, continúa y hazlo de nuevo, desde cero. Ya sea que lo hagas dos o cinco veces, eventualmente tendrás algunas versiones muy diferentes de la escena escrita. Ahora, siéntete libre de editar y combinar tus funciones favoritas de cada versión para crear algo que te guste usar. Tu cerebro hará lo que quiera con tu escena de manera subconsciente, pero debido a que simplemente estás escribiendo sin realmente mirar o pensar en los resultados, la escritura libre ayuda cuando no estás seguro de qué dirección tomar una escena.

En conclusión...

No siempre es fácil superar los obstáculos al escribir, pero puedes hacerlo con la ayuda de herramientas como las anteriores o muchas más que existen. Ya sea un esquema, unas fichas o incluso un dibujo, estás utilizando técnicas para hacer fluir la creatividad. Y honestamente, ¡esa es la mejor manera de sacar más provecho de tu proceso creativo!

Crítica Cinéfila: Three Thousand Years of Longing

 La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad. En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado.

Como si liberara todos los impulsos narrativos reprimidos para el minimalismo duro de "Mad Max: Fury Road", el australiano George Miller regresa con una riqueza narrativa en su película "Three Thousand Years of Longing". Esta trama comprime intérvalos de angustia, casualidad y esperanza en una habitación de hotel en un diálogo de dos para luego florecer al tamaño del universo en diferentes épocas históricas; una parábola a la vez titánica e íntima en escala mientras negocia la soledad complaciente de una mujer contra el bienestar de las mitologías, que se remonta a la cuna de la civilización. 

En un presente obsesionado con la tecnología, la profundidad del conocimiento humano ha degradado los relatos de la creación hasta el punto de que son mero forraje para los cómics de superhéroes, pero un encuentro casual con lo fantástico le agregará un poco de asombro en un mundo plagado de aflicciones adormecedoras creadas por el hombre.

La renombrada narratóloga Dra. Alithea Binnie (Tilda Swinton) ha venido a Estambul para una de las tantas conferencias que llenan su tiempo personal que no pasa con el exmarido cuyo recuerdo ha metido en una caja en el sótano, o con los niños que nunca pudo tener. Para alguien profesionalmente familiarizada con los arquetipos de las fábulas, no duda en frotar bien una botella recogida en una tienda de curiosidades, y ahí le aparece un Djinn con la voz oscura y el físico abrebocas (Idris Elba). Él le concede el trío habitual de deseos, pero ella sabe lo suficiente como para no pedir los miles de millones de dólares o la dominación mundial, muy consciente de que las historias de genios trafican advertencias contra la avaricia. En su esfuerzo por convencerla de que no hay nada de malo en gastar esta mística ganancia inesperada, y al hacerlo, liberándolo de la servidumbre sobrenatural, relata los milenios que ha pasado en busca de un humano con deseos que pueda cumplir.

Desde una corte real a la que asisten híbridos humanoides con cabeza de animal hasta una sala de orgías forrada de pieles y concubinas regordetas, la voz del Djinn transporta a la audiencia a diferentes momentos, mientras disfruta de un tranquilo brunch en la suite del hotel de Alithea. Ella es renuente a creerle que no tiene malas intenciones hacia los posibles deseos que se le ocurren; y el es impaciente ante esto por el simple hecho de que puede ser una bomba catastrófica contra su mera existencia. 

Una de las grandes riquezas de esta película es su diseño de producción; ya sea CGI o escenarios prácticos, cada espacio es un viaje visual que engancha a cualquiera con la narrativa persé que lo protagoniza. Así también, hay todo un banquete de efectos especiales, desde un hombre imprudentemente imaginativo que convierte su cabeza en un monstruo araña y que luego se disuelve en una horda de escarabajos), hasta la figura impresionante del mismo Idris en pantalla. 

El guión, dividido en capítulos como si fuesen actos de un cuento de fábula, también se divide en géneros, teniendo un primer y segundo acto que danzan entre lo fantástico y satírico, hasta llegar a un tercer acto romántico y dramático. Esto también se traduce al tono de la misma conversación entre Alithea y el Djinn.

El tramo final toma un giro un tanto turbulento hacia el sentimentalismo, declarando abiertamente sus perspectivas sobre la preciosidad de la vida hasta entonces prudentemente dejada como sugerencia. Las partículas suspendidas en el aire insinúan que el amor rodea a los seres vivos por todas partes, aunque esa sutileza no disuadirá a Miller de tirar demasiado fuerte de las fibras del corazón añejado mientras empuja a Alithea y a su querido Djinn a un romance poco común para su gente de mediana edad. Pero, una vez más, el elemento ganador en estas escenas, a saber, es la tierna química entre Swinton y Elba, un dúo que nadie sabía que necesitaba tener junto en pantalla.

Joan Didion decía que nos contamos historias para vivir, un axioma que Miller revierte para sugerir que debemos vivir para contarnos historias. Debajo de todo el jugo de tira-y-jala entre los personajes, esta es una película sobre ese momento mágico en una relación floreciente donde uno se siente seguro al compartir todas las anécdotas que conforman las partes más importantes y formativas de uno mismo con otra persona que hace lo mismo, un estado de ánimo poscoital posterior a la medianoche iluminado en este caso a la luz de la mañana. Los méritos acumulados que se exhiben en el museo del asombro de Miller, desde las recreaciones deslumbrantes de la grandeza del viejo mundo hasta los milagros más humildes compartidos entre dos almas, uno se aferra a cada palabra de la narración, como una señal segura de que nos hemos enganchado a su hilo narrativo.

Crítica Cinéfila: Orphan First Kill

Lena (Isabelle Fuhrman) consigue escapar del psiquiátrico ruso en el que está recluida y viaja a EE.UU., haciéndose pasar por la hija desaparecida de una familia adinerada. Pero su nueva vida como Esther no será como ella esperaba, y se enfrentará a una madre que protegerá a su familia a cualquier precio.

Esther (Isabelle Fuhrman), la niña demonio del thriller de terror de 2009 "Orphan”, era una niña psicópata de 9 años que se vestía como una muñeca victoriana desaliñada y hablaba con acento ruso, lo que aumentó la apuesta por su malevolencia al hacerla parecer no solo una niña demonio, sino una niña demonio u que no era tan menor como aparentaba. Las películas sobre niños monstruosos se remontan mucho tiempo atrás con "The Bad Seed" de 1956, y después de "The Omen", "The Brood", "Ringu" y tantas otras, no hubo mucho. Quedaba espacio para que una película de terror pulp como “La huérfana” sorprendiera a la audiencia. Pero la película tenía un giro original: Esther, de hecho, no tenía 9 años, era una mujer de unos 30 años llamada Leena que tenía un raro trastorno hormonal que atrofiaba su desarrollo físico. La locura de "La huérfana" es que no era muy diferente de la película que hubiera sido si Esther simplemente hubiera sido9 años de edad. Si va a hacer que el concepto de terror de una mujer adulta en el cuerpo de un niño se mantenga, debe ejecutarse con psicología, imaginación y estilo, tres cosas que "Orphan" no tenía.

La mayoría de los críticos pensaron que era un fracaso de película, pero aún así se ha convertido en una película de culto. Así es como, 13 años después, llega "Orphan: First Kill", una precuela en la que Fuhrman, que solo tenía 11 años cuando se filmó la primera película, ahora es realmente una actriz adulta que finge ser un niña.

Tiene el mismo aspecto: las coletas atadas con una cinta, la gargantilla y la camisa con volantes del siglo XIX, y el adusto comportamiento eslavo, como si estuviera interpretando a Irina en una versión rota de "Tres hermanas". “First Kill” abre con su salida del centro psiquiátrico de Saarne en Estonia, donde descubre (a través del internet) y decide adoptar la imagen y la identidad de Esther, una niña perdida que es hija de Tricia y Allen Albright ( Julia Stiles y Rossif Sutherland). Esther desapareció hace cuatro años y nunca ha sido encontrada, se presume que fue secuestrada.

Los Albright son un clan adinerado que vuela en jets privados y vive en una mansión en la rica ciudad costera de Darien, Connecticut, donde Allen es un pintor de cierta estatura y Tricia es una socialité que trabaja en el circuito de caridad. Cuando aparece Esther, con un acento ruso que no tenía antes y una personalidad completamente diferente, se supone que sus años en cautiverio simplemente la cambiaron. Por un tiempo, la película parece extender el poder de la sugestión a un lugar de pura locura y ridiculez, dado a cualquier cambio en el temperamento que supuestamente haya sufrido Esther; no es como si los niños cambiaran tanto físicamente sólo porque son cuatro años mayores. La idea de que los Albright estaban tan consternados por la desaparición de Esther que están dispuestos a aceptar a esta "niña" con la mirada congelada como si fuera suya supera toda credibilidad.

Eso sí, aquí hay un twist mayor. Si eres fanático de Julia Stiles y te preguntas qué estás haciendo en un lío como este, hay una respuesta: el personaje de Tricia, en lugar de ser la madre/víctima/títere habitual en una película de terror del niño infernal, tiene una agenda retorcida. Ella sabe lo que está pasando y que en realidad esta niña que dice ser su hija no lo es. Stiles la interpreta con un ceño fruncido, una voluntad de hierro y un gran esquema que explicaría todo si no fuera, en sí mismo, absurdo. La película se convierte en una batalla de ingenio entre la madre calculadora y la hija falsa, con Gunnar (Matthew Finlan), el hijo adolescente de los Albright, agregando una nota cursi del típico hijo que siempre se sale con la suya.

Sin embargo, lo que sucede es tan artificial e ilógico que requiere aún más contorsiones de la audiencia para aceptar esta artimaña y considerarla incluso original. De paso, hay una cierta violación a la línea de tiempo en comparación con la anterior que (es importante recordar) fue hace 13 años; esto quiere decir que tanto la tecnología como incluso algunos aspectos del universo explorado, debiese ser levemente más antiguo o por lo menos cercano a esta visión. 

Dejando a un lado los detalles de lógica, lo que sí se mantuvo en esencia fue esa cinematografía friolenta y aterradora, realizada en esta ocasión por Karim Hussain, quien hace un rejuego interesante con la dirección de arte y la mecánica artística de las pinturas del padre; esto complementado por una banda sonora de tensión compuesta por Brett Detar. Esta combinación técnica es muy destacable pues ambos pertenecen al mundo cinematográfico del terror, y esto fue un detalle que se resalta en sus aportes a la película.

La actuación de Isabelle Fuhrman es lo más rescatable de la película, sobretodo en ese toque retorcido que le da a su personaje en su búsqueda de buscar comfort en la figura paterna. Su química y las escenas logradas con Sutherland son los momentos mejor desarrollados, y ahora con la adición de elementos narrativos que explican por qué ella siempre busca amor y pertenencia en las figuras paternas, apoya a entender un poco la psicología de la antagonista. Pero dejando a un lado la profundidad del personaje, es claramente menos retador para Fuhrman interpretar este personaje, debido a que ya no es una niña, y por lo tanto su inteligencia emocional le permite un mejor desarrollo de Esther. Esto tampoco quiere decir que lo hizo mejor que hace 13 años. Incluso, se le aplaude que logró mantener esa esencia que le dio a su personaje en la original, cuando seguramente fue una tarea verdaderamente complicada. Por otro lado, las figuras masculinas son casi olvidables en esta película, y la tensión de las escenas de ataque están casi desaparecidas en su totalidad en esta precuela. No hay una preocupación, ni siquiera un terror, porque realmente se siente más como un campo de batalla mutuo, y no como una cacería. 

“Orphan: First Kill” es arrastrada hasta el final, donde el suspenso muere en su totalidad. Fuhrman, como antes, invierte su papel con un frío espeluznante, pero el guión mínimo y desordenado la obliga a interpretar a Esther como una mascota de terror de una sola nota, en algún lugar entre Freddy Krueger y Leprechaun. Si hay otra secuela, ojalá que descubra cómo convertir a Esther, la chica monstruosa ficticia, en un personaje con más de una capa terrorífica.