Crítica Cinéfila: TRON - Ares

Cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial.

Las películas de "Tron" cuentan con un legado de excelentes bandas sonoras electrónicas. El clásico de culto original de 1980 contó con la música de la legendaria pionera de la música trans, Wendy Carlos, quien también contribuyó a las inolvidables bandas sonoras de "A Clockwork Orange" y "The Shining" de Stanley Kubrick. La postergada secuela de Disney, "Tron: Legacy", contó con una banda sonora de Daft Punk, quienes pusieron tanto cariño y alma en sus composiciones digitales que, francamente, la banda sonora fue lo único que emocionó a la mayoría.

“Tron: Ares” continúa esta tradición con una nueva banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, bajo el nombre de su banda, Nine Inch Nails. Es una oleada de sonido que irrumpe en la película de Disney y empapa cada fotograma. Es una maravilla sonora por la que tanto Reznor como Ross merecen grandes elogios. “Tron: Ares” tiene, sin lugar a dudas, una banda sonora genial. La película, por otro lado, es una decepción casi en su totalidad.

“Tron: Ares” es un trabajo despreocupado a nivel narrativo, y de los más molestos, porque se esconde bajo una fina capa de competencia superficial. La película parece aceptable. Tiene grandes estrellas que intentan, sobre todo, ganarse la vida. Todos siempre están corriendo a algún lado, lo que puede confundirse fácilmente con impulso. Y luego, por supuesto, está la banda sonora, que lo une todo. Como una pulsera de diamantes que amarra una bolsa de basura.

“Tron” (1982) y “Tron: Legacy” (2010) fueron ambiciosas epopeyas de ciencia ficción que imaginaban el interior de nuestros ordenadores como brillantes paisajes digitales, poblados por programas antropomórficos que veneraban a sus creadores humanos como si fueran dioses. Eran películas pretenciosas, pero se negaron a conformarse con sus innovadores efectos visuales. Prepararon las revoluciones tecnológicas modernas con la teología clásica y plantearon preguntas significativas sobre nuestras responsabilidades hacia todas nuestras creaciones. Eran, a pesar de sus otros defectos, películas con ideas.

“Tron: Ares” no tiene ideas. En cambio, tiene una trama tediosa y aburrida. Transcurre años después de “Tron: Legacy”, y ahora dos compañías tecnológicas —la piadosa ENCOM y la malvada Dillinger Systems— quieren traer programas informáticos al mundo real, en lugar de enviar personas reales a las computadoras. Han descubierto cómo hacer que los programas sean reales durante 29 minutos, pero después sus creaciones se evaporan. No importa por qué. Dillinger lo usa para hacer tanques, armas y guerreros "invencibles".

Eve Kim (Greta Lee), directora ejecutiva de ENCOM, tiene el secreto para mantener los programas en el mundo real indefinidamente, así que su rival, Julian Dillinger (Evan Peters), envía a sus matones digitales tras ella, liderados por el programa de seguridad Ares (Jared Leto). Resulta que esto es mucho menos efectivo que enviar a gente normal tras ella, ya que sus programas informáticos convierten la ciudad en un espectáculo de luces psicodélico y llaman la atención sobre la organización criminal de Julian, dañando la reputación de la empresa y haciendo que toda la historia principal sea completamente inútil.

Lo que importa, al parecer, es que Ares está evolucionando más allá de su programación, así que se alía con Eva para obtener el secreto de la "permanencia" y quedarse en ese mundo. Esto implica huir de más matones digitales que, de nuevo, mueren instantáneamente tras 29 minutos. Nuestros héroes solo tienen que conducir una hora fuera de la ciudad y toda la trama se disolvería.

Greta Lee (Past Lives) es una actriz excelente, pero se pasa toda la película huyendo de los malos y arreglando computadoras. Eve solo tiene una historia de fondo, e incluso eso le explica un hombre que conoció hace treinta minutos. Él también le dice cómo completar el arco argumental de su personaje, lo cual ella cumple diligentemente. "Tron: Ares" le quita todo lo posible a Greta Lee. Es un papel ingrato para una mujer tan talentosa.

Por otro lado, Jared Leto solo tenía que interpretar a un personaje con alma. No resulta muy convincente. Ares es una entidad monótona que necesitaba desesperadamente un actor con brillo en los ojos, alguien que pudiera transmitir vida sutilmente a una forma de vida artificial que, técnicamente, no la tiene. Leto se queda con la mirada perdida durante la mayor parte de la película y dice sus diálogos con la intensidad de un robot sin corteza. El único otro programa con el que hablamos es Athena (Jodie Turner-Smith), que también carece de personalidad, y todo esto contradice las reglas de "Tron". Los programas de estas películas suelen estar inspirados en sus programadores y suelen ser individuos apasionados. Lo que significa que los creadores de "Tron: Ares" —dirigida por Joachim Rønning con guion de Jesse Wigutow y argumento de Wigutow y David Digilio— cambiaron las reglas de todo este universo solo para empeorar la historia.

Y luego, por supuesto, está la Red, donde viven todos estos programas de computadora. Es un lugar que todos en la audiencia pueden mirar con asombro porque siempre se ha visto increíble. La Red también siempre está codificada por colores, así que el azul es igual al bien y el rojo al mal. "Tron: Ares" pasa la mayor parte de su tiempo en la Red en la sección roja, lo que nos hace sentir como si estuviéramos atrapados en el fallido Nintendo Virtual Boy. Es simplemente una receta para dolores de cabeza. Tal vez por eso la mayor parte de la película se desarrolla fuera de la Red, en el comparativamente aburrido mundo real. Porque alguien detrás de escena pensó que el problema con "Tron" y "Tron: Legacy" era que eran hermosas. No se preocupen. Esa era de "Tron" ha terminado.

Disney lleva casi medio siglo intentando convertir "Tron" en algo. Las películas anteriores tienen fans. Quizás no lo suficiente como para justificar sus presupuestos, pero están ahí. Es difícil imaginar que alguno de esos fans se entusiasme con la "Tron" más genérica hasta la fecha, y es difícil imaginar que todo el público que antes no estaba interesado se entusiasme ahora que es aburrida. En la vida real, finalmente llegamos a una etapa en la que los problemas planteados por "Tron" cobran relevancia en el mundo real, donde mantenemos debates difíciles sobre la ilusión de la inteligencia artificial y lo que su implementación podría significar para el futuro de la humanidad. Es precisamente el peor momento para estrenar un "Tron" sin nada que decir al respecto. 

No tienes que ver esta película. Quizás puedas tolerar las antiguas. Pero siempre es recomendable escuchar todas las bandas sonoras.

Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: Monster - The Jeffrey Dahmer Story

La historia del monstruo de Milwaukee contada desde la perspectiva de las víctimas y la incompetencia policial que permitió al nativo de Wisconsin emprender una matanza de varios años. 

Uno de los reyes de la televisión del drama criminal se ha enfrentado a una verdadera historia de terror estadounidense con Dahmer/Monster: The Jeffrey Dahmer Story. Creada por Ryan Murphy e Ian Brennan, esta miniserie de Netflix de 10 episodios intenta volver a contar los asesinatos de Dahmer desde el punto de vista de las víctimas, lo cual se convierte en una perspectiva que puede resolver un gran problema con los programas de crímenes reales.

La serie limitada del creador de American Horror Story y American Crime Story , Ryan Murphy, está protagonizada por Evan Peters en el papel principal y sigue los infames asesinatos del Monstruo de Milwaukee, cuyos crímenes abarcaron 13 años, entre 1978 y 1991. Esta no es la primera vez que el público ha visto a Jeffrey Dahmer dramatizado en la pantalla, con el notorio asesino en serie interpretado previamente por Jeremy Renner en Dahmer de 2002 y por Ross Lynch en My Friend Dahmer de 2017. Sin embargo, una técnica de narración diferenciará a Monster: The Jeffrey Dahmer Story de otros espectáculos de crímenes reales.

El primer tráiler de Monster: The Jeffrey Dahmer Story presenta a los espectadores su primer vistazo a la siniestra representación de Evan Peters de Jeffrey Dahmer en la serie, así como a la alumna de Scream Queens, Niecy Nash, al actor de Dear White People, Shaun J. Brown, y al coprotagonista de The Shape of Water, Richard Jenkins. Este también incluye algunas imágenes desgarradoras que sugieren un tono muy oscuro para la serie, incluida una escena en la que el asesino en serie titular acuna un cadáver y otra en la que sirve un sándwich de carne humana, con una versión de fondo distorsionada del éxito de 1982 de Yazoo, "Don't Go". "Monster: La historia de Jeffrey Dahmer", una serie limitada de 10 partes, pondrá a las víctimas y vecinos de Dahmer al frente y al centro, demostrando que Murphy ha tomado medidas para evitar un problema mayor con el género y el estilo de contar estas historias.

El primer episodio es el final de las atrocidades de Jeffrey, cuando su última víctima logra escapar y atrae a la policía hacia el lugar de los hechos. A partir de ahí, cada episodio es un recuento de como Jeffrey y sus víctimas llegaron a ese punto. De una manera morbosa, la audiencia va a crear una leve empatía con el Jeff de Peters, un joven que desde muy chiquito sufrió el abandono de las personas que debían protegerlo, y por eso surgió un apego obsesivo hacia lo que le llamaba la atención. En un momento de la serie él expresa la razón de que exparciera los restos de un cuerpo calcinado, con el propósito de que él lo sintiera presente con él. Ya a partir del 5to episodio, el enfoque toma un giro, y se van distinguiendo que atrae a Jeffrey: lo prohibido o "exótico" (no se da a entender que él eligiera sus "presas" porque eran de razas sociales aún más marginadas en ese momento de Estados Unidos, aunque más tarde si lo acusan de que lo hizo porque sabía que no lo iba a capturar tan fácil por esas desapariciones). 

Cada episodio recorre a Jeffrey desde la perspectiva de víctimas, vecinos, personas allegadas y personas afectadas. La historia en particular que seguro va a conmover aún más a la audiencia va a ser la de Tony Hughes en el episodio Silenced, donde se ve la historia casi completa desde los ojos de este modelo sordomudo que cruzó camino con Jeffrey, y cómo trató de mantener las relaciones con más calma y desarrollo, cambiando el modus operandi y hasta manera de pensar de Jeff. Es un episodio sumamente doloroso, incluso si se ve desde el punto de vista de Tony. Así mismo, la actuación de Nash como Glenda es ese grito de despertar de la serie completa donde demuestra la homofobia y racismo existentes en la comunidad policial, no solo de aquel entonces sino aún en el presente.

Pero a quien verdaderamente hay que reconocerle el trabajo actoral limpio y efectuoso es a Evan Peters, quien ya había trabajado con Ryan Murphy durante todas las temporadas de American Horror Story. Aquí, se adentra tanto en la piel, actitud y ritmo de Jeffrey, que es demasiado creíble. En el último episodio, que sigue el momento de conversión cristiana de Jeffrey, también permite observar que tanto ha reflexionado el personaje sobre sus hechos, y cómo lo que él ha hecho también ha afectado a toda su familia.

Los dramas y documentales sobre crímenes reales, especialmente aquellos centrados en asesinos en serie, a menudo han sido objeto de escrutinio por prestar demasiada atención al asesino y no centrarse lo suficiente en las historias detrás de aquellos a los que le arrebataron la vida. El estilo de narración desde el punto de vista de Monster: The Jeffrey Dahmer Story puede evitar activamente este problema, contando la historia desde la perspectiva de las víctimas, lo que brindará a los espectadores una mirada profunda a la vida de estas personas antes de su prematura muerte y así también la historia de fondo de Dahmer que lo llevó a estas afecciones y atractivos. Esta técnica demuestra que, aunque sigue centrándose en los terribles asesinatos, la nueva serie de Ryan Murphy muestra cierta sensibilidad por las personas afectadas por los crímenes de Dahmer. Monster: The Jeffrey Dahmer Story será potencialmente un pionero para los dramas de crímenes reales en el futuro.

American Animals

Cuatro hombres jóvenes creen que su vida es una película en un intento de robo de los más atrevidos de Estados Unidos. (FILMAFFINITY)

Con tantas historias sobre robos y asaltos maestros, cualquier persona cree tener la posibilidad de hacer uno por sí solo... Pero hasta en las películas más populares explican que "eso no es un cachú". Así que si estás pensando robar un banco o la librería con un libro extremadamente costoso, será mejor que ese plan te lleve 5 años, 8 meses y 12 días, como el de Debbie Ocean.

En 2004, Spencer Reinhard era estudiante de arte en la universidad de Transylvania (Kentucky), y mientras andaba por la famosa biblioteca de la universidad, se encontró con un libro que le robó la atención: el libro ilustrado The Birds of America de John Audubon, el cual está valorado en aproximadamente 10 millones de dólares. Spencer le comentó (en forma de broma) a su amigo de infancia, Warren Lipka, que deberían robar el libro. Allí Warren comienza a construir el plan, en que dos amigos más, Chas Allen y Eric Borsuk, se unen al equipo para poder llevar en ejecución el "plan perfecto". Lo que no se imaginaban es que, por más que lo planificaran, siempre había algo que se  podría salir de las manos.

American Animals está narrada en estilo documental, donde los personajes reales del robo van dando su versión, mientras que Evan Peters, Barry Keoghan, Blake Jenner y Jared Abrahamson le dan vida a los sucesos que fueron desencadenando al atraco. A pesar del obvio guion que había detrás de los reales Spencer, Warren, Chas y Eric, fue un elemento necesario para mantener un mismo estilo y tono en cada una de sus voces. La seriedad del asunto era obvia, pero los pequeños detalles en sus narraciones y los momentos de los actores interpretándolos le sacan una comedia orgánica a la historia.

No obstante, el estilo documental puede ser confuso en más de una ocasión, porque rompe con el hilo narrativo de las acciones de los personajes y transportan a la audiencia a la narración de los personajes reales. Sí, es muy interesante escucharlos desde su propia voz y con su propio punto de vista, pero si solo hubiese sido algo que hubiesen puesto al principio o al final, hubiese sido mucho más coherente.

Un aspecto interesante es la personalidad de cada personaje y cómo se vio retratado en su participación en el plan, pero a la vez como encarnaron la actitud de los verdaderos involucrados, sobretodo Evan Peters, quien siempre se ha destacado por empujar aún más su rol para darle ese tono comico pero a la vez preocupante. 

La fotografía es la mejor parte de la historia, pues se encarga de retratar cada detalle y cómo influye en el tono de la historia: es muy específica de la historia, ayuda a no perder el hilo de la trama, aun cuando se hacen los cortes de las entrevistas. 

El plan en sí parecía perfecto, pero el desenlace es la parte más interesante, pues nadie está esperando que vaya a ocurrir así. A pesar de algunas confusiones creadas por la manera que está narrada la historia, es una película considerable, sobretodo por los personajes que desarrolla y las locuras del "plan maestro".