Crítica Cinéfila: TRON - Ares

Cuenta la historia de Ares, un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial.

Las películas de "Tron" cuentan con un legado de excelentes bandas sonoras electrónicas. El clásico de culto original de 1980 contó con la música de la legendaria pionera de la música trans, Wendy Carlos, quien también contribuyó a las inolvidables bandas sonoras de "A Clockwork Orange" y "The Shining" de Stanley Kubrick. La postergada secuela de Disney, "Tron: Legacy", contó con una banda sonora de Daft Punk, quienes pusieron tanto cariño y alma en sus composiciones digitales que, francamente, la banda sonora fue lo único que emocionó a la mayoría.

“Tron: Ares” continúa esta tradición con una nueva banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, bajo el nombre de su banda, Nine Inch Nails. Es una oleada de sonido que irrumpe en la película de Disney y empapa cada fotograma. Es una maravilla sonora por la que tanto Reznor como Ross merecen grandes elogios. “Tron: Ares” tiene, sin lugar a dudas, una banda sonora genial. La película, por otro lado, es una decepción casi en su totalidad.

“Tron: Ares” es un trabajo despreocupado a nivel narrativo, y de los más molestos, porque se esconde bajo una fina capa de competencia superficial. La película parece aceptable. Tiene grandes estrellas que intentan, sobre todo, ganarse la vida. Todos siempre están corriendo a algún lado, lo que puede confundirse fácilmente con impulso. Y luego, por supuesto, está la banda sonora, que lo une todo. Como una pulsera de diamantes que amarra una bolsa de basura.

“Tron” (1982) y “Tron: Legacy” (2010) fueron ambiciosas epopeyas de ciencia ficción que imaginaban el interior de nuestros ordenadores como brillantes paisajes digitales, poblados por programas antropomórficos que veneraban a sus creadores humanos como si fueran dioses. Eran películas pretenciosas, pero se negaron a conformarse con sus innovadores efectos visuales. Prepararon las revoluciones tecnológicas modernas con la teología clásica y plantearon preguntas significativas sobre nuestras responsabilidades hacia todas nuestras creaciones. Eran, a pesar de sus otros defectos, películas con ideas.

“Tron: Ares” no tiene ideas. En cambio, tiene una trama tediosa y aburrida. Transcurre años después de “Tron: Legacy”, y ahora dos compañías tecnológicas —la piadosa ENCOM y la malvada Dillinger Systems— quieren traer programas informáticos al mundo real, en lugar de enviar personas reales a las computadoras. Han descubierto cómo hacer que los programas sean reales durante 29 minutos, pero después sus creaciones se evaporan. No importa por qué. Dillinger lo usa para hacer tanques, armas y guerreros "invencibles".

Eve Kim (Greta Lee), directora ejecutiva de ENCOM, tiene el secreto para mantener los programas en el mundo real indefinidamente, así que su rival, Julian Dillinger (Evan Peters), envía a sus matones digitales tras ella, liderados por el programa de seguridad Ares (Jared Leto). Resulta que esto es mucho menos efectivo que enviar a gente normal tras ella, ya que sus programas informáticos convierten la ciudad en un espectáculo de luces psicodélico y llaman la atención sobre la organización criminal de Julian, dañando la reputación de la empresa y haciendo que toda la historia principal sea completamente inútil.

Lo que importa, al parecer, es que Ares está evolucionando más allá de su programación, así que se alía con Eva para obtener el secreto de la "permanencia" y quedarse en ese mundo. Esto implica huir de más matones digitales que, de nuevo, mueren instantáneamente tras 29 minutos. Nuestros héroes solo tienen que conducir una hora fuera de la ciudad y toda la trama se disolvería.

Greta Lee (Past Lives) es una actriz excelente, pero se pasa toda la película huyendo de los malos y arreglando computadoras. Eve solo tiene una historia de fondo, e incluso eso le explica un hombre que conoció hace treinta minutos. Él también le dice cómo completar el arco argumental de su personaje, lo cual ella cumple diligentemente. "Tron: Ares" le quita todo lo posible a Greta Lee. Es un papel ingrato para una mujer tan talentosa.

Por otro lado, Jared Leto solo tenía que interpretar a un personaje con alma. No resulta muy convincente. Ares es una entidad monótona que necesitaba desesperadamente un actor con brillo en los ojos, alguien que pudiera transmitir vida sutilmente a una forma de vida artificial que, técnicamente, no la tiene. Leto se queda con la mirada perdida durante la mayor parte de la película y dice sus diálogos con la intensidad de un robot sin corteza. El único otro programa con el que hablamos es Athena (Jodie Turner-Smith), que también carece de personalidad, y todo esto contradice las reglas de "Tron". Los programas de estas películas suelen estar inspirados en sus programadores y suelen ser individuos apasionados. Lo que significa que los creadores de "Tron: Ares" —dirigida por Joachim Rønning con guion de Jesse Wigutow y argumento de Wigutow y David Digilio— cambiaron las reglas de todo este universo solo para empeorar la historia.

Y luego, por supuesto, está la Red, donde viven todos estos programas de computadora. Es un lugar que todos en la audiencia pueden mirar con asombro porque siempre se ha visto increíble. La Red también siempre está codificada por colores, así que el azul es igual al bien y el rojo al mal. "Tron: Ares" pasa la mayor parte de su tiempo en la Red en la sección roja, lo que nos hace sentir como si estuviéramos atrapados en el fallido Nintendo Virtual Boy. Es simplemente una receta para dolores de cabeza. Tal vez por eso la mayor parte de la película se desarrolla fuera de la Red, en el comparativamente aburrido mundo real. Porque alguien detrás de escena pensó que el problema con "Tron" y "Tron: Legacy" era que eran hermosas. No se preocupen. Esa era de "Tron" ha terminado.

Disney lleva casi medio siglo intentando convertir "Tron" en algo. Las películas anteriores tienen fans. Quizás no lo suficiente como para justificar sus presupuestos, pero están ahí. Es difícil imaginar que alguno de esos fans se entusiasme con la "Tron" más genérica hasta la fecha, y es difícil imaginar que todo el público que antes no estaba interesado se entusiasme ahora que es aburrida. En la vida real, finalmente llegamos a una etapa en la que los problemas planteados por "Tron" cobran relevancia en el mundo real, donde mantenemos debates difíciles sobre la ilusión de la inteligencia artificial y lo que su implementación podría significar para el futuro de la humanidad. Es precisamente el peor momento para estrenar un "Tron" sin nada que decir al respecto. 

No tienes que ver esta película. Quizás puedas tolerar las antiguas. Pero siempre es recomendable escuchar todas las bandas sonoras.

Crítica Cinéfila: Sex Education, 4ta y última Temporada

Tras el cierre del instituto Moordale, Otis y Eric se enfrentan a un nuevo reto: su primer día en el instituto Cavendish Sixth Form. Otis está nervioso por la creación de su nuevo consultorio sexual, mientras que Eric reza para no convertirse en perdedores de nuevo. Pero Cavendish es un choque cultural para todos los estudiantes de Moordale; ellos pensaban que eran progresistas pero este nuevo colegio es otro nivel. 

En el transcurso de cuatro años, Sex Education ha creado numerosas estrellas (Ncuti Gatwa y Emma Mackey), galones de vergüenza vaciados y los momentos más gráficos que cualquier otra serie convencional en las mismas transmisiones. Pero ahora, lamentablemente, ha llegado el momento de decir adiós a los alumnos, profesores y padres locos por el sexo de Moordale.

Al compensar las lamentablemente inadecuadas lecciones de S.E.X.O. del sistema educativo del Reino Unido (¿quién más recuerda que le enseñaron a poner un condón en un plátano?), cuando se lanzó Sex Ed en 2019, se atrevió a imaginar un mundo donde los adolescentes pudieran realmente obtener consejos confiables para los problemas que plagaban entre ellos sobre una sexualidad integral, incluso si ese consejo vino de una 'clínica sexual' clandestina dirigida por uno de sus alumnos que intercambia conocimientos por dinero en efectivo.

Esto es Skins reinventado por la Generación Z. Atrás quedó el realismo descarnado y el sexismo casual de los años noventa; en su lugar hay paredes en colores pastel, interiores americanos de los años cincuenta y una aceptación incondicional de todas las formas de expresión sexual y de género.

Y realmente despegó, convirtiéndose en una de las comedias dramáticas más populares de Netflix. Es fácil ver por qué, con escritos brillantemente divertidos y conmovedores sobre personajes adorables. Desde el matón reformado Adam que aceptó su bisexualidad hasta la identidad no binaria de Cal (sin mencionar sus luchas para ser tomade en serio por la tensa directora de Moordale), este era un espacio seguro tanto para adolescentes como para adultos. Incluso hubo una historia sobre la ruptura matrimonial y la depresión para el desamparado director Groff de Alistair Petrie que a cualquiera le pega en la llaga del corazón.

Pero con la llegada de la cuarta temporada, la serie alcanzó su clímax y los creadores lo describieron alegremente como una “última temporada espectacular”. 

Tras el cierre del instituto Moordale, Otis y otros estudiantes se enfrentan a un nuevo reto: su primer día en el instituto Cavendish Sixth Form. Otis está nervioso por la creación de su nuevo consultorio sexual, mientras que Eric reza para no convertirse en perdedores de nuevo. Pero Cavendish es un choque cultural para todos los estudiantes de Moordale; ellos pensaban que eran progresistas pero este nuevo colegio es otro nivel. Hay yoga diario en el jardín comunitario, un ambiente de sostenibilidad muy fuerte y un grupo de chicos que son populares por ser... ¿amables? Viv está totalmente atraída por el enfoque no competitivo, dirigido por los estudiantes, mientras que Jackson sigue luchando por olvidar a Cal. Aimee prueba algo nuevo haciendo un curso de Arte y Adam trata de resolver si la educación convencional es para él. En Estados Unidos, Maeve vive su sueño en la prestigiosa Universidad de Wallace, donde recibe clases del escritor Thomas Molloy. Otis suspira por ella mientras se adapta a no ser el hijo único en casa, ni el único terapeuta en el campus.

Si bien la primera temporada comenzó con Otis y Eric como parias sociales en Moordale, esta vez están ingresando a su último año de sexto curso en el nuevo y decididamente más liberal Cavendish Sixth Form College. El tenso Otis de Asa Butterfield es golpeado de frente con su sueño de la clínica sexual por O de Thaddea Graham: una terapeuta sexual profesional que gobierna Cavendish con mano de hierro. Mientras se pelean, se comienzan a entrelazar las demás historias y todo tipo de recién llegados con los que lidiar mientras tanto: es audaz, dado que solo quedan ocho episodios para concluir más de 10 arcos de personajes.

Lo cual es una pena, porque hay algunas historias fantásticas a las que realmente se les debería haber dado más espacio para respirar. El siempre fabuloso Eric (Gatwa) de repente se convierte en uno de los niños populares después de hacer click con la pareja de moda de Cavendish, Abbi y Roman (Anthony Lexa y Felix Mufti); Ruby (Mimi Keene) lucha con la pérdida de su estatus de abeja reina; Cal (Dua Saleh) comienza su viaje hacia la transición y Jean (Gillian Anderson) se convierte en la presentadora de un nuevo programa de radio.

En su mayor parte, estas historias se hacen malabarismos hábilmente, reuniendo a los personajes de maneras nuevas e interesantes para ver qué tipo de chispas vuelan: el mejor ejemplo de esto sería Isaac (George Robinson) entablando amistad con Aimee (Aimee Lou Wood). Desafortunadamente, el gran volumen de hilos narrativos significa inevitablemente que algunos también se quedan en el camino.

Maeve, interpretada por Emma Mackey, es una de estas víctimas: es desterrada a Estados Unidos durante la primera mitad de la temporada, donde estudia en el prestigioso curso de escritura al que ingresó al final de la tercera temporada. Privado de la presencia efervescente y fuera de lugar de Mackey, el resto de la serie lucha ligeramente, a pesar de que Dan Levy hace un cameo divertido como su difícil tutor de escritura. ¿Y qué pasó con Jakob (el atractivo fontanero sueco de Jean) y su hija Ola (Patricia Allison)? A pesar de ser una parte fundamental de las temporadas uno a tres, ni siquiera aparecen, por razones que solo se insinúan y se sienten más bien calzados.

En este caleidoscopio, Eric de Gatwa es probablemente el que más roba escenas: fascinantemente observable, tratando de reconciliar su fe con su identidad como un hombre gay orgulloso (lo que da lugar a algunos de los momentos más extravagantes de la serie), y aceptar el hecho de que tal vez él y Otis se estén distanciando. Si alguna vez lograran convencer a Gatwa para que hiciera un spin-off en solitario, lo vería.

Al tratarse de educación sexual integral, ningún tema está prohibido. A lo largo de cuatro años, los productores de la serie han discutido todo, desde agresión sexual (Aimee, en una de las subtramas más conmovedoras) hasta ser sorprendido masturbándose en el auto de uno de sus padres. En ese sentido, en esta temporada también se pueden encontrar momentos significativos y deslumbrantes. Mientras Jean (Anderson, magnífica como siempre) lucha contra la depresión posparto después del traumático nacimiento de su hija Joy, Otis muestra accidentalmente una de sus fotos íntimas a toda la escuela, en una escena que me hizo querer arrancar el enchufe fuera de mi televisor.

Todo parece como si la serie estuviera funcionando a una velocidad vertiginosa: enumerando incidentes de crecimiento significativo, el romance, el miedo y la emoción que conllevan crecer hasta la edad adulta. Afortunadamente, queda química más que suficiente para que todo funcione. Todo el elenco está en plena forma, y ​​es imposible no apoyarlos, y Sex Education resiste la tentación de conformarse con los finales más fáciles. En cambio, elige sabiamente aceptar el cambio: esta serie sobre educación sexual puede haber desaparecido, pero las lecciones que enseñó permanecerán.

Crítica Cinéfila: The Crown, 4ta temporada

Se acerca el final de la década de 1970 y la Reina Elizabeth II y su familia se encuentran preocupados por salvaguardar la línea de sucesión, encontrando una pareja apropiada para el Príncipe Carlos, que sigue soltero a los 30 años.

The Crown de Netflix continúa su reinado triunfal en la temporada 4 con otro lote de 10 episodios creados por el genio Peter Morgan que exploran las complejas relaciones de la familia real entre sí. Los nuevos miembros del elenco Emma Corrin como la princesa Diana y Gillian Anderson como Margaret Thatcher ayudan a reforzar lo que ya es un conjunto de primera categoría con actuaciones propias igualmente cautivadoras. Pero la temporada 4 también es agridulce, sabiendo que esta es la última vez que veremos a este elenco en particular encarnar a sus respectivos personajes. Afortunadamente, las últimas dos temporadas han demostrado que Morgan y su equipo saben cómo manejar una refundición para representar adecuadamente el paso del tiempo para los residentes del Palacio de Buckingham.

Lo primero y más importante (como siempre) es la interpretación dinámica de la reina Isabel II, con la ganadora del Oscar, Olivia Colman, como la inmortal. Hablaremos de todas las cosas jugosas de Charles (Josh O'Connor) y Diana en un momento, pero Morgan continúa anclando cada temporada en torno a la Reina y los eventos notables que afectan al Reino Unido y su imperio global. En la temporada 4, que tiene lugar desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, se enfoca en la complicada relación de la reina con la recién elegida Primera Ministra Thatcher. 

Si bien las dos mujeres formidables no lanzan golpes reales, tienen algunos enfrentamientos memorables en el palacio con sus discursos. Anderson encapsula efectivamente los atributos más conocidos de Thatcher, como su espalda arqueada y su forma de hablar distinta y deliberada. Thatcher parece frágil, pero cuando habla hay una presencia poderosa detrás de cada palabra paciente. En una de sus reuniones programadas regularmente con la Reina, la Primera Ministra llama la atención sobre el hecho de que ella y Elizabeth tienen solo seis meses de diferencia. Cuando la Reina pregunta quién es el mayor, Thatcher (con una leve sonrisa) dice: "yo lo soy". Es un momento sutil de dejar en el aire la idea de que la diferencia de edad intrascendente se usa para socavar la autoridad de su oponente, y la expresión facial perturbada de Colman muestra cuán irritada está por la revelación. 

A medida que la década de 1970 llega a su fin, la reina Isabel (Olivia Colman) y su familia se preocupan por salvaguardar la línea de sucesión asegurando una novia adecuada para el príncipe Carlos (Josh O'Connor), que todavía no está casado a los 30 años. A medida que la nación comienza a sentir el impacto de las políticas divisivas introducidas por la primera primera ministra británica, Margaret Thatcher (Gillian Anderson), surgen tensiones entre ella y la reina que solo empeoran a medida que Thatcher lidera el país, como en la Guerra de las Malvinas, generando conflictos dentro del Commonwealth.  Mientras que el romance de Charles con una joven Lady Diana Spencer (Emma Corrin) proporciona un cuento de hadas muy necesario para unir al pueblo británico, mientras que a puerta cerrada la familia real se divide cada vez más.

Cuando Thatcher y Elizabeth no están peleando en la arena política, The Crown hace un trabajo admirable al comparar y contrastar sus vidas personales. En "Favourites", Morgan examina hábilmente cómo las dos madres tienen un hijo favorito, ya sea que lo sepan o no. No estropearemos los resultados aquí, pero el episodio es especialmente divertido para Elizabeth, quien hace todo lo posible para determinar qué hijo prefiere sobre el otro al pasar un tiempo de calidad con cada uno de ellos. Para un personaje que nunca ha mostrado mucho afecto por ninguno de sus hijos a lo largo de la serie, es incómodamente divertido verla intentar conectarse emocionalmente con sus hijos.

En términos de la historia de Charles y Diana, la temporada 4 cubre más de 10 años en solo 10 episodios; la totalidad de su compromiso se cubre en un episodio. Y aunque eso puede parecer mucha historia que digerir en poco tiempo, Morgan dedica suficiente tiempo de pantalla a la pareja para que podamos conocerlos adecuadamente, y al mismo tiempo que se extiende al resto del conjunto para evitar que la temporada 4 se convierta en "Charles y Diana".

Uno de mis episodios favoritos de Charles y Diana es el tercero, llamado "Fairytale", donde el guión de Morgan posee alguno de los arquetipos románticos de cuentos de hadas, como una joven encantadora que se enamora del apuesto príncipe y elige qué piedra ridículamente enorme llevar en el dedo. Pero también juega con las expectativas, mostrando que hay un lado más oscuro en su compromiso, incluyendo el hacerse la vista gorda ante el afecto continuo de Charles por su amante de toda la vida, Camilla Parker-Bowles (Emerald Fennell), y los sentimientos de aislamiento de Diana mientras se adapta a las intrincadas y a veces extrañas costumbres de la vida real. Ella es un pez fuera del agua y eso le pasa factura. Sin embargo, incluso cuando la pareja está en desacuerdo, la química en pantalla de O'Connor y Corrin es excelente. Corrin clava la exuberancia juvenil, adorable y juguetona de Diana, rasgos que a menudo chocan con la conducta menos afectuosa de Charles. O'Connor, por su parte, parece sentirse como en casa en la piel de Charles después de haber interpretado al personaje durante una temporada completa antes de entrar por completo en el centro de atención de la historia.

Asumí que Charles y Camilla serían pintados como los villanos en este conocido cuento, pero el recuento de The Crown no es blanco y negro, y crea simpatía alrededor de su historia. En una versión inesperada pero también bienvenida de su fatídico romance, Morgan destaca tanto los aspectos buenos como los malos de Diana y Charles como individuos. Cuando aparecieron los créditos en el final de la temporada 4, entendí de dónde venían ambos lados y los vi como humanos defectuosos en lugar de antagonistas.

No hay nada negativo que criticar sobre la cuarta temporada de The Crown, aunque hubiera sido bueno que la princesa Margaret de Helena Bonham Carter tuviera un papel más significativo. Carter fue muy bueno en la temporada 3, especialmente en "Margaretology" y "Cri de Coeur". En la cuarta temporada, Margaret sigue siendo tan atrevida como siempre, y Carter parece haber nacido para interpretar su actitud despreocupada y su ingenioso encanto. En esta ocasión, sin embargo, Margaret recibe un solo episodio, "The Hereditary Principle", en el que brilla mientras asume el papel de detective y descubre un oscuro secreto en el pasado de su familia. Si bien es lo suficientemente entretenido, si tuviera que elegir un episodio como el menos significativo de la temporada, este sería el indicado. Eso no es un desprecio hacia el desempeño de Carter, pero cuando tienes personajes dinámicos como Thatcher, Diana y la misma reina, el episodio se siente más como un desahogo el drama político y social, y más una oportunidad ligera de rescatar a Margaret de la crisis emocional que vivía en ese episodio de su vida.

Pero incluso cuando The Crown no está en su mejor momento desde la perspectiva de la historia, la serie sigue siendo uno de los programas más atractivos que existen, desde un punto de vista técnico. Morgan utiliza un equipo de directores y directores de fotografía para trabajar en varios episodios, pero hay muy poca diferenciación entre cada capítulo en lo que respecta a la alta fidelidad del rodaje, los diseños de escenarios y el vestuario. El equipo que dio vida a la Thatcher de Anderson y la Diana de Corrin definitivamente deberían ser nominados por hacerlas lucir tan convincentes sin exagerar. Los decorados en el lugar, desde las pintorescas Tierras Altas de Escocia hasta las bulliciosas calles de Londres, parecen genuinos, lo que da una sensación de autenticidad a todo en el marco.

The Crown de Netflix continúa demostrando por qué es uno de los mejores programas de televisión más destacados aún en la temporada 4, con increíbles actuaciones de su conjunto de personajes y excelente escritura del showrunner Peter Morgan y su equipo. Estos 10 episodios mantienen con éxito un enfoque equilibrado tanto en la complicada relación de la reina Isabel con Margaret Thatcher como en la exploración de lo que hace que la relación entre Carlos y Diana siempre ande en desbalance. La temporada 4 es otro logro culminante de la serie, aunque es agridulce decir adiós a un grupo tan talentoso, ya que Netflix reformulará sus roles con actores mayores durante las últimas dos temporadas.