Crítica Cinéfila: Nosferatu

Nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, producida en 1922, que a su vez se basaba en la novela 'Drácula', de Bram Stoker.

Con el homenaje reverencial al primer clásico de terror que es “Nosferatu”, Robert Eggers ha creado más que un simple remake, pero de alguna manera no ha logrado ofrecer una experiencia cinematográfica completamente satisfactoria. Por muy impactante que sea visualmente, con composiciones que rivalizan con las grandes pinturas góticas, la sombría versión del obsesivo director es fiel a la película muda de 1922 y más accesible que “The Lighthouse” y “The Witch”, aunque extrañamente vacía de vida.

Al recrear lo que había antes, Eggers tiene presente el estilo distintivo de Murnau, pero es demasiado talentoso como para imitarlo. En cambio, el director, meticulosamente orientado a los detalles, ofrece su versión del clásico, tratando casi cada recuadro como una obra de arte en sí mismo, mientras embellece aún más los aspectos románticos de la historia, lo que podría haber tenido éxito, de no ser por el elenco. “Nosferatu” construye un final trágico, pero se ve lastrado por diálogos pretenciosos, ritmo somnoliento y actuaciones débiles, especialmente la de Lily-Rose Depp como la damisela condenada.

Por mucho que la admiremos ahora, el “Nosferatu” original era mucho más una imitación que el homenaje de Eggers, y no hizo mucho (o más bien, no lo suficiente) para disimular la deuda que tenía con el “Drácula” de Bram Stoker, tanto que la viuda de Stoker presentó una demanda por violación de derechos de autor y ganó. El veredicto exigía que se destruyeran todas las copias de la obra maestra de Murnau. Pero los no muertos no mueren tan fácilmente. Sobrevivieron al menos tres copias completas, y también lo hizo la icónica actuación de Max Schreck, el demacrado actor alemán de casi dos metros de altura cuya imponente silueta como el Conde Orlok se encuentra entre los monstruos más imponentes del género.

La cabeza calva de Orlok, las orejas de Spock, los dientes afilados como los de una rata y las garras huesudas son reconocibles al instante para prácticamente todo el mundo, haya visto o no la película muda. De forma bastante inesperada, el villano de la versión de Eggers tiene poco parecido con el fantasma prototípico, una extraña forma de distinguirse de este "Nosferatu", ya que propone una interpretación más peluda (y aparentemente desdentada) del personaje para una nueva generación. Mientras que Willem Dafoe interpretó a Schreck en “La sombra del vampiro”, Eggers eligió a Bill Skarsgård, tan aterrador como el payaso demoníaco en “It”. El director luego procede a enterrar a su estrella debajo de todo tipo de prótesis (en su mayoría piel en descomposición y bigotes descuidados) hasta que termina pareciendo un ángel del infierno sin hogar.

El Orlok reimaginado por Eggers aparece brevemente en el prólogo, lo que hizo que la multitud que me rodeaba saltara antes de reírse colectivamente por su reacción, como si reconocieran que esos sustos eran lo que esperaban. Pero, ¿qué es lo que realmente quiere el público de una película de “Nosferatu”? El guión de Eggers sigue la trama anterior, en la que el joven e ingenuo empleado Thomas Hutter (Nicholas Hoult) es enviado a obtener la firma del solitario Orlok en la escritura de una mansión en ruinas en la ciudad. Todo eso es una receta para el aburrimiento, en comparación con la forma abiertamente siniestra en que Orlok se comporta con su invitado y, más tarde, con cualquiera que se interponga en el camino de su reencuentro con la esposa de Thomas, Ellen (Depp).

Francamente, si no fuera por el rápido corte y el sonido que lo acompaña, la revelación temprana de Orlok no sería nada aterradora. Cara delgada, nariz larga, vello facial rebelde: es un aspecto que todos conocemos de la pandemia, cuando al menos uno de nuestros amigos decidió dejarse crecer la barba hasta extremos vikingos.

Eggers evoca a Vermeer y a otros maestros con su puesta en escena perfectamente organizada, y hace gala de una fuerte visión, pero tiene dificultades como narrador, lo que resulta sorprendente, teniendo en cuenta los méritos del material original. “Nosferatu” parece ahora más en deuda con “Drácula” que nunca. Al igual que Harker, el abogado (y primer narrador) de la novela de Stoker, Hutter viaja hasta Transilvania para encontrarse con su cliente. Una vez que llega al castillo de Orlok, su espeluznante anfitrión centenario mira con sed un corte en el dedo de Hutter y lo obliga a firmar un pergamino de aspecto fáustico.

A la mañana siguiente, Hutter despierta con marcas de mordeduras muy próximas entre sí en su pecho desnudo y con la intuición de que su esposa está en peligro. Lo percibimos incluso antes de que partiera en su misión, ya que Ellen claramente tiene algo de historia con Orlok, aunque insinuarlo al principio no ayuda a explicar la conexión entre ella y el vampiro. Mientras tanto, el vínculo entre marido y mujer apenas es transmitido por Hoult y Depp, cuyo estilo de actuación melodramático se filtra a través del diálogo innecesariamente ornamentado de Eggers.

En “The Lighthouse”, el guionista y director se complacía en atiborrar las bocas de sus personajes con expresiones barrocas que pretendían sonar como el lenguaje náutico de antaño. Aquí, las conversaciones son más fáciles de descifrar, a pesar de los esfuerzos similares por embellecer su vocabulario, lo que resulta tan poco convincente como la expresión de ojos abiertos de Depp, o la actuación afectada que se exige a Aaron Taylor-Johnson y Emma Corrin en papeles secundarios estilizados.

El vestuario, los decorados y los efectos extraordinariamente elegantes, todos ellos capturados con gran maestría por la cinematografía casi incolora de Jarin Blaschke, se combinan para hacer de “Nosferatu” una experiencia visual suntuosamente inmersiva. Aun así, la pesadilla que es el centro de la película nunca funciona del todo, ya que Eggers se apoya en pistas musicales amplificadas y una edición poco convencional para desconcertar, e incluso entonces, la metáfora subyacente no está clara. Aunque “Nosferatu” reconoce las ansiedades clásicas de la depredación sexual tan centrales en la tradición vampírica (al ver a Orlok inclinado sobre Thomas y luego Ellen, uno difícilmente puede negar el simbolismo carnal de su apetito), las imágenes de adoración a Satanás y ratas portadoras de plagas diluyen el impacto.

En este caso, el vampiro ha perdido los colmillos y ahora depende de unas largas garras que proyectan sombras siniestras sobre la tierra. Orlok aparece noche tras noche hasta que se sale con la suya y da la impresión de ser un ex novio sarnoso decidido a robarle la virtud a Ellen, no una figura sobrenatural todopoderosa a la que temer. Para Eggers, fue un error poner tanta atención en la estética y luego abandonar las cualidades que alguna vez hicieron de Orlok un personaje tan icónico.

Crítica Cinéfila: Deadpool & Wolverine

Un apático Wade Wilson se afana en la vida civil tras dejar atrás sus días como Deadpool, un mercenario moralmente flexible. Pero cuando su mundo natal se enfrenta a una amenaza existencial, Wade debe volver a vestirse a regañadientes con un Lobezno aún más reacio a ayudar.

En un momento dado, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel se volvió mucho más convincentes que cualquiera de las historias de cualquier Universo Cinematográfico. Para mí, ese momento llegó durante los créditos finales de la primera película de “Iron Man” en 2008. Para el propio MCU, ese momento llegó con “Avengers: Endgame” unos 11 años después, cuando la megafranquicia definitoria del siglo XXI alcanzó su momento más sumativo, atravesó la nube de lo inalcanzable y, en una medida aún mayor de lo que lo había hecho hasta ahora, comenzó a volver a centrar el milagro de su propio éxito como su mito prevaleciente. 

Ese proceso condujo inevitablemente a la creación de un multiverso, que convirtió al MCU en un rompecabezas metatextual que solo podía volver a armarse buscando piezas sueltas fuera de la pantalla. No pasó mucho tiempo antes de que el tipo de conocimiento que solía mejorar estas películas se volviera necesario para comprenderlas, ya que éxitos de taquilla como "Spider-Man: No Way Home" y " Doctor Strange in the Multiverse of Madness" se basaban en una familiaridad práctica con el tipo de líos corporativos (por ejemplo, derechos de los personajes, ambiciones de transmisión y datos de taquilla) que solo los nerds y los accionistas deberían tener que conocer. 

Ese giro pareció una respuesta natural a un momento en el que la conversación en torno a la cultura cinematográfica se había vuelto completamente inseparable de la cultura misma, pero las películas sufrieron sin una fuerza sustentadora propia, y se desencadenó un grado de fatiga de superhéroes que ninguno de los Vengadores fue lo suficientemente poderoso para combatir.

Ojalá hubiera alguien en ese mundo (o al menos adyacente a él) que pudiera reconciliar la realidad emocional del MCU con toda su sustancia extracurricular que se había acumulado a su alrededor. Alguien que pudiera hacer agujeros en la cuarta pared con la misma fluidez con la que el Dr. Strange baila un vals a través del continuo espacio-tiempo, usar ese don especial para reparar la relación de su estudio con las masas y adoptar felizmente varias décadas de destructivo disparate corporativo como su propia cruz. Ojalá hubiera alguien que pudiera salirse con la suya llamándose a sí mismo "Jesús de Marvel" en una película de superhéroes, porque el género se ha desgastado hasta un punto en el que nadie menos consciente de sí mismo podría esperar redimirlo. 

Por suerte para Disney, su decisión de tragarse a 20th Century Fox le ha permitido a Deadpool entrar en el MCU. Y por suerte para Deadpool, entrar en el MCU le ha permitido evolucionar hasta convertirse en algo más que el hermano menor desagradable del cine de superhéroes. Deadpool sabe que está en el MCU. No solo eso, Deadpool sabe que el MCU necesita desesperadamente que lo salven. Y además, Deadpool también sabe que salvarlo podría ser su única oportunidad de demostrar, tanto a los Vengadores como a la audiencia, que no es el "pony molesto de un solo truco". 

En ese sentido, Deadpool & Wolverine, de Shawn Levy, es un éxito triunfal a medias, lo que la convierte en la mitad más exitosa que cualquier otra película que haya dirigido Shawn Levy. La mitad buena tiene poco que ver con Deadpool como personaje, ya que el mercenario aún combina el patetismo emocional de una papa frita con el rango cómico de un estudiante de sexto grado que cree que está a un chiste gay de conseguir un especial de HBO. Por el contrario, tiene todo que ver con Deadpool como una presunción, ya que la autoconciencia desenfrenada del personaje lo coloca en una posición singularmente buena para recordarle a la "gente" por qué "amaban" las "películas" de superhéroes en primer lugar. 

¿Los reinicios interminables? ¿Las franquicias huérfanas? ¿La transparencia desnuda de explotar la lealtad nostálgica de una audiencia a los personajes con los que crecieron? "Deadpool & Wolverine" es una cinta de megapresupuesto de una película que está decidida en convertir esos defectos en fortalezas que definan el género. Toda la premisa de su historia depende de su capacidad para recuperar la molestia más constante del público casual: el hecho de que la gente casi nunca permanece muerta en estas películas.

Deadpool, que se ha vuelto tan inseparable de la personalidad pública de Ryan Reynolds que su referencia a Blake Lively, que rompe con la realidad, apenas parece una broma, es rechazado para unirse a los Vengadores y se resigna a pasar el resto de sus días trabajando como vendedor de coches usados ​​en una triste línea temporal en la que está soltero y comparte un apartamento con una ciega adicta a la cocaína de 80 años llamada Blind Al (Leslie Uggams). Pero la esperanza se hace presente cuando un gerente intermedio cósmico llamado Paradox (Matthew Macfadyen) convoca a nuestro héroe ante la Autoridad de Variación Temporal y le dice que todo su universo se reducirá hasta desaparecer a menos que encuentre a alguien lo suficientemente interesante como para relacionarlo. 

Deadpool no podría alcanzar esa meta ni de broma, pero Wolverine definitivamente encajaría en el perfil.  El único problema: en esta línea temporal, murió al final de "Logan", una situación que Deadpool intenta -y no logra - arreglar en una secuencia de créditos iniciales que personifica lo bueno y lo malo de la audacia conceptual, la bancarrota artística y la alegre clasificación R de Marvel para salvar su marca.

"¿Cómo podemos [exhumar a Hugh Jackman] sin faltarle el respeto a la memoria de Logan?", nos pregunta Deadpool. Luego responde a su propia pregunta: "No lo haremos". Señal: Deadpool usa alegremente los huesos cubiertos de adamantium del cadáver de Wolverine para desmembrar a un pequeño ejército de militares mientras baila "Bye Bye Bye" de NSYNC. La acción es endeble y estridente, el chiste es más fuerte que el de cualquiera de los malos, y lo irónico es que Deadpool ha abierto la caja de Pandora. Como tantas escenas en esta película, el hecho básico de que esté sucediendo es más divertido que todo lo que realmente sucede en ella. 

De todos modos, el resultado es que Deadpool tiene que viajar a otras líneas temporales para encontrar un Wolverine que pueda arrastrar de vuelta a la suya, una búsqueda alimentada por el montaje que llega a su fin cuando se decide por el peor Logan del multiverso: un alcohólico volátil que lleva su trauma tan pesadamente como el icónico traje amarillo que se niega a quitarse. Por desgracia, nuestros enemigos desiguales son enviados al desierto incoloro donde los personajes de Marvel poco rentables van a morir y/o a quedar atrapados en la memoria, una pesadilla purgatoria gobernada por una mutante psíquica que sueña con convertir cada línea temporal en el Vacío. Su nombre es Cassandra Nova (Emma Corrin), es la hermana pequeña retorcida de Charles Xavier, y su ambición enfermiza representa la amenaza existencial que enfrenta todo el género de Deadpool. Películas de superhéroes: imagina el mundo sin ellos. 

Los cameos son espectaculares de una manera que resonará en cualquiera que haya estado yendo a los multicines durante los últimos 30 años, y los mejores de ellos se extienden con cariño a papeles secundarios genuinos. La lógica rara vez es coherente y la trama nunca es más que una excusa débil para poner a estos personajes en el mismo lugar, pero "Deadpool & Wolverine" logra millas a su ventaja al convertir los recuerdos de 20th Century Fox en una isla de juguetes inadaptados, una que permite que algunos de los chistes más grandes y las promesas abandonadas en la historia del cine de superhéroes tengan la segunda oportunidad que ningún otro género podría esperar darles. 

Los actores que encarnan esa oportunidad la abrazan con todo su corazón, entregando un puñado de actuaciones entrañablemente hilarantes que se alimentan de la naturaleza metatextual de su existencia para crear un sentimiento real a partir de las tonterías de la industria cinematográfica. Es como ver una producción de "Our Town" donde Deadpool ha sido elegido como el director de escena, que se queda a un lado y deja que una serie de fantasmas cuenten una historia que en realidad solo lo necesita para hacer comentarios, y para participar en una fiesta de puñaladas ocasional con Wolverine, los dos inmortales luchando para extraer una película entera del combate de entrenamiento sin muerte que hizo que el duelo culminante de Jack Sparrow con el Capitán Barbossa se sintiera como una pérdida de tiempo. Fiel a su estilo, Levy desperdicia por completo a Wolverine como personaje, pero el propio Jackman es capaz de ser una fuente frecuente de deleite; la recompensa emocional al final de su actuación no tiene nada que ver con el Logan que interpreta aquí, sino con cómo la película le permite al actor completar el círculo con el Logan que interpretó en la primera “X-Men”. 

Por más doloroso que pueda resultar ver a Reynolds posar frente a la cámara y desgranar sus peores partes mientras el director de “Free Guy” usa el dinero restante de Marvel para darle su propio toque al nivel de “Mad Max”, “Deadpool & Wolverine” rescata algo hermoso de la fealdad que las películas de superhéroes han perpetuado durante tanto tiempo. No visualmente, por supuesto (aunque ubicar la mayor parte de la historia en un lugar llamado “el Vacío” al menos hace que esta película de aspecto imposiblemente monótono parezca haber logrado su objetivo estético), pero sí en varios otros aspectos clave.

Nadie es nunca un inútil. Nadie está nunca más allá de la salvación, incluso décadas después de que el mundo le haya dado la espalda. Nadie está nunca verdaderamente muerto, al menos mientras la gente siga amándolo en su corazón y/o esté dispuesta a dejar que Ryan Reynolds haga bromas desagradables/sexualizadas. Estos sentimientos parecerían plásticos en el vacío, pero el contexto de su género permite reubicarlos en un mito de spandex desordenado que lleva gestándose varias décadas y, al hacerlo, les otorga el peso de varias vidas de Hollywood. “Deadpool & Wolverine” nos dice que el multiverso no importa más allá de su capacidad de darle a todos el final que merecen.

Sí, la historia del Universo Cinematográfico de Marvel ha sido durante mucho tiempo más convincente que cualquiera de las historias contadas en el Universo Cinematográfico y, en el proceso de reconciliar esas dos historias como solo Jesús de Marvel podría hacerlo, Deadpool presenta un argumento muy persuasivo de que esta debería ser la última película de superhéroes jamás realizada. No lo será. Ya no lo es. Lo mejor que probablemente podamos esperar es que “Deadpool 4” esté igualmente dispuesta a morir por todos los pecados que su género cometerá de aquí a entonces.

Crítica Cinéfila: Lady Chatterley's Lover

Una mujer que rompe con las formas y tradiciones de su tiempo cuando se desenamora de su marido y comienza una tórrida aventura con un hombre que trabaja en su finca inglesa.

¿Cómo se puede el controversial clásico de DH Lawrence hoy, cuando el público aparentemente lo ha visto todo, pero aún se encuentra navegando en busca de excitación en Netflix? En un intento admirable por hacer que "Lady Chatterley's lover" sea a la vez respetable y excitante, la directora francesa Laure de Clermont-Tonnerre abraza la naturaleza erótica de su fuente, al tiempo que la convierte en algo que aún se puede recomendar a las generaciones mayores.

Para interpretar a Lady Chatterley, la directora eligió a Emma Corrin, quien se destacó en la temporada 4 de “The Crown” como la joven princesa Di. Cambia Highgrove House por Wragby, la finca ficticia donde Clifford Chatterley (Matthew Duckett) deja que su esposa corra libremente. Clifford quedó mutilado en la Gran Guerra, dejando sus organos reproductivos casi inservibles, pero quiere un heredero, por lo que le da permiso a Connie para producir uno lo más discretamente posible con otro hombre. “No me gustaría que te entregaras por completo a él”, advierte, aunque esto al menos constituye un “entendimiento”.

Clermont-Tonnerre y el guionista David Magee (cuya última película producida fue "Mary Poppins Returns") han optado por no tomar a Lawrence demasiado al pie de la letra en el desarrollo de su Oliver, adoptando el amplio espectro de la trama mientras la limpian de muchos de los detalles que podrían interferir con su excitación, como la idea de que el rudo guardabosques que acelera el pulso de Connie es un intolerante. Sin embargo, tal como lo encarna Jack O'Connell, Oliver Mellors es un alma sensible y dispuesta a consentir, con una cara de bebé y una piel suave. Incapaz de conseguir el divorcio de su propia esposa infiel, lee a James Joyce y parece, al menos conceptualmente, consciente del orgasmo femenino.

Este recuento no es estrictamente sobre el sexo, aunque Clermont-Tonnerre no se hace ilusiones de que está haciendo una película azul, una palabra obsoleta para una película pornográfica. Ya sea por coincidencia o por diseño, ella adopta el color en todo momento, con el director de fotografía Benoît Delhomme filtrando todo de tal manera que Wragby (que es bastante encantador) se ve constantemente nublado y la piel de los amantes tiene una palidez mortuaria.

La película no es para nada tímida con la piel, dejando que el público aprecie los cuerpos azules de los personajes en todo tipo de poses eróticas, entrelazados bajo ese gran cielo azul, o retorciéndose junto a las flores azules. Los audaces vestidos rojos y amarillos de Connie se destacan muy bien contra todo ese azul, y los vestuarios son realmente notables en general, especialmente durante el tramo más cálido donde la mujer ya embarazada se escapa a Venecia para fingir una aventura.

Al final, la química de la pareja está fuera de serie, y eso es todo lo que importa, aunque todavía hay una cualidad de David Hamilton demasiado elegante en todo. Tal vez sea todo el acto sexual al aire libre, o la forma en que la partitura de piano y cuerdas de Isabella Summers se hinfla constantemente hasta ponerse nerviosa. La novela es enormemente crítica con la industria y todo lo moderno a la vez que muestra un enorme respeto por la naturaleza. Clifford merece que le pongan los cuernos en parte porque explota a sus trabajadores, y una secuencia en la que su silla de ruedas eléctrica no puede subir la colina captura muy bien lo mal preparado que está para estar al aire libre.

No se puede hacer mucho con el material, que ha perdido la mayor parte de su capacidad para ofender. En lugar de empujar la trama, Clermont-Tonnerre opta sabiamente por la sutileza. Donde los personajes de Lawrence avivaron sus pasiones a través de un acalorado debate, los de ella intercambian miradas significativas, en las que el público puede leer todo lo que quieran. Esa estrategia se aplica muy bien a la enfermera de Clifford, la viuda Sra. Barton (Joely Richardson), que sirve como testigo casi silencioso de la humillación de Connie. Es ella quien tiene la última palabra, transformando la tragedia en algo romántico: “Ella lo dejó todo por él: el título, la riqueza, su posición en el mundo”. ¿Qué no se podría enamorar así?

Crítica Cinéfila: My Policeman

Brighton, Reino Unido, año 1957. Tom es policía y es gay. A pesar de eso, Marion, una maestra de escuela, se enamora de él. Al mismo tiempo, Patrick, conservador de un museo, está enamorado de Marion. Debido a las limitaciones sociales de la época, Tom y Marion se casan, aunque Tom está enamorado de Patrick.

Hay algo demasiado familiar en “My Policeman” de Michael Grandage. Teniendo en cuenta la representación LGBTQ+ en los medios que ha cambiado con el tiempo, las historias de hombres homosexuales encerrados y sus problemas con la sociedad no son exactamente nuevas. ¿Pero que hay de esas historias sobre hombres homosexuales que se casan con mujeres para protegerse de la persecución pública? Bueno, esa es otra que, aunque no es novedosa, tampoco es frecuente. Cuando aparecen los créditos, algo sobre esta adaptación de la novela del mismo nombre de Bethan Roberts parece resonar de una manera que inicialmente no se espera.

"My Policeman" comienza en lo que suponemos que son finales de los 90 o principios de los 2000. Marion (Gina McKee) es una maestra de escuela jubilada que vive en la costa inglesa con su esposo. Un viejo amigo que necesita cuidados diarios, Patrick (Rupert Everett), se muda para quedarse con ellos. Patrick sufrió recientemente un derrame cerebral y su capacidad para comunicarse o caminar se ve obstaculizada por lo que necesita mucha asistencia. El mencionado esposo, Tom (Linus Roache), no quiere tener nada que ver con su nuevo huésped y trata de evitarlo a toda costa. Eso es algo sorprendente e irritante, ya que pronto la audiencia se enterará de que este trío era inseparable. Pero eso fue hace cuatro décadas.

Contada inicialmente a través de los recuerdos de Marion, la película se adentra con una versión más joven de sí misma interpretada por Emma Corrin. Es 1957, y esta versión de Marion se ve deslumbrada por un Tom más joven, un amable y apuesto policía de Brighton interpretado por Harry Styles. Ella asume que van a salir en citas, pero le molesta que nada realmente sucede entre ellos que le puede dar algún indicio de su interés hacia ella, más allá de un beso o dos en la mejilla. Un día, Tom le presenta a un Patrick más joven, interpretado por David Dawson. Patrick es un curador ingenioso, educado y culto en un museo local. Tom dice que se conocieron en la escena de un accidente y le ofreció un recorrido gratuito por la institución. Por supuesto, hay más en el trasfondo de cómo se conocieron.

A medida que la película pasa del presente al pasado, las perspectivas comienzan a cambiar y se da a conocer cuán apasionada fue la historia de amor de Patrick y Tom y cómo Marion se convirtió en una participante involuntaria en la protección de su secreto. Cuando Tom decide casarse con Marion para proteger su carrera, asume ingenuamente que su aventura con Patrick puede continuar sin restricciones. Cuando Patrick es descubierto por una carta anónima enviada a la policía, no solo su vida cambia para siempre, sino también la de la pareja de recién casados.

"My Policeman" es el segundo esfuerzo cinematográfico narrativo de Grandage después de "Genius" de 2016. Puede ser el material de origen (inició su carrera como director de obras musicales), puede ser una experiencia personal, pero aquí hay una sensibilidad hacia el material que lo eleva de su primera película. Styles habita maravillosamente en un hombre de clase trabajadora temeroso del escrutinio público pero incapaz de ocultar su verdadero yo cuando está cerca de Patrick. Dawson es desgarrador como este último, transmitiendo sutilmente el dolor de alguien que se da cuenta de que el amor de su vida pronto se terminará. Si bien gran parte del crédito por estas actuaciones es de los actores, obviamente, la atención de Grandage a los detalles, especialmente en las escenas íntimas de la pareja, es sublime.

Y, sin embargo, como muchas de estas historias, es la mujer en el centro de todo la que de alguna manera se roba el espectáculo. Corrin, también disfrutable en cada escena, es simplemente fantástica como una mujer joven cuyas emociones sacan lo mejor de ella cuando más importa. Las versiones anteriores de los personajes hacen un trabajo elegante al llevar a su conclusión emocional, aunque McKee no encaja tan bien con la interpretación de Corrin como lo hacen sus coprotagonistas. Everett, en particular, aporta más profundidad de la requerida al incapacitado Patrick. Tanto es así que uno desea que él tuviera más momentos narrativos en pantalla.

Puede perderse entre los adornos de prestigio y el elenco de celebridades, pero el aspecto histórico de esta película es realmente digno de mención, especialmente para aquellos que desconocen el trato de la comunidad LGBTQ+ en el Reino Unido durante los años 50 y 60. Hombres y mujeres podrían haber sido arrestados y humillados públicamente por ir a un bar o evento gay en los Estados Unidos durante esta época, pero pocos se vieron encarcelados por ello. Ese no fue el caso en muchos países europeos y ciertamente no en Gran Bretaña. Al menos no hasta 1967, esa injusticia es clave para esta historia en particular y las décadas de dolor que la siguieron. Solo desea que el resultado final se libere de sus limitaciones de período ciertamente empáticas. Tal vez todo eso era necesario para el contexto. Tal vez no lo fue. Sin embargo, la sorpresa final encaja bastante bien.

Crítica Cinéfila: The Crown, 4ta temporada

Se acerca el final de la década de 1970 y la Reina Elizabeth II y su familia se encuentran preocupados por salvaguardar la línea de sucesión, encontrando una pareja apropiada para el Príncipe Carlos, que sigue soltero a los 30 años.

The Crown de Netflix continúa su reinado triunfal en la temporada 4 con otro lote de 10 episodios creados por el genio Peter Morgan que exploran las complejas relaciones de la familia real entre sí. Los nuevos miembros del elenco Emma Corrin como la princesa Diana y Gillian Anderson como Margaret Thatcher ayudan a reforzar lo que ya es un conjunto de primera categoría con actuaciones propias igualmente cautivadoras. Pero la temporada 4 también es agridulce, sabiendo que esta es la última vez que veremos a este elenco en particular encarnar a sus respectivos personajes. Afortunadamente, las últimas dos temporadas han demostrado que Morgan y su equipo saben cómo manejar una refundición para representar adecuadamente el paso del tiempo para los residentes del Palacio de Buckingham.

Lo primero y más importante (como siempre) es la interpretación dinámica de la reina Isabel II, con la ganadora del Oscar, Olivia Colman, como la inmortal. Hablaremos de todas las cosas jugosas de Charles (Josh O'Connor) y Diana en un momento, pero Morgan continúa anclando cada temporada en torno a la Reina y los eventos notables que afectan al Reino Unido y su imperio global. En la temporada 4, que tiene lugar desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, se enfoca en la complicada relación de la reina con la recién elegida Primera Ministra Thatcher. 

Si bien las dos mujeres formidables no lanzan golpes reales, tienen algunos enfrentamientos memorables en el palacio con sus discursos. Anderson encapsula efectivamente los atributos más conocidos de Thatcher, como su espalda arqueada y su forma de hablar distinta y deliberada. Thatcher parece frágil, pero cuando habla hay una presencia poderosa detrás de cada palabra paciente. En una de sus reuniones programadas regularmente con la Reina, la Primera Ministra llama la atención sobre el hecho de que ella y Elizabeth tienen solo seis meses de diferencia. Cuando la Reina pregunta quién es el mayor, Thatcher (con una leve sonrisa) dice: "yo lo soy". Es un momento sutil de dejar en el aire la idea de que la diferencia de edad intrascendente se usa para socavar la autoridad de su oponente, y la expresión facial perturbada de Colman muestra cuán irritada está por la revelación. 

A medida que la década de 1970 llega a su fin, la reina Isabel (Olivia Colman) y su familia se preocupan por salvaguardar la línea de sucesión asegurando una novia adecuada para el príncipe Carlos (Josh O'Connor), que todavía no está casado a los 30 años. A medida que la nación comienza a sentir el impacto de las políticas divisivas introducidas por la primera primera ministra británica, Margaret Thatcher (Gillian Anderson), surgen tensiones entre ella y la reina que solo empeoran a medida que Thatcher lidera el país, como en la Guerra de las Malvinas, generando conflictos dentro del Commonwealth.  Mientras que el romance de Charles con una joven Lady Diana Spencer (Emma Corrin) proporciona un cuento de hadas muy necesario para unir al pueblo británico, mientras que a puerta cerrada la familia real se divide cada vez más.

Cuando Thatcher y Elizabeth no están peleando en la arena política, The Crown hace un trabajo admirable al comparar y contrastar sus vidas personales. En "Favourites", Morgan examina hábilmente cómo las dos madres tienen un hijo favorito, ya sea que lo sepan o no. No estropearemos los resultados aquí, pero el episodio es especialmente divertido para Elizabeth, quien hace todo lo posible para determinar qué hijo prefiere sobre el otro al pasar un tiempo de calidad con cada uno de ellos. Para un personaje que nunca ha mostrado mucho afecto por ninguno de sus hijos a lo largo de la serie, es incómodamente divertido verla intentar conectarse emocionalmente con sus hijos.

En términos de la historia de Charles y Diana, la temporada 4 cubre más de 10 años en solo 10 episodios; la totalidad de su compromiso se cubre en un episodio. Y aunque eso puede parecer mucha historia que digerir en poco tiempo, Morgan dedica suficiente tiempo de pantalla a la pareja para que podamos conocerlos adecuadamente, y al mismo tiempo que se extiende al resto del conjunto para evitar que la temporada 4 se convierta en "Charles y Diana".

Uno de mis episodios favoritos de Charles y Diana es el tercero, llamado "Fairytale", donde el guión de Morgan posee alguno de los arquetipos románticos de cuentos de hadas, como una joven encantadora que se enamora del apuesto príncipe y elige qué piedra ridículamente enorme llevar en el dedo. Pero también juega con las expectativas, mostrando que hay un lado más oscuro en su compromiso, incluyendo el hacerse la vista gorda ante el afecto continuo de Charles por su amante de toda la vida, Camilla Parker-Bowles (Emerald Fennell), y los sentimientos de aislamiento de Diana mientras se adapta a las intrincadas y a veces extrañas costumbres de la vida real. Ella es un pez fuera del agua y eso le pasa factura. Sin embargo, incluso cuando la pareja está en desacuerdo, la química en pantalla de O'Connor y Corrin es excelente. Corrin clava la exuberancia juvenil, adorable y juguetona de Diana, rasgos que a menudo chocan con la conducta menos afectuosa de Charles. O'Connor, por su parte, parece sentirse como en casa en la piel de Charles después de haber interpretado al personaje durante una temporada completa antes de entrar por completo en el centro de atención de la historia.

Asumí que Charles y Camilla serían pintados como los villanos en este conocido cuento, pero el recuento de The Crown no es blanco y negro, y crea simpatía alrededor de su historia. En una versión inesperada pero también bienvenida de su fatídico romance, Morgan destaca tanto los aspectos buenos como los malos de Diana y Charles como individuos. Cuando aparecieron los créditos en el final de la temporada 4, entendí de dónde venían ambos lados y los vi como humanos defectuosos en lugar de antagonistas.

No hay nada negativo que criticar sobre la cuarta temporada de The Crown, aunque hubiera sido bueno que la princesa Margaret de Helena Bonham Carter tuviera un papel más significativo. Carter fue muy bueno en la temporada 3, especialmente en "Margaretology" y "Cri de Coeur". En la cuarta temporada, Margaret sigue siendo tan atrevida como siempre, y Carter parece haber nacido para interpretar su actitud despreocupada y su ingenioso encanto. En esta ocasión, sin embargo, Margaret recibe un solo episodio, "The Hereditary Principle", en el que brilla mientras asume el papel de detective y descubre un oscuro secreto en el pasado de su familia. Si bien es lo suficientemente entretenido, si tuviera que elegir un episodio como el menos significativo de la temporada, este sería el indicado. Eso no es un desprecio hacia el desempeño de Carter, pero cuando tienes personajes dinámicos como Thatcher, Diana y la misma reina, el episodio se siente más como un desahogo el drama político y social, y más una oportunidad ligera de rescatar a Margaret de la crisis emocional que vivía en ese episodio de su vida.

Pero incluso cuando The Crown no está en su mejor momento desde la perspectiva de la historia, la serie sigue siendo uno de los programas más atractivos que existen, desde un punto de vista técnico. Morgan utiliza un equipo de directores y directores de fotografía para trabajar en varios episodios, pero hay muy poca diferenciación entre cada capítulo en lo que respecta a la alta fidelidad del rodaje, los diseños de escenarios y el vestuario. El equipo que dio vida a la Thatcher de Anderson y la Diana de Corrin definitivamente deberían ser nominados por hacerlas lucir tan convincentes sin exagerar. Los decorados en el lugar, desde las pintorescas Tierras Altas de Escocia hasta las bulliciosas calles de Londres, parecen genuinos, lo que da una sensación de autenticidad a todo en el marco.

The Crown de Netflix continúa demostrando por qué es uno de los mejores programas de televisión más destacados aún en la temporada 4, con increíbles actuaciones de su conjunto de personajes y excelente escritura del showrunner Peter Morgan y su equipo. Estos 10 episodios mantienen con éxito un enfoque equilibrado tanto en la complicada relación de la reina Isabel con Margaret Thatcher como en la exploración de lo que hace que la relación entre Carlos y Diana siempre ande en desbalance. La temporada 4 es otro logro culminante de la serie, aunque es agridulce decir adiós a un grupo tan talentoso, ya que Netflix reformulará sus roles con actores mayores durante las últimas dos temporadas.