Crítica Cinéfila: My Policeman

Brighton, Reino Unido, año 1957. Tom es policía y es gay. A pesar de eso, Marion, una maestra de escuela, se enamora de él. Al mismo tiempo, Patrick, conservador de un museo, está enamorado de Marion. Debido a las limitaciones sociales de la época, Tom y Marion se casan, aunque Tom está enamorado de Patrick.

Hay algo demasiado familiar en “My Policeman” de Michael Grandage. Teniendo en cuenta la representación LGBTQ+ en los medios que ha cambiado con el tiempo, las historias de hombres homosexuales encerrados y sus problemas con la sociedad no son exactamente nuevas. ¿Pero que hay de esas historias sobre hombres homosexuales que se casan con mujeres para protegerse de la persecución pública? Bueno, esa es otra que, aunque no es novedosa, tampoco es frecuente. Cuando aparecen los créditos, algo sobre esta adaptación de la novela del mismo nombre de Bethan Roberts parece resonar de una manera que inicialmente no se espera.

"My Policeman" comienza en lo que suponemos que son finales de los 90 o principios de los 2000. Marion (Gina McKee) es una maestra de escuela jubilada que vive en la costa inglesa con su esposo. Un viejo amigo que necesita cuidados diarios, Patrick (Rupert Everett), se muda para quedarse con ellos. Patrick sufrió recientemente un derrame cerebral y su capacidad para comunicarse o caminar se ve obstaculizada por lo que necesita mucha asistencia. El mencionado esposo, Tom (Linus Roache), no quiere tener nada que ver con su nuevo huésped y trata de evitarlo a toda costa. Eso es algo sorprendente e irritante, ya que pronto la audiencia se enterará de que este trío era inseparable. Pero eso fue hace cuatro décadas.

Contada inicialmente a través de los recuerdos de Marion, la película se adentra con una versión más joven de sí misma interpretada por Emma Corrin. Es 1957, y esta versión de Marion se ve deslumbrada por un Tom más joven, un amable y apuesto policía de Brighton interpretado por Harry Styles. Ella asume que van a salir en citas, pero le molesta que nada realmente sucede entre ellos que le puede dar algún indicio de su interés hacia ella, más allá de un beso o dos en la mejilla. Un día, Tom le presenta a un Patrick más joven, interpretado por David Dawson. Patrick es un curador ingenioso, educado y culto en un museo local. Tom dice que se conocieron en la escena de un accidente y le ofreció un recorrido gratuito por la institución. Por supuesto, hay más en el trasfondo de cómo se conocieron.

A medida que la película pasa del presente al pasado, las perspectivas comienzan a cambiar y se da a conocer cuán apasionada fue la historia de amor de Patrick y Tom y cómo Marion se convirtió en una participante involuntaria en la protección de su secreto. Cuando Tom decide casarse con Marion para proteger su carrera, asume ingenuamente que su aventura con Patrick puede continuar sin restricciones. Cuando Patrick es descubierto por una carta anónima enviada a la policía, no solo su vida cambia para siempre, sino también la de la pareja de recién casados.

"My Policeman" es el segundo esfuerzo cinematográfico narrativo de Grandage después de "Genius" de 2016. Puede ser el material de origen (inició su carrera como director de obras musicales), puede ser una experiencia personal, pero aquí hay una sensibilidad hacia el material que lo eleva de su primera película. Styles habita maravillosamente en un hombre de clase trabajadora temeroso del escrutinio público pero incapaz de ocultar su verdadero yo cuando está cerca de Patrick. Dawson es desgarrador como este último, transmitiendo sutilmente el dolor de alguien que se da cuenta de que el amor de su vida pronto se terminará. Si bien gran parte del crédito por estas actuaciones es de los actores, obviamente, la atención de Grandage a los detalles, especialmente en las escenas íntimas de la pareja, es sublime.

Y, sin embargo, como muchas de estas historias, es la mujer en el centro de todo la que de alguna manera se roba el espectáculo. Corrin, también disfrutable en cada escena, es simplemente fantástica como una mujer joven cuyas emociones sacan lo mejor de ella cuando más importa. Las versiones anteriores de los personajes hacen un trabajo elegante al llevar a su conclusión emocional, aunque McKee no encaja tan bien con la interpretación de Corrin como lo hacen sus coprotagonistas. Everett, en particular, aporta más profundidad de la requerida al incapacitado Patrick. Tanto es así que uno desea que él tuviera más momentos narrativos en pantalla.

Puede perderse entre los adornos de prestigio y el elenco de celebridades, pero el aspecto histórico de esta película es realmente digno de mención, especialmente para aquellos que desconocen el trato de la comunidad LGBTQ+ en el Reino Unido durante los años 50 y 60. Hombres y mujeres podrían haber sido arrestados y humillados públicamente por ir a un bar o evento gay en los Estados Unidos durante esta época, pero pocos se vieron encarcelados por ello. Ese no fue el caso en muchos países europeos y ciertamente no en Gran Bretaña. Al menos no hasta 1967, esa injusticia es clave para esta historia en particular y las décadas de dolor que la siguieron. Solo desea que el resultado final se libere de sus limitaciones de período ciertamente empáticas. Tal vez todo eso era necesario para el contexto. Tal vez no lo fue. Sin embargo, la sorpresa final encaja bastante bien.

Crítica Cinéfila: Don't Worry Darling

Alice (Pugh) y Jack (Styles) están felizmente casados ​​y locamente enamorados, y viven en un remoto pueblo empresarial en el desierto. Pero Alice comienza a sospechar que no todo va bien con la compañía, Victory, o su carismático fundador, Frank (Pine).

El debut como directora de Olivia Wilde en Booksmart (2019), es un encantador retrato de la vida adolescente que constantemente elude las expectativas de un prospecto camino a la adultez con un efecto hilarante. Con un concepto y tono en un giro de 180 grados, esta segunda dirección es mucho más ambiciosa y más difícil de adoptar al instante. La buena noticia es que muestra una ambición considerablemente enfocada y está anclada en una actuación extraordinaria de Florence Pugh.

La película abre en la comunidad aparentemente ideal de Victory, un oasis empresarial en un desierto hostil donde los hombres trabajan cada día y las mujeres existen para apoyarlos. Alice (Pugh) y su marido Jack (Harry Styles) parecen preparados para grandes cosas y pasan las tardes de fiesta con colegas y amigos, o intimando entre ellos. Pero después de que la amiga de Alice, Margaret (KiKi Layne) tiene un colapso y Alice decide visitar el desierto prohibido para todos los habitantes, ella comienza a experimentar los mismos síntomas que su amiga, quedando en evidencia que algo está mal en este aparentemente paraíso. ¿Por qué vio un accidente de avión que nadie más notó? ¿Qué significa? En el fondo se vislumbra el fundador de Victory, Frank (Chris Pine), la figura magnética de todo el lugar, que parece desafiar a Alice a seguir buscando.

Es una pieza extraordinaria de construcción del mundo, con Wilde y el director de fotografía Matthew Libatique capturando los pasteles bañados por el sol de la Moderna de mediados de siglo mientras logran sugerir algo oscuro y peligroso detrás de esta máscara vintage. Hay referencias obvias, desde Valley Of The Dolls a The Stepford Wives hasta las líneas limpias y los colores brillantes de How To Marry A Millionaire. Pugh, con su cabello perfectamente peinado y despeinado y sus grandes ojos, parece estar justo en el medio de este paraíso, hasta que lo destroza todo. Su actuación con sospechas y su desesperación crece, es impecable. Styles es sólido en el papel menos exigente de su esposo, pero no hay duda de que esta es su película, y todos los demás están ahí para apoyarlo. 

Esta es una historia repleta de grandes ideas, desde una crítica al capitalismo y la familia nuclear hasta cuestiones relacionadas con el control coercitivo e incluso la radicalización en línea, pero no todas están completamente formadas. Hay cuestiones sobre el uso de niños para controlar a las mujeres, de una manera que es profundamente incómoda, y cuestiones sobre la complicidad femenina en el patriarcado que no se fusionan del todo. Además de esto, la historia deja más interrogantes que reflexiones, dejando muchos cabos sueltos tanto de las actitudes de algunos personajes como de elementos narrativos que se presentaron allí y no tuvieron una resolución satisfactoria.

Hay una falta de cohesión en todo el último acto. Las revelaciones que vienen se sienten menos estremecedoras de lo que deberían, aunque el gran twist es inesperado hasta cierto punto. Tal vez porque estamos insensibilizados a la misoginia, de modo que lo que viene es al mismo tiempo demasiado familiar y externo. Pero puede ser simplemente que, después de una acumulación lenta que se deleita en los detalles y las grietas que se extienden gradualmente en la psique de Alice, todo sucede demasiado rápido para sentirse tan personal o tan inmediato como lo que sucedió antes. La confrontación de Alice contra su contraparte es casi inexistente, nunca llega a entenderse y, por lo tanto, la sensación de cierre nunca llega. Ese podría ser el punto de Wilde: estas son, después de todo, preguntas confusas y fuerzas nebulosas que van mucho más allá del individuo, pero al final hay una sensación persistente de que algo permanece sin decir y sin darse cuenta.

Pugh es excelente, mientras que Wilde da un paso adelante con confianza hacia un tema y un presupuesto más grandes para ofrecer una película elegante y hermosa. No pega bien el aterrizaje, pero su vuelo hasta ese punto es fascinante.

Dunkerque (Dunkirk)

Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. (FILMAFFINITY)

La Segunda Guerra Mundial siempre será un escenario con muchas historias por contar. Y mientras pasa el tiempo, más tramas salen a la luz gracias al cine. Pero debo reconocer que cada quien tendrá su estilo para contarlas, y hasta ahora, pocos superan o podrán superar la forma en que Christopher Nolan decidió escribir y proyectar a Dunkirk.

Esta película narra el momento en que soldados británicos y franceses se encontraban varados en las costas de Dunkerque (Francia), en espera de rescate, mientras los alemanes llevaban la delantera en la guerra. La historia narra lo que ocurría horas antes de que fuesen rescatados por los civiles de ciudades aledañas a Dunkerque, desde tres puntos de vista distintos. Es en ese preciso detalle que Nolan juega con el elemento cinematográfico que ha caracterizado su estilo: el tiempo. 

En vez de estar contada de una forma lineal, Dunkirk es narrada en tres tiempos distintos: una hora (los pilotos), un día (los navegantes) y una semana (los soldados), que aunque a primera vista parezca una historia sin objetivo, en realidad son tres puntos que se irán conectando y entrelazando a medida que avanza la película. Una vez más, este director británico pone en práctica nuestro nivel de atención y nos hace preguntarnos: ¿quiénes son nuestros verdaderos aliados, en situaciones de crisis? No hace falta diálogos, identificar roles protagónicos o que los personajes nos contaran las razones que los llevaron a estar en Dunkerque, lo importante era lo que ocurría en ese corto lapso de tiempo que los alineó a todos en un mismo lugar.

De una manera sencilla, pero muy bien pensada, este filme posiciona el tema bélico en un subgénero distinto, en el que no le vemos la cara al enemigo, pero sí nos mantiene en suspenso, a la espera de los bombardeos que saldrán de repente, por cielo, mar y tierra, generando una buena carga de tensión gracias a la perfecta combinación de los close-ups claustrofóbicos y una banda sonora de violines que saca a cualquiera del sillón.

Sin embargo, y a pesar de que la fotografía y la musicalización son los aspectos más aplaudidos de Dunkirk, me atrevo a decir que es la narrativa y el montaje los que se ganan todos los puntos, pues se va desarrollando de una manera poco común para lo que ya se ha visto, pero atractiva, diferente e inquietante; que no nos hace preguntarnos cuál es el pasado o el futuro, y nos mantiene en el presente de ese momento en las costas de Dunkerque.

Una vez más, Christopher Nolan y su equipo de producción, compuesto por el cinematógrafo Hoyte van Hoytema y el compositor Hans Zimmer, nos envuelven en una historia en la que el tiempo es el verdadero protagonista y que, con el sonido constante del reloj, nos obligan a quedarnos hasta el final, hasta que cada soldado haya sido rescatado.