Crítica Cinéfila: Don't Worry Darling

Alice (Pugh) y Jack (Styles) están felizmente casados ​​y locamente enamorados, y viven en un remoto pueblo empresarial en el desierto. Pero Alice comienza a sospechar que no todo va bien con la compañía, Victory, o su carismático fundador, Frank (Pine).

El debut como directora de Olivia Wilde en Booksmart (2019), es un encantador retrato de la vida adolescente que constantemente elude las expectativas de un prospecto camino a la adultez con un efecto hilarante. Con un concepto y tono en un giro de 180 grados, esta segunda dirección es mucho más ambiciosa y más difícil de adoptar al instante. La buena noticia es que muestra una ambición considerablemente enfocada y está anclada en una actuación extraordinaria de Florence Pugh.

La película abre en la comunidad aparentemente ideal de Victory, un oasis empresarial en un desierto hostil donde los hombres trabajan cada día y las mujeres existen para apoyarlos. Alice (Pugh) y su marido Jack (Harry Styles) parecen preparados para grandes cosas y pasan las tardes de fiesta con colegas y amigos, o intimando entre ellos. Pero después de que la amiga de Alice, Margaret (KiKi Layne) tiene un colapso y Alice decide visitar el desierto prohibido para todos los habitantes, ella comienza a experimentar los mismos síntomas que su amiga, quedando en evidencia que algo está mal en este aparentemente paraíso. ¿Por qué vio un accidente de avión que nadie más notó? ¿Qué significa? En el fondo se vislumbra el fundador de Victory, Frank (Chris Pine), la figura magnética de todo el lugar, que parece desafiar a Alice a seguir buscando.

Es una pieza extraordinaria de construcción del mundo, con Wilde y el director de fotografía Matthew Libatique capturando los pasteles bañados por el sol de la Moderna de mediados de siglo mientras logran sugerir algo oscuro y peligroso detrás de esta máscara vintage. Hay referencias obvias, desde Valley Of The Dolls a The Stepford Wives hasta las líneas limpias y los colores brillantes de How To Marry A Millionaire. Pugh, con su cabello perfectamente peinado y despeinado y sus grandes ojos, parece estar justo en el medio de este paraíso, hasta que lo destroza todo. Su actuación con sospechas y su desesperación crece, es impecable. Styles es sólido en el papel menos exigente de su esposo, pero no hay duda de que esta es su película, y todos los demás están ahí para apoyarlo. 

Esta es una historia repleta de grandes ideas, desde una crítica al capitalismo y la familia nuclear hasta cuestiones relacionadas con el control coercitivo e incluso la radicalización en línea, pero no todas están completamente formadas. Hay cuestiones sobre el uso de niños para controlar a las mujeres, de una manera que es profundamente incómoda, y cuestiones sobre la complicidad femenina en el patriarcado que no se fusionan del todo. Además de esto, la historia deja más interrogantes que reflexiones, dejando muchos cabos sueltos tanto de las actitudes de algunos personajes como de elementos narrativos que se presentaron allí y no tuvieron una resolución satisfactoria.

Hay una falta de cohesión en todo el último acto. Las revelaciones que vienen se sienten menos estremecedoras de lo que deberían, aunque el gran twist es inesperado hasta cierto punto. Tal vez porque estamos insensibilizados a la misoginia, de modo que lo que viene es al mismo tiempo demasiado familiar y externo. Pero puede ser simplemente que, después de una acumulación lenta que se deleita en los detalles y las grietas que se extienden gradualmente en la psique de Alice, todo sucede demasiado rápido para sentirse tan personal o tan inmediato como lo que sucedió antes. La confrontación de Alice contra su contraparte es casi inexistente, nunca llega a entenderse y, por lo tanto, la sensación de cierre nunca llega. Ese podría ser el punto de Wilde: estas son, después de todo, preguntas confusas y fuerzas nebulosas que van mucho más allá del individuo, pero al final hay una sensación persistente de que algo permanece sin decir y sin darse cuenta.

Pugh es excelente, mientras que Wilde da un paso adelante con confianza hacia un tema y un presupuesto más grandes para ofrecer una película elegante y hermosa. No pega bien el aterrizaje, pero su vuelo hasta ese punto es fascinante.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 5ta temporada

La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4, yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento.

En cada temporada, Big Mouth de Netflix se propone demostrar que, sí, es una comedia obscena... pero siempre es mucho más que eso. Desde su primera temporada engañosamente simple y burda hasta su quinta entrega más actual, la serie (al igual que sus personajes) se ha tomado el tiempo necesario para madurar. Es un proceso complicado, pero el lío es necesario. La temporada 5 de Big Mouth sigue de cerca los pasos de la temporada 4 , yendo más allá de la incomodidad física de la pubertad e introduciendo a los personajes adolescentes al mundo más amplio y complicado que viene con el crecimiento, como la depresión, las inseguridades, los celos y más. Sin embargo, como temporada independiente, Big Mouth Season 5 se siente un poco como un brote de crecimiento incómodo. Donde las temporadas anteriores se comprometieron con el crecimiento de personajes particulares o un estudio en profundidad de un aspecto del crecimiento, la temporada 5 se siente más como una evolución que como una resolución.

En la temporada 5 de Big Mouth, el amor está en el aire en Bridgeton Middle School. Nuestros tumultuosos preadolescentes se encuentran recuperándose de las rupturas, provocando nuevas atracciones y experimentando con la intimidad ... física y emocional. La llegada de los Lovebugs agrega una nueva y complicada capa a la tensión sexual y la desesperación por la conexión: para algunos de nuestros personajes, el amor será un desarrollo emocionante para sí mismos, mientras que otros están destinados al dolor y angustia.

En caso de que aún no fuera evidente, se centra en temas de madurez emocional. Los cuerpos están cambiando, las hormonas están enfurecidas y estar en el precipicio de la edad adulta significa que los niños de Bridgeton Middle School tienen una nueva visión del mundo, de sus seres queridos y de sí mismos. Big Mouth saca el torrente de atracción de la lujuria cachonda, y agrega el elemento aplastante de un flechazo devorador. Lo que pasa con el amor es que puede convertirse fácilmente en odio.

Así profundiza en la expresión emocional, no solo en el ámbito del amor joven, sino como una elección y una forma de ser. La madurez emocional toma muchas formas. Se trata de comunicación entre socios, tan importante para el placer físico como para la confianza y el apoyo. Se trata de comprender y desentrañar las relaciones complejas entre padres e hijos. Se trata de ser un buen amigo, admitir las malas acciones y elegir ser responsable de sus acciones o apelar a su mejor yo.

Hasta este punto, lo que Big Mouth realmente ha podido colgar es su inocencia. La inocencia de los personajes y su viaje de descubrimiento ha mantenido al espectáculo sobre una base sólida. Y ha complicado enormemente este espacio asentado al poner a cada uno de sus personajes en fases completamente diferentes de su desarrollo e incluso llegar a retratar su primera instancia de dos personajes que pierden su virginidad. Eso cambia las cosas.

Por un lado, es un movimiento audaz y definitivamente una representación honesta del crecimiento. Todos maduramos a diferentes ritmos y acumulamos experiencias en una amplia línea de tiempo. Sin embargo, lleva a los personajes a una especie de umbral. ¿Qué pasa con los personajes que se cruzan, que crecen primero, y qué pasa con los que todavía están pasando por cambios? Ese es el desafío al que se enfrenta cada temporada de Big Mouth a partir de este momento.

Pero incluso cuando las cosas se complican, la temporada 5 todavía se mantiene fuerte como la serie animada más inteligente. La creciente colección de monstruos hormonales, bichos del amor, gusanos del odio, mosquitos de la ansiedad, y más son abrumadores para el espectador... pero nunca confusos y siempre retratados de una manera que se siente auténtica a las emociones complicadas que todos hemos experimentado, y solidificando que a medida que la serie experimenta sus propios cambios, las raíces del desenfreno loco siguen siendo fuertes. Sin culpa, todo placer.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 4ta temporada

Nick Kroll y Andrew Goldberg, amigos íntimos en la vida real, exploran las aventuras de los adolescentes durante la pubertad en esta serie cómica de dibujos animados.

Todo el mundo pasó por los mismos sentimientos mientras estaba en la escuela secundaria: crecer es y siempre será la parte más difícil de la vida. Durante las últimas tres temporadas, Big Mouth ha relatado con detalles profundamente inquietantes todas las formas en que esa declaración es físicamente cierta, desde preadolescentes obsesionados con la masturbación y niños que lloran el vello púbico ausente, hasta coquetear con un pariente y preocuparse por los períodos. Pero la temporada 4 es la primera vez que la serie se compromete a relatar la verdad interna detrás de esa famosa frase. Crecer es difícil; tanto físicamente, como emocional y mentalmente.

Siempre que Big Mouth ha encarnado luchas de salud mental, ha estado en su mejor momento. David Thewlis embrujó la temporada 2 como el mago de la vergüenza, un ser que toma cualquier acción desagradable y la magnifica para que sea lo más devastadora internamente posible. Jean Smart hizo lo mismo en la temporada 3 con su Depression Kitty, un gato gigante que convenció a la inteligente y motivada Jessi (Jessi Klein) de que era más fácil rendirse que intentarlo. Estos momentos fueron tan perspicaces y dolorosamente divertidos como Big Mouth sabe hacerlo, equilibrando brillantemente la verdad tácita de cuán poderosas son estas emociones con sus tontas contrapartes de dibujos animados. Pero a pesar de lo excelentes que eran, a menudo eran pocos y distantes entre sí.

En ese frente, la temporada 4 cambia completamente el guión. Las bromas sobre la masturbación, el punto G y el monstruo hormonal todavía están ahí, y todavía son obscenas, pero por una vez es la salud mental de estos jóvenes lo que ocupa un lugar central. Lo que es especialmente impresionante es que la lucha interna de cada niño es drásticamente diferente a la del otro.

Mientras Jessi tiene que lidiar con las consecuencias del divorcio de sus padres y mudarse a una escuela académicamente desafiante, la siguen Depression Kitty y Tito the Anxiety Mosquito (Maria Bamford), un dúo letal que la convencen de dudar de sí misma. Para Andrew (John Mulaney), sus problemas de salud mental se convierten en una sensación amplificada de pavor de morir en cualquier momento, un miedo que le inculcan sus padres constantemente ansiosos. Matthew (Andrew Rannells) lucha contra el miedo de que si sale del armario le costará su familia. Y Nick (Nick Kroll) toma la opción más nuclear de todos. A medida que los pensamientos oscuros giran en su cabeza, elige cerrarse por completo.

La parte más interesante de estas respuestas variadas es que todas provienen aproximadamente de las mismas emociones desencadenantes. A medida que cada personaje es molestado por Tito y en menor grado por Depression Kitty y Shame Wizard, manejan sus bromas y dudas de sí mismos de formas drásticamente diferentes. Es raro ver la enfermedad mental representada de esta manera, como algo que nos afecta a todos pero que nos convence de que estamos solos. Eso es lo que hacen la depresión, la ansiedad y la vergüenza, nos dividen cruelmente. Es milagroso que cualquier programa, y ​​mucho menos uno animado que una vez ahogó a Florida en un sumidero, haya logrado capturar esta dualidad.

Tan inteligentes como son todos estos arcos, es la historia de Missy la que merece más elogios. La residente de Big Mouth se ha merecido durante mucho tiempo una historia más sustanciosa que sus sueños despiertos de Nathan Fillion, y en esta temporada finalmente obtiene una mientras explora su identidad racial. Mientras Missy aprende de sus primos lo que significa ser negro mientras sus padres le dicen que la raza no debería importar, ves a Missy literalmente destrozándose a sí misma durante toda la temporada. Es desgarrador ver sufrir a un personaje tan intrínsecamente encantador como Missy, especialmente de esta manera compleja y emocionalmente agotadora que no tiene una respuesta "correcta". Entonces, cuando Jenny Slate finalmente le entrega el papel a Ayo Edebiri en el penúltimo episodio, es un momento de alivio bien merecido.

Por supuesto, estamos hablando de Big Mouth. Todavía hay muchas bromas horribles que casi te hacen vomitar, como un pelotón de surfistas de tampones y el pene de un adolescente que tiene acento de Long Island por alguna razón. Pero esta vez los cambios por los que todo el mundo está pasando son un poco más abstractos, para mejor.